Serj Tankian en busca de su propia revolución

Artista: Serj Tankian

Álbum: Harakiri 

Disquera:  Warner Bros. Records

Año: 2012

Cuando System of a Down entró en un impasse de duración impredecible, Serj decidió seguir en solitario y ha dejado claro que él era el interesado en explorar tanto la amalgama de sonidos armenios con el rock durísimo del grupo original como la incorporación de sonidos electrónicos y pasajes esquizoides a lo Mike Patton. La premisa consistió en expandir los linderos por los que SOAD acostumbraba transitar. "Elect the dead" e "Imperfect Harmonies" son obras llenas de aristas interesantes, requiebros que sorprenden y la misma furia que consume a un músico salvaje.

Entre los puristas tal vertiente de búsqueda más que de experimentación dejó descolocados a los headbangers puros y duros; acostumbrados a los cánones tradicionales. Aunque le ganó adeptos entre los interesados en imaginar un futuro evolutivo para el heavy. Incluso la prensa especializada celebró sus hallazgos, pero ahora que con su tercera entrega elige hacer un disco mucho más directo, no falta quien le exige esa dosis de vanguardia.

Tankian canta como si prendiera fuego al cielo. Su voz inflama historias épicas que se desgranan entre ciertas alusiones distópicas, el peso de la culpa y la búsqueda de redención. Harakiri consolida esta triada, pero desde fundamentos del metal de avanzada.

Se equivocan aquellos que intentan definir a este álbum basándose en la contundencia, efectividad y simpleza de “Butterfly” y el tema que le da nombre. Las grandes bazas de esta entrega son “Figure it Out” “Ching Chime”. La dos primeras canciones mencionadas serán, sin duda alguna, sencillos que le acarrearán nuevos seguidores, ahora que el movimiento pesado carece de figuras de peso, y considerando, además, que también son más accesibles.

“Figure it Out”, por su parte, es energía desbordada, incontenible. Es una lección magistral de doble bombo y contundencia tras los instrumentos. Es una aplanadora conducida por riffs que nos reconcilian con una tradición ruda y desenfrenada. “Ching Chime” abre con un instrumento folklórico y nos remite tanto a la Europa oriental como a Asia. Y luego se destapa beligerante.

Serg repite que está dispuesto al sacrificio, a inmolarse para renacer, de allí el concepto de Harakiri. Se apega a esa ritualidad de cuando los verdaderos héroes narran sus historias. “Occupied Tears” nos recuerda que lo épico es la clave para dar sentido a la propuesta. Aunque tiene también esas bases electrónicas que apoyan el tipo de sonido que lo caracteriza, lo mismo ocurre en “Reality TV”, más estrictamente política.

Por ello, no extraña que el año pasado durante la gira de System pasaran por Líbano y Armenia, naciones en las que Serg se reunió con líderes políticos y se involucró en iniciativas benéficas.

Tankian es un tipo inquieto y libre que no para. El año pasado editó su segundo libro de poesía e incursionó en proyectos de jazz, electrónica y una sinfonía clásica llamada Orca. Mientras todo eso pasaba, también componía este disco en Los Angeles con su grupo de directo: Dan Monti en la guitarra, Mario Pagliarulo en el bajo, y Troy Zeigler a la batería. El músico definió al 2011 como:"el año más ocupado y productivo de mi vida".

Otro de sus grandes hallazgos es “Deafening Silence”, con abruptos cambios de ritmo y un juego de voces que le permite matices de angustia y dolor que se yuxtaponen. Existen allí varias capas que le agregan texturas y pasajes de un delicadeza que no le conocíamos (gracias a la voz femenina invitada).

Serj Tankian es un artista que siempre interesa y tiene grandes agallas; como si fuera un Damon Albarn de lo heavy.  No necesita publicar obras maestras sin parar, lo suyo son discos consecuentes y propositivos. Debemos celebrar que no se detenga y nos enseñe su universo barroco y bizarro, que va de la fantasía de ciencia-ficción a lo estrictamente social; su cercanía con el Occupy Wall Street le ha llevado a la consigna de que: “la revolución no puede ser capitalizada”.

