Entrevista con Nochenegra

Posted on julio 8, 2019 by -

Nochenegra: Vinilos y baile. 

Una de las afirmaciones más interesantes que se pueden encontrar en Retromania, el libro de Simon Reynolds dedicado a diseccionar la fascinación de la música con su pasado, es que los discos son fantasmas. “Un disco”, teoriza Reynolds. “Es la huella de un cuerpo musical, la post impresión de la respiración y el trabajo”. La oración tiene cierto sentido, sobre todo si se piensa en ese disco en forma de vinilo. Imaginar entonces que una colección es un desfile de espectros no parece tan descabellado.

Si esto tiene algo de cierto, entonces una actividad como las fiestas de Nochenegra es algo parecido a una invocación de fantasmas al servicio de la pasión. Con poco más de dos años de existencia, Nochenegra se ha convertido en una parte importante de la vida nocturna de la Ciudad de México, en una opción de ensueño para los muertos vivientes de la madrugada. “Los discos son obras de arte, piezas de historia, de cultura y además la gente los baila y los disfruta”, asegura Carlos Mayoral a.k.a. Pocz, una mitad de lo que parece haberse convertido en una comunidad al paso del tiempo. La otra mitad es Mariana Maduro y ambos han convertido a Nochenegra en un homenaje a los discos y en una cita mensual a la que cada vez más personas acuden.

“Conocí a Mariana en México, en 2015, mientras yo ponía música. En ese tiempo me volví más coleccionista (de discos), empecé a clavarme en ritmos africanos, latinos, funky. Luego me invitó a tocar a una fiesta, hice un set afro-latino y la gente reaccionó súper bien”, asegura Pocz sobre los inicios de la fiesta. “Tenía un proyecto de Kickstarter de cerámica y prometí hacer una fiesta si se cumplía la meta. Se logró y entonces llamé a los únicos tres DJs que conocía. La única regla era que tocaran lo que quisieran, pero que fuera música negra”, dice Mariana. “No fue público, pero se llamó ‘La fiesta negra’, después nos juntamos formalmente y llegamos al nombre de Nochenegra”.

“Fue una fiesta muy punk en espíritu, pero salió muy bien. Ahí nació el proyecto. De ahí conectamos con El Babalú (el bar en Salón Ríos) en 2017 y fue una relación muy simbiótica y orgánica. Cada vez venía más gente e incluso, en la primera fiesta de 2018, se quedaron como 200 personas afuera, el lugar estaba lleno de gente”.

Desde entonces ambos –de origen venezolano) se– han dedicado a armar diferentes versiones de esa fiesta. Pero no lo hacen solos, Nochenegra es una especie de comunidad que no deja de aceptar miembros, es un esfuerzo colectivo en donde los invitados son esenciales. “No solo son DJs, hay de todo: diseñadores, artistas, amigos de todo tipo. Cuando nos conectamos con alguien de inmediato lo invitamos, este tipo de música va conectado también con una energía y una cultura de ritmo, de calor y de baile”, dice Pocz. “Dentro de este tipo de música y en el mundo del vinilo hay muchas coincidencias y eventualmente nos conocemos”, complementa Mariana.

Son esas coincidencias y amistades en el camino lo que ha llevado al proyecto a sobrevivir y crecer en una ciudad llena de fiestas. Hace no mucho tiempo celebraron su segundo aniversario con 12 horas de música en el Jardín Juárez de la mano de DJs como Gran Eme de la tienda de discos Revancha, Ruffy TNT de Discodelic y Ritmonzón de Sonido Gallo Negro, entre otros. “Fue una locura, pasaron 4000 personas en 12 horas, estuvo muy chido. Carlos tocó su live con dos percusionistas en vivo. Estuvo chido porque eran amigos de la casa, un DJ de Monterrey que estaba de paso y dos chicos de Toronto que conocimos hace poco”. Fue una celebración particular, producto de un esfuerzo basado meramente en la pasión.

“Estamos muy felices. Ha jalado muy bien en la ciudad. La vibra de la gente es cada vez más receptiva y abierta, se nos ha ocurrido cualquier cantidad de conceptos y la gente va a bailar con la mejor energía. La fiesta se mantuvo porque la gente pedía otra y otra fiesta más. Toda la gente que nos sigue es porque genuinamente le gusta el proyecto”.

¿Cuál es el secreto de su éxito? Realmente parece ser una especial atención a los detalles. Su cuidada curaduría de invitados. “Sí hace falta cierto tipo de nivel para tocar en Nochenegra, además de ser coleccionista tienes que saber tocar. No cualquier persona puede tocar”; su enfoque hacia la música misma. “El coleccionismo es algo muy de clavados, enamorados de la música, entonces a veces los sets son muy intelectuales. Son como investigaciones musicales” y, sobretodo, su constancia para perfeccionarlo todo. “Trabajamos mucho, Pocz es productor musical, yo (Mariana) hago producción, crowdfunding. La fiesta es un side project de ambos. Para nosotros, es la fiesta que queremos ir y que hacemos una vez al mes, invitamos a nuestros amigos y esos amigos a sus amigos”.

