Big Thief — Dragon New Warm Mountain I Believe In You

Una exploración de sonidos contrastantes y la expansión de nuestros propios límites.

Big Thief llega con un nuevo lanzamiento en su prolífica carrera. Su quinto álbum de estudio en siete años, Dragon New Warm Mountain I Believe In You es sin duda su proyecto más ambicioso hasta ahora. Con 1 hora y 20 minutos de música , casi duplica el tiempo total de U.F.O.F. (su anterior disco más extenso, de 43 minutos). Además, nos presenta 20 canciones, donde exploran una variedad de géneros y estilos desde el country hasta el indie rock, el folk e inclusive el trip-hop. Además, combinan elementos de géneros contrastantes, como en la canción “Heavy Bend”, donde desenvuelven una canción muy indie sobre un beat más bien trapero, integrándolo de una manera que se escucha natural.

 

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Aunque la tónica del disco gira principalmente alrededor del country, el indie y el folk, los brincos entre géneros se sienten sorprendentemente orgánicos. Y es que el poliestilismo que atraviesa este proyecto se establece desde las primeras canciones, donde nos presentan beats experimentales y fusiones entre el country y el indie.

Las influencias están por todas partes, “Spud Infinity” se siente como si Courtney Barnett y Jefferson Airplane se hubieran juntado para escribir una canción. Por ahí perdido en “Flower of Blood”, un riff que recuerda al característico sonido de “Gut Feeling” de DEVO. En la manera en que Adrianne Lenker suelta las palabras en “Promise is a Pendulum” puedo escuchar a lo lejos al fantasma de Leonard Cohen cantando “Suzanne”.

Creo que todo lo que les comento tiene que ver con mi experiencia particular de escucha. Me parece que un efecto de este álbum es que produce esta clase de espectros en cualquier persona que lo escuche. Sirve como una especie de espejo, donde podemos ver reflejada la música que nos ha movido en nuestras vidas. Y es que este disco suena extrañamente familiar desde la primera escucha, como el rostro de una persona que conoces por primera vez pero sientes que has conocido desde siempre.

El disco puede pecar de ser muy largo y hay algunas canciones que se sienten sobradas. Es una longitud complicada y lograr cohesión entre 20 canciones no es tarea fácil. Aún así, los brincos entre diferentes géneros que pueden parecer extraños en concepto, como poner una canción de trip-hop lofi y una de country lado a lado, están bien logrados y el resultado es un álbum que nos presenta muchas caras distintas de lo que estos artistas son capaces de hacer. Es la primera vez que Big Thief se extiende tan lejos de los límites musicales que ya les conocíamos y el experimento dejó buenos resultados. Esperamos seguir viendo qué nos traerá esta banda después ahora que comenzaron a explorar nuevos rumbos.

Andy Bell — Flicker

El segundo álbum en solitario de Andy Bell, nacido desde la introspección.

A pesar de que el mundo se ha detenido estos últimos años, Andy Bell ha sido un hombre ocupado después de haber hecho un debut exitoso como solista en 2020 con The View From Halfway Down y realizar conciertos instrumentales en vivo como Andy Bell Space. Ahora regresa con su segundo álbum en solitario titulado, Flicker

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Este nuevo material es casi como una conversación con su yo adolescente, con letras que son inspiradoras y nacidas de la introspección, en un trasfondo musical que se basa en su experiencia como miembro de Ride, Oasis, Beady Eye y su trabajo en el género electrónica.

Flicker, es un gran álbum doble de 18 pistas escritas por Bell, mismo que grabó con Oasis y su compañero de banda Beady Eye, Gem Archer en el estudio de este último en el norte de Londres, con la masterización de Heba Kadry. Se identifica el estado de ánimo reflexivo, la carátula del disco reconoce el pasado, ya que se basa en una de sus fotos antiguas tomada por Joe Dilworth.

Esta retrospección es evidente durante las primeras etapas de la producción. En It Gets Easier, la segunda pista optimista impulsada por el bajo, Bell reconoce el presente; "Estoy viviendo mi mejor vida", pero también advierte: "La vida es demasiado corta, así que no pierdas el tiempo". El estado de ánimo contemplativo continúa a través del World Of Echo” con un acústico armonioso. Lo más destacado del disco es el himno Something Like Love, que presenta una introducción y contenido lírico con el concepto de tiempo, en donde advierte que “Nunca debes desear que tu tiempo se vaya" y "Usa un espejo para recordar, y mira hacia atrás con algo como el amor".

