Buck Gooter — Head in a Bird Cage

Posted on septiembre 13, 2021 by -

In memoriam por Buck Gooter.

La prolífica banda estadounidense Buck Gooter, nos presenta su nuevo álbum de estudio Head in a Bird Cage, a través de Ramp Local. Dejando atrás la energía de otros materiales, pero, sin alejarse de su particular combinación de industrial con punk y blues, el dúo nos presenta un disco más reflexivo y cargado de emociones. Debido al sensible fallecimiento de Terry Turtle, cofundador del proyecto, en 2019.

Utilizando elementos de archivo y grabaciones realizadas durante la estancia de su compañero en el hospital, Billy Brett honra la memoria del que lo acompañó por alrededor de 700 conciertos en más de 10 años de carrera, sumándole un nivel de profundidad al disco. Hay ocasiones en que, al fallecer un artista y se lanza una canción o como en este caso 14, que son las que componen Head in a Bird Cage, se corre el riesgo de hacerlo por las razones equivocadas, principalmente, por la ambición de seguir explotando su imagen. Se escudriña en los materiales inéditos o los que se dejaron de lado con el objetivo de encontrar una joya perdida (o no) de la cual se pueda seguir sacando rédito, ignorando por completo el hecho de que, si no fueron publicadas es porque no cumplían con los estándares del propio artista.

Aquí no es el caso, Turtle, consciente de su condición pidió a Brett que continuara con el proyecto y una oportunidad de despedirse de sus fans, a través de aquello que los unió, la música, además de ser un paliativo en sus horas más obscuras.

El tema de apertura “Nailed to a Cross” nos adentra de inmediato a la atmosfera obscura que se mantendrá a lo largo de los 37 minutos que dura este viaje. Por otro lado “Cobwebs” nos transporta al conocido Buck Gooter, siendo un ligero tramo de normalidad. De “Three Worldlees Books” sólo se puede decir que enchina la piel.

Otro momento a destacar es “Dying to Believe” canción acústica que da un cierre melancólico al disco. No sabemos qué pasará con Buck Gooter en el futuro, pero sin duda cierran esta etapa como grupo con un material honesto, al igual que doloroso.

 

My Morning Jacket en el Forest Hills Stadium de Nueva York

Posted on septiembre 12, 2021 by -

Así es como se siente la nueva libertad.

Aún recuerdo la primera vez que escuché a My Morning Jacket. Viajaba en carretera de vacaciones con mi familia y llevaba descargado en mi celular el álbum Circuital, lo escuché en loop hasta llegar al destino. Es increíble cómo, aunque pasen los años, la voz de Jim James y la sintonía de la banda sigan haciendo que me regodee por dentro cada vez que llegan a mis oídos, y en esta ocasión, a mis ojos a través de la pantalla de mi laptop. ¿Será por el estilo musical noventero? Puede ser. Quizá sea una adicción a la nostalgia de la que no me había percatado.

Les cuento. El pasado 11 de septiembre, la agrupación de Kentucky ofreció un concierto presencial, y en streaming, desde el estadio Forest Hills en Nueva York, Estados Unidos. Claro que yo lo presencié a distancia desde la plataforma nugs.net que, hablando por mí, fue una experiencia sublime. Me instalé en casa, me serví un trago y me dispuse a observar a My Morning Jacket en vivo.

He de aplaudir el trabajo de los camarógrafos, que comenzaron grabando tras bambalinas cómo se preparaban Carl Broemel, Tom Blankenship, Patrick Hallahan, Jim James y Bo Koster para salir al escenario, se veían un poco nerviosos, pero muy contentos y hacían estiramientos.

Comenzó la magia con “Victory Dance” del álbum Circuital, el escenario se vistió de luces verdes, había seis estrobos de luz con figura de nave espacial introduciéndonos a un viaje lejano. Jim James apareció con una capa morada aterciopelada y su caja de ritmos colgada al cuello. Ya sabemos que el señor es elegante, pero también despreocupado. Pues conforme avanzó el setlist fue entrando en confianza y se despojó de todo; quedando el ser humano, el artista, el compositor, el guitarrista, el vocalista... El personaje que nos ha encandilado con su talento por más de una década.