Pero Nochenegra también se ha enfrentado a los eternos prejuicios que inundan una ciudad como la nuestra. “Obviamente nos ven blancos o güeros y Latinoamérica es muy clasista, pero ha tocado Sonido Fascinación con nosotros, por ejemplo. Es decir, no es que estemos en contra de ir a Tepito a tocar, solo no es en donde nos movemos, pero si nos invitan vamos a ir”, aseguran. Ha sido una fiesta más cercana a círculos distintos a los que la música negra evoca, con covers que esa misma cultura vería altos, pero esos detalles también son pensados. “Si alguien no tiene dinero para pagar el cover, puede enviarnos un mensaje y le damos acceso. La verdad es que también queremos escalar la fiesta y queremos traer a más DJs internacionales, pero como no tenemos patrocinio, tenemos que reinvertir siempre”.

“El prejuicio ha llevado a la gente a pensar que somos unos millonarios colombianos que hacemos una fiesta de salsa y nada más alejado de la realidad. Nos ha costado sudor y lágrimas, hemos trabajado muchas horas. No es una fiesta de salsa, eso es súper reduccionista. Hay muchos juicios injustos, pero hemos podido contra ellos”.

Cada una de esas decisiones tiene un trasfondo y todas ellas son a favor de una fiesta que se distinga del resto. Nochenegra también es distinta en su música, la protagonista de sus fiestas. “El warm up en la fiesta es muy importante. Para Nochenegra es esencial y no es solo para los DJs con menos experiencia”, asegura Mariana. “Uno tiene que tener empatía con la gente y con el dancefloor para vibrarlo. No importa que sea un disco muy raro, si no tiene la energía necesaria para la fiesta, entonces no funciona. Yo no conozco el 80% de los sets de los DJs que tocan en Nochenegra, siempre me sorprendo y eso es parte de la magia de la fiesta”.

Puede haber prejuicios siempre alrededor, pero una cosa es cierta: la música en las fiestas de Nochenegra siempre va a recompensar, los fantasmas nocturnos nunca dejan de impactar. “Cada DJ que invitamos toca algo distinto de su propia colección, es algo que solamente va a pasar esa noche, entonces es importante que se escuchen completos los sets”.

Todo el esfuerzo ha tenido recompensas y el futuro para Nochenegra se ve luminoso. “Queremos cambiar de venue y explorar la ciudad. No queremos quedarnos solo en Roma, Juárez o Centro. Queremos seguir haciendo la fiesta mensual y empezar a viajar por el interior de la República, a Estados Unidos, a Europa y empezar a llevar esto que durante dos años construimos. Nos equivocamos mucho, ya entendimos, ya sabemos cómo se hace y ya podemos hacerlo donde sea”.

Si los discos son “portales hacia tiempos y lugares remotos”, entonces las fiestas de Nochenegra también lo son. En estos tiempos y lugares han aparecido muchos fantasmas. “’Mestizo’ de Joe Bataan ha sonado muchísimo, hubo un tiempo que ponía mucho 'La niña fresa', 'Cumbia sobre el llano'. En alguna época sonaba mucho Ray Barretto, siempre hay una de Barretto que suena. He cerrado con Bob Marley, Fela Kuti. Hay una que han puesto todos los DJs y que por eso yo nunca la quiero poner. 'Tipit Hayed' de Wganda Kenya porque es una representación afrocaribeña, afrolatina de Colombia, representa mucho los tipos de ritmo de Nochenegra: es afrobeat con latin, con cumbia”. Es casi como si tiempo y espacio estuvieran al servicio de la pista de baile.

Después de mucho hablar de discos, le pido a Pocz y Mariana que sean ellos quienes cierren esta entrevista con una aproximación personal sobre lo que Nochenegra representa en realidad y sus respuestas, también, son detalles que le brindan importancia.

Mariana. “Nochenegra es un espacio abierto, completamente inclusivo, una fiesta con todos los colores, sabores, gustos, olores, de todo. Es para la gente que quiere ir a bailar y la quiere pasar bien. Para quien se quiera sorprender con música que nunca ha escuchado, salir bien sudado y rumbeado y con música que ni Shazam va a reconocer.”

Pocz. “Queremos que estén abiertos a escuchar todo tipo de música, que se den la oportunidad de escuchar estilos que expanden la mente. Nochenegra es ese homenaje a todas esas personas y compositores que poca gente conoce. Es un homenaje, también, a nuestro propio mestizaje. La música trasciende nacionalidades y fronteras, agenden el 3 de agosto porque llega la nueva fiesta”.

