Michael Rose: Nunca Se Rindan

“Uno nunca dejar de ser quien fue en algún momento, de eso se tratan las raíces. Cuando empecé en Black Uhuru en 1984, no me veía como la gran cosa. Yo hacia música para la gente, para que pasaran un buen rato, y nada de eso ha cambiado. Me siento igual, pero sobre todo bendecido por poder llevarlo a más personas.” Estas son las palabras con las que Michael Rose, vocalista de la reconocida y multipremiada banda de reggae Black Uhuru, explica su concepto de “raíces”. Regresando gustoso a este país, se presenta el domingo 29 de Julio en el Salón José Cuervo al lado de lo mejor y más reconocido del reggae mexicano, también llamado reggae razteca, como Antidoping, Tratado Liriko, y Natty Congo.

“El reggae es grande en todas partes del mundo, a veces nos separa el idioma pero la música es bella. Me he hecho amigo de gente como Zona Ganja y Fidel Nadal en mis visitas a países hispanoparlantes, no hay barreras con la música, tú lo sabes” reflexiona el músico quien también formara parte de la generación inicial de jueces en los Independent Music Awards hace más de diez años: “¿Sabes? Hay talento allá afuera pero ya no hay quien lo apoye. Es bueno que una cosa así exista, donde se reconozca el esfuerzo de aquellos que escogieron el camino difícil” Prueba de esto, Michael invitó a su concierto en el Salón José Cuervo a la banda Black Stars para que fungieran como sus músicos de apoyo durante el concierto, y quienes de origen jamaiquino, radican en México desde hace un par de años donde la escena reggae crece día con día “Estoy muy contento de que me acompañen en este show, habrá canciones mías, de mi trabajo con Black Uhuru, pero sobre todo una gran fiesta”

Michael Rose, quien ha colaborado con un sin fin de leyendas del reggae como The Wailers, Big Youth, y Dennis Brown, renovó su éxito en el 2008 con un sencillo en colaboración con el gran Damian “Jr Gong” Marley llamado “Shoot Out”, que narra escenas de la violencia callejera no sólo de Jamaica sino del mundo “Damian es un gran tipo, y al igual que yo no tiene miedo de mostrar las cosas como son. La gente no es rebelde como antes ¡ahora están locos! ¿Has visto lo que está pasando en Siria? Algo que este planeta debería de entender es que la guerra jamás será la solución.” Y profundizando un poco más en el tema, Michael platica que al llegar a este país vio con sus propios ojos imágenes de la ocupación que sucede en las oficinas de Televisa, y a quienes les dice con la mano en el corazón: “El camino pacifico es el único camino. Sólo les puedo decir que no se detengan. Pase lo que pase. En la música y en la vida de eso se trata: seguir intentando una y otra vez hasta que logres tu cometido: nunca se rindan”.

Los Punsetes y una montaña

Entre los que gustan y conocen del rock español, ya viene siendo un lugar común decir que Los Punsetes son un grupo de esos a los que amas u odias radicalmente. Y vaya, no es que sean precisamente Manos de Topo -que si rayan en provocar reacciones extremas-, pero algo de cierto había, básicamente por dos razones: su amateurismo en cuanto a calidad de sonido (en disco), composición y actitud; además de la postura impávida de Ariadna, su vocalista durante sus directos. Ella era una estatua cantante y los músicos se dedicaban a lo suyo sin más. Casi parecían más un perfomance arty que una banda de rock. Pero con Una montaña es una montaña, su tercer disco, nos dejan en claro que muchas cosas han cambiado y que su postura es ya mucho más ambiciosa en todos sentidos: “Aunque las ideas musicales salen desde casa, nosotros somos un grupo que desarrollamos las canciones muy ligados, los cinco juntos. Desde el principio y ensayamos varias veces por semana. Entonces creemos en ese sentido hasta orgánico de haber tocado la canción muchas veces antes de entrar al estudio y procurar que ese sonido quede plasmado en el disco, justo como lo hemos imaginado. No es porque sea una producción muy natural porque todo ha estado muy trabajado y hay muchos detalles”, explica Manu Sánchez, guitarrista, en conversación telefónica.