My Morning Jacker_Nueva York (4)

El ambiente que se veía en el estadio me fue sorpresivo. A cámara se veía a miles de asistentes bailando libremente, cantando y coreando las letras, bebiendo una buena cerveza y grabando el concierto con sus celulares. Si bien algunos preferían portar su cubrebocas, otros de plano se olvidaron de él. En el chat del evento en línea también había usuarios interactuando, se leían comentarios como: “This guys Rocks”, “I’m good with this”, “Touch Me I’m going to scream Pt. 2 made my mind blows again”.

Por su parte, el grupo se veía feliz de tocar en vivo, y wow con iluminación que estuvo a cargo de Marc Janowitz. Hubo un momento en el que la bola de cristal se encendió y todo el estadio se llenó de estrellas y diamantes de luz. Parecía un sueño, pero no cualquiera, sino uno de ésos que añoras con todas tus fuerzas. ¿Esto es real? Sí, los estadounidenses están viviendo otra realidad, una que en México está muy cerca de materializarse, o al menos esos son los pronósticos.

La velada incluyó los temas “Steam Engine” y “Dancefloors” del álbum It Still Moves (2003); “What a wonderful man”, “Gideon” y “One Big Holiday” del álbum Z (2005); “First Light” y la poderosa “Touch Me I’m going to scream, Pte. 2”; “Compound Fracture” y “Tropics (Erase Traces)” de The Waterfall (2015); “Climbing the leader” y “Spinning My Wheels” de The Waterfall II (2020).

Hubo varias sorpresas. Fue revelado “In Colour” y pudimos escuchar el nuevo sencillo “Regularly Scheduled Programming”, ambos serán parte del nuevo álbum homónimo que se estrenará el próximo 22 de octubre. También fuimos testigos de los covers que MMJ tocó en honor al príncipe del soul americano: Marvin Gaye, “Mercy Mercy Me (The Ecology)” y “What 's Going on”.

Los amamos, New York, sean buenos unos con otros. Gracias”, dijo Jim James al despedirse del público.

Acto seguido, recogió del suelo un ramo de rosas, una playera de “Bobby Lane - Never Forget” y otros obsequios de sus fans. El compositor y músico agradeció con una sonrisa y su puño derecho presionando su corazón con sinceridad. El público gritó “USA, USA, USA” hasta que se apagaron las luces.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

A 15 años del 'Pieces Of People We Love' de The Rapture

Posted on septiembre 12, 2021 by -

La nostalgia inmediata.

La primera década de los 2000 para muchos fue una época de cambios constantes y de continua adaptación, para otros se trataba de descubrir y de crecer. La industria de la música probablemente vivía estas dos facetas, el boom de Myspace en Latinoamérica estaba cerca de ocurrir, y una ola de bandas independientes estaban abrazando nuestros oídos, The Rapture era parte de ella.

En el 2006 la banda Nueva York ya venía de dos materiales; Mirror (Gravity Records 1999) y Echoes (DFA Records 2003), éste último álbum los había puesto de lleno en el radar. Echoes nos regaló entre otras cosas, una canción homónima y el hit, “House of Jealous Lovers”, un disco en general visceral, sucio, explosivo y emocionante, suficiente para crear una base de fans robusta en diferentes lugares del mundo.

Después de Echoes la expectativa natural se sentía y The Rapture nos regaló Pieces of The People We Love, que hoy a 15 años de ver la luz es detonador de nostalgia, aunque, ¿Qué buen disco no lo es?

Los neoyorquinos muy a su forma se hicieron un lugar en la pista de baile y con este disco nos demostraron que les agradaba estar ahí, Pieces of The People We Love resultó ser un trabajo más limpio respecto a lo anterior, se nota el cálculo y  otra actitud, abrió un abanico de recursos que le dio una personalidad particular al disco, además de consagrar el uso de cencerro y la particular voz de Luke Jenner.