 Los fantasmas están listos. Ahí nos vemos.

 

35 años del 'This Is What You Want... This Is What You Get' de Public Image Ltd.

Posted on julio 6, 2019 by -

This Is What You Want... This Is What You Get ¿En qué pensaba John Lydon?

Si le pidieras a cualquier fan de Public Image Ltd. (PIL) que te recomiende un disco para introducirte en esta banda es muy probable que no te mencione This Is What You Want... This Is What You Get (1984). Y no, éste material –el cuarto en la discografía del grupo liderado por John Lydon– podrá no ser el mejor de este legendario grupo de post punk/new wave, ni tampoco el mejor ejecutado, pero eso no quiere decir que no haya aportado algo a la música o a la cultura pop. Es por eso que a 35 años de su lanzamiento, vale la pena revisarlo de nuevo y preguntarnos ¿qué pasaba por la mente de la leyenda punk al momento de idear esta obra tan rara como su creador?

Quizá la mejor manera de empezar una reseña de este disco es preguntarse ¿es tan malo como la gente piensa? La respuesta es más compleja de lo que uno puede pensar porque sería partir del hecho de que el punk sigue los mismos estándares de calidad que cualquier otra expresión artística. Aquí no cuenta una hermosa armonía, un solo bien ejecutado ni una voz angelical. No, aquí lo que cuenta es la idea, la ruptura con el entorno y eso es lo que hay que analizar.

Pongamos el contexto entonces. Es 1984 y el punk –o al menos el punk original– ya no asusta a nadie; ni musical ni ideológicamente. Al contrario, una camada de bandas new wave lograron transformar el sonido en algo lo suficientemente comercial que cualquiera podía usarlo hasta para comerciales. Fue en ese momento que John Lydon decidió atacar al sistema desde otro ángulo, intentando camuflar a su banda en los géneros más bailables y grooves, todo esto pobremente ejecutado y con toda razón, los músicos de PIL no son para nada virtuosos o tan entrenados musicalmente como para adaptarse a cualquier estilo. Todo esto pudo no estar planeado, sin embargo podemos estar seguros que eso no molestó del todo a Lydon, pues el mensaje se entendía: el pop apesta pero nosotros apestamos más.

Repercusiones en la cultura pop

This Is What You Want... This Is What You Get no tuvo la recepción que tuvieron los primeros tres discos de la banda y desde su lanzamiento fue masacrado por la crítica, incluso aquella docta en la música de PIL. No obstante, hay un par de canciones que se lograron incrustar en la cultura pop.

La primera “This Is Not a Love Song” que hasta la fecha sigue siendo parte de los setlist del grupo. La segunda es “The Order of Death” canción que se ha incluido en soundtracks tan diversos como Miami Vice o más recientemente Mr. Robot. Esto último es importante porque muestra otro tipo de éxito.

Expliquemos: existen obras de arte que inspiran a la audiencia y otras que inspiran artistas y las dos son igual de importantes. Esto quiere decir que, si bien la obra no conectó con un público masivo, podemos presumir que conectó con un sector que la tomó como ejemplo para sus propias creaciones.

Dicho todo esto hay que preguntarnos ¿cuál es el legado de This Is What You Want... This Is What You Get?

Es difícil decirlo ya que no es como sea una obra imprescindible, ni de la banda, ni del género ni de la época. Sin embargo, si uno quiere entender (o al menos intentar entender) la compleja mente de John Lydon, sí vale la pena, sobre todo a la hora de analizar sus intentos por infiltrarse al sistema y destruirlo desde adentro, por muy fallidos que estos hayan sido.

Top: Discos de la semana

Posted on julio 5, 2019 by -

Ya está listo nuestro top con los mejores discos de la semana del 1 al 5 de julio de 2019.

¡Arrancamos la segunda mitad del año! Julio ya está aquí y los estrenos musicales no paran. Es por eso que tras una discusión editorial hemos seleccionado algunos materiales que valen la pena escuchar este fin de semana. Recuerda que puedes dar tu opinión en nuestras redes sociales o recomendarnos novedades que tú has descubierto.

Facebook // Twitter // Instagram

Jesca Hoop
Stonechild
Memphis Industries

El material se caracteriza por su sonido sobrio y las altas notas que emplea Jesca a lo largo del LP. Destaca la participación de Lucius, el dúo de indie pop que ha acompañado en a Roger Waters en sus últimas giras. Aunque los tracks son para reflexionar es importante mencionar que el sonido hace que lo disfrutes de principio a fin.

Olympia
Flamingo
Universal Music Australia

Directamente de Australia, la cantante Olympia nos presenta su segundo álbum de estudio con sonidos pop rock en el que refleja su dolor que le han ocasionado diversas situaciones en su vida. "Es una tragedia personal: la adicción y la pérdida de alguien muy cercano a mí, pero no es un proyecto de catarsis. Elegí someterme a esta experiencia porque quería crear desde dentro, en lugar de explicarlo".