¿Alguien puede quejarse de se hayan asumido un poco más adultos y aceptado que desean ser músicos profesionales y mejorar en todo lo que se pueda? Por fortuna, han decidido dejar los clichés del underground y centrarse en lo que cualquier artista debe hacer –y que le da sentido- crear las mejores obras que les sean posible y para ello asimilaron muchas de las recomendaciones que Pablo Díaz-Reixa “El Guincho” les ha hecho como productor. ¿En qué consisten las mejoras? Comienzan por mayor concentración para componer, de allí proceden mejores canciones que fueron grabadas del modo más óptimo posible y con una calidad absolutamente profesional; vamos, que buscaron un sonido grande y lo consiguieron. Sobre  trabajar con él, rememoran: “La experiencia humana de haber grabado con Pablo fue genial porque es una de las personas más educadas y nice que hayamos conocido. Es un tío muy obsesionado con el sonido y quería que sonáramos justo como lo imaginado en su cabeza y creo que lo ha conseguido ampliamente”. 

Hasta El Guincho asimiló que requerían de una mezcla lo más potente posible y que pusiera la voz en un plano comprensible, ya no más sumida en un batiburrillo con el resto de instrumentos (aunque hay momentos en que todavía pasa). De esta manera, una de sus grandes fortalezas puede destacar sin obstáculos: las letras (escritas por Manu). Siempre llenas de sarcasmo, burla social y nihilismo despatarrado, que cuaja como nunca en la que será una de las mejores canciones españolas del año: "Mis amigos", que es una continuación mejorada de "Tus amigos". Ahora es ella quien se queda sin palomilla debido a que sus novias los mandaron al carajo, fueron borrachos a la oficina, vomitaron en el despacho y los despidieron. Una costosa juerga que hará que no veamos más a la protagonista con sus amistades más cercanas.

Acerca del trabajo con la lírica es el propio compositor el que amplía el tema: “En las letras evito hacer algo muy premeditado, es decir dejar que la letra vaya creciendo sola sin plantearte la idea de hacer una canción sobre una u otra cosa. En el caso musical también; cuando nos ponemos todos a tocar hasta sacar la canción, nunca hay una idea previa muy cerrada. Cada uno va buscando su sitio en la canción haciéndola crecer”.

Pero esta entrega no es avara ni díscola. Nos deja otras muy buenas canciones. Desde la inicial "Alférez provisional", a tope de guitarreo y con un teclado que tiene su parte delirante, además de la crítica hiriente que fortalece =Los tecnócratas=. Recomendaríamos a sus detractores que escuchen el juego de guitarras de “Los glaciares” en la parte musical y pongan atención a la lírica de “Alférez provisional” y “Tráfico de órganos de Iglesia”.

Con Una montaña es una montaña, Los Punsetes han dado un paso mayúsculo para ascender en el panorama del rock cantado en español. Su música sigue los pasos tanto de Sonic Youth como The Cure; no es que copien estilos sino que alcanzan estándares altos de ejecución, como es evidente durante el transcurso de “John Cage”: “una canción que es una idea de nuestro guitarrista Jorge, y según cuenta, mientras leía el libro El Silencio, sobre ese genio musical, tomó unas frases de él, y lo relacionó con su estado exterior. De el título del disco es una frase de John Cage”.

Así las cosas, sobran quienes los consideran el relevo indie de Los Planetas. Ya ustedes decidirán, pero sus letras cínicas y filosas son algo que los distingue: “Si me llenarás la casa de mierda de perro, no sería peor de lo que acabas de hacer”. Los Punsetes hablan por sí mismos.

Santuarios Modernos

Artista: Purity Ring

El hype, el arte de fomentar la promoción y expectativa en torno a un lanzamiento, es una de las fuerzas mas poderosas en el mercado de la música independiente, y una de sus últimas manifestaciones se dio con el proyecto electrónico de Montreal: Purity Ring. Con tres sencillos circulando en menos de un año, fueron fichados por el titán de las disqueras 4AD, obteniendo un puesto cercano a headliner en el Pitchfork Festival 2012, una semana antes de debutar su primer álbum.

Es un hecho, Purity Ring tiene un estilo definido, de esencia original y fresca. Sus sencillos se distinguieron por su producción elaborada basada en el entrelazamiento de sus beats influenciados del hip-hop actual como Clams Casino, y una línea de sintetizador que aparece y desaparece predeterminadamente. Esto logra que la base de ritmo y los acordes de apoyo se unan en una única masa gigante de tonos y tiempos. Es una práctica manejada - anteriormente - por artistas del género como Baths, pero aquí es más usada como una herramienta de mezcla que como un efecto. Es extraño para una banda debutante el llegar a ese nivel de producción con tanta fluidez y maestría, pero creíble conociendo el largo tiempo que les tomó trabajar sus primeros sencillos ( alrededor de seis -siete meses para cada uno).

El punto es que además de encontrar los cuatro singles que tanto agradaron, nos estamos topando con siete tracks más que conforman el concepto de Shrines. A simple vista, es una travesía dentro de los lúgubres pensamientos cantados de manera angelical por Megan James y la ya conocida producción de Corin Roddick. ¿Dónde estamos colocados? Dentro del enorme espectro del synth pop, Purity Ring se sostiene sobre el inestable microgénero conocido como witch house. Básicamente es la influencia esqueletal, con los ya mencionados parpadeantes synths siendo el principal flujo de conexión.

De una manera sobria, el disco funciona como una expansión de su paleta sónica usando el mismo planteamiento; dan la vuelta entera al círculo de posibilidades. "Cartographist" se expone como  esta amorfa interpretación, desbordando post-dubstep y temática obscura, que de la nada emerge en un mar de arreglos orquestales sintéticos. "Schuck", la dulce salida en forma de nana de cuna,  hace el mejor uso de samples vocales, con armonías do-woopextraterrestres que susurran alrededor de la mezcla. Ninguna otra canción es mejor que los sencillos antes presentados, pero en cierta forma sostienen el material.

Entre la oscilación y desequilibrio que se genera en forma instrumental, de lo único que podemos aferrarnos continuamente es de la voz de Megan. Una inocencia exasperada por la obscuridad que la rodea, pero denotando un optimismo sin fundamento la mayor parte del tiempo. Siempre presente, y con un timbre pulido que rápidamente se vuelve familiar, recurre a melodías que parecen construidas sobre el mismo patrón, todo con una naturaleza similar. Las letras, sacadas de su propio diario de poemas, exponen un concepto que se muestra más espiritual que nada, relacionándose directamente con el título del LP, Shrines, traducido como "Santuarios". Explota un lado humano, tanto por su descripción gráfica de órganos abiertos ("Fineshrine"), como por la delicadeza y fragilidad emocional, continuamente sometido a memorias frías y flashbacks de muertes cercanas-recientes.

Así como la banda gusta de combinar palabras en los títulos de sus canciones, la misma idea de fusión de elementos le dio alas a uno de los títulos mas esperados del año, sobreviviendo a la atención desproporcionada y sin escrúpulos. Tal vez no conformando un éxito rotundo, pero si dando seguridad al proyecto para seguir adelante.

Purity Ring - Fineshrine by Last Gang Entertainment

Matisyahu y la revelación mística a través de la música

Cada vez que enciendo el televisor y llega el segmento internacional, se sucede una interminable cascada de noticias terribles. En el Medio Oriente no cesan los atentados, los carros bomba, la población civil afectada. Todo fundamentalismo conduce a la debacle, a la devastación de muchísimos años de civilización y a la imposibilidad de convivir con el otro. No hay respeto por las diferencias. Se trata de imponer una visión maniquea. Cuando en la realidad no hay ni buenos ni malos por completo.

El fanatismo de las teocracias impiden que la zona –y el mundo entero- salga adelante. Y señaló que no importa el bando del que se trate. La historia del mundo es la historia de las diferencias y las contradicciones. Así lo ha entendido un artista como Matysyahu, que en sí mismo lleva la suma de su origen judío jasídico y su gusto por el reggae y el hip hop. Él hace posible que coincidan el padre Abraham y Bob Marley. Es una decisión valiente que durante años ha mostrado con orgullo en diversas partes del mundo.

Recientemente decidió cortar su barba, un elemento importante tanto para judíos como para rastafaris; para los primeros es una recomendación de la Cábala, ya que es la manifestación de los 13 atributos divinos de la misericordia. Él temía quitársela y perder con ello muchas bendiciones, pero ha contado que al estudiar más a fondo la religión le llegaron distintas revelaciones que le hicieron ver que condicionar la misericordia de Dios al el aspecto físico era algo ridículo.

Tanto la prensa judía como los medios musicales le han cuestionado. Durante una entrevista en Nueva York le preguntaron acerca de si estaría viviendo una vida contradictoria. A lo que no vaciló en responder: “Me gustaría decir una sola cosa sobre las contradicciones… todo es una contradicción. Y eso es algo que me he dado cuenta; de que hay múltiples lados para ver una cosa. Todos tenemos prisa por hacer pasar  las cosas como blanco o negro para ponerlas en su caja. ¿Sabes a lo que me refiero? En realidad, todo es una fusión, y eso es lo que es el mundo, una mezcla de diferentes cosas.”

Y es que Matthew Paul Miller es un hombre y un artista de convicciones. Allí donde ha llevado su residencia (nació en Pensilvania, vivió en Nueva York y California) trasladó su búsqueda espiritual y de hecho cuenta que en la zona de las Montañas Rocosas de Colorado supo que había encontrado a Dios.

Para su cuarto disco decidió que debía maximizar su personalidad y para ello viajó a Israel. Allí hurgó entre los sonidos ancestrales y les encontró un lugar dentro de su mixtura de hip hop contemporáneo. La prueba fehaciente de lo que estaba buscando es “Crossroads”, que canta en compañía de J. Ralph, y en la que la mención a Dios (Adonai) se cruza con bases programadas y rapeos místicos.

En Spark Seeker, Matisyahu trató de amalgamar los dos universos en los que se mueve. Medio Oriente encuentra a los Estados Unidos. Tal como él mismo lo cuenta: "El disco tiene una mezcla musical de estos dos elementos diferentes (Los Angeles e Israel). Por ejemplo, hay algunos aspectos que son un poco más de Oriente Medio, un poco más misteriosos, más oscuros y espirituales. El otro lado es mucho más divertido, optimista, crujiente y limpio”.

Va de esa reflexión religiosa de “Crossroads” a una revisión de la herencia de Bob Marley en “Buffalo Soldier” con la colaboración del rapero Shystie, para luego ceder un tema, “Searchin'”, para el videojuego FIFA 13. Lo dicho, es un hombre de dimensiones encontradas. Por si fuera poco, llamó a un productor de las grandes ligas para que le ayudará a potenciar su sonido. Tuvo a su lado a Kool Kojak, responsable de los éxitos de Ke$ha y Nicki Minaj. Matisyahu no tiene miedo a combinar estilos y estéticas: “Creo que mi música siempre ha sido una mezcla. El disco tiene mas elementos pop, hip-hop urbano y una mezcla de música del mundo, de hecho, grabamos en Israel entonces reunimos la vibra de todos los sonidos del Medio Oriente.”

Spark Seeker es un disco generoso y que refleja la búsqueda amplia de su autor. Hay elementos que atienden a lo estrictamente musical, pero no se puede ocultar que sus creencias terminan por aflorar: “Lo que sucedió fue que recientemente me di cuenta de que la misericordia de Dios no está conectada a si me rasuro o no. Y entonces empecé una gran transformación, probablemente la más grande que he hecho en mi vida, debido a varios factores, entre ellos distintas revelaciones y que se empezaron a volver cada vez más claras. Me di cuenta de los miedos que tengo, pero lo que necesito es confiar en mí mismo, dado que si merezco la misericordia de Dios, la tendré independientemente de cómo me vea.”

Para escuchar Crossroads 

Frankie Rose y la realidad aumentada

La neoyorquina Frankie Rose estrena video con su sencillo "Know Me", incluido en el álbum Interstellar, lanzado principios de este año.

El video estuvo a cargo de Ricardo Rivera, quien se declara fanático de la ciencia ficción (entre sus autores favoritos de este género destacan Philip K. Dick,  William Gibson y Neal Stephenson) junto con la protagonista del video, Frankie.

Una suerte de realidad aumentada (que me recuerda a los famosos y temibles lentes de Google) y un intento por dejar de lado a esa realidad virtual que, aparentemente, nos une cada vez más.

¡Déjate envolver por el sol de Cat Power!

Artista: Cat Power 

Álbum: Sun

Disquera: Matador Records 

Año: 2012

Charlyn Marie o Chan Marshall, mejor conocida como Cat Power, lanzará este 4 de septiembre su noveno material discográfico que lleva por nombre Sun.

Ésta cantante estadounidense tiene una larga carrera dentro del mundo de la música, y en sus discos se puede ver como juega con los distintos géneros, pero siempre con la misma base de ritmos enigmáticos.

