Broken Social Scene — Let's Try The After (Vol. 1) & (Vol. 2)

La orquestación del después.

Han pasado dos años desde el lanzamiento de Hug Of Thunder (2017), el último álbum de estudio de Broken Social Scene. Sin embargo, este 2019, el colectivo canadiense nos presenta dos EPs bajo el título Let's Try The After (Vol. 1) & (Vol. 2). 10 canciones que nos hablan de una cosa en específico: seguir adelante pese a cualquier situación.

Fue en 1999 cuando Kevin Drew y Brendan Canning iniciaron con el proyecto. Con el paso del tiempo y después de cinco discos de estudio, Broken Social Scene se ha convertido en un colectivo donde diversos músicos fusionan su esencia para poder crear algo nuevo. Y aunque pudiese parecer algo abrumador de escuchar, en realidad se vuelve una experiencia que convierte una numerosa cantidad de sonidos en agradables melodías.

En esta ocasión, hablaremos de Let's Try The After (Vol. 1) & (Vol. 2). La primera parte estuvo disponible desde mediados de febrero, mientras que el (Vol. 2) se estrenó hace unas semanas, exactamente el 12 de abril. La producción estuvo a cargo de Nyles Spencer, Charles Spearin y Joe Chiccarelli. Y en cuanto a su distribución, el sello discográfico Arts & Crafts se encargó de ello.  

Ahora sí, hablemos de cada EP.

Let's Try The After (Vol. 1)

Escuchar un preludio en cada material discográfico es algo que, en lo personal, agradezco. Al igual que en un texto, esta pieza forma parte de un todo; en este caso, de la experiencia completa del EP. “The Sweet Sea” y “Remember Me Young” tienen esa función: situarnos en un lugar preciso para lo que se aproxima.

Con una melodía rítmica, “Boyfriends” aparece como una invitación a dejar las idealizaciones románticas y las promesas rotas atrás. Formalmente es la primera canción del EP y para este momento ya esperamos oír algo que nos enganche por completo, pero no sucede así. La potencia melódica se queda un poco corta en los coros; sin embargo, la distorsión en los vocales parece que reaviva lo que creíamos perdido. Y esto mismo que sucede con “All I Want”, pieza con la que concluye este primer EP.

A pesar de este detalle, “1972” se cuela entre ellas para dejarnos con ganas de más. Si bien, la melodía es lenta pero no por ello la canción pierde potencia. Los bajos marcan una fortaleza que emana de la letra. Y el uso de los sintetizadores acompañan rítmicamente a esta obra con tintes nostálgicos.

 

Let's Try The After (Vol. 2)

En esta segunda parte, nuevamente, el colectivo canadiense nos recibe con una pieza instrumental. Sin embargo, en “Memory Lover” escuchamos algo más electrónico. El recurso de los sintetizadores adquiere mayor énfasis y se deja atrás el toque beach wave que se podía escuchar en el (Vol. 1).

“Can’t Find My Heart” es la pieza que tanto esperaba. El ritmo y la intensidad vocal nos lleva por una melodía que seguro se disfrutará en vivo. “Now, I can’t find my heart. So where’d you go?”. La fusión que logran entre música y letra, se vuelve fascinante y pone la vara un poco alta para el resto del material.

Aparece “Big Couches”, que desafortunadamente nos regresa a la monotonía melódica y a la falta de ese je ne sais quoi. Sin embargo, la melancolía que envuelve la siguiente pista, “Let’s Try the After”, nos regresa al juego y le da pie a un interesante final con “Wrong Line”. Canción que, con un ritmo más experimental, envuelve a este volumen con un aura más melancólica y de resignación.

Con 20 años de trayectoria, es claro que Broken Social Scene aún tiene esa chispa para conquistar nuestro corazón indie rockero. “1972” y “Can’t Find My Heart” son prueba de ello. Y aunque en ocasiones Let’s Try the After cae un poco en melodías monótonas; es evidente que la orquestación que se hace con la variedad de sonidos, le aporta valor a cada track de estos EPs. 

