The Cure prepara nuevo disco para 2019

¡Alerta para los fans de The Cure, Robert Smith anunció que ya terminaron de grabar su nuevo álbum!

La banda británica, The Cure, ha dado mucho de que hablar en estos últimos meses. Podemos empezar por platicar acerca de su reciente ingreso al Salón de la Fama del Rock & Rolla lado de artistas como RadioheadRoxy Music, Def LeppardStevie Nicks, Janet Jackson y The Zombies.

Con más de 40 años de trayectoria, su legado formará parte de la historia de la música al ingresar a este selecto grupo de artistas; sin embargo, hay otra noticia que alegrará más a sus fans. En entrevista para el programa The John Maytham Show, Robert Smith, líder de la banda, declaró que han terminado de grabar lo que será su catorceavo álbum de estudio.

¡Así es! Casi 11 años después desde el lanzamiento de 4:13 Dream (2008), The Cure lanzará un nuevo material discográfico. Smith comentó que, como agrupación, disfrutaron bastante la grabación de este álbum, y que a pesar de los años, él sentía que sigue haciendo esto por las razones correctas.

Hace unos meses, para el programa de radio Debatable de SiriusXMRobert Smith mencionó que su principal motivación surgió mientras organizaba el lineup de la vigésima quinta edición del festival anual Meltdown en Londres. Durante la entrevista el músico aseguró. “Al ver todas estas nuevas bandas, he escuchado a algunas de ellas y me he reunido con tantas que me han inspirado a hacer algo nuevo”.

Aunque aún no se sabe el nombre o la fecha de lanzamiento del nuevo material discográfico, la noticia ya es suficiente para que esperemos ansiosos cualquier otro adelanto. No se olviden de visitar su sitio oficial para estar al tanto de cualquier revelación.

Elton John, un verdadero rockstar

Recordamos a Elton John como el gran rebelde del pop de los años 70.

En la actualidad el músico es conocido como un verdadero Sir: amigo íntimo de la familia real, hombre de familia y ejemplo de estilo para la clase alta británica. Pero antes de estar en las portadas de sociales, el cantante llevó una verdadera vida de rockstar y escandalizaba al público conservador.

Elton John en la década de los 70, fue una de las figuras más exitosas e importantes en el mundo de la música. Debutó siete álbumes seguidos en el número uno de las listas y había reavivado el interés de los jóvenes por la música pop.

El londinense le dio al público un respiro del sonido pretencioso del rock progresivo y el intelectualismo del folk, para regresar al brillante estilo beatlesque. Pero la música no fue el único ingrediente para la fama de Elton, también le dio un giro a la música pop con sus extravagantes atuendos y enérgicas presentaciones.

A pesar de que la psicodelia fue llamativa en su momento, Elton John fue el que trajo verdadero color a la música británica. En lugar de cortes elegantes con estampados de diferentes tonalidades, el músico optó por plumas, diamantina, enormes plataformas y, por supuesto, sus características gafas desmedidas.

Cuando despegaba su carrera, Elton compraba la mayoría de su ropa en boutiques donde comediantes como Peter Sellers adquirían atuendos para sus shows. Botas casi de payaso, sombreros de copa y sacos con enormes solapas eran parte del outfit del cantante. Al principio, la gente solía burlarse de cómo salía al escenario, pero se los ganaba con sus magníficas presentaciones.

Luego de lograr sus primeros hits, Elton John subió la apuesta y se convirtió en una verdadera estrella del glam. Mandaba a hacer sus atuendos de satín, con colores llamativos y lentejuelas, también comenzó a usar capas y zapatos de plataforma. Pero ya no se presentaba en pequeños escenarios, sino lugares importantes, como el Royal Albert Hall. Al sector maduro del público británico no le gustaba el ascenso del cantante, se convirtieron en sus detractores llamándolo bufón y exhibicionista, pero no había nada que hacer, Elton era el artista más interesante en la escena pop de aquel tiempo y estaba destinado a dejar su marca en la historia de la música.

