Entrevista a Sharif y Rafael Lechowski

Sharif y Rafael Lechowski: una amistad entre el rap y la poesía.

Es jueves por la tarde, dos colegas sentados en el mismo sillón hablan de libros, de música, de amor, de la vida que se les va y, de un sinfín de cosas más. Uno de ellos, tez morena y ojos color esperanza, es el primero en recibirme con una sonrisa en el rostro; el otro, mirada cálida y rostro triste, me extiende su blanca mano. Ambos, me invitan a sentarme. Sharif Fernández y Rafael Lechowski, respectivamente, dos de los máximos exponentes del rap en español abren sus corazones y sus mentes; me cuentan sobre su regreso a nuestro país (sobre sus ideales y sus direcciones).

Enfundados en una capa de humo y con la familiaridad de quien está entre amigos, la charla comienza al tiempo que Sharif me enciende un cigarro; Rafa pregunta si de casualidad hay uno verde entre los que quedan para él.

“Siempre es mágico volver a México. Tiene esta especie de aliteración y resonancia bonita lo que digo; pero, es verdad… México es nuestro país fetiche pues siempre nos reciben y nos aprecian” son las palabras con las que se refiere Sharif a la visita a nuestro país con motivo de su presentación.

“México es un país que tiene en equilibrio la pasión, la paciencia y la atención; son cosas muy extremas (…) Son un público súper cándido y pasional que mantiene viva la escucha, la apreciación y el rigor; en otro país no sucede así”, completa Lechowski.  

Rafa nos cuenta historias de su infancia, de cuando estuvo recluido en un reformatorio, historias que bien podrían ser las de propio Tom Sawyer. Se voltea y bromea con su “hermano” Sharif sobre las tardes en Zaragoza, cuando jugaban al PES y fumaban un poco de hierba para ponerse creativos. Tardes en las que ya se gestaba en sus cabezas un show como el que los trae en esta ocasión a territorio mexicano:

Rafa y yo, desde hace ya un tiempo, notamos en el otro las mismas inquietudes. Muchas veces en Zaragoza hemos tenido grandes charlas. Nosotros solos, con el Rapsus, con el Morgan, y siempre sale a colación este tema y, el siguiente paso lógico era la acción”, puntualiza Sharif con un tabaco entre los dedos mientras que Lechowski aclara que la idea de un recital como éste, siempre fue “tomárselo como una velada literaria y contagiar a la gente de las ganas de leer y escribir”.

Dos artistas de la palabra que se miran a los ojos con el cariño de dos hermanos, se hacen bromas y comparten un compromiso para con la cultura que va más allá de categorías. Eso es lo que son Rafa y Sharif, hermanos.

“Pensábamos que el rap tenía que respetar y cumplir determinados cánones y que salirte de ellos era sinónimo de falsedad. Hace mucho tiempo que sentimos que el rap debe eliminar esas barreras que no son más que puro lastre para la creatividad. El rap no deja de ser música y a lo único que tiene que aspirar es a emocionar, a transmitir… y, nosotros lo intentamos hacer con todo el respeto y rigor, respeto por el rap; pero, sobre todo, por la poesía”, afirma el siamés, dos cabezas un mismo pensamiento.

Entre risas y miradas de complicidad, ambos escritores, ambos raperos, terminan sincerándose de una manera que evoca a aquellas reuniones que seguramente ha tenido este par de seres humanos. Increíbles conversaciones de las cuales podríamos escribir más de 16 barras.

Tanto Rafa como Sharif saben que hay una responsabilidad en su trabajo; la asumen. Consciente o inconscientemente, ambos hacen un trabajo más que necesario en este momento de la historia mundial en el que nuestra generación está tan falta de arte y de cultura.

Dos artistas que se asumen como tal y que se respetan mutuamente. Dos personas que durante poco menos de una hora me hicieron sentir como parte de un círculo tan íntimo y tan humano que no me queda más que agradecerles cada una de sus expresiones. Palabras que nos son muy necesarias y que hemos de llevar como estandarte: “No hay que rendirse, hay que luchar” dice el de Zaragoza. “Hay que fluir”, finaliza Rafa.

Antes de despedirme Rafa y Sharif me confiesan que están trabajando en algo nuevo, cada quien por separado. Es sólo cuestión de tiempo para que los estemos leyendo y escuchando, una vez más.

Lee la reseña de su presentación conjunta en el Teatro Ramiro Jiménez al dar clic en la imagen:

Natalia Lafourcade — Musas

Natalia Lafourcade muestra sus raíces bien plantadas en Musas.