Dreamville/J Cole
Revenge of the Dreamers III
Dreamville / Interscope Records

Diversos artistas del colectivo Dreamville se reunieron y crearon un recopilatorio en el que plasman su mejores ideas. Sobre este larga duración J Cole declaró que esta no es valorada por los seguidores del hip hop y dan muestra de que un LP del género va más allá de un tracklist. Algunos participantes son: T.I, J. Cole, Childish Major, Ari Lennox, Ty Dolla $ign, Vince Staples, entre otros.

The Jesus and Mary Chain en El Plaza Condesa

Posted on julio 5, 2019 by -

Un daño lleno de alegría.

Han sido más de 30 años de largo y tortuoso camino para Jim y William Reid. La dupla escocesa de hermanos ha sido el núcleo constante de The Jesus and Mary Chain desde su creación, y tanto ir y venir de músicos –entre ellos Bobby Gillespie de Primal Scream, quien alguna vez fue su baterista– inicios precarios, algunos problemas legales, excesos, adicciones, y reputación por ser una banda antagónica y conflictiva en vivo, seguro conllevan a ser factores suficientes para que una banda diga “adiós” y no vuelva a juntarse nunca más. Lo hicieron, de hecho, en 1999, al grado de que Jim y William casi se matan en pleno tour.

Sin embargo, llegaron varios incentivos como su presencia en el soundtrack de Perdidos en Tokio y su subsecuente reunión en Coachella 2007 para cimentar su status de banda influyente y legendaria no solo en el shoegazing, sino en el espectro del rock en general. The Jesus and Mary Chain había limado asperezas y retornaban rejuvenecidos con un propósito de sonar, mejor y más ruidosos. De realmente sonar importantes, como se lo propusieron en 1983.

Dicho propósito siguió vigente en la noche de ayer, cuando los hermanos Reid y el resto de la banda subieron al escenario de El Plaza Condesa pasadas las 21:13 H. para contagiar ese propósito de revuelta, dolor y añoranza a un recinto prácticamente lleno. Lejos quedó la antipatía que mostraban los Reid en los años 80/90 para dar pie a un entusiasmo amable que se convertía en humildad y abrumación, en tanto ellos eran los testigos de cómo su devota audiencia coreaba y celebraba cada verso como salmo sagrado.

Desde los primeros acordes de “Amputation”, el recinto que usualmente mantiene cierto grado de elegancia y mesura, empezó a tornarse sucio, a ese tipo de clubes que asemejan una cloaca purulenta de donde vienen sonidos místicos y extraños y todo sabe y huele a la peda de antier. La afamada “April Skies” sirvió para que calentáramos más la garganta y nos preparáramos para entonar “Head On”, “Blues From a Gun”, “The Living End” y “Some Candy Talking”. También hubo oportunidad de desfilar canciones de su más reciente material de estudio, Damage and Joy, y temas como “Mood Rider”, “All Things Pass”,  y “War on Peace” estuvieron en buena compañía con los clásicos ya mencionados.

La banda se mostró energética y cálida durante todo el show, contrastando con sus ofrendas sonoras. Junto con un despliegue de luces sobrias y atinadas, los solos de William Ried, el feedback ensoredecedor de la guitarra de Scott Von Ryper, los batacazos de Brian Young y el vibrante bajo de Mark Crozer se aseguraron de que ningún oído se fuera sin zumbar y que cada estructura de El Plaza no quedara inerte.

Para el cierre, se aventaron un combo demoledor de “Halfway to Crazy” y “Reverence”, que evidentemente dejó apetito de más ante los presentes. Apetito que solo pudo ser saciado en un encore con la dulce miel de “Just Like Honey” y la electrizante despedida de “Cracking Up” y “I Hate Rock & Roll”. Al final de la noche, aquella banda que se encargara de dar la espalda al público o de lanzarle objetos desde el escenario ahora fue la que unió voces, tragos y abrazos armoniosamente. The Jesus and Mary Chain continúa su regreso sin un rastro de cansancio; son los mismos individuos revoltosos con ganas de tronar bocinas y corazones.

Mon Laferte estrena "Chilango Blues"

Posted on julio 5, 2019 by -

"Luna tú que lo ves, dile que ya lo olvidé. Dile que tal vez lo veo en Marte..." expresa en su nueva canción Mon Laferte.

Después del lanzamiento de su más reciente material discográfico Norma (2018), la cantante chilena acaba de compartir un nuevo sencillo. Se trata de "Chilango Blues" el cual viene acompañado de un interesante video musical.