Aunque hay muchos guiños al pasado, a menudo melancólicos, hay un equilibrio con temas que ofrecen positividad y brindan muchas instancias con visión de futuro.No Getting Out Alive recuerda la importancia de vivir el momento, mientras que When The Lights Go Down, es un instrumental cautivador y edificante que se beneficia por el uso del saxofón. 

Este segundo álbum de Andy Bell es un viaje en el tiempo sonoro. Las canciones tienen una energía juvenil, con un estilo melódico que se siente muy de los 90, pero aportándoles madurez, y su éxito se basa en la forma en la que logró juntar la amplia gama de estilos musicales empleados para hacer un álbum cohesivo y fluido. En conclusión, qué delicia es Flicker.

Entrevista con Alice Glass

Encontrado la fuerza interior, iniciando de nuevo.

Poco sabemos de lo que ha sucedido en la vida de Margaret Osbourne desde su salida de Crystal Castles. Si, hubo un EP que anunciaba algo más grande, pero al final Alice Glass necesitaba reencontrarse consigo misma. Ahora tras varios años y un riguroso proceso creativo llega su primer disco; un conjunto de temas que dejan en claro todo lo vivido en años anteriores, directo a la cara de quien aun desee escuchar a la que, sin duda, es un monstro en el escenario y su nuevo hogar lleva por título PREY//IV.

Más que nada fue un proceso en el que estaba en un plan de 'ok necesito salir de esta situación', suena un poco cursi pero sólo quería probar que podía sobrevivir por mis misma y dejar la mierda de lado… me di cuenta de que realmente tenía más poder del que imaginaba”.

El nuevo trabajo no deja dudas del sufrimiento que pasó la compositora durante estos años, pero también es un ejercicio pocas veces visto en trabajos de este tipo: No hay una postura de víctima, y aunque las letras son en sus palabras ‘jodidamente oscuras’ hay una fuerza y rabia bañada de madurez, mucho de ello se aprecia en la voz, que conserva la furia de aventuras pasadas, pero que también explora su lado más suave.

La música se trata de poner, por momentos, tu mente en trance y darle a tu voz una cualidad de ensueño, combinado con mis letras jodidas (risas). Probablemente sea la persona menos divertida para hablar en una fiesta, pero para mí es muy importante poder expresar mi lado oscuro, no importa lo que cueste”.

Así el disco, que ya se encuentra en todas las plataformas, es nuevamente una invitación a la pista de baile, una dónde ahora ella es verdaderamente la dueña y en la cual no importa la cantidad de personas que se encuentren en ella, lo importante es hacer comunidad y para la cantante, encontrar un espacio dónde su música sea realmente apreciada por lo que es.

Creo que cómo seres humanos, ser parte de la pista de baile implica ser parte de la comunidad, es como un estado de hipnosis y creo que eso genera lazos con la gente. No me gusta la charla trivial, me gusta confrontar a la gente como cuando les pregunto '¿Cuál es la cosa más jodida que te pasó el fin de semana?' (risas).”

Su debut marca el cierre de una etapa en la que estuvo buscando su propia identidad, sabía que decir, pero no tenía mucha idea de cómo llevarlo a la música. Al final tuvo que hacer un trabajo de auto búsqueda y fue en sus influencias, que van desde el metal hasta Cyndi Lauper, dónde encontró la llave para dar con el sonido que toma influencias del witch house, hyperpop y la electrónica que siempre la acompaña.

“Es agradable y al mismo tiempo surrealista poder juntar mis letras y ponerlas en paquete y lanzarlas. Lo que pasa es que jamás pensé que podría salir de este estado de miedo/enojo entonces el escucho de escucharlo, incluso de hablarlo me hace sentir que es algo que puedo ir dejando atrás”.

De los temas que conocimos antes de la salida del trabajo se encuentran la fantasía de venganza de “Suffer and Swallow, la doble lectura de “Love is Violence” o la nada inocente “Baby Teeth” todas ellas relacionadas profundamente a la vida de Glass, quien no se había dado cuenta de cuan oscuros son sus textos. Al final es una situación irrelevante por que para ella el trabajo está hecho y su música ya no le pertenece.

La gente me escribe y me comenta cómo mis temas se relacionan con ciertas partes de su vida y es entonces cuando se convierten en ‘su canción’. Así que cuando toco esto temas sé que lo estoy haciendo para ellos, lo puedo percibir y es una sensación increíble”.