Además, el intérprete fue uno de los artistas que en la década de los 70 se declaró abiertamente bisexual. Ese mismo año también lo hizo David Bowie y muchos ya sabían de músicos como Lou Reed y Jobriath, pero no era lo mismo eso a que la estrella actual del pop hablara abiertamente de su sexualidad. Pero la polémica ya lo perseguía, los rumores lo están cansando y tras confirmar su bisexualidad alentó a otros a no esconderse y le mostró al mundo que no hay nada malo amar a otros.

Sin importar sus preferencias sexuales o gustos por la moda, nadie se podía negar al encanto de Elton John; se ganó a la reservada realeza británica e incluso al varonil sector del fútbol cuando adquirió al Watford. El cantante se manejaba bajo sus propias normas y le dio una verdadera sacudida al Reino Unido.

Elton John es en la actualidad un ícono de la música y una de sus figuras más respetadas, pero no por la fama y el dinero, sino por su impacto cultural y su actitud transgresora. Solo armado de lentejuelas y diamantina logró un cambio más grade que el de cualquier otro interprete británico, incluidos músicos de protesta y punk. Ahora aunque sus años más salvajes están en el pasado, debemos seguir recordándolo como un rockstar, pero uno que cambia la definición para bien. Un rockstar que no estaba marcado por los excesos, sino por no seguir las reglas.

Bengala estrena "Cuarto del fondo"

Relaciones de una noche, fugaces e infructíferas es de lo que habla "Cuarto del fondo", la nueva canción de Bengala.

La banda originaria de la Ciudad de México está pasando por un gran momento y estas últimas semanas lo demuestra: primero conquistó uno de los escenarios más importantes del Vive Latino, después se presentó ante miles de personas en un concierto gratuito en la glorieta de los Insurgentes, y ahora está compartiendo un nuevo tema.

El reciente estreno de Bengala lleva el nombre de "Cuarto del fondo" y es uno de los sencillos que conforman la nueva etapa de la agrupación, como "Déjala ir" y "Enloquecer". Aunque no se ha anunciado el lanzamiento de un nuevo disco, cada uno de los temas que publica la banda logra avivar rumores en redes sociales.

La canción, aunque incluye riffs y sintetizadores, destaca más por sus percusiones y su gran dinamismo. Es un tema cuya lírica parece hacer referencia a las relaciones de una noche, fugaces e infructíferas.

Los temas que Bengala ha estado sacando en los últimos meses, han causado emoción entre sus seguidores y al parecer este nuevo estilo del grupo ha gustado bastante.

Puedes escuchar "Cuarto del fondo" justo aquí:

Sacred Bones Records reeditará el álbum 'Mother Earth's Plantasia'

La obra del compositor Mort Garson será revalorada por Sacred Bones.

En 1976, el temprano compositor electrónico Mort Garson lanzó un álbum titulado Mother Earth's Plantasia. En las décadas posteriores a su lanzamiento, el álbum se agotó mientras empezaba a ganar un status de culto. Entre los coleccionistas de discos y entusiastas de las plantas por igual.

Con el fin de honrar el trabajo realizado por Garson, el sello independiente Sacred Bones Records ha anunciado la primera reedición oficial de este material discográfico, en formato digital y en vinilo.

El larga duración está influenciado por el libro, La vida secreta de las plantas, un fenómeno de ventas de mediados de los años 70 escrito por el ocultista y ex agente de la OSS, Peter Tompkins, y el entusiasta de la radiestesia y ex agente de la CIA, Christopher Bird. En él afirmaban que las plantas domésticas podían leer nuestros pensamientos, predecir desastres naturales y, sobre todo, disfrutaban escuchando música.

Garson compuso completamente esta placa de estudio utilizando el sintetizador Moog, que por entonces era una novedad, y el álbum se vendió únicamente a los clientes de la tienda Mother Earth en Los Ángeles.

Para celebrar el relanzamiento, el sello discográfico y la compañía Atlas Obscura presentarán conjuntamente una experiencia de escucha del álbum y un taller en el Jardín Botánico de Brooklyn.