El metraje, fue dirigido por Alfredo Altamirano, quien sitúa a Mon Laferte en la ciudad de Los Ángeles, acompañada de un maniquí. Este "Plastic Love" -como ella lo denomina-, la acompaña a todos lados. Esta pareja tan peculiar nos cuenta su historia de amor que comienza con detalles y paseos románticos, culminando en un gran desorden. Da play a continuación para ver el video completo:

Entre una mezcla de rock y blues, la cantante nos interpreta un tema de desamor y tristeza que hace referencia a seguir cargando con la memoria de alguien que ya no está en nuestras vidas. “Iba en un carro por Tlalpan, mirando por la ventana y vi los carteles de motel, hotel y me dio nostalgia, porque la Ciudad de México tiene mucha poesía en cada rincón. Tomé mi guitarra y ahí fue donde empecé a componer.” comentó la cantante en un comunicado de prensa.

Actualmente Mon Laferte se encuentra ofreciendo una gira por Europa, y Estados Unidos. Si deseas consultar más información sobre fechas y presentaciones, puedes hacerlo a través de su sitio web oficial.

Christina Rosenvinge en Galera

Posted on julio 5, 2019 by -

Nostalgia, poder y elegancia: el reencuentro de Christina Rosenvinge con el público mexicano.

Galera en los últimos meses se ha apropiado de nuestro lenguaje musical ya que en los últimos meses hemos presenciado interesantes propuestas en el venue de la Doctores. En esta ocasión el pop rock dominó sus instalaciones con la presencia de Christina Rosenvigne quien tras algunos años de no visitar México nos dio cátedra de por qué es una de las artistas españolas más importantes de la industria.

Pero antes de que la madrileña se adueñara del escenario, el público asistente disfrutó del show de la chilena Sabina Odone, que a pesar de que tocó pocos temas, logró conectar con sus líricas llenas de amor violento y pasión, un ejemplo fue el track "Reflejo natural". Además, se mostraba emocionada de abrirle de nueva cuenta—Ya lo había hecho en Chile— a una artista como Rosenvigne.

La visita de Christina Rosenvigne se da luego de tres años, mismos en los que la cantante se metió de lleno al estudio para presentarnos su LP Un hombre rubio, que habla sobre la paternidad y en la que también desarrolla su lado masculino. Enfundada en un traje sastre, la española subió al escenario en medio de un público bastante jubiloso que a base de gritos le demostraba su cariño. "Te amo, Christina" y "maestra" fueron lo más sonado a lo largo del más de una hora de show.

Desde el principio, Rosenvigne nos explicó la historia de algunos temas por ejemplo "Niña animal" cuyo significado tiene que ver con la migración y en el que le dijo al público "Tenemos derecho a cambiar de lugar" basándose en su experiencia como artista que ha tenido que moverse de un lado a otro. A partir de ahí la noche fue fluyendo y nunca bajó el ritmo, ya que la energía que emanaba la compositora puso a corear cada una de las canciones.

"Andan muy entonaditos. Los voy a llevar de gira". En cada momento que podía, la cantante mostraba su emoción por volver a uno de los países que le han dado apoyo a su carrera de más de 20 años. "Desde que inicié la promoción de este material dije '¡quiero ir a México, quiero ir a México!'", dijo un poco nerviosa. Otros temas que sonaron de su nuevo LP fueron "La flor entre la vía", "Pesa la palabra", "Ana y los pájaros".

Lo curioso de los asistentes del show es que había quienes disfrutaban a su manera el show: una chica descalza ejecutando pasos de danza al ritmo de los temas, otros que las canciones les recordaban momentos vividos y aprovechaban para demostrar su amor y un par de amigos que se emocionaron al escuchar "Tú por mí" y entonaron "Tú por mí, yo por ti, iremos juntas donde haya que ir, tú por mí, yo por ti, iremos juntas sólo por ir".

Algunas otras canciones que nos hicieron olvidar lo que ocurre a nuestro alrededor fueron "La muy puta", "Pálido", "La distancia adecuada" y para cerrar, el clásico, "1000 pedazos". Con poca producción y excelentes músicos, Christina Rosenvinge dio muestra de que su intelecto y experiencia musical son la mezcla perfecta para conectar, ya que como nos contó en una entrevista que se le realizó el número 91 de Indie Rocks! "Cuando escribes solamente de lo que te pasa a ti, enseguida se acaba la inspiración. Pero cuando estás intentando entender a todo el mundo, nunca se acaban los temas de las canciones".

Enjambre está de regreso con "Relámpago"

Posted on julio 5, 2019 by -

Después de dos años de ausencia, Enjambre comparte nuevo sencillo.

Han pasado dos años desde que Enjambre nos enamoró con Imperfecto Extraño. Desde entonces no había lanzado música nueva, sin embargo, la banda no descansó en el inter y este 2019 regresa no sólo con su presentación en el Palacio de los Deportes, sino también con "Relámpago", primer sencillo de su próxima producción discográfica.