En la era de la internacionalización y la migración a tope, la cantante mexicana Natalia Lafourcade rompe fronteras y se enorgullece de sus raíces latinas. Celebra la música que la influenció en su infancia. El viernes 5 de mayo presentó, con un showcase privado, su inesperado álbum: Musas.

Este nuevo material cuenta con la colaboración de Los Macorinos (Juan Carlos Allende y Miguel Peña) en cada uno de los 12 temas de que se compone el mismo. La participación del dúo fue clave para enaltecer el folclor latinoamericano que la cantante buscaba.

La curiosa historia de Musas comenzó durante un viaje recreativo de Lafourcade a Brasil tras la gira promocional de Hasta la Raíz (2015). Desde hacía mucho tiempo, tenía la inquietud de trabajar con Allende y Peña; los había visto tocar con Chavela Vargas y Eugenia León. Es así como la nacida en la CDMX se acercó a ellos con el objetivo de crear música solamente para ella, sin saber si los músicos aceptarían tal oferta.

Con más de 300 canciones creadas en un estudio, en medio del bosque, nació Musas Vol. I. Es un disco que “sabe a madera” por la forma tan natural en que fue creado y por lograr capturar la esencia de la música tradicional latinoamericana. Los Macorinos le plasmaron calma y experiencia.

El álbum contiene 12 tracks. Se incluyen canciones tradicionales de autores como Agustín Lara y Violeta Parra; temas inéditos de la propia Natalia; y, una canción instrumental como homenaje a Los Macorinos. La premisa más importante para la producción de este disco fue no utilizar ningún instrumento electrónico; unicamente aquellos hechos de madera.

La primera es “Tú Sí Sabes Quererme”, una composición limpia de la también filántropa. Dice sentir amor pero no aquel de pareja que lastima y confunde, sino uno por la patria y el hogar. La canción se lanzó a principios de este año y en tan solo unos meses ha alcanzado 22 millones de reproducciones en Spotify.

“Soledad y el Mar” se escribió en Veracruz cuando los problemas sociales acechaban al estado. Para “Mi Tierra Veracruzana”, se inspiró en aquel puerto donde la cantante corría en medio de los campos de café; además, cuenta con la voz casi imperceptible de Ximena Sariñana en los coros.

“Rocío de Todos los Campos” se compuso en honor a la maestra Rocío Sagaón, quien fuera musa y amiga entrañable de Lafourcade hasta antes de su muerte en el 2015.

El segundo sencillo del disco, “Qué He Sacado Con Quererte”, es de la autoría de la andina Violeta Parra. Expone el rango vocal alto que la intérprete puede alcanzar. “Mexicana Hermosa” se creó para enaltecer la belleza de México; no contiene pretensiones políticas y es una canción muy orgánica. “Te Vi Pasar”, la compuso Agustín Lara y es una de las favoritas de Natalia; caso similar con “Tonada de Luna Llena”, del venezolano Simón Díaz.

No hay nada más clásico de la cultura latina que los boleros y, en Musas se incluyen “Soy lo Prohibido”, de Francisco Dino López Ramos; “Tú Me Acostumbraste”, de Frank Domínguez con la colaboración de la también cubana Omara Portuondo. Completan el repertorio “Son Amores (That’s Amore)”, y “Vals Poético”, el homenaje instrumental a manos de Los Macorinos.

El álbum es el séptimo de estudio para Natalia Lafourcade y el segundo compilado desde su Homenaje a Agustín Lara (2012). La selección de temas es exquisita y, según la propia cantante, la música de esta producción no puede explicarse; pero sí, sentirse. Este nuevo homenaje capta la esencia de los boleros de Agustín Lara, el folclor de María Grever y el sentimiento de Chabela Vargas. Todos los temas son interpretados con maestría por una artista en plenitud personal y profesional; sin nada que probar.

Phoenix comparte video para "J-Boy"

Mira el videoclip del primer sencillo del nuevo material de Phoenix.

La agrupación francesa compartió el video musical de “J-Boy” en YouTube. El tema es extraído de su sexto álbum de estudio: Ti Amo. El material completo será lanzado el próximo viernes 9 de junio a través del sello Glassnote.

Originalmente, este clip fue estrenado el 11 de mayo de manera exclusiva a través del sitio oficial de Phoenix; también, fue transmitido en cuatro puntos distintos a lo largo del día. En él podemos ver a Thomas Mars y al resto de la banda en una presentación para televisión que finaliza con los aplausos de la audiencia.