Con el paso del tiempo da la sensación de que el disco se asienta cada vez más en el gusto colectivo, si bien tres lustros no es mucho si es suficiente para hacer un corte caja, y este es muy positivo, tal vez para algunos no es el mejor disco de la banda pero para nada es indiferente, se le quiere y se le quiere bien, marcó a una generación y nos remite a la nostalgia inmediata.

The Rapture ha sido siempre un efímero golpe en la cara que te despierta para ir a la fiesta, y este disco lo demuestra, “First Gear”, “The Sound”, la canción homónima al disco o “The Devil” son la prueba de que el objetivo siempre ha sido el guateque, y qué decir de “Get myself into it” o “Whoo! Alright- Yeah… Uh Huh.” que son las culpables que desde hace quince años no dejemos de mover los pies. En total 10 canciones que se complementan muy bien.

El arte del disco es una fotografía de la estética del momento, una portada que muestra a los que entonces eran cuatro integrantes de la banda con pantalones entubados looks despeinados, playera y sacos estrechos más un juego de colores muy lindo. Cabe mencionar que la dinámica del show en vivo se enriqueció con este material y aunque suene a obviedad, no siempre pasa.

Ha sido confuso encasillar a la banda y a sus discos en un género y la tarea es innecesaria, se sienten un montón de influencias pero The Raputure suenan a ellos, han sentado una importante base para lo que pasó después.

Hoy celebramos y rememoramos un disco que invitó a bailar y a cantar a una generación, y que misión ahora es hacer lo mismo, hacerse atemporal y adolescente por siempre.

A 15 años del ‘Magic Potion’ de The Black Keys

Posted on septiembre 12, 2021 by -

Antes, durante y después de un buen fracaso.

Cuando el error nos absorbe es fácil perdernos entre la autocompadecencia, tirar los brazos al suelo sin poder mirar al frente aceptando la gloria amarga de haber fallado como nunca antes, sin estilo, sin moraleja que logre suavizarlo. Todo ello es, a duras penas, una pequeña parte de lo que compone el fallar, fallar en serio y el dueto compuesto por Dan Auerbach y Patrick Carney lo ha sabido siempre.

The Black Keys (01)

La atmósfera musical durante 2006 se encontraba a lo menos dispersa; el nuevo milenio había traído una ola de revoluciones sonoras disparando los estilos hacia todas y ninguna dirección. Discos como Return To Cookie Mountain de TV On the Radio, el homónimo de Beach House o Alright, Still de Lilly Allen junto al mood post impacto de The Strokes y The White Stripes dejaban un espacio bastante limitado para el blues rock. La evolución se sentía necesaria.

Tras una serie de álbumes meteóricos lanzados desde lo under The Black Keys llegaba a las ligas mayores de la mano de Nonesuch Records (parte de Warner Music y actual sello de la banda), debutando en el nuevo label con Magic Potion.

El primer material enteramente original del dúo se  convertiría rápidamente en uno de los más duramente criticados.

Trackeado completamente en el sótano del baterista con alrededor de $5,000 USD en equipo de grabación, los 11 cortes partían de esa sensación blues garage ya antes escuchada en trabajos como Rubber Factory de 2004, sin llegar a lograr la calidez mid-fi entregada en este.

Llevamos el master a casa y no se sentía nada en las frecuencias bajas. Lo dejamos en el servicio postal para enviarlo a la disquera y terminar con él. De todo lo que hemos hecho juntos es de lo que más me arrepiento”, Compartiría Cartney años después.

Una cosa era segura, la banda seguía fiel a sí misma aún firmados por una trasnacional y fue quizá este mismo pensamiento el que los contuvo al momento de aterrizar ideas en terrenos de lo musical. Si bien tracks como “Just Got to Be”, “Your Touch” o “Elevator” inyectan de impulso a quien sea que las escuche el resto de canciones se sienten bastante más livianas, sin alcanzar la dulzura narcoléptica de cortes como “The Flame” o “You’re the One”.

The Black Keys (02)

El álbum vería la luz durante el último tercio de 2006 poniendo tanto a Auerbach como a Cartney al filo de la navaja crítica. El torrente de opiniones divididas masticaría y escupiría al material ranqueándolo mayormente con notas mínimas sobre la media.

