Tonga Conga, una dualidad expansiva

Voces del universo latinoamericano alternativo.

Tonga Conga es el alter ego de producción de Raúl Sotomayor, percusionista, DJ y productor, mejor conocido por ser una mitad de Sotomayor, una banda de la escena independiente mexicana que después de 3 discos y 5 años de festivales alrededor del mundo se ha posicionado como una de las principales impulsoras del llamado New Latin Wave.

Ahora el alter ego de Raúl, Tonga Conga, ha compartido su primer sencillo "Mira Bien". La canción cuenta con la colaboración de Mula, proyecto de las gemelas dominicanas Cristabel y Anabel Acevedo, quienes unen fuerzas musicales para lograr crear un tema cuyas melodías suaves y grooves de tambores afrocaribeños nos introducen a este nuevo universo llamado Tonga Conga.

Échale un ojo a continuación.

El track, igual que el disco, habla sobre la identidad, sobre lo que significa ser latino, sobre 'Mirar Bien' lo que tienes enfrente, y darte cuenta que hay algo más allá de lo aparente", comentó Raúl.

Como productor, Raúl ha colaborado en el más reciente lanzamiento de Cabra (Visitante de Calle 13), un trabajo compuesto por el y escrito por la leyenda dominicana Rita Indiana, trabajo por le cual fueron nominados a un Latin Grammy en la categoría de Mejor Álbum Alternativo en 2021.

Tonga Conga_2022

El primer álbum de Tonga Conga titulado Jevi estará saliendo a lo largo del 2022, el disco contará con colaboraciones de artistas como Mabiland, Vanessa Zamora, Acentoh, TolumiDe, entre otros. "Mira Bien" ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.

No le pierdas la pista a Tonga Conga y mantente al tanto de sus nuevos lanzamientos

 

 

Disclosure y Zedd estrenan colaboración

"You’ve Got To Let Go If You Want To Be Free" es el título de esta nueva canción y es lo que necesitas para levantar el ánimo.

El año pasado Disclosure dejó sorprendidos a propios y extraños con los dos álbumes que estrenó, uno de estudio y uno de remixes: Never Enough DJ Kicks. Desde entonces no habíamos tenido muchas noticias respecto a los hermanos Guy Howard Lawrence, hasta el viernes pasado que salió a la luz una nueva colaboración entre Disclosure y el también DJ Zedd.

 

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"You’ve Got To Let Go If You Want To Be Free" es una canción envolvente de un ambiente tranquilo y relajante, nada por lo cual estallar en júbilo. Es más bien una canción para escuchar en tu día a día y olvidar el estrés del trabajo, la escuela o la vida en general. Tiene beats refinados que atacan a los pies y las manos primero, en su atmósfera crea sonidos que se quedan grabados en la mente y el coro es bastante pegajoso porque solo repite el título de la canción una y otra vez.

"Mientras yo jugueteaba con la batería, Howard se le ocurría la letra y las melodías" dijo Guy Lawrence acerca de la canción. Por su parte Howard mencionó lo siguiente: "Líricamente, esta canción es mi mecanismo para lidiar con la ansiedad. A veces necesitas recordar dónde estás en lugar de aferrarte a dónde quieres estar". Zedd añadió a estás declaraciones que "se sentía como si estuviéramos en una banda, tocando y jugando con las ideas de los demás, lo que nos llevó a un lugar en el que no habríamos llegado por nuestra cuenta".

Red Hot Chili Peppers comparte avance de su nueva canción

Aún sin fecha de estreno, este lanzamiento marcará el regreso de la banda desde The Getaway, su último disco.

Han pasado seis largos años desde que salió el último disco de Red Hot Chili PeppersThe Getaway y lo más destacado que ha anunciado la banda desde ese entonces fue la reincorporación de John Frusciante al grupo liderado por Anthony Kiedis. Desde que se anunció esto, los fans no han dejado de elevar sus expectativas con respecto a cómo sonará el nuevo material en el que trabaje el guitarrista con la banda, ya que el último álbum que salió con Frusciante en la guitarra fue Stadium Arcadium de 2006.

Hace unos días mediante sus cuentas oficiales en redes sociales, la banda compartió un video de 18 segundos en el cual se puede observar el logo de la banda formado por una lámpara de luz neón roja. Dejando un poco de lado el hecho de que sea un teaser del próximo sencillo de Kiedis y compañía, lo que más resalta es la música en sí. Las notas en la guitarra eléctrica que escuchamos en el video tienen el estilo que caracteriza a John Frusciante, lo cual ha levantado un gran revuelo en redes porque es algo que muchos han esperado desde hace años.

Por su parte Red Hot Chili Peppers tendrá un tour mundial en estadios, misma que iniciará el 4 de junio e Sevilla, España. Otros países que visitará la banda son Inglaterra, Francia, Italia y Estados Unidos entre otros. Lo que hace a esta gira la más ambiciosa de la carrera de Red Hot Chili Peppers es que tendrán la participación especial de artistas como The StrokesHAIMSt. VincentAnderson .PaakBeckA$AP RockyKing Princess Thundercat.