Mother Earth's Plantasia ya se encuentra en plataformas digitales y en vinilo a partir del 21 de junio. Si deseas escuchar este curioso y creativo experimento, dale play por aquí.

Este es el tracklist y la portada de Mother Earth's Plantasia.

01. "Plantasia"
02. "Symphony For A Spider Plant"
03. "Baby’s Tears Blues"
04. "Ode To An African Violet"
05. "Concerto For Philodendron And Pothos"
06. "Rhapsody In Green"
07. "Swingin’ Spathiphyllums"
08. "You Don’t Have To Walk A Begonia"
09. "A Mellow Mood For Maidenhair"
10. "Music To Soothe The Savage Snake Plant"

Ana Tijoux lanzará una edición en vinilo de ‘La Bala’

Después de ocho años, la cantante francesa-chilena lanzará una edición especial en vinilo de su tercer álbum de estudio: La Bala.

A lo largo de su carrera, Ana Tijoux se ha destacado por hacer de su música un retrato de problemáticas socio-políticas. En 2011, la cantante y activista estrenó su tercer álbum de estudio, La Bala. Este año, la artista lanzará una edición especial en vinilo para el Record Store Day.

La Bala (2011) abarca distintas temáticas sociales que fluyen al ritmo de un hip hop lleno de energía. El disco obtuvo una nominación a un premio Grammy por mejor álbum de rock latino/ urbano/ alternativo. Aquí puedes escuchar “La Bala”, canción que se desprende este este material:

A propósito, esta canción será el track principal en la nueva serie de Netflix: Historia de un crimen: Colosio. Como anillo al dedo, la canción habla del asesinato de un hombre, a quien un disparo repentinamente penetró. Cabe mencionar que esta no es la primera vez que una canción de Ana participa en una producción de este tipo, el sencillo “1997” formó parte de la cuarta temporada de Breaking Bad.

El vinilo de La Bala será lanzado en la sexta edición del Record Store Day en México, que se llevará a cabo el próximo 13 de abril. Este evento es una iniciativa global que tiene el propósito de conmemorar la cultura de las tiendas independientes de discos. Aquí puedes conocer qué banda es la embajadora de este año.

Entrevista con Usted Señalemelo

La conquista musical de la joya sudamericana.

Usted Señalemelo es una banda originaria de Mendoza, Argentina, compuesta por tres jóvenes que desafían varios de los conceptos establecidos en el mundo musical. Juan Saieg, Gabi Orozco y Lucca Beguerie Petrich, tocan juntos desde los 12 años y algo de ese espíritu de la infancia, positivamente, sigue habitando en su duende sonoro.

La banda visita por primera vez la Ciudad de México, este viernes 29 de marzo en el Foro Indie Rocks! y, previo a su arribo, ellos nos contaron de su experiencia de vida en el universo de la música.

Su nombre surgió después de uno de sus primeros recitales. “No teníamos nombre y recién una o dos canciones propias. Empezamos a jugar al trabalenguas y al que no le salía, le pegábamos. En un momento salió Usted Señalemelo. Lo subestimaron porque pensaron que era fácil, como tenía dos palabras, y bueno, a nadie le salió. Ahí fue donde decidimos ponerle ese nombre a la banda”.

Esta anécdota toma más significado en la actualidad. La gente podría subestimar a una banda integrada por artistas tan jóvenes, tal como pasó con el trabalenguas; sin embargo, ellos rompen la idea de que la juventud, con sus fiestas, exploraciones y energía total, está lejos de hacer lo que le gusta y vivir de eso. Rompen con ésta y otras ideas; pero afirman una: para ser un monstruo musical hay que trabajar con la energía de mil caballos juntos en busca de agua en el desierto.

Con dos álbumes de estudio: Usted Señalemelo y II, realizados de forma independiente, ya se colocan en la constelación musical de Argentina, y con seguridad, de Iberoamérica. No es descabellado, su música, que suena a ellos mismos (siempre podremos encontrar similitudes: Beilinson, Spinetta, Cerati, pero afincarlos a estos sería una injusticia) con guitarras frescas y batería de distintos climas que se expanden reinan la escena musical más reciente.