Existen pocas cosas tan desalentadoras como el fracaso y, paralelamente, tan incendiarias como la reivindicación tras la caída. Tras el golpe en seco que fue Magic Potion se viviría uno de los momentos más intensos dentro la banda; The Black Keys prendidos fuego.

La trayectoria de ambos músicos retomaría potencia con los trabajos venideros reestructurando su sonido y proceso dentro del estudio. Attack & Release, lanzado dos años después, vería la primera colaboración del dueto con Danger Mouse en la producción, dejando un sabor a folk, psicodelia y blues efervescente necesario para el avance de la banda, rematando con Brothers en 2010 seguido de El Camino durante 2011, Auerbach y Cartney pasaban de underdogs a headliners en cada festival posible, premios, giras y una multiplicidad de proyectos alternos con nuevos y emocionantes sonidos.

Magic Potion fue un fracaso pero sin el fracaso The Black Keys no sería The Black Keys hoy.

The Black Keys - Magic Potion (Art)

A 20 años del experimental ‘A Funk Odyssey’ de Jamiroquai 

Posted on septiembre 11, 2021 by -

Ritmo, experimentación y sonido.

Un 3 de septiembre, pero del año 2001, salió a la luz A Funk Odyssey el quinto material discográfico de la banda británica Jamiroquai. En un principio se tenía planeado que el álbum se llamará 2001: A Funk Odyssey, pero en ese entonces la disquera no quería que los títulos llevarán fechas. 

La influencia de Jamiroquai hacia el acid jazz, se debe a la madre del líder y vocalista Jay Kay, quien era una cantante de jazz cuando Jay era muy pequeño y eso le dejó influencias musicales del género, que llevó a lo largo de sus primeros discos, hasta que lanzaron el A Funk Odyssey.  

Un álbum con 11 temas que incluyen nuevos sonidos en los que, Jamiroquai hizo a un lado el acid jazz que llevaban haciendo en sus anteriores materiales y se adentró a experimentar distintas combinaciones de música funk, electrónica, rock y disco, creando uno de sus materiales más comerciales. 

¿Qué es lo que escuchamos en este álbum?

Alejándose de sus raíces y lo que estábamos acostumbrados a escuchar Jamiroquai llegó con una onda muy funky de los años 70, demostrando a todos de lo que eran capaz de crear. Y nos damos cuenta desde que escuchamos la canción abridora del álbum “Feel So Good” que comienza con melodías muy ligeras y tranquilas hasta el momento en que llegamos al coro y sale todo lo funky al grado que te hace sacar los pasos al estilo del buen Jay Kay. 

Siguiendo con los temas bailables tenemos “Little L” que fue el sencillo que ocupó el puesto número uno en las listas de los rankings musicales a nivel mundial en 2001 y como no serlo con esa onda disco y melodías pegadizas en la que crearon una muy buena combinación de sintetizadores con bajo y guitarra. Seguido de canciones como “You Give Me Something” y “Love Foolosophy” que les dan continuidad a los temas para romper la pista.

A nivel comercial tuvo bastante éxito, pero la crítica no fue nada buena, mientras los tracks van pasando uno tras otro, podemos percibir el cambio de ritmos que hay constantemente, como en “Black Crow”, “Corner of the Earth” y “Picture of My Life” que son canciones muy cálidas y tranquilas que de cierto modo apagan un poco el ritmo con el que comenzó el disco. 

Por otra parte, tenemos temas más ruidosos y rápidos en las que podemos apreciar más guitarrazos y sonidos de sintetizador como en “Stop! Don’t Panic”, “Main Vein (Without Simple)” y “Twenty Zero One”.

El álbum termina con “So Good to Feel Real” una canción muy bailable con melodías bastantes alegres, que mejorarían el día de cualquier persona, muy buena forma de cerrar el álbum. 

Después de dos décadas del lanzamiento del A Funk Odyssey nos sigue pareciendo uno de los discos más experimentales, lleno de ritmos, sonidos y procesos nuevos que, si bien, los resultados no fueron los mejores para el grupo británico, nos compartió una gran experiencia y nos adentró a la onda funky a través de sus canciones. 