Los originarios de Zacatecas se encuentran viviendo una nueva etapa, hablando musicalmente, en la que buscan experimentar y salirse de su zona de confort. Prueba de ello es su nuevo single. "Aunque sigan sonando características recurrentes de la banda en la canción, tienen un algo diferente que no habíamos hecho antes, y nos pareció interesante que fuera la primera canción del álbum", comentó Rafael Navejas.

La característica que representa a Enjambre es no temerle a experimentar y dejarse envolver por nuevos ritmos. "Relámpago" es una canción que, aunque reinventa el trabajo de estos músicos, conserva su esencia. "Hemos puesto más atención en cómo se escuchan los instrumentos grabados y los valores de producción. Pusimos más atención en cómo grabar el sonido de cierto tambor o qué efectos ponerle a la batería, sin perder la sustancia y la sensibilidad que creo que es característica de la banda".

Escucha la canción en seguida:

Respecto al disco Luis Humberto Navejas declaró "Este álbum va a ser dedicado a las generaciones venideras. Sucede que nuestro público sigue siendo joven y son los que se van a quedar con este mundo, con nuestro país y en un lugar donde se les dice que están mal porque son millenials, o que son chavitos que crecen con el celular y que nuestras generaciones eran mejores. Es con lo que tienen que vivir todos los días, pero a mí me da mucha esperanza ver las cosas buenas que van a hacer en un futuro. Me acuerdo cuando era joven, es como un reflejo, como me veían a mí de joven como algo perdido, al igual que ven a las nuevas generaciones, y quiero decirles que aunque se sientan o estén perdidos, este disco es para ustedes y está dedicado con mucho cariño".

Checa el video de este estreno:

Los miembros de Enjambre se encuentran muy emocionados por el lanzamiento de su nuevo sencillo, la espera de su nuevo disco y su show en el Palacio de los Deportes, para  la cual prometieron preparar un gran show.

 

Checa los detalles de este concierto. #RelámpagoEnjambre

El Shirota estrena video para "Tarde/Temprano"

Posted on julio 5, 2019 by -

El imparable cuarteto mexicano, te hará viajar en el tiempo a través de su nuevo video musical.

Hace unas semanas El Shirota compartió un nuevo tema que juega con diferentes sonidos. Se trata de "Tarde/Temprano", para el cual acaba de lanzar un curioso video en colaboración con el ilustrador y animador mexicano, Guillermo Anda "Guiyer".

Bajo la técnica de stop motion y animación, la agrupación, ha creado un metraje bastante psicodélico e irreverente, en el que podemos apreciar a distintos personajes de caricaturas vivir experiencias bizarras. Un visual con aires de nostalgia que hará que revivas las nostalgia de los noventa y que refuerza la actual y distintas facetas de la banda. Da play para ver el video a continuación:

"Este tema juega con armonías vocales que oscilan entre versos monótonos. Es una de las secciones instrumentales más limpias que El Shirota ha tocado." comentó Rubén Anzaldúa en un comunicado de prensa .

La agrupación conformada por Ignacio Gómez, David Lemus,Gabriel Mendoza y Rubén Anzaldúa, después de haberse presentado en NRMAL de este año y formar parte de nuestro aniversario, aprovechó para anunciar las fechas de las próximas presentaciones que tendrán en el interior de la República Mexicana.

Para más información, puedes consultar el sitio web de la banda, así también, como sus redes sociales.

12 de julio: Puebla - Cerdo Picante

13 de julio: Xalapa - Sótano

19 de julio: San Luis Potosí - Vintage Cervecería

20 de julio: Monterrey: Riot de Verano - Nodriza

30 de noviembre Hermosillo - Posadelic

Entrevista con Mateo Kingman

Posted on julio 5, 2019 by -

La delgada línea entre la tradición y la vanguardia.

Siendo participes en este plano terrenal llegamos a notar que para algunas personas su destino está más que claro desde temprana edad, para otros la búsqueda de su fin en esta tierra toma más tiempo del que se imaginaron. Para aquellos visionarios que logran palpar la bonanza del éxito es de vital importancia mantenerse al margen de las exigencias que su entorno les dicta, y un caso como estos es el del ecuatoriano Mateo Kingman, músico con influencias arraigadas y curador de una historia que augura grandes alegrías.