La dirección estuvo a cargo del afamado artista visual Warren Fu, quien previamente ha trabajado con artistas y bandas como The Weekend, The Growlers, The Strokes, Rey Pila y CHVRCHES, sólo por mencionar algunos.

Mira el videoclip de "J-Boy" aquí abajo:

Si deseas preordenar Ti Amo de Phoenix, haz clic en la portada:

phoenix ti amo

Marilyn Manson personifica a un asesino

Previo al lanzamiento oficial de la cinta Let Me Make You A Martyr, se presenta otro tráiler protagonizado por Marilyn Manson.

Brian Warner, mejor conocido como Marilyn Manson, interpreta a un asesino a sueldo en la compleja trama de una película que combina el suspenso, el drama y la acción. Let Me Make You A Martyr, es un largometraje dirigido y coproducido por Corey Asraf y John Swab.

En este thriller “cerebral”, como lo describe la crítica—, Manson interpreta Pope, un matón que está más interesado en salir airoso que en cumplir con su parte del trato.

Durante el rodaje de la cinta en Tulsa, Oklahoma, en 2015, la cuenta oficial de Instagram de la producción compartió una imagen de Brian Warner caracterizado como su personaje cinematográfico.   

This is Pope. @marilynmanson #letmemakeyouamartyr #martyrdiaries

Una publicación compartida de Let Me Make You A Martyr (@letmemakeyouamartyr) el

De acuerdo con la ficha técnica y la sinopsis del largometraje:

Drew Glass (Niko Nicotera) es un joven que recién regresa a su ciudad natal después de años de ausencia. Debido a su comportamiento, la tensa relación con su padre adoptivo Larry Glass (Mark Boone Junior) se complica. También, se reencuentra con June Glass (Sam Quartin), su hermana adoptiva y,  también, su amante. Ambos deciden asesinar al padre para huir juntos de su complejo pasado. Desafortunadamente, Larry descubre el plan y contrata a Pope (Manson) para adelantarse al golpe; sin embargo, éste tiene sus propios planes.

Puedes ver este nuevo tráiler de Let Me Make You A Martyr justo aquí:

Aunque la película ya se encuentra disponible en línea en diversos sitios —en mala calidad, por cierto—, se estrenará de manera oficial el próximo martes 6 de junio a través de servidores como Amazon, iTunes, Google Play, entre otros. Revisa más detalles en el sitio oficial de la cinta: Let Me Make You A Martyr

Banks & Steelz estrena canción

Rumbo al Corona Capital, escucha una nueva canción de Banks & Steelz.

El año pasado el dúo Banks & Steelz, formado por Paul Banks de Interpol –próxima a visitar nuestro país para celebrar el 15 aniversario de su disco Turn on the Bright Lights– y RZA de Wu-Tang Clan, publicó su disco debut Anything But Words. De este se desprenden 12 temas, de entre los cuales hay colaboraciones de Florence Welch (Florence & The Machine), Ghostface Killah, Method Man, Kool Keith y más.

Dicho material causó genuino interés en la crítica especializada gracias a la inusual combinación entre los estilos musicales del líder de Interpol y el MC neoyorquino –al igual que Banks–. Recientemente se dio a conocer que Banks & Steelz forma parte de la edición 2017 del festival Corona Capital, donde también se presentará Green Day, Foo Figthers, PJ Harvey, Grizzly Bear, y Cage the Elephant, entre otros.

Previo a dicha presentación, la dupla compartió una nueva canción llamada "Who Needs The World", misma que produjo Warner Bros. Records Inc. y ya está disponible en las plataformas digitales de streaming.

Banks & Steelz invita a sus fans a crear su propio cover art del sencillo. Los que más le gusten a la dupla, serán publicados en sus redes #WhoNeedsTheWorld

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Slowdive — Slowdive

Cuando el maestro aprende de los alumnos y regresa para continuar impartiendo cátedra: Slowdive.

La historia nos sirve, entre muchísimas otras cosas más, para comprobar que cada época tiene un sonido particular. No sólo me refiero a los géneros, a los ambientes, a los discursos sónicos y líricos; también destaco las emociones que acompañan a esa música. No sería lo mismo oír a The Beatles en esta época, o a Radiohead en los 60. Así pues, no fue lo mismo escuchar el aclamado y visionario Loveless de My Bloody Valentine en 1991 que su sucesor MVB (22 años después).