 

“Eyes On Me”, el nuevo video de Skepta

Posted on septiembre 10, 2021 by -

Beats movidos y mucho flow desde el Reino Unido.

El rapero, compositor y productor británico Joseph Junior Adenuga mejor conocido como Skepta acaba de lanzar el video de su más reciente EP All In, este álbum salió el pasado 30 de julio vía Boy Better Know.

El video es el primer sencillo de este lanzamiento y lleva por título “Eyes On Me”, el cual estuvo dirigido por Matthew Walker quien ha hecho más videos para el rapero y ha trabajado con otros artistas como JME, Tom Grennan, P Money y Wretch 32, además ha hecho comerciales para Apple Music, BBC y NFL.

“Eyes On Me” nos muestra una perspectiva de Skepta fuera del escenario y los estudios de grabación, presentando diversos panoramas de su vida donde se ve al cantante en locaciones de lujo. En este video se aprecian las diversas facetas del artista como encabezando la campaña de Bottega Veneta, creando su propio ron en Havana Club y creando Sound Of The Brave, la fragancia que creo para DIESEL.

La canción que aparece en el nuevo EP de Skepta inspirado en su pasión por el póquer, un juego que el rapero ve como una metáfora de la vida misma, nos brinda un poco más de tres minutos de beats dinámicos que en conjunto al flow del cantante hacen un tema repleto de ritmos disfrutables y llenos de energía.

Dale play a "Eyes On Me"

Glass Animals comparte “I Don't Wanna Talk (I Just Wanna Dance)”

Posted on septiembre 10, 2021 by -

El track perfecto para estos días de incertidumbre.

Apostando por canciones más pop, Glass Animals, compartió un nuevo sencillo titulado "I Don't Wanna Talk (I Just Wanna Dance)", un track que hace honor a esos momentos en los que las palabras no logran fluir de nuestra boca y la única manera de expresar lo que sentimos es a través del baile.

Después del éxito obtenido el verano pasado con "Heat Waves", canción que superó las mil millones de reproducciones en todo el mundo, y que catapultó a Glass Animals dentro del top de las bandas con mayor éxito del Reino Unido, ahora la banda está de regreso con "I Don't Wanna Talk (I Just Wanna Dance)".

A través de un comunicado Dave Bayley, líder y vocalista de la banda, compartió lo que significó para él la creación de está canción:

Hablar es genial, no me malinterpretes. Pero esta pandemia ha hecho que muchos de nosotros miremos hacia adentro de una manera que tal vez no lo habíamos hecho antes. La incertidumbre en el mundo y la incapacidad de salir y crear nuevos recuerdos te hace profundizar en el pasado. Realmente alimentó las inseguridades más profundas de la gente y sacudió nuestros cimientos de muchas maneras. Las relaciones cambiaron, las amistades se alteraron y la confianza en uno mismo se distorsionó. Pasé mucho tiempo hablando con mi perro, pero aún más tiempo hablando solo en mi cabeza, lo que me mantuvo despierto toda la noche, y mis amigos y familiares estaban haciendo lo mismo...

Ponte de muy buen mood y dale play a "I Don't Wanna Talk (I Just Wanna Dance)":

A pesar del encierro por la pandemia, Glass Animals han estado muy ocupados trabajando, pues el año pasado tuvieron la oportunidad de compartir su trabajo con la rapera Bree Runway, lanzando el sencillo “Space Ghost Coast To Coast".

Además, trabajaron con la marca Peanut Butter Jackpot, con quien hicieron una recaudación de dinero para Music Venues Trust; al tiempo en que grabaron nuevas versiones de su éxito, "Heat Waves". 

Aquí te dejamos esta en compañía de Iann Dior:

Por el momento, Glass Animals se encuentra de gira, en la que están promocionando Dreamland, disco que fue lanzado el 7 de agosto de 2020, después de haber sido pospuesto desde su fecha de lanzamiento inicial del 10 de julio de 2020.​

Escucha el álbum a continuación:

Hasta ahora, Dreamland ha superado los 1.600 millones de streams, colocando a la banda en el número 1 de la lista Triple J's Hottest 100.  A continuación te compartimos las fechas de esta gira que comprende del 2021, al 2022.