Matmos — Plastic Anniversary

Una experimental reflexión sobre el plástico en nuestras vidas.

Nos estamos acabando el planeta. Lo contaminamos, lo quemamos, lo degradamos, lo sofocamos, lo presionamos, lo saturamos, lo asfixiamos. No miramos el porvenir, únicamente atinamos al instante, pero la basura ahí sigue y tardará muchos años en degradarse, mientras eso sucede nos complicará la existencia hasta que lo siguiente que agotemos sea la vida en su totalidad. Si bien es cierto que la exploración lunar y las posibilidades de habitar otros planetas es inerte a la curiosidad de saber qué hay más allá del cielo azul, también es factible que provenga del temor de que la Tierra deje de ser habitable en breve. Calentamiento global, extinción de las especies, nuevas enfermedades, mutación de los virus y espacios poco habitables complican la rutina cotidiana. Bajo la premisa de la relación individuo-plástico, el dúo de California ahora establecido en Baltimore, Matmos, presenta su nuevo álbum, Plastic Anniversary, un ansioso tratado electrónico sobre el plástico enmarcado en los 25 años de trayectoria de la banda.

En la paradoja de lo útil y familiar que resulta para la humanidad en tanto que dañino para el medio ambiente, Matmos explora la “durabilidad, portabilidad y longevidad” del plástico, produciendo su placa con sonidos provenientes de tubos de pvc, implantes de silicon, un escudo de policía, contenedores de polietileno y cualquier objeto inimaginable que encontraron en un centro de reciclaje de dicho material como grasa humana sintética. Plastic Anniversary tiene como antecesor el también experimental Ultimate Care II, cuya materia sonora era el ruido proveniente de una lavadora Whirlpool. El concepto del plástico como materia reconocible es adaptado al sonido IDM, experimental y glitch que la banda ejecuta perfectamente. Chasquidos, rebotes, chirridos y muchas percusiones forman el núcleo celular de las 11 de canciones que a ratos son juguetonas y a ratos dramáticas.

En una primera parte, Plastic Anniversary, onceavo álbum de M. C. Schmidt y Drew Daniel, es frenético, roto, divertido, pero carente de fuerza, extraviado, producido impecablemente, pero perdido en la experimentación del ritmo, es un deambular por sonidos “curiosos” de un material que inunda la vida en el siglo XXI. “Breaking Bread”, “The Crying Pill”, “Interior With Billiard Balls & Synthetic Fat” y “Extending the Plastisphere to GJ237b”, integran este divertido pero poco atractivo combo. Un montón de “ruidos” poco usuales sobre la melodía terminan por dominar el track. Si logran llegar a “Silicone Gel Implant” estarán entrando a lo más atinado y logrado de este experimento digital en donde jugueteo y fuerza se unen para lograr temas atractivos. Sigue existiendo el plástico como un sonido táctil, real, solo que en pistas como el homónimo “Plastic Anniversary” adquiere sentido y emoción, como el caso de “Thermoplastic Riot Shield” que aunque continúa dentro del ritmo fragmentado, es un intenso track volcando su agresividad y violencia en una compulsiva electrónica voraz. Es amenazante. Estruja, sacude y aprieta de nuevo.

En la parte que es más dramática por su complejidad en la composición y en la estructura, así como por la intensión, Matmos, toca las fibras del cuerpo. “Fanfare For Polyethylene Waste Containers”, una majestuosa ópera pop con unas sobresalientes percusiones y flautas equilibrada con melodía y ritmo; “The Singing Tube” es minimalismo conducente que nos prepara para la llegada del cuarto reino: el plástico. Más allá de lo animal, lo vegetal y lo mineral se encuentra el plástico ejerciendo su dominio hacia donde miremos. El cable de nuestro celular, la mica de este, el bolígrafo, la botella de agua, la mochila, la bolsa del supermercado, el plástico nos invade. Frenético, estresante, ansioso, “Collapse of The Fourth Kingdom” advierte en su caos y ruptura de la armonía la crisis que estamos viviendo hasta llegar a un desolado tema, “Plastisphere”. Ahí se acaba la vida, cuando ya no haya organismo sobre el planeta y reine una muerte sintética. Fin.

