Escucha ‘Carrusel’, el nuevo álbum de Jemmy Button 

Una alucinación bohemia construida a partir de la experiencia personal.

Sumérgete en la psicodelia bohemia de Jemmy Button y su nuevo álbum de larga duración, Carrusel; el soundtrack de la subsistencia, la vida y su recorrido por ella. Con cierta nostalgia y modernidad, “siempre enmarcada por una impronta envolvente”, el trío chileno presenta un compilado de 10 canciones apacibles.  

Este disco es el resultado de un trabajo en conjunto, creado y auto producido en su totalidad entre julio 2020 y febrero 2021. José Gutiérrez (guitarra y voz), Gonzalo Arriagada (bajo y voz) y Danilo Martínez (batería) utilizaron sus propios medios para crear cada detalle, “desde meterle cinco guitarras a un solo tema o hacer un guiño medieval”, hasta la comprensión de los aspectos técnicos del tracking 

En el aspecto lírico se compone de una serie de narraciones e historias vivenciales en distintas etapas, lo que divide algunas canciones por infancia (“Carrusel”), adolescencia (“Siento que”), enamoramiento (“Peces”), el duelo (“Naufragio”) y vejez (“Canción para rebobinar”).  

"Otros hilos conductores de Carrusel son su atmósfera y su lógica. La primera es brumosa, nostálgica y oscura, atribuida por el trío al aura de los días de encierro pandémico (…). La segunda se ancla en la idea de que importa más la energía que la pulcritud, lo que se traduce sonoramente a un disco de ambiente sin esterilizar cuyas canciones capturan todo lo que ocurría alrededor”, describe la banda en un comunicado.  

Previo a este LP, la triada oriunda de la ciudad de Santiago publicó Klapaucius EP (2020), y si primer disco La Mar de Noche (2018). Escúchalos aquí 

Descubre más de Jemmy Button y escucha su nuevo LP, Carrusel vía Indie Rocks!

 

Bird Fantasma estrena 'El Retorno de Igloo Volante'

En El Retorno de Igloo Volante, el músico presenta atmósferas acogedoras pero intensas de inicio a fin en cada canción que compone el EP.

El proyecto Bird Fantasma salió justo antes del confinamiento por la pandemia allá por 2019 y desde entonces ha ido quedándose recurrentemente con espacios en eventos de bandas del calibre de Zoé Cafe Tacvba, además de estar sonando en la radio nacional frecuentemente.

 

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Bird Fantasma logró todo eso sin tener una placa discográfica, pero eso cambió este fin de semana con la llegada de El Retorno de Igloo Volante, el primer EP de este proyecto que fue grabado en Discos Panoram. En este material el ambiente que predomina es el de un thriller de ciencia ficción que va muy acorde al concreto que en su biografía describe Bird Fantasma.

Con solo seis canciones este EP muestra un sonido fresco que se agradece en una época dónde los discos salen como si no hubiera un mañana, rompe con la monotonía sistemática de la industria musical. Un ejemplo de esto último viene en el video de la canción “Eva Vanished into Her inner Missing Heart”, que llegó con el lanzamiento del EP. En este video dirigido por Sol Oosel, vemos una pantalla con el contraste a tope en la que se proyecta un video de una mujer haciendo lo que parece ser yoga, a la vez que la transmisión se distorsiona de manera itinerante se puede leer "Bird Fantasma". Es una experiencia alejada de lo convencional de un video musical.

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‘Av. Del Sol Pt.2’, lo nuevo de Todos Los Martes 

Aquí siempre será martes (no importa cuando leas esto).  

La herencia cancionera del rock pop argentino, Todos Los Martes, refresca el oído con su nuevo compilado Av. Del Sol Pt.2, el segundo extracto y complemento de su disco del mismo nombre. Dicho lanzamiento cuenta con la participación de Tomás Ferrero, vocalista de la agrupación Rayos Láser 

Grabado y producido entre noviembre del 2020 y julio del 2021 en Jopo Música, este EP cuenta con “Corazón”“Altamar” y “Lo Que Fuimos” en compañía de Ferrero; este último junto a un videoclip oficial dirigido por Santiago Alí Rodríguez, que retrata al sexteto durante una presentación en vivo en el Festival Emergente 2021. 