Escucha "Figure It Out" aquí.

La Internacional Sonora Balkanera en Hidalgo

Si eres uno de los que se ha perdido las presentaciones de La Internacional Sonora Balkanera, ¡ya basta! Este viernes 13 de julio es tu oportunidad. Ve convocando a algunos amigos para salir de la ciudad y dirígete rumbo a Hidalgo para escuchar algo de balkan beat mezclado con música electrónica.

La Internacional Sonora Balkanera se ha presentado en festivales importantes -nacionales e internacionales- como el Vive Latino, Cumbre Tajín y Glastonbury. Ahora llegan a la Feria del Libro Infantil y Juvenil, Hidalgo 2012 seguido del espectáculo circense alternativo: Cirko Demente.

Este año, La Internacional Sonora Balkanera lanzó su álbum homólogo bajo el sello LOV/RECS, el cual ganó el premio al mejor disco de Jazz/Funk/Fusión

Los dejamos con este disco-joya: La Internacional Sonora Balkanera

Estén pendientes a las demás actividades que se realizarán en la Feria del Libro Infantil y Juvenil, Hidalgo 2012. Por aquí les estaremos recordando.

El cliché de The Hives

Artista: The Hives

Álbum: Lex Hives

Disquera: Disque Hives

Año: 2012

The Hives, banda con actitud jovial que nos ganó con su segundo álbum, Veni Vidi Vicious (una de sus más notables producciones), regresa este 2012 con su nueva producción Lex Hives, quinta en su carrera.
Los suecos abren esta producción con “Come On!”, una digna invitación a mantenernos con los headphones puestos y, aunque este disco tiene innovaciones dignas de mencionarse tras 5 años de ausencia, también es una muestra de que la banda se niega a madurar. Sigan leyendo para saber el por qué.
Su primer sencillo, “Go Right Ahead!", no fue su mejor presentación después de la comparación que se le adjudicó con el riff de Electric Light Orchestra (“Don’t Bring Me Down’’), descartándola de ser la mejor canción del disco.
 No todo es rock & roll y en “I Want More”, nos regala una dosis de blues acompañado por riffs pesados así como baladas, sí, baladas oscuras como “Without the Money” y sus toques bluseros, así como sorpresas con “Wait a Minute". ¿Mi favorita? “1000 Answers", tema de corta duración que atrapa con su sencillez .
"Lex Hives" sigue siendo el mismo estilo noisy que nos recuerdan lo buenos que son The Hives.  En fin, es un buen álbum,  evolución a medias, con los mismos clichés, no es nada que no hayamos escuchado antes.

“Sigue”, las nuevas palabras de Bengala

Artista: Bengala

Álbum: Sigue

Disquera: Terrícolas Imbéciles

Año: 2012

¿Qué tal si tuviéramos que regalar un disco por cada persona a la que quisiéramos  olvidar? Pues si así fuera, hoy les traigo una buen respuesta a esa pregunta.

Bengala, banda que ya es conocida por hacer música con temática amorosa de cualquier tipo y originaria de la Ciudad de México, presenta su tercera producción discográfica para compartirnos un poco de su dolor musical alternativo, receta para conquistar al público mexicano, que cabe resaltar, les ha funcionado más que bien.

Integrada por Diego Suárez en la voz/piano/teclados, Jesús Herrera y Amauri Sepúlveda en guitarras, Sebastián Franco en el bajo y Marcos Zavala en la batería, llegan con "Sigue" producido por Emmanuel del Real “Meme” y compuesto por 10 canciones de las que actualmente sobresalen “Tropecé” y “16” siendo los sencillos que han sido desprendidos de esta placa.

Un sonido limpio acompañado de sintetizadores bailosos y  pegajosos, buena calidad e interpretación instrumental y siguiendo una línea al olvido de un amor que lastimó, es como la evolución de una banda como Bengala no marca una diferencia abismal si hablamos de un tercer material, pero que sin duda nos hace valorar el compartir y darnos cuenta que el seguir adelante es lo más importante que existe.