“Yo crecí en la Amazonia ecuatoriana, de ahí surge toda mi inspiración, por la naturaleza. Para mí era muy importante la conexión que tenia con ese espacio. Después viví en otros espacios de gran naturaleza, como en las montañas. Esa conexión esta presente en el momento de crear, entonces ese es mi nivel de mi discurso, de lo que hablo, pero después musicalmente siempre estuve conectado con la música tradicional latinoamericana, por influencia de mi mamá. Escuché siempre a Violeta Parra, a los Inti-Illimani y a Atahualpa Yupanqui. Todo este baraje de músicas se vio reflejado al momento de crear y de buscar una manera de interpretar lo que significaba para mi. Creo que mi primer trabajo que se llama Respira exploramos mucho con música electrónica y estas músicas tradicionales, pero en este segundo álbum que estamos haciendo, la búsqueda de va más hacia el lado urbano, con muchos elementos de trap”, expresó.

La singular combinación de música tradicional latinoamericana con ritmos actuales como el trap y distintos elementos electrónicos como carta de presentación, han forjado un estilo audaz y un sello que Mateo sabe manipular para crear atmosferas verdaderamente interesantes, en este punto comenta acerca de la importancia de los sueños en sus composiciones.

“Las letras surgen a partir de un mundo imaginario, parten del misterio mismo. De alguna manera siento vienen de un mundo muy personal, todos nos vamos a nuestros interiores, nos enfrentamos con nuestros demonios más fuertes, esto lleva al descubrimiento de una mismo en mis canciones, la materia prima primero como reflexión, no como opción”, comentó.

La experimentación con distintos sonidos e influencias han conducido al músico de origen ecuatoriano a la búsqueda de nuevos conocimientos en la escena musical. Su reciente introducción a la producción en su nuevo tema “Tejidos” le ha brindado una experiencia inigualable que espera repetir en futuras maquetas.

“Para mí ha sido bien importante entrar en el mundo de la producción porque por primera vez siento que estoy haciendo exactamente lo que quiero. El poder involucrarme en la búsqueda de las sonoridades, en la creación de las melodías, pero también de las armonías, los ritmos, definir los tiempos… Todo eso es parte de la creación. Ahora vamos componiendo y produciendo al mismo tiempo, siento que tengo todas las herramientas para crear mi propia música. Cada sonido está muy pensado, por eso me gusta este nuevo álbum, tal vez no le guste a nadie, pero a mi me gusta porque todos los elementos que hay en cada canción son elementos que los busqué con mucha radicalidad”, argumentó Mateo.

Con todos los preparativos listos para su lanzamiento, el nuevo material de Mateo Kingman titulado Astro promete ser un zarpazo de ritmos urbanos y elementos experimentales que él mismo ha planeado minuciosamente. Hasta el momento los singles “Tejidos” y “Religar” son el preámbulo de la fiesta que se avecina este próximo 26 de julio. Su autor comenta el concepto del álbum y explica su composición.

“Me parece que es un disco bastante exploratorio, bastante exento de reglas… y eso hace que sea un disco raro. Es un disco que tiene muchos contrastes y algunas canciones un poco difíciles de escuchar. Siento que es un disco que propone una cosa bastante particular, hay cosas que siempre me saltan, cada vez que yo lo escucho aún me siguen saltando cosas. Elegimos 'Tejidos' y 'Religar' como los primeros dos singles porque son los menos raros. Son canciones que de alguna manera tienen elementos ya conocidos, cosas que se acercan más a mi proceso anterior. Y la otra razón es porque este disco esta dividido en tres mundos: cada mundo tiene tres canciones, 'Religar' corresponde al tercer mundo, 'Tejidos' corresponde al segundo mundo, y el nuevo tema que vamos a sacar que se llama 'Último Aliento' corresponde al primer mundo. Si escuchas los tres temas seguidos, vas poder comprender todo el concepto del disco sin tener que escucharlo por completo”, expuso Kingman.

Gran orgullo y satisfacción causó en el oriundo de Ecuador el haber podido colaborar con el gran Gustavo Santaolalla en el tercer corte de Astro, titulado “Último Aliento”, de esta forma expresa su reconocimiento hacia el músico y productor argentino.

“Conectamos con Gustavo hace tiempo, musical y humanamente, yo he sido muy fan de él desde siempre, productor de varias de las influencias más grandes en mi vida. Cuando le conté acerca de las canciones de Astro eligió una y decidimos hacerla. Quedó muy linda, creo que es la canción de mayor profundidad en el disco, va a salir el próximo 26 de julio y estoy muy feliz por ello”.

El crecimiento que Mateo Kingman ha cosechado en estos últimos meses ha sido digno de destacarse. De haberse presentado con éxito en el Vive Latino 2019 hasta ser parte importante de una emergente escena electrónica en Latinoamérica le ha dejado un gran sabor de boca y las ganas de seguir trascendiendo hasta expandir su propuesta a Europa. Aquí su visión.

“Nunca me imaginé estar tocando en festivales como estos, conocer gente linda, poderosa e importante. Era una necesidad muy autentica de hacer música y poder conectar con otros músicos. Creo que puedo mandar a la gente un mensaje no precisamente positivo, pero si profundo, me gustaría poder generar lo que a mi me genera el arte, y quiero que cada vez sea más gente con la que pueda compartir mi mensaje”, enfatizó.