Las jóvenes generaciones se ponen los colores de la banda y un fenómeno extraño pasa con público mayor. “Mucha gente de nuestra edad busca algo que lo represente en cuanto a lo musical y no sé si hay tantas bandas como nosotros (por lo menos ahora) que puedan hacer eso. Pero también, en nuestros shows va mucha gente grande de 40 ó 50 años que nuestra música en cierto modo les hizo encontrar un espacio que por ahí estaban buscando, un espacio que tuvieron bandas de otras generaciones que lo ocuparon y no había nada nuevo que pudiera llenarlo”.

Respecto a su proceso de composición y producción, se fusionan los tres integrantes siempre de distintas maneras, algo que provoca que el resultado sea novedoso y expansivo, como por ejemplo, el más reciente álbum que resultó de estar produciendo y componiendo al mismo tiempo. “Todo unificado en un solo proceso en el estudio, que fue algo que nos enseñó muchas cosas. Fue un año de estar todas las noches metidos en el estudio grabando y produciendo y este tercero lo estamos encarando de otra manera. Una búsqueda constante de personalidad, de ir aprendiendo y subiendo escalones en cuanto a orquestación y producción”.

Esta entrega total ha tenido como resultado que la banda se sustente por sí misma y que pueda funcionar de manera alternativa en el capitalismo más salvaje. “Desde un principio lo decidimos hacer independiente. A medida que fuimos creciendo nos dimos cuenta de que nada de lo que nos ofrecían las discográficas, nada, nos invitaba a salir de la independencia, pues no había algo que pudiera superar lo que nosotros hacemos trabajando por nuestra cuenta sin que nadie nos diga qué es y cómo es lo que tenemos que hacer”, aseguran –triunfales– los integrantes de la banda, que está llamada a hacer historia en verdad.

No te los pierdas el próximo viernes 29 de marzo en el Foro Indie Rocks!.

Miles Kane en El Plaza Condesa

Un rockstar clásico.

Sábado. Un día después de que The Hives tocó en el mismo lugar, El Plaza Condesa. Una noche antes de su concierto en el Foro Sol con los mismos The Hives y la banda de su colíder en The Last Shadow Puppets, Arctic Monkeys. Después de la presentación de su telonero, el regiomontano Charlie Rodd, Miles Kane aparece en el escenario, cuyo fondo está decorado con unas enormes letras en tonos rosas que forman su nombre. Contrario a lo que vestía en su soundcheck (unos jeans rotos con una playera con la imagen de John Lennon y Yoko Ono, y una mascada en el cuello), ahora aparece muy elegante, todo de negro, con la camisa/chamarra abierta casi hasta el ombligo y un poco de maquillaje plateado brilloso bajo los ojos.

El look de rockstar lo completan sus brazos marcados por practicar box y su guitarra roja. Saluda a sus fans con un concreto. "Buenas noches, México" y de lo primero en sonar es “Two-faced Johnny, hotel lobby”, la enérgica letra de “Silverscreen”. El británico llena el escenario mientras que los tres músicos de su banda lo acompañan en la guitarra, el bajo y la batería.

Al tema abridor le seguirán rolas como “Inhaler”, “Loaded”, “Cry On My Guitar”, “Give Up” y “Killing the Joke”, que llenaron el recinto de riffs de guitarra y gritos de fans. Lo mejor del concierto fue la súper bailada “Better Than That”, que junto con la muy coreada “Don't Forget Who You Are” (la última que tocó antes de desaparecer para luego volver), fueron de las mejores recibidas en una noche en la que el inglés se notaba emocionado y por momentos dejaba su guitarra para pasear por el escenario o dejaba de cantar para darle la voz al coro de fanáticos que aplaudían cada cosa que hacía.