"Nunca digas nunca" es la encargada de dar inicio a este disco y con su ”..porque puede ser fatal, y si nos come el mar ahí nos vamos a encontrar...” me recuerda a "Cosas Infinitas", canción con la que la banda colabora en el soundtrack de la película "Bajo la Sal", que acompañada de un mensaje melancólico hace que pisemos el suelo con su realismo y la actitud de la música. Dando paso a "Por un Minuto", el segundo track que nos invita a entender que las cosas que se terminan pueden soltarse al momento en que se llega a un límite, marca una pauta en el ritmo, pasando de una primera canción, por decir lenta, a una aceleración melódica que sin tanto alarde logra que por lo menos movamos la cabeza. Continua "Otra vez", que es como seguir con esa línea de olvido y desamor junto con "16", track con que dan a conocer este nuevo material, usándola como primer sencillo y dudando en si fue la mejor elección. Sobresale un piano nostálgico bien combinado con un coro cantable y un mensaje que no precisamente va a hacer que te mueras de risa. Sin embargo, me parece una canción un tanto sosa y algo circular. Luego viene "Despertar", que nos pone a cantar “esta vez si me voy a matar si te sigo creyendo...” para poder dar paso a "A Cero" una canción que sin duda se convierte en el clímax de este material y que en lo personal es la favorita, pero que cambia radicalmente de ritmos y provoca un azote de mood, por decir “raro”, a la hora de escuchar. Sin salirse de la raya y poniéndote a pensar, este track me parece el más limpio y sincero de todos, gritándonos al oído que nada da igual.

Siguiendo con melodías como "Lágrimas", "Tropecé" y "Amanecer" es como ésta producción se estanca en un mar de sentimientos que no cambian y que tienen ninguna clase de variación, sus ritmos nos invitan a lo mismo.

Finalmente aparece "Eternidad", que con 3:14 minutos nos da un final esperanzador, el cual sólo exige seguir adelante.

Sigue, no ofrece cambios drásticos en la música de Bengala. Es una banda que se mantiene en una temática que no podemos negar, nos gusta. Un material que tiene momentos memorables pero en su mayoría sólo disfrutables.

Un álbum que expresa a la perfección el concepto de un titulo simple pero que envuelve y que a su vez recomiendo darle la oportunidad. Escuchen con el corazón y sin comparación, pues al final cada canción nos puede dejar cosas nuevas.

¿Ya lo escucharon?

Los Flaming Lips regresan junto a sus Heady Friends

Artista: Flaming Lips

Álbum: The Flaming Lips and Heady Fwends

Disquera: Warner Bros

Año: 2012

No cabe duda que Flaming Lips siguen experimentando y el álbum The Flaming Lips and Heady Fwends no es la excepción.

En un disco que podría parecer la reunión de los “Súper Amigos” o ya para gente más contemporánea un equipo como de Avengers, Wayne, Steven y Michael decidieron reunir a una cantidad impresionante de músicos para formar parte de este que fuera su nuevo material.

Con participaciones de artistas mainstream como Ke$ha, y Justin Vernon (Bon Iver), o artistas un poco más experimentales como Prefuse 73 y Lightning Bolt, o inclusive artistas legendarios de la talla de Nick Cave, Yoko Ono y Erykah Badu, quien interpreta un hermoso cover  de “The First Time Ever I Saw Your Face”.

No cabe duda que este nuevo álbum de los  oriundos de Oklahoma, tiene algo para cada persona y para cada gusto, sin perderse el ya conocido estilo de los Flaming Lips, e inclusive para tener tantos estilos y combinaciones musicales. The Flaming Lips and Heady Fwends no es un trabajo de tracks individuales, más bien mantiene un estilo y hace que las canciones suenen como un conjunto.

Pese al súper equipo de música que pudieron armar los Flaming Lips, es cierto que hay canciones que destacan y otras que bien pudieron ser eliminadas del tracklist del álbum. Entre los mejores cortes impresionantemente hay que destacar el de Ke$ha que a mi parecer, resalta entre lo experimental de los otros doce tracks, inclusive haciéndolo el más radiable.