Como uno de los pilares de la ya nombrada nueva escena electrónica Latinoamericana, el conocimiento y experiencia a través de la amistad con muchos de sus exponentes ha logrado que Mateo crezca moral y profesionalmente, dejando en su trabajo parte de todas esas enseñanzas.

“Yo creo que ha sido muy importante poder formar parte de este grupo de creadores, estoy muy agradecido con eso, pero también siento que me he alejado fuertemente de esa escena. Pienso que me alejo de la zona de baile alternativo y electrónico y me empiezo a acercar a un mundo más urbano, pero es por la exploración musical que estoy teniendo. El haber conocido a Chancha Vía Circuito ha sido enriquecedor en miles de sentidos, pero especialmente alentador, porque son gente muy sencilla, conectados consigo mismos, buscadores de lo esencial, no buscan lo comercial, tienen pasión, al igual que Nicola Cruz. Estoy agradecido, han sido una escuela para mi”.

Finalmente, el autor de “Religar” nos contó acerca de sus planes y deseos a futuro para cerrar el año con el mismo poder con el que lo empezó.

“Con este disco vamos a ir a Europa en septiembre, después vamos a Chile en octubre y en noviembre haremos algunas fechas especiales en Bogotá, Santiago. Nos gustaría hacer una presentación en Ciudad de México, se ha convertido en un lugar lejano a la realidad, muy lindo para expandir estas ideas y sueños. Me gustaría vivir en Ciudad de México”, concluyó.

 

Skepta — Ignorance Is Bliss

Posted on julio 5, 2019 by -

Ignorance Is Bliss: Skepta y la última frontera hacia la madurez.

Para cualquier rapero que radique fuera de Estado Unidos y Canadá, posicionarse entre las grandes ligas del hip hop es una tarea titánica. Superar el arquetipo del MC que llega desde California, Chicago, Atlanta y Nueva York no solo implica sobreponerse a una imagen o a un estilo de vida determinado por la historia, también plantea el reto de convencer a un público ávido de narrativas que se desplacen entre los mitos de la violencia, el sexo, lujos, consignas políticas y arte contemporáneo. Por eso, cuando Skepta irrumpió el panorama con su potentísimo Konnichiwa, nos llevó a pensar que tenía lo necesario para sentarse en la misma mesa que  Kanye, Kendrick, Childish Gambino, Tyler, The Creator y Drake.

Tres años después de ganar el prestigioso Mercury Prize, el originario de Tottenham, Inglaterra regresa con un nuevo disco en el afán de confirmar su posición a través de direcciones distintas. Si su antecesor dio a luz en las coyunturas de la candidatura de Donald Trump y el Brexit, Ignorance Is Bliss arriba en un contexto de introspección en el que Skepta lidia con los aprendizajes que conlleva el estrellato y la paternidad.

La placa abre con una canción que pretende resumir las temáticas generales del proyecto: "Bullet From A Gun" habla de cómo el ingreso a la fama cumple con todos los clichés de televisión y la manera en que eso te abstrae de las cosas realmente importantes. Para todo el trabajo sonoro, el británico reclutó a jóvenes promesas de la producción (Indigochildrick, iO, Jay Trench y Ragz Originale) que ayudaron a refrescar la propuesta instrumental. El cambio es notorio desde el momento en que los bajos saturados son sustituidos por cajas de ritmos que accionan con mayor pulcritud. Para la mezcla, resulta fácil identificar aquellas decisiones influenciadas por los sonidos que Aphex Twin y Underworld patentaron.

Lo contemplativo que Skepta luce en los videos promocionales de este álbum se traduce en la forma que rapea en tracks como "Love Me Not", "Glow In The Dark" y "What Do You Mean?". Sus esfuerzos vocales se administran para ceder el vigor a los colaboradores: J Hus, Lancey Foux y Nafe Smallz aceleran el paso que la producción y el protagonista han decidido gestionar para que la sensación de incertidumbre jamás pierda su lugar privilegiado en la conceptualización de Ignorance Is Bliss; por otro lado, la suma de Lay-Z, Wizkid y Cheb Rabi proveen de armonización con recursos R&B y afrobeep.

Si bien Ignorance Is Bliss se aleja de la contundencia que nos exhibió Konnichiwa, apuntala a Skepta hacia una etapa de maduración en la que su carrera ya no será un maratón contrarreloj para demostrar su valía, sino un proceso de construcción musical junto a todas las posibilidades que le rodean. Dentro del panorama artístico del 2019, este disco se posiciona como uno de los más dinámicos y entretenidos del año… La voz dentro del tumulto que nos lleva a cuestionarnos la nueva posición de los raperos dentro de la industria.