Las tres canciones contenidas en este volumen representan la perspectiva completa de la banda ante el concepto total del álbum, melodías suaves, frescas, sólidas y contemporáneas que contienen temáticas actuales, todo con el propósito de representar al rock nacional.  

Sentimos que con este lanzamiento se comienza a completar la foto del disco que siempre tuvimos en mente: nuevos matices, sonoridades y conceptos se suman a lo que ya habíamos mostrado con la primera parte. Podemos decir que todo se sigue dando dentro del marco del rock argentino, que es la música que más nos representa”, expresó la agrupación sudamericana.  

NicolásTomás Agustín De CarliPablo Álvarez y Martín Lohrengel presentaron la parte uno de este disco a comienzos de este año, con los temas “Caminos de Cristal”“Vhs (Un salto a Sgt. Pepper’s)” “En Cada Lugar”. Escúchalos aquí 

Reproduce Av. Del Sol Pt.2 y conoce más de Todos Los Martes a través de Indie Rocks! 

Sun June, canciones soñadoras y acogedoras

Sonidos expansivos a través de letras frágiles.

Sun June es una banda de indie pop originaria de Austin, Texas, conformada por Laura Colwell, Michael Bain, Justin Harris y Sarah Schultz, se han consolidado durante estos últimos años como una fuerte y solida agrupación que ha logrado construir un sonido vibrante y distintivo con toques al dream pop.

A principios de este año la banda lanzó su segundo álbum Somewhere, material que fue bien recibido por el público y aclamado por su sonido vanguardista. Ahora el cuarteto de Austin regresa anunciando una edición ampliada de su última producción discográfica titulada Somewhere+3, versión que incluirá tres nuevos temas y que estará disponible el próximo 14 de enero a través de Run For Cover.

Recientemente el cuarteto de Austin compartió el tema "Easy", canción que forma parte de este grupo de nuevas canciones. El nuevo single es una canción que habla sobre la lucha romántica y la asociación con discusiones que a veces resultan difíciles de superar.

La canción es acompañada por un lyric video con tintes fríos y cálidos que equilibran perfectamente este choque de sentimientos que trasmite la canción, dale play y disfruta de "Easy".

Somewhere es un álbum cuyo sonido se crea a través de melodías indie rock que se expanden por la fuerza vocal de Laura, envolviéndonos en estados de nostalgia cálidos que evocan perfectamente al folk. Escucha a Sun June aquí.

 

 

 

Hispana en el Foro Indie Rocks!

La rapera cumplió con las expectativas de sus fans en un concierto que quedará marcado en la memoria de todos los que estuvieron ahí.

La Ciudad de México ha padecido de noches frías las últimas semanas, pero el clima que se vivió ayer en el Foro Indie Rocks!, para nada fue gélido. Con actos a cargo de Asis, Dani Flow y Coko Yamasaki el público quedó muy ambientado y entrado en calor para recibir a Hispana más tarde en la noche.

La primera sorpresa de este evento llegó en forma de una batalla de rap improvisada entre Dani Flow y un asistente que de manera valiente subió a la tarima e intentó darle pelea a el autoproclamado “Príncipe del Bellakeo”, aunque se fue vapuleado por las rimas de Dani. Con Coko Yamasaki el trap se apoderó de la tarima, tiró rimas que prendieron a toda la gente en el Foro Indie Rocks!, lo cual se reflejó en el calor que fue en aumento con cada canción que soltaba el rapero que no aguantó más y se quitó la sudadera y la playera que traía puestas, además de que a mitad de su presentación parece que se dio cuenta de que entre el público la temperatura iba en ascenso y vació una botella de agua sobre todos, mojando principalmente a quienes estaban hasta enfrente.

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Después de una pausa de más de 20 minutos, Hispana pisó el escenario del Foro Indie Rocks! y todo estalló, la gente que estaba esparcida en el venue se juntó hasta adelante y la cantante saludó a todos, lo que hizo que el suelo vibrara y el sonido hiciera retumbar el pecho de cualquiera que estuviera ahí. El show de Hispana comenzó con una metralla de canciones: “Puro Fuego”, “Soy Veneno”, “Siéntelo” y “Tequila y Miel” fueron cantadas por la rapera una tras otra sin dar tregua al público con el cual se acercó por momentos para tomarse selfies sin bajar del escenario. “Que chingón que están aquí, que decidieron estar aquí, yo sé que mañana van a chambear, así que gracias por estar aquí” dijo Hispana antes de cantar “Dicen de Mi”. Luego, en “Fumar Contigo”, subió a tres chicas del público al escenario para que la acompañaran en esa canción, estas no perdieron el tiempo y rápidamente sacaron su celular para inmortalizar el momento con un video. Hispana parecía llevar prisa porque sorprendió a todos cuando interpretó de corrido un mix de canciones que incluyó “Amapola”, “Todos Los Ojos A Mi”, “No Puedes Salvarme”, “Escupiendo Rap”, “Chica Fatal” y “Mujer de Fuego”.

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El momento que reventó el Foro Indie Rocks! fue cuando Hispana invitó a Niña Dioz a cantar “Mezcal”, fue sin duda de las canciones más coreadas por todos y la que más celulares levantó para que grabaran esa colaboración. Ya en la recta final, Hispana soltó tres de sus canciones más aclamadas: “Pobre Niña”, “Reina de Corazones” y “Rap Game”, después dio paso a otra de las sorpresas que tenía preparadas. En el encore, subió un grupo de mariachis a interpretar “México Lindo y Querido”, el público respondió cantando este tema de inicio a fin sin error alguno. Para cerrar esta presentación de Hispana, la canción elegida fue “La Mexicana” y al término de esta, la cantante agradeció al público y se despidió: “De corazón cabrones, muchas gracias, buenas noches”.

Perfiles: Malfi Dorantes

Construyendo el archivo musical del mañana.

Hace casi una década, Malfi Dorantes viajaba a Londres como parte de un regalo que se había otorgado por terminar la carrera. Como clara melómana que es, en el viejo continente se empapó de la escena que existía en el aquel momento y emocionada por  lo que sucedía ahí, decidió apoyar de alguna manera, en este caso buscando espacios en medios mexicanos para darlos a conocer, así surge la agencia de relaciones públicas y prensa Malfico, hoy uno de los referentes cuando se trata llevar tu proyecto al siguiente nivel.

Las personas que hacemos prensa realmente lo hacemos porque nos gusta, nos encanta hablar con ustedes (los medios), queremos ser parte del artista, queremos que esté en el auditorio nacional, después de haberle hecho prensa para el plaza o el caradura cuando existía y decir, ‘!wow yo formo parte de esa micro historia que va a ser parte de un documental, de un disco más grande yo que sé!'".

En la actualidad Malfico, que el año que viene cumple una década de vida, aporta una ayuda que si bien ahora es muy común, en un inicio era todo un lujo para las bandas: tener la oportunidad de posicionarse a través de la prensa. Más aún este ‘lujo’ era impensable para proyectos emergentes. Hoy desde The Whitest Boy Alive, The Drums, pasado por los emergentes Wiplash, la dominicana Yendry o Bruses, todos forman parte del amplio roster de la agencia, que es diverso pero tiene en común calidad, compromiso e identidad, algo que muchos proyectos, considera Malfi, es importante para alguien que está comprometido con su proyecto.

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Hay muchos proyectos que no cumplen con estas características, de tener un buen concepto, una buena idea, buenas rolas, y les digo que no, porque no están listos y siento que ese momento de su carrera necesitan fortalecer su concepto, su género, nos escriben muchos estilos que realmente ahorita no toca la radio, ni entran a los algoritmos”.

Y es que por ser una fanática de la música, Malfi no tiene prejuicios en cuanto a tipos de música, lo que  se escucha o se ha dejado de reproducir en las playlists, pero al mismo tiempo esta consiente, que esta industria ser mueve de cierta manera, y hay que estar siempre en constante estrategia para garantizar que la agencia ofrece resultados y sobre todo que el proyecto va obtener resultados.

“Yo no puedo decir que no porque no me guste, tengo que decir que no porque, puedo asumir, o predecir (por la experiencia que tengo), que a los medios no les puede interesar. Entonces sí, hay proyectos en la agencia que yo no escucho, pero funcionan muy bien y los medios los están buscando, es aceptar que muchas cosas no te van a gustar, pero que a la gente si”.

Al final este trabajo se paga, pero además de la inversión que hace el artista la realidad es que es un trabajo en equipo, lleno de estrategia, comunicación continua y el compromiso de que es un camino largo pero que al final día (en muchas ocasiones) si hay calidad en lo que haces, habrá respuesta positiva.

Las complicaciones a las que nos podemos enfrentar en la industria, en su mayoría tienen que ver con confianza u otras más prácticas, como que el artista quiere trabajar contigo, y tú quieres trabajar con el artista, pero la disquera lo impide. Que tú ves un proyecto, sabes que tiene potencial, te gustaría que muchas personas lo escucharan y que no lo ven por sus propias razones, y también tengo que entender que ellos tienen otras prioridades”.

El futuro para la agencia es muy claro, continuar formando parte de la escena emergente y ya existente en México, sumando más apoyo a los artistas, continuando con la constante actualización (como el uso de redes sociales para marketing) pero siempre con la música por delante, la única razón por la que Malfi sigue trabajando.

“Al final del día yo trabajo en esto, porque yo soy melómana, desde bebe, gracias a mi familia, en los radios de mi casa sonaba el fonógrafo; Entonces yo oía danzón por mi abuelita, mi papa fue parte de todos los hoyos funkis y organizaba los shows de El Tri, de Avándaro y creo que de ahí tengo ese chip, mi gasolina es la música”.

Servicio a la comunidad

A continuación 3 preguntas que todo el tiempo hacen los proyectos emergentes.

  • La Inversión: “Si es un poco complejo que algunos proyectos, porque creen que inviertes y recibes la misma cantidad en contenido, y es virtualmente imposible. Entonces les digo ‘hagamos algo para que pueda dar para más, quizás una asesoría, presentarte con algún otro productor, porque la cuestión musical todavía no llega’.
  • Playlist: Todo el mundo me la pregunta, entonces empiezo con las preguntas yo: ¿En que agregadora estás?, ¿Quién es tu manager?, ¿Cuántas canciones llevas?, ¿Cuál es tu género? y me empiezo a dar cuenta de que no tiene el managment adecuado, la agregadora adecuada, o no conocen las oficinas de las plataformas.
  • Medios específicos: ¿Cómo puedo salir en Indie Rocks!? Y mi respuesta es siempre ‘depende’, depende si el medio está disponible y no tiene un festival, depende de la misma programación de la estación de radio, depende si tu canción es la adecuada, depende si estas en el momento adecuado de tu carrera.

Si Rototom no viene a nosotros, nosotros iremos a Rototom

La meca internacional del reggae cumple 10 años en España y, para celebrarlo, Rototom Sunsplash lanza su primera referencia, el álbum en directo Rototom Sunsplash: Live from Benicassim (Live at Rototom Sunsplash).

Para cualquier amante de la música, el reggae es sinónimo de ritmos tranquilos que llegan al corazón emulando su latido. Para cualquier activista, es sinónimo de protesta y crítica hacia la opresión social y racial. Y, para cualquier devoto, es sinónimo de Rototom Sunsplash: el festival que lleva 27 años congregando a más de 220.000 creyentes de los 5 continentes.

La palabra “reggae” proviene del latín “regi” que significa “para el rey”. Desde que los Alpes italianos vieron su nacimiento, hasta que en 2010 siguió creciendo rumbo al mar Mediterráneo de Benicassim, el festival que indiscutiblemente se ha convertido en la meca internacional del reggae, ha contado con numerosos profetas de distintas partes del mundo. Profetas que predican con mensajes de libertad, paz, respeto y tolerancia. Profetas que se han convertido en reyes y han defendido su reino con una maestría casi digna de dioses.

Desde el reino del early reggae y del roots reggae hasta el del dancehall o el dub, artistas nacionales como Morodo, Green Valley y Macaco e internacionales como el africano Tiken Jah Fakoly; la argentina-uruguaya Alika; la reconocidísima Ms Lauryn Hill o el insuperable Busy Signal, han pasado por los múltiples escenarios y plataformas de Rototom. Además, foros y espacios de debate como la Reggae University; áreas para disfrutar en familia; una extensa zona de acampada; gastronomía planetaria y una firme apuesta por el cuidado del entorno bajo el sello plastic free, han edificado el templo del reggae durante las últimas casi tres décadas.

En 2011, un año más tarde de su implementación en España, el festival abre sus puertas a Latinoamérica mediante el Reggae Contest Latino, un concurso que convocó a bandas y artistas de reggae procedentes del otro lado del charco. Hasta 2014, algunos de los que se coronaron como vencedores y tuvieron la oportunidad de tocar en el main stage fueron Livity Songs (Argentina), Los Dubis (España) o Nou Vin Lakay (Venezuela), entre otros.

Hace dos años, una impredecible pandemia puso patas arriba toda la industria del directo. Una pandemia que ha impedido hasta la fecha que todos aquellos peregrinos, devotos, profetas y reyes vuelvan a su tierra prometida, a Rototom. En consecuencia a dicha falta y en motivo de la celebración de una década de reggae en Benicassim, Rototom Sunsplash lanzó hace unos meses Rototom Sunsplash: Live from Benicassim (Live at Rototom Sunsplash), un álbum recopilatorio de las mejores actuaciones de los últimos 10 años.

Grabado por un dedicado equipo de amantes de la música con equipos de audio de última generación y, mezclado con sumo cuidado por el talentoso ingeniero de sonido Jim Fox en su estudio Lion and Fox, el álbum se presenta en dos formatos físicos: un triple LP en vinilo de 140g. a color (rojo, verde y amarillo), en edición numerada y limitada a 1.500 copias, y un doble CD. Además, está disponible para descarga y streaming con una ligera modificación en el listado de canciones. Recopilado por el prestigioso periodista David Katz, las ediciones de Rototom Sunsplash: Live from Benicassim (Live at Rototom Sunsplash) contienen además un extenso libreto con fotos y textos exclusivos.

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El primer disco, nos presenta a los iconos del roots reggae. Los incondicionales del reggae británico, Steel Pulse y Misty In Roots, contrastan con pesos pesados jamaicanos tales como Horace Andy, Max Romeo con "One Step Forward", tema compuesto junto a Lee "Scratch" Perry, y finalmente el poético Pablo Moses. Mientras que los gigantes Third World e Inner Circle adoptan un estilo más masivo, la "Primera Dama del Reggae", Marcia Griffiths, se sumerge en los orígenes del ska. También encontramos estupendas interpretaciones de la mano del pionero del Renacimiento Rasta, Luciano, y del salvador del reggae actual, Chronixx.

El segundo disco se centra en los grandes nombres de la era dancehall, incluyendo el eterno Beres Hammond, el enérgico rebelde Anthony B, el humor romántico de Junior Kelly a la diva del dancehall Tanya Stephens y la interpretación del sing-jay bobodread, Turbulence. Al desplazarnos hacia el territorio del "Reggae Revival", nos encontramos con el hip hop/nu roots de Kabaka Pyramid, la crítica rítmicamente veloz de Protoje y Romain Virgo, el híbrido "jazz on dub" de la cantante Jah9 así como el estilo unificador de Alborosie, estrella del reggae italiano afiancada en Jamaica que mantiene una estrecha relación con Rototom.

Pasando a la escena internacional, en el tercer disco encontramos la magistral mezcla de reggae, dub y electrónica de los potentes neozelandeses Fat Freddy’s Drop, con más de 20 años de trayectoria, Dub Inc, una de las figuras más potentes del reggae/ragga en Francia, y el activismo medioambiental reggae de los californianos Groundation. Además, la cautivadora mezcla de géneros del barcelonés Macaco, seguido de Ben Harper con una emotiva actuación salpicada de tintes reggae y blues rock acompañado por su banda Innocent Criminals.

Más de dos horas de viaje que devolverán a aquellos devotos y habituales del festival a los mejores momentos de la última década del mismo, y descubrirán una nueva forma de vivir el reggae y sus vertientes a esos otros que todavía no lo han experimentado.

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Disfruta de las actuaciones en YouTube AQUÍ

Robert Plant & Alison Krauss — Raise the Roof

Ambos se sumergen una vez más en las profundas aguas de la música popular estadounidense.

Tuvieron que pasar 14 años para que el legendario Robert Plant (ex Led Zeppelin) y la multipremiada cantante y violinista Alison Krauss, volvieran a meterse al estudio a grabar Raise the Roof, su segundo álbum, terminado a finales de 2019, poco tiempo antes de que se desatara la pandemia por todo el mundo. A la dupla se sumaron T-Bone Burnett en la producción, los músicos Marc Ribot y David Hidalgo, este último, integrante de Los Lobos, entre otros. 

Raise the Roof retoma el sonido bluegrass, country y folk de su antecesor, el galardonado Raising Sand, a través de 14 tracks perfectamente grabados. 

El LP está cargado de guitarras acústicas, mandolinas, violines, armónicas, contrabajos, banjos y  guitarras eléctricas, instrumentación característica de la llamada “música popular estadounidense”.  

Raise the Roof es un disco de covers que en su momento fueran compuestos y grabados por músicos como Merle Haggard, Allen Toussaint, The Everly Brothers, Anne Briggs, Geeshie Wiley, Ola Belle Reed y Bert Jansch. Cabe mencionar que el único track original que incluye el álbum es High and Lonesome” de Plant y Burnett.

Del álbum destaca “Quattro (World Drifts In)”, un track de ritmo lento en el que la voz de Robert Plant, lejos de buscar protagonismo se convierte en un elemento más, con el mismo peso que el resto de los instrumentos, algo pocas veces visto en su etapa con Led Zeppelin.

“The Price of Love” es un tema en donde la voz de Alison Krauss luce poderosa, ocupando todo el espectro auditivo, matizada por guitarras acústicas y eléctricas, más una base rítmica apoyada en percusiones que asemejan un desplazamiento al encuentro con el amor, como fatídico destino.   

“Go Your Way” es una balada  en la que un inspirado Robert Plant le imprime con su voz una fuerte carga de melancolía. De las mejores interpretaciones de todo el disco.    

“You Led Me to The Wrong” es una canción estremecedora, en donde el violín provoca tensión y dramatismo que va creciendo de un compas a otro, volviéndose el instrumento central, que sumado a la voz de Robert Plant, logran en tan solo unos cuantos minutos, envolvernos por completo en un torbellino de emociones. Quizás, el mejor tema de todo el disco. 

A pesar de haber transcurrido 14 años entre la salida del primer y el segundo disco, Robert Plant y Alison Krauss logran conectar de forma profunda una vez más, reinterpretando con pasión y honestidad un puñado de canciones con un fuerte significado para la música popular estadounidense, reto superado con creces en Raise the Roof.

She Past Away en el Circo Volador

Un golpe de desfibrilador post-pandémico.

No es por hacer conexiones forzadas ni por irritar a los puristas del género, pero la reunión de She Past Away con el público mexicano se sintió como un Bauhaus 2.0: un capítulo adicional en el reencuentro de las subculturas góticas, las cuales han resistido décadas de existencia más año y medio de pandemia. El vestíbulo del Circo Volador, bajo el manto de una noche tranquila y una Ciudad semivacía, recibió a un centenar de personas enfundadas en cadenas, chaquetas negras y botas altas, quienes volvieron al hogar del underground nacional entre abrazos, latas de cerveza y el placer de saberse en el lugar correcto.

La espera fue larga: nada menos que dos años desde la última visita del dueto turco de darkwave a la Ciudad de México. Pero cuando su nombre se reflejó en la pantalla del foro principal, el público entendió que el tiempo percibido como una eternidad había alcanzado su final. Con este concierto terminaba la pequeña gira de She Past Away por México y, también, la expectación por la vuelta de los conciertos de nicho y de uno de los nombres más queridos en el país.

Fue el grupo queretano Satellite Sorder quien se encargó de establecer el mood para un ritual próximo a comenzar, gracias a su post-punk lleno de distorsión y ambientes etéreos. Sin embargo, quien se llevó el mérito a la hora de encender el Circo Volador fue Achedoso. El dueto regiomontano dio un salto al futuro con su performance lleno de luces, vocoders, instrumentos fotosensibles y una música que oscila entre el dubstep, techno y hasta dream pop. Como un acto de détournement, presentó un cover de “Robot Rock” (Daft Punk) y un sample de la caricatura Bob Esponja remezclado en clave de reguetón; una provocación de alto calibre al tomar en cuenta que el público de She Past Away difícilmente asistiría al Coca-Cola Flow Fest, realizado esa misma noche. El público pudo haber gritado “...uleeeros… uleeeeros...”, pero el dueto se fue satisfecho por haber recuperado la tradición de la polémica y el anti-arte.

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Así, con los ánimos encendidos, She Past Away se apoderó de un escenario casi lleno entre luces y gritos de agradecimiento, en punto de las 22:00 H. El guitarrista y vocalista Volkan Caner junto al tecladista Doruk Öztürkcan tomaron el foro con una presencia gélida, la cual contrastó con el desfogue de energía de “Durdu Dünya”, tema que inició una retahíla de baile y éxtasis. Aquí reside la gran sorpresa de la noche: más que un ambiente lúgubre, el dueto turco presidió una celebración por la vuelta de un centenar de almas a los placeres de la pista, ocurrida tras 18 meses de resguardo e hibernación.

De esta forma, She Past Away apenas dejó lugar para el descanso con un setlist que abarcó temas recuperados de sus tres álbumes. “Disko Anksiyete”, “Asimilasyon”, “Sanri”, “La Maldad”, “Kasvetli Kutlama” y “Ruh” tomaron una nueva forma a través de los monitores y se revistieron de un espíritu comandado por la euforia colectiva. Por supuesto, fue en “Ritüel” donde el éxtasis alcanzó su forma final, y la masa heterogénea se deshizo entre gritos, aplausos y el cántico infaltable entre el público latinoamericano: “¡Oeee, oe, oe, oeee! ¡She Paaast! ¡Awaaay!”.

Hora y media después, el concierto dio sus últimas pinceladas. “Bozbulanik” allanó el camino para la formación de un mosh pit, el cual quedó en el tintero por el miedo a caer de los escalones del Circo. “Monoton” inició el descenso de los ánimos y “Hayaller?”, con la misma marca de su título, nos dejó con la pregunta abierta de cuánto tiempo fuimos capaces de esperar por un reencuentro así. Por supuesto, She Past Away no bajó del escenario sin antes agradecer por la energía liberada; Doruk Öztürkcan aprovechó para recordar que la primera visita del dueto a México ocurrió en 2014 y que, desde entonces, era notoria la pasión del público por su música. “Los amamos”, concluyó con una oración sumergida entre los gritos.

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El Circo Volador se vació de a poco, pero la fiesta habría de continuar en los muros del Real Under, Centro de Salud o algún otro estandarte de la contracultura mexicana. Los oídos retumbaban y el murmullo se llenaba con la promesa implícita de un regreso de She Past Away; en un vestíbulo cada vez más vacío, nos aferrábamos a creer en eso. Dentro de los pasillos se escuchaban interpretaciones de lo ocurrido; se decía que la escena gótica comenzaba a revivir después de un letargo. Tras un trago de cerveza, reflexioné y asenté la cabeza a medias. Creo, personalmente, que aquella nunca se fue, sino que solamente necesitaba esto: un ritual de sanación o, más bien, un golpe de desfibrilador.

Porter en el Auditorio BB 

La banda que disuelve el tiempo.

No todos los días tienes la fortuna de ver a tu banda favorita en uno de los recintos más emblemáticos de la Ciudad de México. Para algunos el espacio es lo de menos, pero cuando la euforia desbordante de un fiel seguidor inunda un foro, este se convierte en el espacio predilecto para escuchar sus éxitos preferidos.  

El pasado sábado 27 de noviembre, Porter hizo retumbar las paredes del Auditorio BB en un concierto único, muy especial y con lleno total a pesar de las restricciones sanitarias. Para los fans eso tampoco fue un problema, pues aún con lugares libres designados para la sana distancia, parecía no caber ni un alma más.  

En punto de las 9:00 pm el escenario recibió a Adryanna Cauduro, una cantante y compositora queretana, que con sus beats electrónicos, tesituras dulces, energizantes y apacibles calentó los motores para recibir al conjunto estelar. Con la pesadez de la noche y el calor humano del gran auditorio, solo bastó un par secuencias, una guitarra, algunos sintetizadores, luces neón y un audio abrazador, para hacer vibrar a los asistentes.   

Con cerveza en mano y un grito desesperado el público consumía el lugar a cada minuto. Como si de un estallido cronometrado se tratase, los presentes parecían saber que el momento se aproximaba al término de cada canción y después de un “¿Ya están listos para Porter?” de Cauduro. Prácticamente las ansias se comían solas.  

Finalmente, la artista agradeció a la banda y a todo el público con un “gracias”. En eso, la gente corrió al baño o por más bebida, las personas miraban su celular con cierta aspiración y afán de curar el nervio, la plática era inquieta y todo parecía ser una bomba de tiempo a punto de explotar.  

Las luces de la tarima se apagaron y los grandes reflectores iluminaron la pista. En eso los altoparlantes comenzaron a emitir algunos efectos ambientales que auguraban la entrada de David VelascoFernando de la HuertaVíctor Valverde y Diego Rangel, mientras las luces revoloteaban en un color azulado y perpetrante. Una ovación de pie y alguno que otro aplauso hizo salir a la banda y ahí el viaje comenzó.  

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“Que el tiempo cura todo, no es cierto. Que la luna es de queso, no es cierto”, corearon todos y cada uno de los presentes mientras la agrupación tocaba el tema, “Pájaros”. Los segundos parecía irse como agua sobre las manos a penas empezada la segunda canción, y aun así todos parecían disfrutar cada instante sin preocupación alguna.  

Con algunos extractos de su aclamado álbum de larga duración, Moctezuma, y su primer LP, Donde los Ponys Pastan (con canciones como “Host Of a Ghost” “La China”), la locura arribó y sin ninguna mesura. Sin necesidad de conocer toda la letra, hasta el más despistado cantó el coro y alguno que otro verso de los sencillos más representativos, sin embargo, jamás se dejó de disfrutar con el paso del setlist.   

“Aquí van dos canciones nuevas”, anunció Velasco en el micrófono mientras todos parecían reconocer de inmediato de cuales se trataba: “Sol@”“Sonámbulo” y “Ranchito” (tocada por primera vez), tres obras pertenecientes a su nuevo disco (disponible para el primer bimestre del 2022), y efectivamente conocidas de pies a cabeza por la mayoría a tan solo unas semanas de su lanzamiento.   

Para el punto más álgido de esta presentación y en la cumbre de la segunda parte del cancionero, una gran bola disco bajó desde el centro del escenario y los pasos de baile salieron a relucir con “Para Ya” y “Xoloitzcuintle”. El canal auditivo que conduce al tímpano parecía colmarse por completo con el cántico y el bullicio coral de quienes, aún con el paso de las casi diez canciones hasta el momento, no cesaban de gozar.  

La recta final se acercó con rapidez y de pronto el encore había llegado. El típico himno latinoamericano comenzó con el propósito de ver salir al cuarteto una vez más: “Olé, Olé, Olé, Olé, PorterPorter”, y gracias a ello David retornó para cantar un tema a guitarra y voz para todos los fieles. Posterior a ello, los demás integrantes se incorporaron y en el resueno del primer acorde de guitarra, un juego de luces con láser anegó el foro como si todos se encontrasen en una lumínica y calurosa discoteca. “Palapa”“Espiral”“Murciélago” “Huitzil” fueron de los últimos temas de aquella noche.  

Pasado un buen rato nadie pretendía abandonar tal epifanía musical. El último golpe al bombo y un platillazo fueron suficientes para ver partir a cientos de asistentes, quienes lograron un sold out a tan solo unas horas del evento. Porter logró retomar al público de la CDMX y esta vez con aún más sorpresas por venir y un nuevo disco a punto de ver la luz.