Hasta ahora los Flaming sólo han sacado como sencillo “The First Time Ever I Saw Your Face”, pero aún quedan otros tantos tracks que podrían ser considerados como sencillos, tal es el caso de “Ashes in The Air” con Justin Vernon o “Is David Bowie Dying?” con Neon Indian.

Pese a que este álbum fue lanzado en abril, es hasta estas fechas que el material hace su aparición en su versión cd y digital, aunque lamentablemente para varios, este relanzamiento omitió la canción en la que había participado Chris Martin, remplazando el track final por “Tasered and Maced” con Aaron Behrns de Ghostland Observatory.

Escucha el disco completo aquí.

Spaghetti a la Ramone

A lo largo de la historia de la música, un sinfín de personajes han demostrado pericia e interés en disciplinas alejadas de los escenarios, disciplinas y labores que cual patrones se repiten a través de generaciones de músicos. Desde escritores, pintores, actores y directores de cine, hasta las más disparatadas como bailarines, programadores de videojuegos, escultores y políticos, pero muy pocas y carismáticas como la faceta de chef y crítico de cocina de Marky Ramone.

El célebre baterista de la ya desaparecida, y por demás extrañada agrupación The Ramones, mientras no está de gira alrededor del mundo con su banda, Marka Ramone’s Blitzkrieg (dedicada a tocar lo mejor del catálogo de los Ramones) y acompañado de Michael Graves (quien fuera el vocalista de Misfits en sus aclamados álbumes American Psycho y Famous Monsters), se dedica a la cocina y la crítica de ésta.

Mark ha aparecido en dos ediciones del programa de televisión “Sin Reservas” (del también crítico de cocina y punk confeso Anthony Burdain) y ha escrito ocasionalmente para la página “Chef Central”. Además, nuestro Ramone favorito comercializa a través de su pagina web su salsa marinara para pasta "Marky Ramone's Brooklyn's Own Marinara Sauce", compuesta de diversos y misteriosos ingredientes de la cocina de este legendario baterista, que también tocará en Richard Hell & The Voidoids, y tiene sus propios proyectos junto a The Intruders y The Speed Kings.

Marky, quien nos visitó por última vez en la edición del 2009 del Vive Latino, comercializa frascos de esta salsa por 88 dólares la caja en varias zonas de Estados Unidos, y fundó los "Cruisin' Kitchen", enormes furgonetas que circulan en la ciudad de Nueva York vendiendo albóndigas de alta cocina preparadas con dicha salsa. Según el baterista, cuando él era joven y vivía en los suburbios de Brooklyn, lo más barato que podías comer -sin comprometer tu dignidad humana- era el spaghetti con salsa... y esta creación que ya va para dos años en el mercado, es un regalo de calidad para todos aquellos entusiastas de la pasta y que quieren condimentar sus alimentos con un toque Ramone ¡Provecho!

Rápidos, furiosos y sucios

¿Qué tenían de su lado en su momento grupos como The Stooges, Sex Pistols, Mötorhead, The Ramones, Arctic Monkeys y The Strokes? Pues que estaban en estado de gracia con la esencia más pura y salvaje del rock and roll. Hacían una música desenfrenada que no requería incluso de perfección técnica. La expresión salvaje y desbordada se hallaba muy por encima del sustrato formal. El rock es combustible 100%; incandescencia y ruido para incendiar los convencionalismos.

Cada año se dan maravillosas sorpresas que destrozan nuestras previsiones acerca de lo que será lo mejor del año. Y es delicioso no tener entrevisto a un grupo como este: nervioso, gritón y lleno de furia. Acometen con todo en cada una de las canciones de Open Yourt Heart (Sacred bones, 2012), su segundo disco, que está envinado en guitarras filosas y cortantes, una base rítmica como una aplanadora fuera de control  y ganas de acabar con los oídos castos a base de alaridos.

Los neoyorquinos de The Men tienen la capacidad para llenar de riffs sus temas y hacerlos sucios sin recurrir por ello al heavy metal. Esto es rock, básicamente, por lo que sorprende que cuando quieren variar su propuesta se acercan al krautrock, esa variante germana que se caracteriza por ritmos motóricos que parecen ejecutados por un robot bataquero.