Glass Animals US ‘Dreamland Tour’:

2021:

11 de septiembre          Houston, TX White Oak Music Hall 

12 de septiembre          Austin, TX Anfiteatro Moody en Waterloo Park 

13 de septiembre          Irving, TX The Pavilion at Toyota Music Factory 

17 de septiembre          Las Vegas , NV Life Is Beautiful Festival

18 de septiembre          Los Ángeles, CA Hollywood Forever Cemetery

19 de septiembre          Los Ángeles, CA Hollywood 

22 de septiembre          Kansas City, KS Aruza Anfiteatro

24 de septiembre          Columbus, OH Express Live! - Anfiteatro al aire libre 

25 de septiembre          Dover, DE Firefly Music Festival

27 de septiembre          Richmond, VA Virginia Credit Union 

28 de septiembre          Filadelfia, PA Skyline Stage

29 de septiembre          Boston, MA Leader Bank Pavilion 

1 de octubre                 Cleveland , OH Jacobs Pavilion en Náutica 

2 de octubre                 Detroit, MI Michigan Lotería anfiteatro de Freedom Hill 

27 de de octubre          Santa Barbara, CA Santa Barbara Tazón 

28 de octubre               Santa Barbara, CA Santa Barbara Tazón 

29  de octubre              San Francisco, CA

2022 :

4 de marzo                  Phoenix, AZ Arizona Federal Theatre 

8 de marzo                  Portland, OR Auditorio Keller 

9 de marzo                  Portland, OR Auditorio Keller

10 de marzo                Vancouver, BC Doug Mitchell Thunderbird Sports Center

11 de marzo                Seattle, WA Teatro WaMu 

13 de marzo                 Salt Lake City, UT The Union 

14 de marzo                 Denver, CO The Mission Ballroom 

16 de marzo                 Madison , WI The Sylvee 

17 de marzo                 Minneapolis, MN The Armory 

18 de marzo                 Chicago, Universidad de Illinois en Chicago

20 de marzo                Milwaukee, WI Miller High Life Teatro (actualizando lugar)

21 de marzo                Indianapolis, IN Antiguo Centro Nacional 

22 de marzo                Louisville, KY Louisville Palace Theater 

23 de marzo                Saint Louis, MO 

28 de marzo                Asheville, Carolina del Norte Thomas Wolfe Auditorio 

29 de marzo                Washington, DC 

1 de abril                     Toronto

2 de abril                     Toronto

3 de abril                     Montreal

4 de abril                     Montreal

14 de junio                  Morrison

15 de junio                  Morrison

Koalra, la nueva promesa del noise rock de Portland

Posted on septiembre 10, 2021 by -

Conoce la mezcla de ruido y sensibilidad nostálgica de este cuarteto estadounidense.

Si hay una palabra que define la música de Koalra, quizá sea “hauntología”. No entendida en la totalidad del concepto acuñado por el filósofo Jacques Derrida, ni tampoco bajo la acepción cultural de una música electrónica que recuerda al pasado. Esta vez, se definiría como un estilo que recuerda a un pasado alterno donde el goth de The Cure, el new wave de New Order, el noise de Sonic Youth y el shoegaze de My Bloody Valentine convivieron pacíficamente en un solo lugar.

 

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Así suena la música de Koalra, un cuarteto radicado en Portland, Estados Unidos, conformado por Philip (guitarra, voz), Garret (guitarra), Matt (bajo) y Jason (batería). Éste debutó en 2019 con el ruidoso álbum homónimo, donde mostró una influencia cercana al shoegaze y noise de los 90. Sin embargo, fue hasta los álbumes The Wakes (2020) e Into the Everything (2021) cuando Koalra encontró su sonido definitivo: melancólicos lamentos ahogados en guitarras distorsionadas, junto a un bajo trepidante que toma el rol melódico más importante en las canciones de tinte semi-atmosférico.