Para terminar un concierto que se caracterizó por la humildad y agradecimiento de su estrella, Kane tocó “Come Closer”. Así la noche fue una de rock clásico de calidad, con fanáticos entregados y una estrella que necesita poco más que su guitarra y buena actitud para dar un show de excelente calidad.

HIPNOSIS presenta: Jonathan Bree en el Foro Indie Rocks!

Sonámbulos enmascarados, la noche de Jonathan Bree.

Poco a poco, el festival HIPNOSIS va tomando fuerza. Jonathan Bree es un personaje que lleva años en la industria musical. Estandarte de Nueva Zelanda, el año pasado sacó un disco en donde explotaba su capacidad histriónica e interpretativa. Cuando anunció que vendría a México, teníamos la posibilidad de ver a un creador en el punto más álgido de su carrera. Y fue una gran oportunidad.

El Foro Indie Rocks! ya se va convirtiendo en un clásico del circuito nocturno. Ya sabes que en la esquina hay un OXXO, ya sabes que está en Zacatecas y que, muchas veces, verás un concierto memorable en su existencia. Así fue como salió Jonathan Bree al escenario. Enfundado en el atuendo característico sin rostro, salió para deleitar a los presentes con su voz. Es raro cuando los artistas tienen la dosis necesaria de talento para sonar exactamente igual a lo que hacen en el disco. Jonathan es así. Sin medias tintas. Es su voz y es su interpretación.

La primera vez que escuché una canción del disco, quedé maravillado con el discurso. Es claro que hay un trabajo de fondo, es claro que hay una preparación, pero eso no quita que quedes embelesado con la primera vez que llega a ti “You’re So Cool”. Eres tan pletórica, tan llena de chispa, tan perfecta. Jonathan es capaz de retratar las palabras que quisieras decirle a la persona que tanto anhelas, a la que verías una y 1000 veces antes de dormir, y justo al despertar.

Algunos fuimos los afortunados que presenciamos la interpretación de un hombre comprometido con su discurso, con su música, con su diálogo. Jonathan Bree es sincero, honesto y directo. Nació en Nueva Zelanda. Tuvo la suerte de tener a Mark Lyons, frontman, de The Nudie Suits como primo, pues le introdujo al mundo musical. Para los más versados, Nueva Zelanda es sinónimo de Flying Nun Records, del sonido de Dunedin, y de kiwis. No obstante, en 1998 y basado en Auckland, Jonathan Bree, junto a Heather Mansfield, formarían a The Brunettes —dueto de indie/chamber pop que tomaban mucho de lo colorido de los años 60 y la pared de sonido de Phil Spector. A la postre, Bree formaría Lil’ Chief Records junto a Scott Mannion de The Tokey Tones y hasta el día de hoy, son referencia para voltear a ver lo que se hace en la isla de Oceanía.

Hay escenas icónicas en la historia del cine. Desde una partida de ajedrez con Bergman, origami en forma de unicornio o un hombre vestido de negro parando balas con un gesto de la mano. Si nos vamos al plano de las chick-flicks, los años 80 tienen maestría en las coming of age. "Boombox Serenade" es un pequeño homenaje a Say Anything, en donde John Cusack va hasta una ventana buscando amor potenciado por una grabadora. Y así sonó. Eterna. Deslumbrante.

A final de cuentas, Jonathan Bree fue capaz de condensar un disco en algunos minutos, de presentar al personaje enmascarado, misterioso, etéreo, a ese hombre que observa a una mujer con peluca rosa, con voz angelical y que le dice que se amarán para siempre.

Es difícil superar los grandes discos, las grandes interpretaciones quedan guardadas en la memoria de unos cuántos, pero aquellos minutos quedarán inmortalizados en la memoria de los que pudimos estar presentes, enmascarados o no, con un artista de esos que dejan huella. Larga vida a Jonathan Bree y que la HIPNOSIS continúe...

Juan Pablo Vega en el Lunario del Auditorio Nacional

Los ritmos de Juan Pablo Vega inundaron el Lunario del Auditorio Nacional.

Han pasado solo unas horas y la sensación de completa felicidad continúa presente en la memoria de los asistentes. El pasado viernes 22 de marzo, el cantante colombiano Juan Pablo Vega ofreció un concierto en el Lunario del Auditorio Nacional para presentar su nuevo material discográfico titulado Conexión. El show contó con la presencia de grandes exponentes de la escena nacional como Caloncho, Elsa y Elmar, Sabino y Esteman.

En punto de las 20:30 H. Noa Sainz entró al escenario, de inmediato contagió de su energía al público, quienes comenzaron a bailar desde los primeros acordes. Los beats llenaron el recinto mientras hacía gala de su potente voz , para sí presentar su proyecto de R&B.

La luces se apagaron y las melodías de "Pruébame", con tan solo unos segundos en el escenario Juan Pablo Vega hizo que el público enloqueciera, la fiesta daba inicio y prometía grandes sorpresas. Los sonidos jamaiquinos se hicieron presentes cuando entonó "El rincón", recordando el amor que nunca pudo confesar.

Aunque todo era diversión, a veces en la vida es inevitable no sentir un poco de nostalgia, "Despedida" fue la encargada de abrir las heridas de aquellos que se encuentran sanando los estragos que el amor deja, y los que aún conservan esperanzas de volver, entonaron con todas sus fuerzas "en el camino te estaré encontrando, no sé donde, no sé cuando, para amarnos otra vez".

El romanticismo no tardó mucho en regresar, y lo hizo de la mano de "Cuando te tengo cerca", en seguida le dio lugar a "Conexión", logrando que los fans no pudieran contener la emoción, que continúo con "Ya no puedo estar lejos de ti". "No paremos de bailar" anunció el retorno del mood sad, que llegó acompañada por "Mansong". "No quiero aceptar que aún no tengo la receta para dejarte de amar".

El último puente entre la tristeza y las lagrimas fue "Hace una hora", los solitarios que se han dado por vencidos y han decidido dejar ir a ese amor por su propio bien, se desgarraron la garganta cuando cantaron. "Busco en la rabia que ahora siento, si algo queda de tu amor. Y no estás, y te vas". Para volver a ese ambiente de jubilo y fiesta, el colombiano encantó a sus fans con "Respira".

Había transcurrido más de la mitad de la velada, y nosotros sabíamos que lo mejor estaba reservado para el final. "Vicio" llegó acompañada de una sorpresa Sabino haciendo rimas en medio de la canción, ocasionando que la garganta de la chica detrás mío se deshiciera en un grito extasiado.

"Sigo señales que me das, en esta noche surreal el tiempo para de correr si ya no hay nada que perder", Esteman saliendo al escenario para cantar y bailar al son de "Nada que perder" a lado de su compatriota. La penúltima oportunidad para terminar de recordar, con coraje, a tu ex vino con "Ahora que vas a dejarme". "No extrañaré a tu familia, ni a tus estúpidos amigos, si tú me lanzas al olvido, igual me encargo de olvidarte".

Nos acercamos a la recta final, la fiesta se intensifico solo para abrirle paso al momento cumbre, Caloncho y Juan Pablo vega interpretando "Real".

Por supuesto la noche no podía terminar sin que el Lunario del Auditorio Nacional retumbara con la favorita del público, "Nada personal", la talentosa Elsa y Elmar fue la encargada de enunciar esa despedida a ese ex que siempre vas a amar no importe el tiempo que pase. "Ya no me duele pronunciar tu nombre, ya no me acuerdo lo que es sentir tu amor, y puedes ver que estoy feliz por ti, y tu lo estas por mi." Y fue así como "la historia (el show) terminó con esta canción". 

The Hives en El Plaza Condesa

Sudor, gritos, empujones y baile.

"¡Quiero tocar su cuerpo!", Un fan teniendo tan cerca y tan lejos a Pelle Almqvist.

Empecemos esta historia desde el mero principio de todo. Poco antes de que el reloj marque las 20:00 H. el lugar luce abarrotado, no cabe ya más no un alma... En realidad no, todo se ve lúgubre, casi nada de materia humana, tan poca que desde que entras al lugar puedes llegar al frente de la barricada. Pero justo al salir De Nalgas... El Plaza seguía luciendo tétricamente muerto.

Aún con instrumentos llenos de stickers, chamarras con estoperoles, playeras sin mangas, lentes oscuros, gritos alocados, tamborazos potentes, guitarras jugando entre pedales de efectos, los únicos aplausos y silbidos que consiguieron esa noche se pueden contar con los dedos de una sola mano o quizás mano y media.

No estoy tratando de menospreciar al talento mexicano, ni tantito, pero al final el grupo estaba tocando justo frente a una manta gigante que dibujaba las palabras en bold blanco y negro: The Hives.

No es que sea una banda mala, simplemente no hizo la curaduría correcta para calentar el escenario de The Hives. Al final esa es la gran lección de la noche, no dejen que la gente crea que el rock nacional no sirve, porque hay grandes bandas, la cosa es colocarlas donde deben ir... Como el Tetris. Solo hagan mejores curadurías y todo estará bien para todos.

Se va De Nalgas del escenario e inmediatamente entran los ninjas del staff de The Hives a acomodar todo el equipo, realmente solo a hacer ajustes porque ya todo está preparado, pues estos suecos trajeados tienen una producción precisa para dar los mejores shows y continuar siendo nuestra eterna banda favorita.

En los minutos previos a la salida de The Hives y aprovechando a echar un vistazo alrededor, se ve cómo poco a poco se llena El Plaza y logramos apreciar en el público playeras de Foals, de Bunbury, de Misfits, de Björk, rockers con chamarras de cuero con pelos relamidos y pantalones ultra apretados, bastante diverso todo.

Las luces se apagan después de un breve set de rolas de The Velvet Underground y el tema del Cabo del Miedo comienza a sonar para darle entrada a la, autoproclamada, mejor banda de rock del universo. Pocos segundos bastaron para comenzar a agitar el piso de El Plaza, recibiendo completamente desquiciados a los suecos.

Estos compas saben cómo causar expectativa y explotar en el momento indicado para destruir todo a su paso, por eso sin ningún aviso previo sueltan un riff de guitarra que nos hizo gritar hasta regresar al mero año 2000, año que fue lanzada, "Main Offender" casi termina por hacer escombros nuestras almas.

A excepción de una sola canción, ese temblor en el suelo se sintió durante todo el concierto, mucha energía arriba y abajo, mucho sudor, muchos líquidos flotando en el aire y cayendo directamente a los cuerpos de los de hasta adelante, descontrol y mucha energía desparramada por todos lados.

Pero después volteabas tantito hacia atrás y realmente no somos muchos los que estamos hasta adelante gastando nuestras energías para disfrutar al máximo a una banda que ya tenía muchos años sin aparecerse por nuestro país, una banda que nos está regalando música nueva.

Pero algo que nos puso emotivos fue la reciente operación de Chris Dangerous quien obviamente no pudo venir, pero le dedicamos muchas ovaciones.

He visto otros conciertos de The Hives y debo decir que este no fue el más enérgico de todos, pero no de arriba del escenario, arriba todo vibraba con la mejor energía, todos arriba estaban derritiéndose en sudor y abajo solo unos cuantos.

Quizás ya estamos viejos, quizás el público esperaba más éxitos con riffs más potentes para regarles toda su energía saltando, bailando y gritando o todo al mismo tiempo. La cosa es que The Hives lleva tocando desde 1993, tampoco es que su base de fans sea realmente nueva.

Pero algo es cierto, el final estuvo tan contundente que cuando por fin dejaron zumbando el último acorde para no volver al escenario, todos quedaron conmocionados por unos cuantos segundos, pocos segundos, unos 10 o hasta 30 se quedaron viendo hacia el escenario esperando a que no se acabara... Pero acabó y cuando por fin se dieron cuenta comenzaron moverse, buscando a sus amiguis o las plumillas que aventaron por montones.