Herederos de una dinastía heroica que pasa por The Velvet Underground, Dinosaur Jr y eleva a un grado de deidad máxima a Sonic Youth, no se guardan nada, arrancan a velocidad máxima con “Turn It around” y siguen con “Animal”. Dos temas rapidísimos y garageros para llenarnos de adrenalina. En “Country song” entregan su primer bajón envuelto en una maraña eléctrica.

Aun así, el sucesor de Leave Home es más accesible y directo. “Oscilation” es una odisea guitarrera que rinde pleitesía tanto a los de Kim Gordon y Lee Ranaldo como a esa leyenda alemana conocida como Neu! En ella comprendemos que sólo la distorsión habrá de liberarnos; el ruido como vehículo de conocimiento. Pero la parte física de la música no deja de estrujarnos, de sacudirnos hasta la médula.

Y las canciones notables no se esconden. Acometen con “Please Don’t Go Away” y “Open Your Heart”, llenas de potencia. En “Candy” se empatan con la tradición Pavement y nos hacen sentir que el mejor indie rock no se ha extinguido. ¡Larga vida por lo que nos hacen sentir! No se trata de nostalgia sino de la prolongación de todo un concepto.

Y es que Open Your Heart no es un álbum medroso o disparejo, la calidad de sus piezas es muy nivelada. Hacia el final, “Cube” confirma que es una entrega brutal y que refleja esa enorme angustia que el mundo actual es capaz de inyectarnos. Se trata de un disco que nos sirve en el aquí y el ahora. No descubre o reinventa un género; su preocupación no pasa por la originalidad, pero llena nuestros momentos de angustia y necesidad de paliar la frustración.

No puede saberse  cuanto les durará ese estado de gracia (que por ejemplo The Strokes ya no tienen). El duende del rock no suele acompañar por mucho tiempo a sus hoscos colegas.  Hay veces que se prende la llama de la música con toda intensidad, dura unos momentos y luego se extingue. The Men no son cosa para los grandes corporativos. Lo suyo está en los circuitos subterráneos. Debemos de disfrutarlos mientras esta genialidad los tenga poseídos.

The Men - Open Your Heart by sacredbones

Un disco para fans

Artista: Keane

Título: Strangeland

Sello: Island Records

Año: 2012

Para los seguidores de Keane que sobrevivieron a Perfect Symmetry (2008), llega una sorpresa más: Night Train (2010), que a mi parecer fue un riesgo interesante en su carrera. Interesante debido a la inclusión de nuevos sonidos que la banda no había mostrado en sus discos anteriores ¿Y por qué es importante mencionar estas dos producciones?, la respuesta radica en la pérdida o acercamiento de fans, pues los más involucrados en el sonido tan característico de este grupo británico, consideraron que Perfect Symmetry y Night Train de alguna u otra forma estaban alejados de la “verdadera esencia” de Keane, sin embargo, estas producciones también sirvieron para atraer a nuevos admiradores, que con muchas expectativas, ansiaban una nueva producción, y no fue hasta el pasado 7 de mayo que Strangeland, salió a la venta.

Este no es el caso en el que después de varias producciones consecutivas, un grupo se toma un par de años para descansar y después comenzar a trabajar en su nuevo lanzamiento sino todo lo contrario, pues tras un periodo difícil debido a las adicciones del vocalista Tom Chaplin, los miembros de esta banda decidieron volver al estudio en el 2011, para darle forma a este nuevo álbum; con la plena convicción de no sacar material alguno hasta no estar plenamente convencidos –según las declaraciones del tecladista Tim Rice-Oxley-.

Al escuchar Strangeland podemos percatarnos que, efectivamente, no es una producción dejada al azar, al contrario, éste es un material consciente que refleja su madurez musical. Al paso de los tracks se distinguen sonidos del pasado y una experimentación con mayor sentido. No hay duda de que Dan Grech, quien ha producido a Radiohead, The Vaccines y Scissor Sisters, por mencionar algunos, ha hecho lo suyo.

No necesitamos tener un ojo muy agudo para percatarnos que Strangeland ha sido creado principalmente para sus fans, y no es solamente por las diversas ediciones en las que será lanzado, sino por los temas de algunas canciones en las que Tim refleja y comparte lo que ha vivido en su proceso de rehabilitación. Entre las ediciones podemos destacar la versión deluxe compuesta por un CD que incluye cuatro bonus tracks, un DVD con sesiones acústicas, más un libro con el relato del autor William Boyd.

No todo es miel para Keane, pues debo decir que la banda pudo haber apostado más en lugar de quedarse en su zona de confort con fórmulas seguras, sonando soso y repetitivo. Y ya que tocamos el tema de lo repetitivo, no pude evitar pensar en la portada de los Killers, del disco Hot Fusscuando vi la portada de esta producción (juzguen ustedes).

En conclusión, no hay nada sorprendente en este disco. Sin embargo, Keane es una banda muy afortunada, debido a sus fans que los siguen incondicionalmente y pese a sus desaciertos en las últimas producciones.

Los tracks oscilan en un baladoso y entusiasta pop como en “In your own time” y “Silenced by the night”; con las planas “Sea fog” y “Black rain” no se preocupen, ellos patrocinan los bostezos; en “Neon River” podemos encontrar algo de aquellos sonidos que tanto gustaban; “The Boys” es un tema veraniego como para cierre serie teen; alguna vez mencionaron que entre sus influencias estaban los Beatles y en “Disconnected” nos lo dejan muy claro. Así es que si te gusta U2, Coldplay, y has decidido seguirlos sin importar qué, este disco formará parte de tu colección sin ningún problema.

La Vida Bohème: Un grito de libertad para los rebeldes e inadaptados

De estilo desenfadado y charla amena, nuestros nuevos amigos de La Vida Bohème nos platicaron de “Nuestra”, su primera producción discográfica. Originarios de Caracas, Venezuela, la banda de rock conformada por Henry (guitarra y voz); Sebastian (batería); Rafael (bajo) y Daniel (guitarra), compartieron sus polifacéticos intereses artísticos.

¿Cómo es la escena independiente en Venezuela?

“En nuestro país la escena del rock independiente es pequeñita, no hay muchas disqueras que apuesten a este género, pero afortunadamente nos ha ido muy bien con All Of the Above. Hemos logrado cosas importantes en poco tiempo, ha sido una experiencia muy grata.”

¿En qué coinciden y en qué se diferencian el público mexicano del venezolano?

“En México el público es mucho más abierto, la interacción es casi instantánea. Nos escuchan un par de minutos y, si les gusta el ritmo, se ponen a bailar de inmediato, se apropian de las canciones y de eso se trata, nos encanta que bailen y coreen nuestras canciones porque las hacemos para ellos, para que se diviertan y pasen un buen rato. En Venezuela pasa algo curioso, en los conciertos podemos ver que si bien nos escuchan, se tardan un poco más en 'hacer click' con lo que decimos y tocamos. Allá la gente no se entrega desde el primer momento, no quieren caer en la idolatría y lo respetamos. Al final la interacción se dio y eso es lo que cuenta.”

¿Cuál de las presentaciones que han hecho en México es la qué más disfrutaron?

¡Tijuana! (contestan al unísono). Fue una experiencia muy grata aunque el lugar no se prestara para nada, el sonido era pésimo porque el lugar no era apto para esto; era un table dance, el escenario tenía cadenas y tubos para las bailarinas... Tuvimos que adaptarnos de inmediato. Pasaron dos canciones y aquello era una fiesta de mierda, todos estaban bailando. Nos aceptaron casi de inmediato, a pesar de que no nos conocían. Por fortuna todo acabó en una gran fiesta a la cual nos integramos al final. Nos tomamos muchas fotos y pudimos convivir con un público único, una experiencia muy divertida.

“Gabba Gabba Hey!”,¿es un grito de fiesta, de lucha o de resistencia?

“Se trata de una expresión utilizada por The Ramones en la canción "Pinhead"; dándole un sentido de saludo entre camaradas, de esos que son señalados como inadaptados. Un saludo que sólo miembros del grupo reconocen y los hacen sentir parte de algo; de ahí lo tomamos.”