Después de su disco anterior: Jukebox -colección de covers-, Sun saldrá bajo el sello discográfico de Matador Records. Éste álbum fue producido por la misma Marshall y mezclado por Philippe Zdar. Cada uno de los instrumentos que escucharás a lo largo de sus 11 canciones fueron interpretados por ella. Además de que lo grabó después de la ruptura que tuvo con el actor Giovanni Ribisi; en cuanto a la portada del disco, se muestra a una Cat Power con cabello corto y un diseño bastante simple.

Mientras la espera continua, la interpreté de “Living Proof” ya ha dado a conocer dos de sus sencillos que estarán en el nuevo disco. El primer single fue “Ruin” que con el inicio de un piano muy potente te va envolviendo poco a poco hasta escuchar la letra que refleja una crítica de un viaje por varias ciudades del mundo, en el que te recuerda que no todos tienen la vida comprada.

El segundo sencillo –siendo la primera canción del disco- es “Cherokee” que muestra la forma de encontrar un amor diferente a los demás, y aunque el ritmo es muy lento al principio, poco a poco empieza a volverse más pop de lo que podría parecer un tema que hace referencia a su ruptura con Ribisi. El mismo ritmo persiste en “3,6,9” que podría funcionar para alguna serie de televisión.

Aunque ya no puedes escuchar la canción de “Manhattan” en You Tube, el ritmo del piano y el estilo de voz te recuerda un poco a su disco The Greatest , al igual que lo hace “Nothing But Time”. Para cerrar este material, “Peace and Love” tiene un ritmo mucho más rockero que permite apreciar a una Marshall mucho más fuerte demostrando que la espera valdrá la pena.

Cuando escuchas a Chan parece como si una atmósfera del tiempo se presentará en el lugar en el que estás y poco a poco te fuera motivando para hacer lo que quieras. No hay duda de que a pesar de haber grabado el disco durante una etapa emocionalmente difícil, Cat Power te enseñará como seguir adelante.

Te dejamos los títulos de las 11 canciones que vendrán en el disco que saldrá a la venta el 4 de septiembre:

01. “Cherokee”
02. “Sun”
03. “Ruin”
04. “3,6,9″
05. “Always on My Own”
06. “Real Life”
07. “Human Being”
08. “Manhattan”
09. “Silent Machine”
10. “Nothin But Time”
11. “Peace and Love”

¡Tame Impala regresa!

El rock psicodélico característico de Tame Impala regresa, después de dos años de haber lanzado su álbum debut Innerspaeker, presentando el primer sencillo "Elephant" de la nueva producción titulada Lonerism.

El disco será de 12 tracks editados, nuevamente, por la disquera australiana que los descubrió hace tiempo: Modular. El arte de éste fue realizado por el frontman Kevin Parker a lado del artista visual Leif Podhajsky.

Aquí les dejamos los títulos que aparecerán en Lonerism que estará a la venta el 9 de octubre del presente año:

1. "Be Above It"
2. "Endors Toi"
2. "Apocalypse Dreams"
4. "Mind Mischief"
5. "Music To Walk Home By"
6. "Why Won’t They Talk To Me?"
7. "Feels Like We Only Go Backwards"
8. "Keep On Lying"
9. "Elephant"
10. "She Just Won’t Believe Me"
11. "Nothing That Has Happened So Far Has Been Anything We Could Control"
12. "Sun’s Coming Up"

La banda pide sugerencias para armar el paquete de la versión de lujo y las recibe aquí.

Lafourcade pone a cantar a Mesamerica

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Como parte de la clausura de la Cumbre Gastronómica de México, Mesamérica, Natalia Lafourcade salió a cantar este sábado al ritmo de la batería en el Auditorio Blackberry, con el mismo carisma que la caracteriza en sus demás presentaciones, para así comenzar lo que sería una velada llena de pop y de jazz.

Los primeros acordes de “Cursis Melodías” dieron paso a los gritos de los asistentes que se movían de un lado a otro mientras cantaban cada una de sus canciones. Los aplausos y los chiflidos no dejaban de sonar. Además de que Natalia siempre ha buscado la forma de animar a su público, ya sean con sus saltos por todo el escenario o animándolos a cantar con ella y en esta ocasión no fue la excepción.