Slowdive es el disco con el que otra de las agrupaciones pioneras del shoegaze y el dreampop regresa a la palestra musical después de 22 años. Este material comprueba la hipótesis anterior y, es una guía perfecta sobre cómo nadar entre los mares de los años para, después, emerger fortalecido.

Para entender este álbum hay que conocer un poco de la evolución del sonido que los propios Slowdive, My Bloody Valentine, Cocteau Twins y, varios más, crearon a finales de los 80 y comienzos de los 90.

Beach House le quitó ese halo de amargura, hartazgo, pesadez y desesperanza que acompañaba al género en los 90. Creó paisajes sonoros sumamente hermosos y melódicos que se pueden escuchar especialmente en Teen Dream (2010); con esta entrega se dio un significado más acorde al dreampop.

Otras bandas como The Pains of Being Pure at Heart revitalizaron el shoegaze y lo hicieron mucho más digerible sin llegar a hacerlo pop gracias a riffs melódicos y voces aún más suaves.

Otras agrupaciones como Deerhunter saltaron de trabajos muy experimentales como Turn It Up, Faggot (2005) o Cryptograms (2007) a obras maestras como Halcyon Digest (2010) gracias a la completa inclusión del dream pop y guitarras muy saturadas; pero, sumamente melódicas. Ya en la presente década DIIV, Wild Nothing y Motorama añadieron sonidos “dreampoperos” y “shoegazeros” a su música basada en el post punk.

Bueno, pues lo que parecen decirnos Neil Halstead y compañía con este álbum es que, mientras todo esto pasaba pusieron mucha atención, escucharon a sus “alumnos”, asimilaron todas estas versiones modernas de su sonido clásico y, cuando estuvieron listos, hicieron su propio ensayo sobre esta nueva historia.

Gracias a lo anterior es que tenemos canciones como “Slomo” un space rock que suena a Beach House (sobre todo en su disco Bloom, 2012) o “Star Roving” que suena a las mejores canciones del aclamado y, arriba mencionado Halcyon Digest.

Por otro lado, “Sugar for the Pill” y “No Longer Making Time” recurren a guitarras filosas y metálicas (dignas de Explosions in the Sky) como envoltura para una canción sencilla y melódica muy en el estilo de Motorama que termina yéndose a los sonidos saturados clásicos del shoegaze.

Pero, no te confundas, Slowdive NO es un collage de sonidos, no es un pastiche de todos los sonidos en que sus propios discos derivaron. Slowdive es un disco que suena a Slowdive. Un Slowdive del 2017, un Slowdive que entendió lo que generó en su tiempo, entendió lo que se creó después de su tiempo gracias a ellos—, logró conjuntarlo en ocho canciones excelentes, ejecutadas de una manera magistral.

Después de la triste manera en la que la banda se separó en 1995, principalmente por el hartazgo de la industria y debido a problemas con su ex disquera, este nuevo material de estudio nos comprueba que: jamás debieron poner pausa.

Clark — Death Peak

Death Peak: Drones just wanna have fun.

Para cualquier desarrollador musical, lograr trascender dentro de un sello como Warp requiere fortaleza intelectual y creativa. Actos como Boards of Canada, Aphex Twin, Autechre o LFO crearon mucho de lo que hoy en día se busca conceptualmente en la disquera. Desde 2001, con su álbum debut Clarence Park, Chris Clark demostró tener la peculiaridad experimental necesaria para Warp.

Su talento se manifiesta en techno consistente; así queda demostrado en sus recientes entregas: Last Panthers (2015) es un ensayo ambient orientado al soundtrack (representación máxima del IDM-meets -techno); y  Clark (2014), es un disco que, hasta la fecha, se mantiene como la mejor composición del productor inglés.

Mientras el sello  Warp siga vivo, sus artistas continuarán estudiando bajo ese eje creativo. Así es como Clark expande sus límites en su novena producción, Death Peak. La atmósfera tecnológica que acoge al álbum es la espina dorsal de los nueve tracks. Es materializada en forma de techno como estructura de las canciones. En contraste con entregas pasadas, aquí se encuentran melodías dentro de la revolución maquinaría, voces que relacionan al humano con el cyborg. Toda una innovación dentro del repertorio instrumental de Clark.

Cada canción estimula un trance específico en el escucha. "Peak Magnetic", primer sencillo del álbum, podría ser el soundtrack específico para las escenas de motos en Akira (1988); las luces cambian a cada instante en una noche enérgica. "Slap Drones" es característica por su violencia contenida, parece escapar acercándose al final del track. "Butterfly Prowler" y "Living Fantasy" resaltan como los temas con más peso; por su provocación al éxtasis y por la desconexión, respectivamente.