¿Podrían describir su proceso creativo?

“Todos participamos; Henry llega con una nueva idea, la platicamos en los ensayos, y empezamos a aportar, cada canción tiene su propio concepto, no hay fórmulas para poder crear canciones, empezamos a tocar cada uno. Opinamos sobre lo que podría ser el mejor camino y listo; hay días que nos atoramos, sí, pero siempre sale. Hay veces que Daniel resuelve todo con un buen riff y toma la forma final.”

La música y la política de mierda; a propósito del movimiento #132…

“Al viajar hemos visto con tristeza que en toda Latinoamérica tenemos historias parecidas: la falta de democratización de los medios, la manipulación, las grandes desigualdades y la violencia están presentes todos los días. Sí nos identificamos y simpatizamos con el movimiento, de hecho los estudiantes nos han buscado. Para nosotros es importante dar un mensaje de unidad, de no permitir a esos políticos de mierda que sólo les interesa cuidar sus propios intereses.”

¿Se puede combatir la violencia con el rock?

“Creemos que sí. Para nosotros hacer música es un acto muy personal, cuando estamos en el escenario logramos un efecto catártico, sacamos todo lo que nos duele, nos preocupa o afecta. Es una manera de poder compartir con los demás lo que sentimos y tratar de que se identifiquen. Por eso decimos que los gobiernos se tumban bailando.”

Los Stones Roses 16 años después

El viernes pasado me lancé a Heaton Park en Manchester a ver la tan esperada reunión de los Stone Roses, quienes llevaban 16 años de no dar un concierto. Yo no sabía -hasta que lo leí en el periódico hace dos semanas-  que los Stone Roses sólo sacaron dos álbumes durante el tiempo que estuvieron juntos.

stones

Tengo que decir que no conozco otro grupo que se haya hecho de la enorme cantidad de fans que tienen los Stone Roses sólo con dos discos. En Inglaterra son ídolos, la gente los ama con una pasión desenfrenada y recuerdan sus canciones con una nostalgia y una melancolía  desbordantes. Desde el momento en que los boletos salieron a la venta en octubre del año pasado y los 150,000 boletos se agotaron en 14 minutos, supe que éste concierto no iba a ser cualquier cosa.

Llegué a Heaton Park con mi esposo y un grupo de amigos el viernes 29 de junio como a las 3 de la tarde. A las 4:30 empezó la música en vivo con Kid British, seguidos de The Wailers, The Vaccines y Primal Scream. La gente se fue prendiendo y la atmósfera se fue encendiendo y para cuando dieron las 9 de la noche ya la gente pedía a gritos a los Stone Roses.

Cuando al fin salieron y empezó a sonar “I Wanna Be Adored” fue imposible escuchar la voz de Ian Brown porque toda la gente que estaba ahí -aproximadamente  70,000– cantó de principio a fin ésa y todas las demás canciones.  Por primera vez pude presenciar como el público “hace” un concierto. El 50% lo dieron los Stone Roses y el otro 50% lo dio el público.

El volumen no estaba muy alto, ya que Heaton Park está dentro un área rodeada de casas y por ley no se puede subir el volumen, pero el entusiasmo de la gente compensó la falta de volumen. Desconocidos y conocidos se abrazaban, bailaban y algunos hasta lloraban. La famosa reserva que caracteriza a los ingleses se esfumó por completo durante las casi 2 horas que duró el concierto. Hombres de 40 años totalmente conmovidos con las manos en el aire y los ojos cerrados agradecían a gritos a sus ídolos por tantos momentos de felicidad vividos con sus canciones.

Obviamente los Stone Roses cantaron todas las canciones del álbum homónimo que los hizo famosos a principios de los 90 y cerraron con “Resurrection” y con fuegos artificiales dejando a la gente en un estado de éxtasis total y absoluto. Fue una experiencia maravillosa ver a la gente disfrutar tanto de un concierto.

Algunos catalogan a los Stone Roses como una banda sobrevalorada a la que se le pone demasiada atención que no merece. Yo, después de haber tenido la oportunidad de ir a ése concierto, los catalogo como genios incuestionables.