De sus problemas con su ex compañero de banda y los problemas subsecuentes a su salida de esta hay mucho de qué hablar, pero Alice es más que eso; y después de tanto tiempo por fin puede mostrar su verdadero yo en esta nueva etapa. Recomienda a todo aquel que inicie en la industria de la música tener un abogado, y cuenta algunas cosas que por cuestiones legales no se pueden poner en texto. Al comentarle que pese a todo creo que tiene la oportunidad de llevarse la victoria ella cierra la charla de manera contundente:

Desde este momento ya me siento una ganadora, ¡porque sé cómo lidiar con esa mierda!”.

Ximena Sariñana en el Teatro Metropólitan

Un emotivo viaje por un diario adolescente.

Para mí siempre va a ser muy interesante presenciar el desarrollo de la encantadora carrera artística de uno de los tesoros nacionales postmodernos; Ximena Sariñana. Después de todo, su impacto en la cultura pop mexicana es invaluable, y hasta la fecha permea en lo más profundo de los corazones de  millones de millennials y muchos de los individuos más grandes de la Generación Z.

No hay forma de dudar sobre el impacto del trabajo de Ximena Sariñana, y eso dejando de lado su trayectoria de lo más icónica en otros ámbitos artísticos ajenos a la música.

Todos recordamos su álbum debut Mediocre (2008) como uno de las producciones más memorables de la década de los 2000 y desde entonces no ha dejado de dejar una huella bastante fundamental no solamente en el pop, si no también en la cultura alternativa de México.  Por un lado podemos gozar de su participación en uno de los temas más emblemáticos de la cumbia mexicana junto a Los Ángeles Azules, y por otro disfrutar de una colección de discos grabados junto a Omar Rodríguez López. ¡Vaya rango!

Por esa razón sentí emoción cuando tuve la oportunidad de asistir al arranque de su gira como parte de una fecha muy especial con el motivo de presentar Amor Adolescente; su más reciente álbum de estudio. 

La bonita fachada del Teatro Metropólitan se encontraba vestida de colores pastel mientras Ximena Sariñana lucía su campante personalidad y un deslumbrante atuendo. Rodeada de músicos, adornos blancos de gran tamaño y pantallas que ayudaron al público a  ilustrar la narrativa del diario de un Amor Adolescente.  

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Músicos increíbles, encantadores arreglos de cuerdas, visuales acogedores y apariciones de invitadas estelares es como describiría en pocas palabras lo vivido este pasado 19 de febrero con la ejecución que genuinamente elevó a un nivel inesperado las canciones de Amor Adolescente al igual que temas clásicos.

La artista originaria de Chihuhua, Ruzzi fue la mente detrás de la sensacional producción para este nuevo material de estudio y además acompañó a Ximena Sariñana en algunos de los momentos más especiales de la noche tocando temas como “Amor Adolescente” y “Cariñito”.

Además, una de las artistas de indie pop más preeminentes de México, Bratty nos deleitó con su bella voz en el momento en el que “Una Vez Más” estaba sonando en esta noche mágica.

En momentos más nostálgicos tuvimos el placer de disfrutar de versiones versionadas de  “Vidas Paralelas” y “No Vuelvo Más”, sin dejar de lado momentos más animados en donde exploramos el lado cumbia de Ximena.

Al final, es es bueno recordar a Ximena Sariñana presenta como un exponente importante dentro de la música mexicana, sin embargo no deja de crecer de una forma orgánica mientras explora diferentes sonidos y formas de presentar su música. Nuevos y antiguos fans quedarán muy contentos después de que tengan la suerte de ver la gira de Amor Adolescente

 

“Eguzkiari Itxoiten”, el nuevo video de Chica Coyote eta Chico Tornado

Es el primer sencillo del álbum Niña Coyote eta Chico Tornado Vs. Don Cóndor eta Ñora Alacrán.

Si lo tuyo son las baterías agresivas y potentes a todo volumen con guitarras saturadas de distorsión y efectos, entonces Niña Coyote eta Chico Tornado es el proyecto ideal para ti. Esta cumpliendo 10 años de su formación y su primer LP homónimo salió hace nueve años, por lo que novatos no son. Hoy estrenaron "Eguzkiari Itxoiten", el primer adelanto de su cuarto álbum que se titulará Niña Coyote eta Chico Tornado Vs. Don Cóndor eta Ñora Alacrán, mismo que saldrá el próximo 11 de marzo.

En "Eguzkiari Itxoiten" escuchamos la destreza de Ursula Strong en la batería que, aunque tiene pocas variaciones a lo largo de la canción, llega a opacar la voz de Koldo Soret. En la guitarra, el mismo Koldo ofrece riffs frenéticos llenos de efectos y distorsión. La letra es bastante corta y el coro solo dice el título de la canción, que traducido dice algo así como "¡Esperando el Sol!".

La canción llegó con un video oficial dirigido por Nitya López y en el cual podemos ver al dúo atrapado en un centro de reclusión dónde deben interpretar una canción para salir con vida. Al final logran sobrevivir, aunque no sabemos si los demás "participantes" corrieron con la misma suerte.

¡Sigue a Niña Coyote eta Chico Tornado en Facebook, Instagram y YouTube!

Gloria "Goyo" Martínez tendrá una serie en HBO

La cantante compartió el tema "Na Na Na" como un previo al lanzamiento.

La plataforma HBO estrenará el debut en solitario de la artista colombiana , Gloria “Goyo” Martínez, a través de la serie En Letra De Otro y un álbum de estudio del mismo nombre. Ambos serán lanzados vía streaming el próximo viernes 4 de marzo.

Como parte de un adelanto a estos proyectos, la intérprete de "Tomorrow" lanzó su sencillo "Na Na Na" junto con un video musical. El tema contiene un dembow caribeño para evocar a una mujer que está dispuesta a alejarse de una relación que no se centra en el amor fiel.

Compartir parte de lo que soy a través de la música con la que crecí es hermoso. Ver a mi familia, mis tías y primas también participando en la producción me llena de felicidad (...) Condoto es la raíz, mi esencia, y sin esa raíz no estaría cumpliendo el sueño de presentar un proyecto en solitario, pero con el alma y la bendición de Chocquibtown”, indicó la artistas para medios locales.

En Letra De Otro será producido por Sony Music Latin y Kree8 bajo la dirección de Simon Brand. Este especial de HBO también contará con las influencias musicales que inspiraron a Goyo en su carrera artística, entre ellas:  “Oye cómo va” de Tito Puente, “Antología” de Shakira, y “Summertime” de Ella Fitzgerald.

Ve el tráiler a continuación.

El Chill Vibe Urbano de Blue Saint Pablo

“Blue Saint Papi”, “DJ CHALE.jpeg”.

Es difícil de explicar, pero ¿alguna vez alguien te ha caído bien sin siquiera conocerlo? Algo así es referirse a Blue Saint Pablo, ni tan azul, ni tan santo pero si muy Pablo, y eso es lo interesante. Con una mezcla actual de ritmos urbanos como el R&B, el trap, reggaetón, un poquito de vibras a la terminación “wave” y el bedroom pop que representan su pasado, este artista poblano crea un ente con una personalidad muy única. 

Con descargas emocionales románticas y melancólicas hasta un aire donairoso e hilarante, el cantante, músico y productor mexicano crea un ambiente que incita a vacilar o simplemente estar, a deprimirse un rato sobre un mar de desorden al interior de tu habitación, e inclusive a vibrar entre amigos, luces, tragos y una que otra sorpresa en alguna fiesta. 

A través de líricas en inglés y español, mezcla una estética relajada a lo DIY que al final termina por ser de lo más pensada. Con guiños en producción muy llamativos, sobre bases de hip hop, secuencias traperas y electrónicas, también añade un clara influencia al reggaetón dosmilero y esa esencia vaporosa que te incita a estar chill y solo vibrar. 

Recientemente, el músico presentó su primer mixtape de larga duración, San Papi, con 11 canciones y las colaboraciones especiales de Yipo, DIck Magic Maik, Scobba, DJ Smircho, mangopunto y Pavel Yandhi. Una producción del mismo Pablo, Sor Ug, magopunto y Daniel Suárez. En portada, podemos observar al mismo Saint sobre una edición retro-dosmilera romanticona que podrías pegar en la sala de tu casa, justo a un lado de tu collage de fotografías de bebé; esa de multifacéticos rostros.  

Si algo podemos descubrir para este 2022, es la música de Blue Saint Pablo. Ponte bien la “sudadera” y disfruta “de los mejores éxitos románticos del ayer y hoy”. Escúchalo aquí. 

Descubre más proyectos como este a través de Indie Rocks!

The Crystal Method estrena video de “Post Punk” junto a Iggy Pop

Esta canción está en The Trip Out, el nuevo álbum del grupo.

Si en pleno 2022 no sabes nada acerca de The Crystal Method, tal vez eres muy joven o tal vez vivías en otro planeta. El dúo tiene una trayectoria de casi 30 años en la música electrónica y siempre ha mantenido su sonido aunque, claro que en el camino se ha ido actualizando. Hace ya cuatro años que salió el último disco de The Crystal MethodThe Trip Home bajo el sello Tiny E Records, y el año pasado lanzó dos canciones, "Act Right" junto a Billy Dean Thomas VAAAL, y "House Broken" con Naz Tokio.

Ahora, The Crystal Method estrena el video de su álbum The Trip Out"Post Punk" y para este tema contó con la participación de nada más y nada menos que Iggy Pop. Este es un track perfecto para cuando caminas por la calle con los audífonos puestos, cuando vas manejando o cuando necesitas algo que te haga sentir invencible. Tiene percusiones programadas agresivas, sintetizadores en con secuencias que enganchan, pero lo que se lleva las palmas es la voz de Iggy Pop repitiendo la hipnótica frase "I don’t want tobe a punk, I don’t want to belong to any of it".

El video oficial estuvo dirigido por Margaryta Bushkin con animaciones fenomenales creadas por Anna Chocholi.

Pehuenche y Carlos Sadness estrenan “Brillando”

En mejor mañana nos espera.

Los cambios siempre son buenos pero nunca fáciles, no solemos ser los mismos que el año pasado y menos en tiempos caóticos de incertidumbre. O al menos así lo experimentó el cantante Pehuenche durante esta época pandémica, la cual plasmó en su nueva tema “Brillando” junto al catalán, Carlos Sadness.

Una canción que evoca a la posibilidad de vivir con esperanza propia y los momentos melódicos necesarios para reivindicar nuestro ser y tener un mejor provenir. Es por eso que porta de un humor amable, fresco y sobre todo alentador para comenzar el año con actitud fresca.

Una canción que camina bajo un sol que acompaña y sana. Un sol de invierno que nos ampara del frío y saca lo mejor de nosotros haciéndonos brillar", indicó Carlos Sadness en un comunicado de prensa.

“Brillando” cuenta con un video oficial, dirigido por Marcelo Quiñones, donde se juega con la presencia de ambos artistas mediante un viejo televisor, mismo que nos remota a la época de antaño basada en recuerdos y sentimientos que nos llenaron de vida.

Por ahora, Pehuenche se prepara para el lanzamiento de su álbum debut Vida Ventura a través de Nacional Records. Un material que mezcla diversas tonalidades del bolero, el huapango y la distinguida fusión de rock-pop-folk de los 70.

Mientras te dejamos su reciente tema a continuación.

Yumi Zouma estrena “Where The Light Used To Lay”

Una agonía entre las adversidades de la vida y el tentador futuro que nos depara la luz al final del túnel.

Lo que comenzó como un proyecto de grabación casero en línea, más tarde se convirtió en Yumi Zouma, un grupo de pop alternativo que revolucionó la escena emergente con composiciones sensibles y llenas de emoción. Una receta que volvieron a utilizar en su más reciente sencillo "Where The Light Used To Lay".

El estreno abarca la idea agridulce entre las adversidades de la vida y el tentador futuro, claridad y ligereza que puede ofrecer el final del túnel. Este cuenta con un visual dirigido por  Alex Ross Perry, que nos muestra a la banda en una habitación con luces de colores mientras bailan al compás de la melodía.

Es gracioso cómo las canciones pueden terminar revelándose de manera sorprendente, incluso para sus escritores. Es confrontar y calmar a partes iguales, sabiendo que el subconsciente comienza a procesar mucho antes de que llegue el consciente. De todos modos, es bueno tener un momento con una canción en la que dices 'maldita sea, ¿no es esa la verdad?", comentó Josh Burgess sobre la pista.

"Where The Light Used To Lay" será parte del álbum Present Tense, que se publicará el próximo 18 de marzo a través de Polyvinyl. Al igual contará con las piezas previamente lanzadas: "In The Eyes Of Our Love", "Mona Lisa" y "Give It Hell".

Dale play al video de Yumi Zouma a continuación.