Justificar la evolución de Clark sólo por su trayectoria sería limitar los contextos que inspiran y repercuten totalmente en la producción artística. El otro 50% de la valoración de este proyecto se posiciona en la incansable necesidad por la innovación en la producción de WarpChris Clark, como pilar del sello, es paralelo a la vanguardia que llevará a la actual era musical a perdurar y ser reutilizada.

Wilco le hace un cover a Elvis Costello

Wilco reinterpretó un tema de Elvis Costello, además estrenó una nueva versión de "If I Ever Was A Child".

El grupo liderado por Jeff Tweedy fue el último en contribuir en el Single Series de Spotify, un concepto que busca regresar a la esencia del sencillo de siete pulgadas en el que sólo se tenía un lado A y un lado B. Hoy, se ha revelado la participación de los de Chicago con un cover y una nueva versión de uno de sus propios temas.

La canción que versionó Wilco para este proyecto fue “(What’s So Funny ‘Bout) Peace Love and Understanding”, original del músico Nick Lowe, aunque su versión más aclamada fue la de Elvis Costello y su banda The Attractions.

Además, la agrupación estadounidense grabó de nueva cuenta “If I Ever Was a Child”, tema que se desprende de su décimo álbum de estudio Schmilco. El cual, publicaron el año pasado a través de dBpm Records, sello discográfico de la banda.

Puedes escuchar “(What’s So Funny ’Bout) Peace, Love, and Understanding”, tanto el cover de Wilco, como el de Elvis Costello, justo aquí:

Lee la reseña del disco Star Wars de Wilco dando clic en la imagen:

PREMIERE: Nuevo video de Disidente

Adéntrate en un futuro distópico –no tan alejado de la realidad– con el nuevo video de Disidente.

La agrupación tapatía nos trae un nuevo video para "Enciendan Luces". Tema obtenido de su más reciente EP titulado Universo, publicado en 2016.

Unlimited Films es el estudio que se encarga de la producción de este nuevo material audiovisual. El director Cristóbal Camarena nos presenta un futuro distópico en el que un grupo de rebeldes planea tomar el control de la televisión para expresar su inconformidad. Esto apunta Disidente respecto de la pieza:

"El videoclip nos sitúa en un mundo en el que la esperanza de una vida digna se ha desvanecido. La vigilancia constante garantiza el orden y la seguridad de todos los ciudadanos. La televisión se ha vuelto el medio por el cual el estado entretiene y adormece a su gente. Un grupo de rebeldes busca apropiarse de la señal para difundir su inconformidad con la esperanza de que alguien, del otro lado de la pantalla, lo escuche. "

Disfruta del clip de "Enciendan Luces" a continuación:

Da clic en la imagen para leer la entrevista que le hicimos a Disidente:

Disidente

Escucha el Universo musical de Disidente a continuación:

Sheer Mag anuncia su álbum debut

Después de tres años de espera, Sheer Mag se aventura en un material de larga duración.

El estilo de esta banda de Philadelphia se aleja de cualquier agrupación emergente. Retoman elementos del glam metal de los ochenta y del hard rock de la década de los setenta. Algo sumamente peculiar si se tienen en cuenta los nuevos géneros que están liderando la industria.

Ahora, después de tres EPs, Sheer Mag reveló los detalles del que será su álbum debut. Saldrá a la venta el próximo viernes 14 de julio a través de dos sellos discográficos, Static Shock Records y Wilsuns RC. Este material llevará el título de Need To Feel Your Love y, será su primer estreno desde The Compilation LP, un disco que reunía sus tres primeros trabajos.

Además, la banda liderada por Tina Halladay ha lanzado el primer adelanto de su nuevo proyecto con “Just Can’t Get Enough”. Es un tema de amor que va entre el punk y el soft rock. Contiene riffs, solos y, una melodía pegadiza. A pesar de dejan de lado las letras sobre la hipocresía social y se acercan más al romance, el resultado es muy positivo.

Puedes escuchar “Just Can’t Get Enough” justo aquí:

Arte de Need To Feel Your Love:

Tracklist de Need To Feel Your Love:
Meet Me In The Street
Need To Feel Your Love
Just Can’t Get Enough
Expect The Bayonet
Rank and File
Turn It Up
Suffer Me
Pure Desire
Until You Find The One
Milk and Honey
Can’t Play It Cool
(Say Goodbye To) Sophie Scholl