The Flaming Lips estrena video musical

Mira a Wayne Coyne de The Flaming Lips comer cereal en su nuevo video.

La agrupación de Oklahoma The Flaming Lips lanzó hace casi dos meses su decimocuarto álbum de estudio Oczy Mlody a través de Warner Bros. Records. De este material hemos podido escuchar varios sencillos como “The Castle”, “How??”, “Sunrise (Eyes of the Young)”, “We a Family” y “Nigdy Nie (Never No)”.

Ahora han compartido el video oficial para la canción “There Should Be Unicorns”, el cual contiene los típicos elementos recurrentes de un visual de The Flaming Lips: luces, pelucas, glitter y vestuarios con muchos texturas y tonos.

The Flaming Lips interpretó esta melodía en el programa de Stephen Colbert y pudimos ver al líder de la banda usando unas alas inflables montado sobre un unicornio rodeado de iluminación muy colorida. Si aún no has escuchado Oczy Mlody, te lo dejamos a bajo para que lo disfrutes cuantas veces quieras.

the flaming lips oczy mlody

Vivan las Girl Bands!

Presentado por Adopta Un Chico. En este mes de la mujer, lee una reflexión sobre Girl Bands que han destacado el papel de la mujer en la música.

Las décadas siguen y el debate continúa entre hombres y mujeres sobre lo que debe o no permitirse en la sociedad actual o donde ver a una chica tocando la batería o guitarra aún genera la pregunta inmediata “¿y si toca bien, wey?”.

¿Hasta donde llegará la lucha por cambiar estos esquemas?, es la gran interrogante para ambos géneros y se desconoce en qué parará, porque aunque haya un mes “color rosa” para celebrarnos, no significa que las cosas hayan cambiado.

Mujeres en la música han levantado la voz para recolocar la posición del género en la escena alternativa. Patti Smith, Janis Joplin, Kim Gordon, Siouxie Sioux y más se han destacado por todas las acciones que tomaron alrededor de su carrera volviéndose íconos y ejemplos a seguir en una industria musical abarrotada de hombres.

Ellas tomaron la decisión de influir en la vida de muchos y muchas pues han roto esquemas tradicionales en las décadas que vivieron y que aún existen en las cabecitas de varios -dedicarse a la casa, cuidar a los hijos, tal vez trabajar, pero ¿tocar en una banda?, hell no!-. Para fortuna, existen muchas más levantando la mano con proyectos muy específicos que valen la pena retomar en este texto. Aquí cinco ejemplos:

Ana Tijoux, rapera y madre de dos hijos. Una mujer nacida en Francia, pero radicando desde hace varios años en Chile, hoy figura como una de las exponentes más importantes de Latinoamérica en el hip hop actual, a nivel internacional. En sus letras ella se ha convertido en una verdadera activista que habla sobre la libertad de expresión, la paz, la igualdad y el amor a sus hijos o a una difunta madre.

En Rusia el colectivo Pussy Riot ha buscado, por medio del punk y sus videos, la forma de atraer la atención del mundo para hablar sobre la situación que viven en su país con respecto a los tratos hacia la mujer, el mal gobierno y otras temáticas de las que están inconformes. Tal hecho llevó en el 2012 a tres integrantes a ser encarceladas por dos años.

La cantautora inglesa PJ Harvey, con casi 30 años de carrera, tuvo nuevamente el atrevimiento de tomar partido en sus letras por aquellos afectados en las guerras y otras problemáticas mundiales en su más reciente material The Hope Six Demolition Project. Este fue resultado de viajes que tuvo durante 2014 a Afganistán, Kosovo y algunas zonas en Washington DC.

Controversial desde su primer álbum bajo el stage name Peaches, The Teaches of Peaches. Merrill Beth Nisker siempre es tema a de debate al publicar material musical o visual por lo implícito de sus letras e imágenes. En su película Peaches Does Herself queda claro que ella no sigue las reglas dictadas por la sociedad sobre la sexualidad, al contrario, su discurso amarra y celebra la libertad de sexo.

Finalmente, Anohni es quien, en su más reciente álbum, Hoplessness, ha cuestionado el significado de género, los problemas de identidad que ocasiona el sistema y el impacto que tienen las acciones cualquier individuo en el mundo. Ella actúa y demuestra que ser mujer viene más allá de lo físico: “En mi vida personal prefiero 'ella'. Creo que las palabras son importantes. Llamar a una persona por el género que eligió es honrar su espíritu, su vida y contribución. "Él" es un pronombre invisible para mí, me niega".

La lista es larga: Dum Dum Girls, Angel Olsen, Hinds, Bleached, Vivian Girls, The Coathangers, Death Valley Girls, ZZZ’s, L.A. Witch y muchas muchas más que nos recuerdan que las girl bands tienen mucho que revelar a este mundo fraccionado. Su talento y trabajo destaca que se pueden hacer las cosas, con o sin barreras. La elección es de cada una.

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Roger Waters comparte adelanto de su nuevo disco

Además ya hay fecha para el próximo material de Roger Waters.

Han pasado 25 años desde que el músico y compositor inglés George Roger Waters lanzó su tercer y más reciente álbum de estudio Amused to Death, con sencillos como “What God Wants, Part I”, “The Bravery of Being Out of Range” y “Three Wishes”.

Ahora, ya sabemos que la siguiente placa del vocalista de la legendaria agrupación Pink Floyd, Is This The Life We Really Want?, llegará el 19 de mayo. Para aminorar un poco la espera e incrementar la emoción, el cantautor compartió un avance con fragmentos de música. Míralo a continuación.

Previamente, se anunció que el cantante reclutó a Nigel Godrich, conocido por su trabajo con Radiohead, para darle dirección al disco que tendrá doce canciones, que Waters describió como “parte viaje en alfombra mágica, parte discurso político, parte angustia”.

“Se está ponderando… la cuestión de cómo tomamos estos momentos de amor –si nos conceden alguno de nuestras vidas- y permitimos que ese amor brille en el resto de la existencia en los demás”, explicó Roger Waters.

Para apoyar este lanzamiento, el originario de Inglaterra se embarcará en un extenso tour de 54 fechas llamado US + Them. En este enlace puedes ver el itinerario completo.

The Shins estrena "Painting A Hole"

The Shins ha revelado "Painting A Hole", último sencillo promocional del disco Heartworms.

Estamos a solo una semana de poder escuchar el primer disco de los de Albuquerque en cinco años, pero aún así la banda liderada por James Mercer decidió compartir un último adelanto, ya que han compartido un nuevo tema.

El más reciente estreno de The Shins se titula “Painting A Hole”, el cual se une a los sencillos promocionales “Dead Alive”, “Name For You” y “Mildenhall”, que fueron estrenados entre octubre de 2016 y el pasado mes de febrero.

Heartworms, el quinto álbum de estudio de los estadounidenses será publicado el 10 de marzo a través del sello discográfico Columbia Records (The Vaccines, Foster The People). Este fue producido por el exintegrante de la banda Richard Swift, quien además es baterista de The Arcs y ha trabajado con bandas como Foxygen y Damien Jurado.

La música de The Shins también aparecerá en el soundtrack de The Man in the High Castle junto a Sharon Van Etten, Beck, Karen O y Andrew VanWyngarden de MGMT.

Puedes escuchar "Painting A Hole" justo aquí:

Tracklist de Heartworms:

  1. Name For You
  2. Painting a Hole
  3. Cherry Hearts
  4. Fantasy Island
  5. Mildenhall
  6. Rubber Ballz
  7. Half a Million
  8. Dead Alive
  9. Heartworms
  10. So Now What
  11. The Fear

Entrevista con Tino El Pingüino

Tino El Pingüino: Hip hop de la clase media.

Franco Genel a.k.a. Tino El Pingüino lleva años haciéndose un nombre en la escena hip hop de nuestro país. Cuando surgió se destacó por sus letras relajadas, alejadas de los problemas que se viven en los barrios, sin carga política y cero distintivo gangster. Esto era raro, la mayoría de los raperos famosos de México tenían una temática barrial, nacían de la calle y emulaban la estética del gangsta rap.

Todo esto cambió, el hip hop está siendo aceptado en diferentes círculos. Los chicos de la clase media voltearon a ver artistas como Tino, Simpson, LNG/SHT, entre otros, y se dieron cuenta de que se podían sentir identificados con este género gracias a rimas que narraban un estilo de vida más apegado a su realidad: problemas de amor, escuela, conseguir chicas.

Si bien este estilo de hip hop ya tiene un público sólido y se ha colado en distintos festivales, programas de radio y medios digitales que antes no volteaban a ver el género, Tino tuvo dificultades para ser aceptado al principio en una escena que ya tenía sus códigos y lenguaje desde hacía más de dos décadas. “En un principio batallé con eso porque existe gente que no le gusta que las cosas cambien pero para mí fue algo muy normal porque el rap que estaba escuchando era precisamente ese estilo, cosas como Atmosphere. Al final yo estaba haciendo mi versión de lo que consumía y también se trataba de hablar de lo que yo veo y no podría haberlo hecho de otra forma”, cuenta Tino.

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El motivo por el cual eligió salirse de la norma del rap mexicano es simple: autenticidad. “Sé que es muy lamentable lo que ocurre en México y la situación en que viven muchos, sin embargo a mí no me tocó crecer en esas circunstancias ni tampoco la mayoría de las personas que me rodean. Cada quien está acreditado para hablar de su realidad, jamás he renegado mi origen ni mi educación. Me trato de enfocar en hacer la música que quiero hacer, sin complacer a gente que no tiene ninguna relación conmigo.”

Sin duda el estilo de Tino llamó la atención de distintos medios de comunicación que hasta hace poco no volteaban a ver el rap ni le daban la importancia o difusión que merecía. Para Franco, si bien el papel de los medios es importante, no lo es todo en su carrera. “Salvo medios especializados o algunos elementos dentro de los medios, existe una ignorancia generalizada. Está de la chingada como se percibe. Tampoco puedes obligar a la gente a que le preste atención o que le tenga cariño a lo que a ti te gusta. Igual con el tiempo puede ir cambiando. Tengo compañeros raperos que les va bastante bien y que gran parte de el trabajo de promoción y difusión lo hacen ellos mismos. Hay proyectos que funcionan por sí solos”.

Sin embargo siente que la escena por fin está creciendo junto a los medios y que estos están teniendo la apertura que se necesita. “A la larga tiene que haber más medios y apertura porque esa es la manera en que la gente se entera de nuevos proyectos. Es un proceso que se está cubriendo de buena manera con algunos medios, además de que se han estado abriendo espacios en algunos festivales. También cada proyecto, aunque sea el mismo género, funciona de manera independiente, la gente lo escucha por diferentes razones y genera diferentes oportunidades. Es obvio que es un género en desarrollo en nuestro país”.

Mientras espera a que la prensa se abra totalmente al género que toca, Tino se enfoca en grabar sus canciones, sin descanso. Además del disco que lanzó en septiembre del año pasado (De Vuelta en el Lodo), ya tiene preparado otro y seguro que ya trabaja en uno más, sin contar, claro, que también trabaja en canciones de The Guadaloops, banda en la que participa desde hace varios años y que también sacó material nuevo hace menos de un año.

Esto no es inusual en Tino, su música es su pasión y no le cuesta trabajo dedicarse a ella al cien por ciento. “Esto sucede mucho en el rap porque se puede trabajar con rapidez. En mi caso, mi parte la trabajo solo y tengo acceso a mucha música de distintos productores así que todo está puesto para que fluya velozmente. Sólo se necesita tener las ganas para hacerlo”.

Por lo pronto Tino El Pingüino se prepara para una presentación en Pasagüero el próximo 25 de marzo, la cual será su primera presentación importante en la Ciudad de México desde su lleno total en SALA en septiembre del año pasado.

tino pasaguero

La Banda Bastön – Luces Fantasma

La Banda Bastön sabe respaldar su andar.

En la calle cabemos todos, pero no para siempre.
Hoy hay casa llena, hommie. 

Un festín incontrolable sin costo alguno para entrar. No hay por qué preocuparnos por el alucín, el desmadre y la música, Zupreeme y Muelas lo respaldan. Así es cuando algo nuevo de La Banda Bastön llega a nosotros. En su reciente material discográfico, su rap y freestyle se siente vigente, como si nunca se desconectarán del día a día. Festivales, presentaciones y grooves hacen sentir la fortaleza del MC más acaparador de nuestro país.

Con el exquisito sabor que dejaron con su anterior producción, Todo bien, Dr. Zupreeme y MC Muelas de Gallo regresan a los breakbeat con un flow nada distinto a la línea que los colocó en la cima. En esta ocasión, Luces Fantasma es lo nuevo, lo reciente, lo vivo de Bastön: rígido, desalineado y de kely "in the hause". Oh, sí.

Almacenando 18 tracks en la selecta maqueta, este quinto trabajo envuelve letras directas sin prejuicios, beats rítmicamente severos como aquellos que te jalan los pies por debajo de la cama para provocarte el temor del freestyle. Respetando su old school, los raperos mexicanos conjugan rimas inmediatas y destructivas que defienden al por mayor el alma del hip hop. Y, al mismo tiempo, ofrecen melodías entrañables que provocan el mover de la cadera y el alargamiento de la sonrisa; rítmicas, acogedoras. En realidad, música pimp & B-boys.

Lanzando a los cuatro vientos tres sencillos disponibles desde principio de año, La Banda Bastön no deja caer sus fantasmas. Iniciando el camino por el barrio en una línea de scratch sublimes: “No me porto bien” es, en brevedad, una propuesta indecorosamente deliciosa: Vamos a portarnos mal o te da miedo. Tiempo después, el prodigioso “Loco” sorprendió como segundo track en donde el style que respalda al dúo se respeta en cada sampler. Y cerrando la gran presentación de Luces Fantasma, con himno para todos aquellos infames ‘súper amigos’ que se arrodillan en el altar de la friendzone, “Solo como amigos” es el track número seis donde se alterna un rap latino con MCKlopedia dando un feat cargado de sentimentalismo; como dando un último aliento a todos los seres bateados.

Un trabajo discográfico vestido de heroísmo; una gran manera de sumar al historial musical. Un disco con grandes colaboraciones. Sumando a la lista artistas memorables que embellecen el callejón del barrio musical: Milkman en “Miénteme más” o Álvaro Díaz en “Martes 13”, donde retoca con una colaboración audaz y aguerrida el golpe de palabras que aleja las ‘malas suertes’. Así, andando sobre los callizos musicales, Kap-G preserva “I’m in la Calle”, una poesía rítmica que ora el sentimentalismo que surge del callejón y el patrimonio. El feat de Konnan El Bárbaro & Smokey en “Hasta la muerte y después” es un track decidido a deletrear las reglas que envuelven el barrio y la calle. Mariel Mariel en “Cárcel” y Denise Gutiérrez en “Luces fantasma”; es la divina voz dentro de unos cabrones.

Un álbum que se encuentra cargado en todas las plataformas que tienen la fuerza para sostener tremendo material. Dos raperos locales que revientan el beatbox y el scratch con elegancia e inflexibilidad. 18 tracks sensualmente directos. 65 minutos con el undergraund recetado por el médico. ¡Hey, crew! Estos son los números que avalan el buen rap de casa. El 'hop que respalda al barrio.

Lorde estrena "Green Light"

Melodrama es el nombre del segundo disco de Lorde.

Después de varios adelantos, Lorde está de vuelta con su nuevo sencillo “Green Light”, que será incluido en su próximo álbum de estudio Melodrama. Este tema es lo más nuevo que podemos escuchar de la cantante desde su álbum debut Pure Heroine (2013), sin mencionar su participación en la canción “Magnets” de Disclosure.

Además, “Green Light” llega con un video musical que muestra por completo las imágenes que vimos en los vistazos que compartió Lorde previo a este lanzamiento.

La canción, coproducida por Jack Antonoff, es algo muy diferente –de una forma positiva– a lo que escuchamos en su primer disco, pues es un corte dance pop que de entrada es más upbeat que cualquiera de sus canciones anteriores.

En el visual dirigido por Grant Singer, vemos a Lorde en un vestido rosa cantando y bailando al ritmo de esta pegajosa canción en diferentes locaciones como la calle, un club y una camioneta.

Mira a continuación el arte de Melodrama que compartió Lorde en su cuenta de Instagram.

lorde melodrama

Laura Marling comparte "Nothing, Not Nearly"

Laura Marling reveló el tema "Nothing, Not Nearly", último sencillo promocional del disco Semper Femina.

Esta es una de las interpretes más destacadas dentro del género folk en la actualidad, así como una de las mejores artistas británicas del momento, por lo que todos esperan el lanzamiento de su nuevo disco, y aunque aún tendremos que esperara una semana más para esto, la cantante vuelve a complacer a sus seguidores con un nuevo tema.

Lo nuevo de Laura Marling lleva el nombre de “Nothing, Not Nearly”, este es el cuarto y último sencillo promocional de Semper Femina, su sexto álbum de estudio, el cual saldrá el 10 de marzo a través de More Alarming Records, su propio sello discográfico. Los otros adelantos de este material fueron “Soothing”, “Wild Fire” y “Next Time”.

Recientemente Laura Marling participó en “Distant Shore”, tema de la modelo y cantante Karen Elson, quien publicará Double Roses el 7 de abril. Este disco también contará con las colaboraciones de Father John Misty, Patrick Carney de The Black Keys, Pat Sansone de Wilco, Nate Wolcott de Bright Eyes y Dhani Harrison, hijo del exBeatle.

Puedes escuchar “Nothing, Not Nearly” justo aquí:

Tracklist de Semper Femina:

  1. Soothing
  2. The Valley
  3. Wild Fire
  4. Don’t Pass Me By
  5. Always This Way
  6. Wild Once
  7. Next Time
  8. Nouel
  9. Nothing Not Nearly

Por fin, nuevo disco de Beach Fossils

Beach Fossils anuncia Somersault, su tercer álbum de estudio, además reveló el primer adelanto con "This Year".

El último disco de los de Brooklyn fue Clash The Truth, publicado a principios de 2013 a través del sello discográfico Captured Tracks (Mac DeMarco, DIIV), pero hoy la agrupación neoyorquina ha anunciado el que será su tercer álbum de estudio.

El próximo disco de Beach Fossils se titulará Somersault y saldrá el 2 de junio. Este será su primer lanzamiento a través de Bayonet Records, compañía cuyos dueño son el líder de la banda, Dustin Payseur y su esposa Katie García. Este estará disponible en formatos como cassette, CD y diferentes presentaciones en vinil.

Junto al anuncio, el grupo también compartió el primer adelanto con el sencillo “This Year”, el cual se aleja del sonido agresivo de su último proyecto para tomar un estilo más pop y melódico. Este tema habla sobre enfrentar los errores que se han cometido y que nos enseñan una lección, aunque al final siempre los volvemos a hacer. De hecho el título tiene que ver con los propósitos de año nuevo, que prometen un inicio diferente. Otras canciones tendrán elementos como piano, flauta y saxofón.

Tracklist de Somersault:

  1. This Year
  2. Tangerine (feat. Rachel Goswell)
  3. Saint Ivy
  4. May 1st
  5. Rise (feat. Cities Aviv)
  6. Sugar
  7. Closer Everywhere
  8. Social Jetlag
  9. Down The Line
  10. Be Nothing
  11. That’s All For Now

Metallica en el Foro Sol

Una vez más, James Hetfield, Lars Ulrich, Kirk Hammett y Robert Trujillo pusieron a rockear a sus fans mexicanos.

Tras la salida de su más reciente álbum, Hardwired... To Self-Destruct, Metallica se ha dedicado a compartir algunas de sus nuevas canciones en diversas presentaciones en vivo y el miércoles 1 de marzo fue el turno de la Ciudad de México para recibir al icónico cuarteto de thrash metal y escuchar una selección especial de los tracks incluidos en su décimo disco de estudio, junto con algunos de sus clásicos. La quinta visita a México de la banda pionera del metal incluye tres conciertos en el Foro Sol de la CDMX, de los cuales el primero resultó memorable por los temas que sonaron y el gran ambiente que se vivió en medio del slam, el headbanging y el air guitar.

La cita fue algo temprano, a las 6:30 de la tarde, para llegar y ver primero la actuación de Cerberus, grupo que representa a la escena mexicana del metal y que probó por qué fue uno de los elegidos para abrir una de las tres fechas de Metallica en el Foro Sol. Posteriormente, llegó el momento de disfrutar del show de Iggy Pop, quien rápidamente animó a los asistentes con su “I Wanna be your Dog” mientras se paseaba por el escenario sin playera y con toda la actitud que siempre le ha caracterizado. Más tarde llegaron “The Passenger” y “Lust for Life”, el mítico cantante sacó una bandera de México y saludó en español al público con un "hey hola", se le notaba cansado cuando apenas había terminado su cuarta canción, pero eso no fue ningún impedimento para que siguiera rockeando con la misma energía que le caracterizaba en sus mejores épocas cuando incitaba al desorden, acompañado por sus Stooges.

En algunas canciones destacó el piano, tenían buenos arreglos que las hacían sonar muy bien en vivo. Por un breve instante bajó la intensidad, de repente Iggy se sentó en la orilla del escenario y de la nada llegaron nuevamente los riffs de guitarra y los golpes secos a la batería. El cantante y sus músicos, todos ya con unos años encima, probaron que uno es tan joven como se sienta y que sin importar la edad que se tenga, siempre se puede rockear con la misma intensidad mientras miles de espectadores están atentos a cada uno de tus movimientos. El rock nunca bajó y hacia el final de la presentación Iggy se aventó al público, todos nos preguntábamos en ese momento ¿cómo le hace que no se cansa y lo da todo en cada canción? Luego de interpretar más de 12 temas, simplemente se fue sin decir adiós y como el rebelde punk que siempre ha sido.

Justo cuando el reloj marcaba las 9:30 de la noche y con un Foro Sol prácticamente lleno, las luces se apagaron y en medio de un grito colectivo de emoción por lo que estaba a punto de comenzar, empezaron a sonar las primeras notas de “The Ecstasy of Gold” (original de Ennio Morricone) y muchos, como ya es costumbre desde hace tiempo en los conciertos del cuarteto metalero, corearon la melodía hasta que esta terminó para darle paso a una breve introducción, acompañada de las imágenes de rostros distorsionados de los cuatro integrantes de la banda en las pantallas. Metallica apareció en el escenario y abrió con "Hardwired" y "Atlas, Rise!", cada uno de los cuatro músicos iba apareciendo en las gigantescas pantallas colocadas a sus espaldas y luego de escuchar dos de sus nuevos tracks, unas campanas se dejaron ver entre las pantallas para darle paso a “For Whom the Bell Tolls”, inaugurando así la tanda de clásicos.

Mientras un emocionado James Hetfield le gritaba a sus fans "you are beautiful", se escuchaban los coros que caracterizan a “The Memory Remains” cada vez que se toca en directo. Kirk Hammett aprovechó una breve pausa para deleitar a los asistentes con un solo de guitarra que le puso la piel chinita a varios y que funcionó como antesala para la llegada de “Welcome Home (Sanitarium)” y un video en el que un enfermo mental aparece encerrado. Después siguieron las canciones nuevas con "Now That We're Dead" –en la cual los cuatro músicos se pararon en medio del escenario para tocar juntos unos tambores al mismo tiempo, algo que no se había visto antes– y "Moth Into Flame". Vale la pena mencionar que los temas del último álbum suenan muy bien en vivo y le aportan cierta frescura al set de la agrupación.

"Harvester of Sorrow" llegó acompañada por "Confusion" y al terminar esta sonó "The Four Horsemen", provocando uno de los mejores y más grandes momentos de slam que se han vivido en un concierto de Metallica en la Ciudad de México. Robert Trujillo también tuvo oportunidad de mostrar sus habilidades con el bajo en solitario y tocó un fragmento de "Anesthesia (Pulling Teeth)". James pregunta si México realmente quiere escuchar algo pesado y en eso comienzan a tocar “Sad but True”. Entre pirotecnia, lasers y humo se alcanzaba a ver una animación con unos soldados avanzando en las pantallas mientras todos cantaban “One”, esto le dio paso a “Master of Puppets” y a un nuevo solo de Kirk.

James aparece con dos guitaras e interpreta "Fade to Black", acompañado por sus compañeros de grupo. Terminando, el guitarrista y cantante preguntó si los asistentes lo conocían bien y les pidió que completaran una frase cuando él dijera una palabra y de ahí surgió “Seek and Destroy” mientras en la pantalla aparecía un anuncio de la memorable primera visita de Metallica a México en marzo de 1993.

El siempre obligado encore llegó con "Fight Fire With Fire", "Nothing Else Matters" y "Enter Sandman", en la cual algunas pelotas con el logo del grupo llegaron a los afortunados que estaban adelante y que se encargaron de pasarlas de un lado a otro. El concierto terminó con juegos pirotécnicos en lo que fue una gran fiesta, Metallica se despidió y unos minutos después regresó James sólo para recordarle a los fans que faltan dos conciertos más (el 3 y el 5 de marzo) y que todos estamos invitados a ellos.