El 2021 ha sido un año imparable para Koalra, pues aparte de su álbum Into the Everything ha estrenado el EP Soft as Clouds y ya anunció un nuevo material de larga duración. Se trata del álbum con el sugerente título de Love Songs to Remind Us That We Can’t Stand Each Other, que será estrenado el 22 de octubre vía Gigantic Noise Records. Como primer adelanto, ya podemos escuchar el sencillo “Your Secret’s Safe With Me”, acompañado de un visualizer lleno de glitch y distorsión a cargo de Darion Misner. Dale play a continuación.

Ya puedes apartar Love Songs… en formato físico a través de Bandcamp o, bien, en formato de casete con tiraje limitado a través del sitio web de Gigantic Noise. Sigue a Koalra en Facebook e Instagram para que no te pierdas ningún ángulo de su distorsionado universo melancólico.

Koalra_LoveSongstoRemindUsThatWeCan'tStandEachOther_2021

  1. “Betty Mae Richardson”
    2. “Chasing Shadows”
    3. “Your Secret's Safe With Me”
    4. “Flatline”
    5. “Ribcage”
    6. “No Gods. Only Monsters.”
    7. “Until It's Gone”
    8. “A Love Song to Remind Us That We Can't Stand Each Other”
    9. “Clarity”
    10. “When We Fall”
    11. “One Way Out”
    12. “Sight Unseen”

“Crash”, el nuevo tema de Enjambre

Posted on septiembre 10, 2021 by -

Una prom night alocada ideal para lucir tus mejores pasos de baile.

Escucha “Crash”, el nuevo adelanto de Enjambre y segundo extracto de su próximo EP. Esta canción es una mezcla melódica sesentera que añade “furia sónica del alt-rock dosmilero”. 

Para esta producción, el cuarteto zacatecano muestra una nueva cara de la moneda, con líricas en inglés que homenajea la cercanía binacional que corre por sus venas, un poderoso riff de guitarras saturadas y un poco de atenuaciones psicodélicas que pintan el panorama frenético de una noche de graduación. 

El visual comprende de un grupo de maniquíes inanimados que al paso de la canción cobran vida para iniciar un baile desenfrenado y evocar un desenlace inesperado. Checa el videoclip oficial aquí: 

Esta no es la primera vez que Ángel Sánchez y los hermanos Navejas presentan un tema en este idioma, pues recientemente la banda liberó su primer single “Delorean”, el cual toma referencias de la cinta Back To The Future (Robert Zemeckis, 1985-1990) sobre un peculiar programa ficticio de televisión infantil, titulado Taquito Jocoque.

Por otra parte y en apertura a estos lanzamientos, Enjambre inicia una serie de conciertos promocionales por la República Mexicana y Estados Unidos que podrás consultar a través de sus redes sociales y en Indie Rocks!

No olvides reproducir “Crash” y no te despegues de las redes de Indie Rocks! para conocer más sobre Enjambre y todas sus novedades. 

"Contraste", el nuevo sencillo de Solo Fernández

Posted on septiembre 10, 2021 by -

Los dominicanos lanzaron este tema como adelanto de lo que será su próximo EP.

Solo Fernández puso su característico toque funk y disco a esta nueva canción en la cual resaltan la línea de bajo y los sintetizadores que están claramente influenciados por los movimientos antes mencionados. La letra, aunque sencilla, habla acerca de la dependencia, buena y mala, que se desarrolla en las relaciones sentimentales y de como, a pesar de todo, las parejas terminan por conciliar sus diferencias para continuar.

Este sencillo llega después de "¿Por qué eres así?", ambas canciones forman parte del tracklist de su próximo EP que aún no cuenta con una fecha exacta de lanzamiento. En palabras de la banda, "Contraste", surge de una idea que ya tenían desde hace mucho tiempo, decidieron que era momento de desarrollarla para su próxima producción porque esta estaba quedando muy rockera y no querían desentonar con el estilo funk que han forjado a través de sus otras producciones como Multicolor, que, al igual que este nuevo EP, fue producido por ellos mismos.

Cover Art - Contraste

A continuación te dejamos ambos temas para que disfrutes de ellos: