Entrevista con Parquet Courts

Que la música jamás se detenga.

El Corona Capital se ha caracterizado por hacer gala de una curaduría casi impecable a la hora de seleccionar los artistas que incluirá en cada una de sus ediciones, ya sea por el alcance de estos entre el público mexicano o el status de culto que han alcanzado las bandas dentro de cierto nicho. Tal es el caso de la agrupación liderada por Andrew Savage, con quien tuvimos la oportunidad de platicar sobre su presentación en el reciente festival, cómo ha cambiado su aproximación a la música a lo largo de los años y el impulso que les ha mantenido a la vanguardia del art punk.

Parquet Courts formó parte del lineup para el segundo día del festival presentándose a la misma hora que el igualmente esperado acto berlinés The Whitest Boy Alive, convirtiendo al público frente al escenario en una multitud de energía dedicada exclusivamente al incendio de sonoridades presentado por el cuarteto.

Fue genial, yo pasé un gran rato. Tocamos una linda versión extendida de 'Stoned and Starving' que espero la gente haya disfrutado tanto como nosotros”.

Siendo una banda extranjera que ha forjado su carrera desde las trincheras del underground Savage parece seguir sorprendiéndose cada vez que el público mexicano muestra su calidez y aprecio por el proyecto, devuelto de manera consistente con múltiples presentaciones en distintos escenarios nacionales durante años pasados.

“Quiero seguir viniendo así que es asombroso tener personas que quieran vernos. En los festivales no sabes si el público realmente está ahí porque quiera verte o solo está matando tiempo, pero cuando tocamos en SALA (2018) fue como ‘Wow, así que sí tenemos fans aquí’, al menos más de los que pensaba”.

La relación de Parquet Courts con lo nacional parece haber estado marcada desde los primeros desplantes culturales en la vida de Savage, creciendo en un ambiente mexicoamericano al interior de Texas. Es esta diversidad de influencias la que ha guiado su espíritu creativo hasta la actualidad, viendo sus últimas consecuencias en el álbum Sympathy for Life, lanzado, tras una serie de demoras por la reciente emergencia sanitaria, vía Rough Trade Records a finales de octubre.

“Hicimos el disco antes de la pandemia pero aún estamos emocionados por todas las nuevas canciones, claro que aún paso un gran rato tocando los tracks de hace diez años. Parte de ser una banda que ha existido tanto como Parquet significa que debemos reinterpretar nuestro pasado y hacerlo nuevo para nosotros, encontrar su sentido en el contexto del ahora”.

El cuarteto ha sabido solidificarse como una de las propuestas más interesantes del ruido contemporáneo, explorando ese más allá dentro de su sonido sin lugar a detenerse en lo melódico, armónico o conceptual.

“La banda ha cambiado durante estos años, yo he cambiado, pero algo que se ha mantenido es el deseo de hacer lo mejor que podamos y el amor que le tenemos. Aún somos artistas y como artistas queremos expresarnos de la manera que se sienta más emocionante y real en el momento. Cuando una banda pierde eso se convierte en una versión cover de ellos mismos. No quiero jamás ser parte de algo así, quiero estar en una banda donde me emocione lo que hemos hecho y tocarlo para algunas personas”.

Es aquí y tras escuchar (leer) las palabras de Andrew que el frontman nos compartió la forma en que se han mantenido alejados de ese estancamiento artístico, reencontrando, record a record, la fibra sensible contra la cual impactar.

Debes mantenerlo emocionante, fresco, hacer nuevas cosas. Debes mantenerte comprometido, seguir escuchando nueva música, no puedes parar, no puedes dejar de poner atención hacia donde está yendo la cultura, la manera en que la música va evolucionando. Tienes que amarlo.”

Cerramos así la entrevista envueltos por el resonar de las palabras del músico junto a la promesa de un extenso tour para Parquet Courts durante 2022, con la posibilidad de verlos nuevamente dentro de territorio mexicano.

No hay punto en hacer arte, si no te estás desafiando a ti mismo, si no te haces sentir algo, si no estás expresando tus pensamientos y emociones de una manera honesta. Si alguna vez dejamos de sentir eso la banda dejará de existir”.

A 10 años del 'Rebeldes' de Alex Anwandter

Bailar con letras oscuras.

¿Qué estabas haciendo en el 2011? ¿“Bailando Party Rock Anthem” de LMFAO?, a una década del afro y los lentes, recordamos un disco que es la suma de mucho tiempo de trabajo, y que además nos regaló la figura de Alex Anwandter.

Tiempo atrás Alex nos había entregado música bajo Teleradio Donoso u Odisea, proyectos que siempre llevaron en esencia una condición, el baile. El artista chileno se ha destacado por sus sonidos que nos invitan a mover el cuerpo y por sus melodías que pueden ser tan placenteras como un arrullo de mamá o tan filosas como daga.

Rebeldes es un disco sin fecha de caducidad y con una personalidad fuerte, en lo particular representa bien muchos contextos, Alex pertenece a una generación de artistas chilenos que fueron niños bajo dictadura, con un montón de cosas por decir y por descubrir, el mismo caso de Gepe, Javiera Mena, Cristóbal Briceño (por mencionar algunos) y que a principios de la década de los 10, explotaron.

No es un secreto que los momentos históricos marcan generaciones y que las herramientas que tenemos a la mano condicionan nuestras acciones. Rebelde es una fotografía de esa generación, un delicioso viaje de dualidad.

El disco (y la carrera de Alex) es una invitación a la apropiación del cuerpo a través del baile, una búsqueda de la libertad, lo que sea que ésta signifique. La música está llena de sintetizadores, cajas de ritmos, beats, loops. Las letras; a veces se tornan oscuras, reflexivas. Cuando nos damos cuenta, nos sorprendemos bailando “Que se acabe el mundo, por favor” o “Cómo puedes vivir contigo mismo”, una metáfora de la vida, en el dolor también hay belleza.

Alex Anwandter se presenta como Alex Anwandter con este disco, decir “este es mi proyecto solista”, es a nivel artístico una experiencia fuerte, y el chileno salió airoso, tanto que hoy a diez años recordamos su trabajo con respeto y cariño, y por supuesto que o no solo nosotros lo rememoramos.

Como un todo, el disco es corto, son nueve canciones, aproximadamente 37 minutos,  donde se pasa por diferentes estados de ánimo, se canta, se baila y se aprecia, no hay que saltarse alguna canción, incluso el orden de ellas hace sentido, el álbum no se quita hasta que termine “Fin de semana en el Cielo”, último track.

En el disco se perciben condimentos, influencias, las que nos forman; Michael Jackson, Los Prisioneros, Kraftwerk, Latinoamérica. En realidad, no lo sabemos, más que él, pero es una interpretación y una forma de entender el sonido.

La inquietud de Alex nos ha entregado mucho, es alguien preocupado por la estética y la congruencia con ella, y ya sea con su música o como productor, siempre llega a nuestros oídos, sin embargo, Rebeldes es uno de nuestros momentos favoritos. Un lugar adonde podemos recurrir y tenemos garantizado pasarla bien e incluso sentirnos comprendidos.






A 35 años del 'La La La' de Luis Alberto Spinetta y Fito Páez

Hermandad frente a las tragedias y el boicot de las grandes discográficas. Se cumplen 35 años de la obra que juntó a Luis Alberto Spinetta con Fito Páez.

Caminaba Fito Páez por las calles de Buenos Aires. Era un chico soñador que se inspiró para hacer música definitivamente gracias a la oleada de proyectos creados en los años setenta y que emergía en un camino que parecía el correcto. Y mientras esperaba en un semaforo entre Avenida Río Santa Fe y Riobamba para cruzar la calle se le apareció a tres metros de distancia un hombre flaco y de gran altura. Se voltearon a ver y antes de que Páez se diera cuenta que se trataba de Luis Alberto Spinetta el ex Pescado Rabioso le preguntó "¿Vos sos vos?", a lo que el Fito respondió con un gran abrazo y un "Te quiero, Luis. No soy nada sin vos". Aquel momento marcaría una amistad que después se trasladaría al entorno musical con el álbum La La La, que cumple 35 años este 2021.

La La La significó un encuentro genial entre uno de los padres del rock argentino como Spinetta junto a una joven proesa como lo era en su momento Páez. Luis Alberto tenía en su andar 19 álbumes recopilados de todos sus proyectos y en solitario, mientras que Fito tenía apenas un par de discos y había participado en agrupaciones como Los Abuelos de la Nada y en el combo con el que Chary García grabó Piano Bar, además formó parte de la banda de Juan Carlos Baglietto.

Eran años curiosos en el contexto musical, ya que por un lado a Luis se le cuestionó por qué hizo un disco con alguien que tenía poco peso en la industria como Fito, sobre todo si tenemos en cuenta que Spinetta venía de un proyecto fallido con Charly García, donde intentaron grabar de igual forma un álbum, pero sus diferencias no lo hicieron posible. Por otra parte, se ha hablado con los años de un boicot que intentó hacer EMI a ese álbum, ya que consideraban que no era conveniente que una figura tan prometedora en el aspecto comercial como Páez trabajara con "El Flaco".

Fito Páez y Luis Alberto Spinetta

Alternancia estilizada.

El álbum colaborativo de Fito Páez y Luis Alberto Spinetta contó con veinte temas, de los cuales diez le pertenecían al "Flaco" y siete a Fito. Se incluyen dos covers y un tema compuesto por ambos. Es curioso que, a pesar de que La La La fue un álbum colaborativo, solo en una pista se unieron los dos a componer. En este caso las colaboraciones llevaban un método distinto, ya que ambos autores se entregaron sus temas compuestos y abrieron puerta a que él otro añadiera arreglos, mezclas y pusiera su esencia.

El título de este álbum precisamente está involucrado con aquel deseo de ambos por componer e interpretar las canciones del otro. Se podría decir que el fuerte de esta mancuerna estaba ahí, más allá de buscar crear una puesta innovadora que fuera en búsqueda de nuevos sonidos se trataba de un par de amigos que se presaron sus canciones para modificarlas codo a codo. Así como una característica importante, el hecho de la libre composición fue de algún modo una limitante que no volvió muy atractivo al disco de forma íntegra. Y es que en su contenido tenía canciones bastante buenas, que con el tiempo siguieron sonando en los conciertos pero también La La La era portador de canciones que pasaron de largo.

Algunos críticos mencionan que sin duda habría sido mejor el experimento con la ayuda de un productor. Y no necesariamente porque la autoproducción de Fito y Spinetta fuera mala, más bien por poner un límite que ayudara a sintetizar mejor el álbum. De hecho, en los créditos aparecen diversos artistas y productores que estuvieron detrás como Tweety González, Ricardo Mollo, Fabiana Cantilo entre otros, pero el peso creativo y de producción recayó en los dos artistas.

El cruce musical de Fito Páez y Luis Alberto Spinetta en La La La es formidable. El joven artista proponía letras y estructuras pop bastante bellas, que eran registro de la apuesta que había comandado en sus disos solistas. Por otra parte "El Flaco" aparecía con complejas piezas que rozaban al rock con el jazz y que al mismo tiempo tenían una emocionante vibra melancólica.

Spinetta dio un paso atrás con las referencias electrónicas que tenía en su trabajo solista de anteriores discos y se enfocó junto a Fito en crear un disco protagonizado por elementos orgánicos en su mayoría, salvo un par de temas hechos con baterías programadas. Entonces La La La es una experiencia melancólica que goza de múltiples elementos sonoros como el piano, instrumentos de cuerdas, baterías sobrias y bajos que ilustran piezas sublimes, que siempre aspiran a llevarte a esos ambientes nocturnos y románticos.

Por otra parte contrastaban canciones donde ambos artistas sacaban a relucir su espectro más roquero. El dúo presenta un juego brutal de armonías en el que queda demostrado su poderío como compositores que siempre se retan a algo más, ya que las canciones en muchos casos tienen giros interesantes, así como matices que te pueden llevar de la sensibilidad y el minimalismo, al barroco y la violencia en segundos. No cabe duda que la experiencia de Spinetta así como la espontaneidad de Fito dieron un registro muy interesante.

A Luis le llevaba el material y él quería las inversiones de los pianos y las formas de armonías guitarrísticas pasadas al piano eran insólitas. Ahí aprendí otra manera de armar los acordes: era insólito. Para uno que escuchaba Beatles o Stones... la naturaleza de Luis era otra. El Sol Mayor no era Sol Mayor: era diferente. Las armonías de “Serpiente de gas” o “Atiborrado” son clases de música", expresó Fito Páez en 2015 a Página 12 respecto al hecho de trabajar con Spinetta.

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Focault y tragedias.

La La La está arrullado por una serie de displicencias en su contexto. Como se menciona anteriormente, Luis Alberto Spinetta llegó a señalar que EMI (empresa que tenía contrato con Fito) intentó en diversas ocasiones boicotear el proyecto. Por otra parte, luego de la grabación del álbum ocurrió un hecho que transformaría la vida de Fito Páez por completo, ya que su abuela y tía abuela fueron brutalmente asesinadas en su casa de Rosario junto a una trabajadora doméstica de su familia.

El impacto de este hecho fue drástico para Fito, quien cayó en una depresión gigante de la cual amistades como Fabiana Cantilo y el mismo Luis Alberto sirvieron para sacarlo adelante. Posteriormente Páez compondría "Ciudad de Pobres Corazones", que serviría para años futuros como uno de sus hits más significativos. De igual forma Spinetta sacaría años más tarde Téster de Violencia, un concepto que creó pensando en su colega y su tragedia.

Este hecho se cruza un poco con el concepto de La La La, ya que el álbum está inpirado en algunas canciones por la obra de Michel Focault. Se podría decir que dentro del emotivo álbum aparecen mensajes que hacen alusión a la sexualidad, la violencia y el deseo de poder que abunda en los humanos. Toda esa serie de deseos que son muestra de la naturaleza humana fueron vinculados a la obra del filósofo francés, aunque ese universo de emociones creado por Luis y Fito se volvió poco al ver la vida tras el hecho ocurrido con Páez y su familia.

Al final, La La La es un crossover fantástico, que parte del deseo de hacer algo más con la música, de llevar a horizontes estridentes donde el folclore y el tango convergen con el rock en baladas que rozan lo sublime y al mismo tiempo lo más humano. "Fue, es y será un álbum incorrecto por donde lo mires. En general, creo que ese desconcierto perdura en el tiempo respecto a este álbum y posiblemente hacia todo el imaginario de gran parte del rock argentino. Siempre hay algo saliéndose de órbita y eso es lo que termina volviéndose su sello distintivo” le llegó a contar Fito Páez al medio Télam Digital.

Te invitamos a descubrir La La La, que cumple en diciembre de 2021 cumple 35 años de historia y representa la unión de dos íconos de la música latina. Un vestigio lleno de temas memorables, así como historias densas que le acompañan detrás.

Fue una experiencia de hermandad profunda y absoluta. Mientras tanto, nos divertíamos creando un nuevo Frankenstein de muchos sexos e infinitas modulaciones, que hablaba en muchos idiomas y viajaba en su propia máquina del tiempo", expresó Fito Páez a Télam Digital respecto a su experiencia en La La La con Luis Alberto Spinetta.

 

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Antes de que los villancicos invadan tus oídos, pausa el espíritu navideño y dale play a las canciones destacadas de la semana.

Estamos por despedir el año, pero antes de que eso suceda, Indie Rocks! trae para ti tu top semanal de confianza donde con solo cinco canciones vas a tener un resumen buenísimo de lo mejor que pasó en los últimos días. Si sigues scrolleando te vas a topar con adelantos de próximos materiales discográficos que prometen ser de los mejores del 2022, con el regreso de artistas que hace mucho no escuchabas y con ritmos que te van a provocar unas inmensas ganas de bailar.

Todos los días hay música nueva, así que recuerda que después de escuchar este top puedes ir a darnos follow a nuestro Facebook, Twitter e Instagram para que siempre tengas noticias frescas de tus artistas y bandas favoritas. Pero eso no es todo, en nuestro perfil de Spotify vas a encontrar un montón de playlist para cada mood del día, entre ellas está Nuevos Tracks IR!, la actualizamos cada viernes y te recomendamos escucharla en aleatorio para que descubras rolas increíbles.

Playlist de Nuevos Tracks

Beck remixea “Design” de Gustaf

El tema original se desprende del disco Audio Drag for Ego Slobs.

Beck ha dejado claro que tiene una nueva banda favorita, para demostrarles el gran amor que tiene por Gustaf, el californiano compartió un remix del tema "Design", en dónde deja ver su lado oscuro, dándole duro al post punk.

La relación entre Beck y Gustaf va más allá de la música, pues después de invitarlos a tocar en una fiesta en su departamento en New York, se volvieron muy amigos, pues además de grabar este remix de “Design”, ambos participaron en una entrevista para la revista Interview.

Dale play al remix de “Design” de Gustaf a cargo de Beck:

 

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"Design” se desprende del disco debut, Audio Drag For Ego Slobs que se publicó en octubre a través de Royal Mountain Records, con este disco Gustaf recibió varios elogios de medios como: NPR, NME, BrooklynVegan, Paste y DIY.

Además de compartir el remix de Beck, Gustaf anunció varias fechas en Estados Unidos y Reino Unido, en donde contará como compañeros de gira a IDLES.

Mild Minds estrena “Haunted”

Sonidos melancólicos sobre la muerte y el renacimiento.

Un viaje sonoro que nos lleva a un throwback al 2011, cuando Thom Yorke nos regaló “Lotus Flower”, así con esos sonidos atmosféricos, Mild Minds estrena “Haunted”; un tema lleno de sintetizadores y voces cautivadoras.

Este sencillo, llega como sucesor de “Machine” y “No Skin”, en el que Benjamin David, la voz detrás de Mild Minds, nos presenta un paisaje sonoro en el que recorre la melancolía y tristeza que experimentamos cuando perdemos a algún ser querido, pero sabiendo que después de la muerte viene el renacimiento, experimentando la belleza de este suceso.

Creo que todos pasamos gran parte del 2020 contemplando mucho sobre nuestras propias vidas, mientras sentimos una sensación general de oscuridad sobre si perderíamos a nuestros seres queridos o no; a muchos sí nos sucedió”, compartió David de “Haunted”.

“Haunted” fue lanzado a través de Foreign Family Collective, sello con el que también lanzó el EP Swim en 2018.

Dale play a “Haunted” a continuación:

Mòn: La mística de los sonidos como única irrealidad

El proyecto de art indie italiano que todo melómano debería conocer.

El paso del tiempo no suele ser indulgente con la mística tradicional. Los seres fantásticos han dejado de ser leyendas para convertirse en explicaciones poco acertadas de aquello que creíamos comprender; huesos y dientes convertidos en dragones, delirios de marineros vueltos sirenas y monstruos de mar, cráneos de mamuts vistos como gigantes de un solo ojo. Y aún cuando ahora sabemos el porque de cada uno, las ideas labradas tras eras de consciencia colectiva nos siguen acompañando, mezclando lo real con la dulzura de una visión distinta. Mòn nace en la singularidad de esta otra visión.

Mon (01)

Carlotta Deiana y Rocco Zilli en voces y sintetizador, Michele Mariola en la guitarra, Stefano Veloci al bajo y Dimitri Nicastri en las percusiones deciden forma al proyecto durante 2014, nutridos de la fertilidad armónica respirada entre los paisajes de Roma, Italia. La banda partiría con la intención de dirigir sus esfuerzos sonoros bajo las líneas del indie folk, viéndose rápidamente superados por la evolución natural de su sonido con el lanzamiento de “Lungs”, primer sencillo previo su álbum debut.

Zama, publicado vía Urtovox Records en 2017, nos introduciría a la extensa gama de sonidos efervescentes al interior del quinteto; ritmos fusión, paisajes de atmósferas minimalistas, melodías luminosas y un trabajo vocal infinitamente atrayente harían del LP una luz brillante entre el mar europeo de proyectos independientes.

 

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Dos años después, Mòn volvería a sorprender con el lanzamiento de Guadalupe, compuesto de 10 tracks en los que vemos a los integrantes pasar de la intensidad contenida del free jazz a la furia suave de sensaciones pop, post sound y math rock, consolidando un sonido infinitamente único reverberando entre nombres como The Mars Volta y Strawberry Girls, sin alejarse enteramente de sabores tan disfrutables como Metronomy o Glass Animals.

Mon - Guadalupe (Art)

Es esta reinterpretación de los sonidos la que ha caracterizado al proyecto desde sus inicios en el rehearsal de algún garage italiano, superando la disparidad de lo técnicamente complejo para centrarse en la poética de los sonidos, una nueva metafísica presentida por lo que nos hace humanos y disparada hacia todas direcciones. La mística de un jazz indie vista desde la naturalidad de lo contemporáneo.

Bratty estrena video para “tiempo”

La cantautora sinaloense compartió la edición Deluxe de su álbum tdbn, donde “tiempo” es uno de los temas nuevos.

Es indudable que Bratty es una de las artistas mexicanas que más la están rompiendo últimamente. Apenas sonó en un montón de playlists con su versión de “Bichota” al lado de Renee y, actualmente, se encuentra en una gira por varios estados de México. Ahora, con motivo del lanzamiento del álbum tdbn (Deluxe) (2021), la cantante sinaloense deleita a sus fans con “tiempo”, un nuevo video musical.

“tiempo” es una de las nuevas canciones que se añaden a la edición Deluxe del álbum tdbn. El video sigue a Bratty en un recorrido nocturno por las calles de la ciudad, donde se enfrenta a la soledad de los espacios vacíos, las sombras, las luces rojas y la oscuridad. Dale play al visual dirigido por la misma cantante junto a Mateo González a continuación.

La edición Deluxe de tdbn ya está disponible en tu plataforma favorita de streaming. Además de “tiempo”, este álbum contiene otros temas que no figuraron en la edición original del álbum, entre los que se encuentran “hazme saber”, “ecoducto” y “u.c.m.c.d.n.”.

De acuerdo con Bratty, el estreno del video para tiempo es “el final de la era tdbn”, como lo aclaró en Instagram. Por ello, no dejes de seguir a la artista en redes sociales e Indie Rocks! para que no te pierdas las sorpresas que se encuentra preparando.

 

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Century Egg, noise pop transcontinental de altos decibelios

El grupo radicado en Canadá viene dispuesto a dejar su huella en la música ruidosa del mundo.

Entre la ferocidad del noise pop y el estilo del rock asiático abanderado por Spitz o Jun Togawa, aparece el nombre del grupo asiático-canadiense Century Egg. Este proyecto, que debutó recién en 2020, casi podría ser considerado un supergrupo: en sus filas se encuentra la cantante Shane Song (musicalizadora de videojuegos), el guitarrista Robert Drisdelle (arreglista de Lido Pimienta), la baterista Megumi Yoshida (del grupo Bad Vibrations) y la bajista Matty Grace (del grupo Cluttered).

Century Egg comenzó como una aventura dispuesta a revivir la energía de la música de guitarras y los versos coreables, tal cual quedó plasmado en el EP debut We Can Play (2020). El sonido de la banda, empero, adquirió su forma final en el EP Little Piece of Hair (2021), un material que ganó el reconocimiento de los medios Exclaim! Y Bandcamp Daily con sencillos como “Do You Want To Dance?”.

Ahora, Century Egg se dispone a demostrar que dentro de la euforia y los guitarrazos también hay lugar para la melancolía y la auto-reflexión. Para ello, estrenó un nuevo sencillo doble, conformado por las canciones “Mirror” y “Moving On”, ambas dedicadas a “la lucha contra la depresión y a cómo las cosas pueden parecer oscuras incluso cuando hay lados brillantes”, tal cual narra en comunicado de prensa. Dale play a ambos temas a continuación.

Century Egg ya ha formado parte de grandes festivales de Canadá como M For Montreal y Nova Scotia Music Week. Actualmente, el grupo prepara un montón de sorpresas para dejar su huella en el mundo del noise, indie y garage rock. Así que no olvides seguirlo en redes sociales para que no te pierdas ninguna de sus actualizaciones.

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“Make Me One”, la nueva canción de Poolside

Para este tema, Poolside colaboró con Body Music y con Xavier Smith.

Apenas estamos entrando en los fríos extremos de diciembre y Poolside ya está pensando en el verano, ya que hoy lanzó "Make Me One", una canción que está puesta como para bailar y dejarse llevar por el ritmo funky que tiene. Los involucrados en la creación de esta canción declararon lo siguiente: "Funciona igual (la canción) en una playa soleada de California y en una pista de baile de una discoteca en NYC. ¡No podemos esperar a bailarla contigo!".

Body-Music_2021

Con tan solo tres minutos de duración, "Make Me One" se convertirá sin duda en una de tus canción favoritas de este fin de año. Es una canción que tiene unas notas de sintetizador repitiéndose durante toda la pista, un bajo que engancha y pone a mover las extremidades a quien lo escucha y lo más sobresaliente es la voz de Xavier Smith que solo repite una frase a lo largo de la canción, pero con eso le basta para darle frescura a esta rola.

Poolside-MakeMeOne_2021

"Después de años de conversaciones musicales e intercambio de ideas, Poolside y Body Music se alegran de compartir su primera colaboración original. 'Make Me One' es un verdadero amalgama de la estética de Poolside y Body Music. Un temazo downtempo que tiene un bajo hipnotizante como base y la voz pegajosa de Xavier Smith", añadieron los artistas.

"Make Me One" estará incluida en el EP High Season Revisited que ya puedes pre guardar en este enlace. Pero no he demores más y dale play acá arriba al video oficial de la canción con la animación de Michael McAfee.