Entrevista con Hole Records

De como crear una plataforma para los que nunca la habían tenido.

Las ideas más bonitas y con mayor impacto casi siempre se desarrollan de la manera más natural y orgánica. Muchos aseguran que tiene mayor mérito ir a contracorriente, pero también tiene su arte dejarse llevar. El chiste está en encontrar la corriente adecuada y así es como nacen cosas interesantes, sin forzarla. Así como los orígenes de este sello independiente que tiene como nombre Hole Records y se encarga de brindarles un espacio a artistas de la escena independiente en nuestro país que tienen talento y genuinidad de sobra, pero no una plataforma.

Orígenes que datan hasta principios de esta década en Ensenada, Baja California cuando los amigos Carlos Arias, Coco Badán y Álvaro Castro deciden comenzar con Tajak, para después moverse a la Ciudad de México y formar parte de la escena que eventualmente serviría como antecedentes para la constitución de Hole Records.  

“No conocíamos a nadie aquí en la Ciudad de México y nomás queríamos hacer toquines que a nosotros nos gustaría ir”, menciona Álvaro respecto a esos años.

Pero aún más importante, la razón primordial se basó en la falta de plataformas para ese lado de la escena mexicana más experimental. “Cuando nosotros como Tajak empezamos a grabar cosas, intentamos contactar a disqueras que nos firmara y nadie nos contestaba. Intentamos con sellos internacionales y ya después aquí en México, pero nada salía hasta que un sello súper random en Serbia sacara nuestro primer disco (risas). Después seguimos sacando más material, seguíamos sin tener como publicarlo y además conocíamos a varias bandas con el mismo problema”, expresa Coco.

Y así es como surge la idea de este auténtico sello en donde el común denominador entre sus artistas se basa en la profundidad de la música. “Es música para realmente escuchar y adentrarte”, haciendo énfasis en que podrás encontrar un poco de todo en el repertorio del sello.

Por otro lado, ya se viene el festival organizado por este peculiar sello que se llevará a cabo este próximo 4 de mayo en el centro cultural Galera y que juntará en un mismo lugar a todo el talento que forma parte del sello conformado por actos de todo el país y sus respectivas escenas locales. Pasando por Mérida, San Luis Potosí, Ensenada, La Paz y Ciudad de México por mencionar algunas ciudades, el Festival Hole Records será el punto de encuentro para la música más libre que está naciendo en nuestro país.   

"El punto es tener un festival con puras bandas de la escena local mexicana. Varias llevan bastante tiempo y empezamos a notar que no las invitan a tocar en ningún lado así que queríamos darle su espacio porque pensamos que realmente lo merecen".

Al final México es rico en muchos sentidos, y definitivamente la música independiente es uno de ellos. Es fácil que esta pueda quedar en la obscuridad porque darse a conocer requiere esfuerzo y una posición privilegiada, pero la verdad es que para este sello eso no es importante. Es por el puro amor a la música y eso es lo que define a las propuestas de Hole Records.

"Es de esos festivales que no importa si no conoces el lineup, el punto es ir a descubrir música. La mayoría son proyectos desconocidos, pero todos tienen algo muy único, muy distinto. Hay un poco de todo".

Adquiere tus entradas para el Festival Hole Records este sábado 4 de mayo por medio de Boletia.

Eufemia estrena "Esto no es para mí"

Tras una larga pausa, la agrupación está de regreso con "Esto no es para mí".

Dicen que el tiempo es sabio y pone todo en su lugar, y eso parece haber pasado con Eufemia; luego de ausentarse por un sexenio la banda está de vuelta con un nuevo track llamado "Esto no es para mí". El tema tiene un sonido melódico y nostálgico, con guitarras que conectan y sacuden desde el primer segundo.

Se trata de una canción suave, una balada rockera, en ella el conjunto mantiene la esencia de su sonido clásico, pero también es posible percibir la necesidad de seguir explorando lugares en el interior de los pensamientos más personales; lo cuál podemos notar no solo en el sonido, también en su lírica, simple pero directa.

Para acompañar este lanzamiento la banda estrenó un videoclip, dirigido por Gabri Vergara. En este audiovisual podemos ver a sus integrantes en el estudio de grabación interpretando el tema mientras la letra se hace presente para acompañarlos. No esperes más y dale play a lo nuevo de Eufemia a continuación.

Estos años sin actividad hicieron que la agrupación se replanteara el sonido que quería mostrar, continuando con el hard rock y grunge que tanto los caracteriza pero de una manera más madura y mejor trabajada; este nuevo panorama sonoro seguramente lo podremos escuchar en el nuevo material que la banda está planeando presentar en un futuro.

Eufemia se estará presentando el próximo 4 de mayo en Caradura junto a Los LoveKills, donde estará tocando sus temas más importantes y claro, aprovechará para estrenar "Esto no es para mí" en vivo.

Fryturama, noise suave para viajar

La banda te invita a formar parte de su potente, ambiental y ruidoso "Festival".

Como parte de Transparente, su EP debut, Fryturama –el proyecto de Fryda Magaña y Arturo Tranquilino– nos presenta "Festival"; su segundo corte promocional. Se trata de un tema fresco, que se basa en un sonido ambiental constante; en él podemos escuchar una capa densa de guitarras y sintetizadores comprimida, calmada, cumpliendo cabalmente su función y dejando que la voz sea la protagonista del track. A lo largo de los casi cuatro minutos de duración nos envuelven en un viaje lo-fi dulce.

No esperes más y dale play "Festival" a continuación.

Fryturama define su sonido como cute noise; la mezcla ideal entre el caos de guitarras y sintetizadores repletos de delay y fuzz tocados por Tranquilino complementados a la perfección con la tierna voz humana de Fryda, que nos mantiene con los pies en el suelo mientras soñamos con universos paralelos donde podemos volar. Un perfecto balance entre el caos y la calma.

Recientemente lanzaron su primer extended play llamado Transparente, el cuál fue grabado, mezclado y masterizado en el estudio casero de Arturo. Es un conjunto de temas que te llevará a vivir una aventura llena de texturas sonoras suaves y olas de distorsión guiadas por tiernas y esotéricas voces en canciones que hablan del amor en tiempos de la psicodelia y el despertar espiritual.

Si aún no lo escuchas no te preocupes, te lo dejamos completo por aquí.

Ian Brown estrena video para "From Chaos To Harmony"

El robot adivino que aparece en el último video de Ian Brown existe y está en Manchester.

El músico británico sorprendió a principios de este año con Ripples, su séptimo álbum de estudio y primer lanzamiento de larga duración en casi una década. El disco fue muy bien recibido por sus fans y logró llegar a los primeros lugares en listas del Reino Unido. Ahora el líder de The Stone Roses volvió a ser noticia por un peculiar video relacionado a su más reciente material.

Hace un par de semanas Ian Brown compartió el clip de "From Chaos To Harmony", uno de los temas más destacados del disco y parte de los sencillos promocionales del mismo. En el metraje, dirigido por John Nolan, podemos ver una máquina que predice el futuro con la cara del cantante. Aunque muchos pensaban que el objeto fue creada por CGI, este peculiar tributo a Zoltar el adivinador de la película Big, está disponible en una tienda de discos en Manchester.

 

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Ian at Piccadilly Records in Manchester today. #thestoneroses #stoneroses #ianbrown

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Recientemente, Ian Brown visitó aquella tienda en su ciudad natal y se sacó un par de fotos con su versión robótica. Al parecer, el músico es un visitante frecuente de la tienda e incluso se presentó en el lugar en febrero de este año para celebrar el lanzamiento de su regreso.

Puedes ver el video de "From Chaos To Harmony":

Lorena Blume, dulces melodías desde Perú

Paz Court se une a Lorena Blume para deleitarnos con una nueva versión de "Caribeña".

Continuando con la promoción de su material discográfico debut titulado Cuchara chueca (2018), Lorena Blume nos presenta una colaboración con la cantante y compositora chilena Paz Court. Se trata de una versión diferente de "Caribeña", una melodía dulce donde las mezcla de texturas vocales contrastan a la perfección.

Este sencillo viene acompañado de un video dirigido por Daniela Blume, quien nos muestra un mundo lleno de burbujas, y la placidez de zambullirse en una fresca alberca. Dale play a continuación:

“La colaboración ocurrió luego de la visita de Paz Court a Lima el pasado mes de febrero, tras interpretar esta canción en una presentación en vivo”, explicó la cantautora en un comunicado de prensa. 

Lorena Blume es originaria de Lima, Perú, y con una corta carrera en la escena musical ha compartido escenario con Pedro Aznar, Esteman, Perota Chingo, Alex Ferreira, Paz Court, Ezequiel Borra y Clap Your Hands Say Yeah.

Si aún no has escuchado el disco completo, aquí te lo compartimos:

Checa todo lo que sucedió en el festival Something In The Water

Desde la cancelación del primer día, hasta la colaboración sorpresa de Pharrell Williams y Jay Z. Esto sucedió en la primer edición del festival Something In The Water.

Hace unos meses el compositor y productor, Pharrell Williams, anunció el cartel oficial de la primer edición de su festival. Something In The Water sería un evento de tres días que se llevaría a cabo del 26 al 28 de abril en Virginia Beach. Entre su cartel se encontraban nombres de artistas como Anderson .Paak & The Free Nationals, Mac DeMarcoRosalía y más. Sin embargo, no todo salió como se esperaba.

Desafortunadamente, debido a una tormenta, el primer día del festival tuvo que ser cancelado. En todo momento, a través de su cuenta de Twitter, la organización de Something In The Water estuvo al pendiente de la situación. Y como el clima no mejoró, no hubo otra opción más que anunciar la cancelación de todos los actos de ese día.

 

 

Afortunadamente, al día siguiente todo mejoró y algunos actos pudieron ser reagendados. Por lo que los asistentes, pudieron disfrutar de una amplia variedad de shows. Entre lo más destacados, encontramos la presentación del fundador del festival, Pharrell Williams.

Bajo el nombre de Pharrell Williams & Friends, el músico y productor se presentó con un set que duró casi dos horas. Contó con la participación de grandes artistas como Missy Elliott, Snoop Dogg y el reconocido rapero y productor: Jay Z. Con quien interpretó su exitoso sencillo lanzado en 2003, "Frontin'". Aquí les compartimos este gran momento.

A pesar del desafortunado suceso, la buena vibra no paró. Y el propósito del Something In The Water se cumplió. "Unir a la comunidad y celebrar la diversidad y magia de Virginia Beach". ¿Ya están pensando en asistir a la siguiente edición del festival?

Rubytates en el Foro Indie Rocks!

La energía de Rubytates llegó al Foro Indie Rocks!.

Este domingo 28 de abril fue un buen día para salir y conocer algo novedoso y fresco en la escena musical mexicana, ya que la banda originaria de Toluca, Rubytates, daría un show para seguir promocionando su reciente material discográfico titulado Ciudades de noche.

Rubytates es una banda que ha sobresalido por sus composiciones originales, ha sido considerada como una de las mejores propuestas para la música independiente en nuestro país.

La tarde dio paso a que Giorgio Siladi, cantante dominicano que envolvió a los asistentes con esa atmósfera pop protagonizada por sintetizadores y acompañado por guitarras, abriera el show.

Aunque pocos de los asistentes conocían las canciones del dominicano, esto no impidió que se emocionaran y las entonaran, como ocurrió con su éxito “Desde que no estás”, las voces de varias personas cantando con un poco de dolor “desde que no estás nunca he estado mejor”.

La tarde se fue, pero con la noche también llegó el momento más esperado, Rubytates subió al escenario, saludó a sus fans, los integrantes tomaron sus posiciones y comenzaron a tocar “Explosión”, las luces jugaban a bailar con el vocalista Pepe Nungaray.

“Zafiro” fue la siguiente canción que la banda tocó, con la que hizo que las pocas personas que aún no estaban en mood, despertaran del letargo y se entregaran a la música.

Los colores de las luces en el Foro Indie Rocks! comenzaron a tornarse más obscuras, pues había llegado el momento de interpretar “Sólo algo”, para abrir camino a una de las favoritas “Fuera de este mundo”, las gargantas de los fans cantando “Aprendiendo a siempre a sentirme bien, sin sentir lo que fui antes avance buscando todo para conquistar tu alma y mi alma al vibrar”, llenaron el recinto.

El romanticismo fue protagonista con una de las favoritas del público, “Hongo”, las luces azules iluminaban a las parejas abrazadas, las amigas del fondo bailando como si estuvieran solas, la cara de la morena que entonaba con tanto amor “Alúmbrame otra vez que quiero ir de prisa juntos”. Poco a poco las personas comenzaron a llenar el recinto, y escondido entre la multitud Manuel Coe esperaba su turno para interpretar “Ciudades de noche” con los oriundos de Toluca.

La atmósfera romántica no terminaba y “Te tengo aquí” fue la encargada de reavivarla, seguida por “Bajo las luces”, cerrando así un show llenó de energía, baile, risas, voces que cantaban al unísono.

Este domingo fue un buen día para darle una oportunidad Rubytates, una de las más prometedoras bandas de la escena nacional, con apenas ocho años dentro de la industria musical, han sabido abrirse paso y consolidarse entre los favoritos del público mexicano. No les pierdas la pista.

Thom Yorke presenta sus temas de música clásica

La BBC ha estrenado "Don't Fear The Light" y "Gawpers" de Thom Yorke.

Este 2019 ha sido un gran año para el músico británico: sus composiciones para el filme Suspiria por fin llegaron a servicios de streaming; está preparando un nuevo disco y ha publicado diferentes sencillos. Ahora, el cantante vuelve a emocionar a sus fans con su debut como compositor de música clásica.

El día de ayer el líder de Radiohead presentó en un programa de la BBC los temas que tocó el 7 de abril durante un concierto en París. Estos sencillos son "Don't Fear The Light" y "Gawpers".

Con sus dos tracks, Thom Yorke formó parte de Minimalist Dream House, proyecto de las hermanas Labèque con el que buscan rendirle tributo a los pioneros de la música minimalista. Debemos recordar que el cantante fue uno de los invitados, junto a Bryce Dessner de The National, en el concierto que las dos pianistas dieron en París a principios de este año.

En aquel show Thom Yorke estuvo acompañando a las hermanas Labèque y a la filarmónica de la ciudad. Aunque "Gawpers" ya la había interpretado varias veces durante su gira, esa fue la primera vez que se escuchó la versión completa de la canción, con dos pianos y un sintetizador modular.

Puedes escuchar "Don't Fear the Light" en el minuto 27:00 y "Gawpers" en el 47:20. En el programa de radio también se incluyó un track de Bryce Dessner, también parte del show Minimalist Dream House.