“Esta es una canción que habla sobre las cosas que quieres hacer antes de enamorarte de a deveras, y cuando quieres probar de todo” dijo la cantante mientras daba paso a una versión especial de “Elefantes” de su primer disco homónimo. Luego introdujo “Mujer Divina”, una de las canciones que estará en su nuevo disco que será un tributo a Agustín Lara y que espera pueda salir en septiembre.

Entre personas que gritaban “Házme un hijo Nat” y “Te Amo”, Natalia platicó que a pesar de haberse quedado afónica debido a su presentación en la Guelaguetza en Oaxaca, el público le había regresado su voz, dando paso a una canción en inglés que iba a acompañada del delicioso ritmo de la trompeta; así como de los coros del público que ella misma se encargó de animar.

Los asistentes se mostraron muy entusiasmados de que pudieran cantar al ritmo de las canciones de Lafourcade y a pesar de que pedían a gritos que tocará “Azul” o “En el 2000”, ella interpretó otra nueva canción.

Luego mientras hacía una introducción cantada, el público daba pequeños saltos al identificar el tema principal de la película de Temporada de Patos: “Ésta es una canción de un animalito muy pequeño… cuando la canto todos se ponen muy contentos”, después de esto sólo se escuchaba el el famoso Cui Cui de “Un Pato”.

Otra de las canciones nuevas que interpretó fue la de “Limosna” que ya había tocado durante su presentación en el Auditorio Nacional junto a Juan Manuel Torreblanca; con ella envolvió a todas las parejitas en un ambiente bastante cursi pidiendo “tan sólo un poquito de amor, nada más”.

La influencia del jazz se vio reflejada durante esta presentación, pues no sólo se hicieron versiones un poco más lentas de “Te quiero Dar” o “Amarte Duele”, sino que su banda le impregnó ese aire suave que desearías escucharlo mientras tienes a esa persona especial a tu lado.

Las personas pedían que Natalia cantará un poco más mientras ella daba los últimos acordes de “Azul”, ella salió del escenario sin siquiera despedirse, pero nadie se movió, empezaron a gritar que regresara. De repente con una luz tenue y una sonrisa, interpretó “Mañana Olvidaré”, para continuar con su canción favorita de este momento “En el 2000” y finalizar al ritmo de “Ella Es Bonita”, así como para poder presentar y agradecer a la banda que la acompaña como ya es su costumbre.

Aunque el setlist varió un poco de las canciones que interpretó en el Auditorio Nacional, sorprendió por haber cantado muchas de su primer disco. Además de que la cantante mexicana sabe como llevarse el corazón de sus seguidores, ya que ninguno dejó de cantar, ni de aplaudir -más que en las nuevas canciones- durante toda su presentación; sin duda, Natalia Lafourcade es chiquita fìsicamente, pero talentosamente grande.

No será un álbum cada noche, será todo Metallica cada noche

Tras los múltiples conciertos que Metallica ha ofrecido en México, desde aquella primera vez que pisaron suelo nacional en 1993, ha quedado claro que entre ellos y el público mexicano hay una relación muy especial. Y es precisamente esta relación la que hizo que la banda decidiera comenzar justo aquí una gira que además abarcará Estados Unidos y Canadá, y de la cual saldrá un video en 3D.

En conferencia de prensa, previa al primero de los ocho conciertos que darán en la Ciudad de México, Lars Ulrich afirmó que “los fan mexicanos son muy apasionados con Metallica. No me agrada comparar el público de otros lados, pero México está entre los países con la mayor cantidad de fans. Metallica tiene una historia de amor con México. Es difícil de explicar y definir, pero definitivamente tenemos una relación especial con la gente de aquí. Por eso es que decidimos comenzar en la Ciudad de México esta nueva experiencia que cambiará la historia de los shows de Metallica

Con respecto a las especulaciones sobre si piensan tocar un álbum completo en cada show, James Hetfield dejó en claro que no será así, dado que cuentan con muchos fans jóvenes que desconocen cómo fueron las giras del Master of Puppets, por ejemplo: "Lo que sucederá será un best of, un recorrido a los más de 30 años de la banda. Juntaremos lo mejor de todas nuestras giras en un solo escenario, y cada show será diferente pues mientras tocamos suceden muchas cosas al mismo tiempo y algo podría salirse de control.

En cuanto a las características del DVD en 3D que la banda editará al finalizar esta gira, que abarca las ciudades de San Francisco, Edmonton y Vancouver, Robert Trujillo mencionó que no será únicamente la compilación de los distintos shows, sino una combinación de géneros, de tal manera que podría parecer un documental. “Queremos captar la esencia de la gira y retratar el viaje que emprendimos con este nuevo cambio que le dimos a los shows del tour. Es por eso que decidimos comenzar aquí, pues México nos da mucha energía y actitud que nos servirá para los demás conciertos”, puntualizó el bajista.

Finalmente, con respecto a los planes de un nuevo disco de Metallica después de la experiencia con Lou Reed, James Hetfield afirmó que por el momento toda su atención se encuentra en esta gira y el video en 3D. “Será en septiembre cuando comencemos a escribir y  poner en papel todas las ideas que traemos. No sabemos si será un proceso corto o muy largo. Tenemos muchos riffs preparados y queremos darles rienda suelta, puntualizó el guitarrista y vocal de la banda.

Metallica ofreció ayer el primero de sus ocho conciertos que dará en el Palacio de los Deportes, y tal y como lo auguró James Hetfield, algunas cosas parecieron salirse de control pues durante un momento del concierto, mientras interpretaban “Enter Sandman”, un fuego pirotécnico pareció fallar y ocasionar que uno de los técnicos ardiera en llamas. Sin embargo, en 1997, en uno de los shows en Texas para la gira Cunning Stunts, este mismo suceso ocurrió durante la misma canción, cuando el arnés de uno de los técnicos se rompió, ocasionando que parte de la estructura del escenario cayera e inclusive lesionara aparentemente a James Hetfield. Si tomamos en cuenta que el propio James afirmó que esta gira sería una recopilación de los shows a lo largo de la historia de la banda, no extrañaría que el suceso de anoche fuera parte del show.

10 AÑOS DE AUSTIN TV

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Disfrazados de colegiales, con uniformes rojos y máscaras de rostros plastificados llegaron los integrantes de Austin TV al escenario del Pasagüero este sábado 28 de julio, para celebrar los diez años de la banda; diez años de explotar la imaginación y la pasión.

Con una reedición de su primer EP en un vinil transparente, Austin TV festejó este aniversario con un concierto de más de hora y media que, como dijo Chiosan, estaría lleno de nostalgia, recuerdos, gente de hace diez años y gente nueva.

La espera de la gente había parecido eterna, pues la hora de inicio se atrasó; por ello, al llegar el momento de ver a Chiosan, Oiram, Rata, Totore y a Xnayer, el Pasagüero explotó en emociones de un público ansioso que fue recibido por Fando con las siguientes palabras:  “Todos estamos aquí por la misma causa: la música.”

A lo largo de la noche la agrupación de rock mexicano dejó el alma en el escenario, en canciones como “Satélite”, “Marduk”, “Los Olvidados”, “Esa Soy Yo”, y “Hombre de pánico”.

Acompañados de una proyección que ilustraba cada canción, Austin TV tocó hasta las 2 de la madrugada, frente a un público que acompañó los acordes con gritos a coro, un público que agradecía cada acorde y cada distorsión de los miembros de la banda, que emocionados e incrédulos confesaron haber iniciado como cinco amigos sin ninguna pretensión más que divertirse.

El concierto exhalaba familiaridad, una relación entre la banda y sus fanáticos de  agradecimiento mutuo, una relación cercana y cálida, tanto que incluso a la mitad del toquín los integrantes de la banda subieron al escenario a dos personas del público a que tocaron la batería y la guitarra con ellos.

Pero todo lo bueno llega a su final y así, a eso de la una y media, Austin TV se despidió del escenario mientras se leían en la pantalla las palabras “The end”; sin embargo, los gritos del público pidiendo otra resonaban en el lugar y la banda no esperó ni un minuto para su regreso al escenario.

“Roy Rogers” hizo temblar las paredes del Pasagüero al igual que el verso de la rola “Ella no me conoce”¿Te acuerdas?

Sí, me acuerdo. 

Lo dices como si hubieras cambiado tus sentimientos, 

como si ya no me quisieras. Dime que aún me quieres.

Cerrando con broche de oro, Austin TV tocó un cover de Daft Punk que llevó a su clímax este concierto conmemorativo exclusivo para mayores de edad que se repetiría al día siguiente abierto para todas las edades.