Escucha “Pick Me Up”, el nuevo tema de James Blake

La canción será parte de la segunda temporada de Euphoria.

Euphoria es una de las series juveniles más exitosas del momento y no solo por su narrativa, también por el buen soundtrack que ha presentado en cada uno de sus episodios y del que ahora forma parte James Blake con su tema "Pick Me Up".

La delicada pista presenta capas de piano y cuerdas que evocan al desinterés amoroso mediante sus líricas: “Cuando crees que es amor y estás atrapado/Necesitas escapar (...) Hice las maletas y estoy listo, llévame a cualquier parte”. Una combinación que encarna los principales sentimientos nostálgicos y de adrenalina de la aclamada serie de HBO.

Dale play al tema.

Es así como Blake siguen a Lana Del Rey con “Watercolor Eyes” y a Tove Lo en “How Long” como parte del nuevo material para la banda sonora de Euphoria en su segunda temporada, misma que saldrá a la luz en su totalidad el próximo 25 de febrero a través de streaming.

"Pick Me Up" es la primera pista que James Blake estrena desde el año pasado, luego de su aclamado álbum Friends That Break Your Heart, el cual fue elogiado por la crítica como "su obra más hermosa hasta la fecha", y que se posicionó entre los favoritos de sus fanáticos.

Isaac Wood de Black Country, New Road, anuncia su salida de la banda

Black Country, New Road ha anunciado que el líder de la banda Isaac Wood ha dejado la agrupación.

A pocos días de que llegue su segundo álbum Ants From Up There y después de que la banda pospusiera una gira por Reino Unido e Irlanda a finales del año pasado debido a una enfermedad, la banda inglesa Black Country, New Road ha anunciado mediante un comunicado que el vocalista de la agrupación, Isaac Wood, abandona el proyecto.

A través del comunicado, Isaac Wood, comenta que la razón por la cual deja la banda es por el hecho de que no se logra sentir bien emocionalmente dentro del grupo. En su propia declaración los demás miembros confirmaron que continuaran como Black Country, New Road agregando que se encuentran trabajando en nueva música.

Juntos hemos estado escribiendo canciones y luego interpretándolas, lo que a veces ha sido un trabajo increíble, pero más ahora todo sucede que no me siento tan bien y significa que a partir de ahora ya no seré miembro del grupo", comentó Isaac Wood.

El nuevo álbum de Black Country, New Road llega este 4 de febrero a través de Ninja Tune. Por el momento se encuentran canceladas sus fechas en Londres en el Roundhouse la próxima semana, su gira por Estados Unidos en febrero y otras shows por Reino Unido.

 

 

 

 

 

 

 

Coldplay confirma nuevo disco: Moon Music

La agrupación británica trabaja en el segundo volumen de Music Of The Spheres.

Aún tardará un poco en salir, pero ya tenemos el titulo del próximo disco de Coldplay, se llamará Moon Music y es descrito como una segunda parte de Music Of The Spheres.

En entrevista para City News, el cantante Chris Martin fue cuestionado sobre si llevarán nueva música en sus próximos conciertos a Canadá, a lo que contestó: "Estamos terminando un álbum llamado Moon Music, que es el segundo volumen de Music Of The Spheres, pero no saldrá en poco tiempo, quizás toquemos algunas de sus canciones en algún punto de éste año".

Poco a poco se revelan nuevos detalles sobre su décima producción de estudio, a principios de diciembre del 2022, Coldplay usó sus redes sociales para anunciar que estaban de vuelta en el estudio, información confirmada por el músico y productor Nile Rodgers, con quien hicieron una colaboración.

El 05 de diciembre del año pasado, la agrupación de Chris Martin publicó una foto en Twitter donde compartían una serie de artistas que estaban escuchando en esos días. "Hola a todos. Espero que se encuentren muy bien. Aquí hay algunas cosas que amo en este momento", la lista incluía a Erykah Badu, The 1975, Inhaler, Stormzy y más, terminaba el texto: "Estamos en el estudio. Les enviamos mucho amor".

A esto se le sumaron las recientes declaraciones que el guitarrista fundador de Chic, Nile Rodgers, hizo para el diario británico The Sun, donde reiteró que la agrupación se encuentra grabando en el estudio y el fue uno de los artistas invitados para colaborar en esta futura producción.

Lo mejor de trabajar con Coldplay fue que todos estábamos en un cuarto juntos y es una especie de cosa espiritual".

Rodgers es un veterano de la música, desde los primeros materiales de Chic en los 70's, el compositor se dedica también a producir y colaborar, trabajando con grandes como David Bowie, INXS, Duran Duran, Madonna y Lady Gaga.

El siguiente disco de Coldplay será algo que dará mucho de que hablar, especialmente por la gira con la que le acompañen, pues Music Of The Spheres dejó la barra muy alta con el show de ésta producción. México fue testigo de ello con dos fechas en Monterrey, otro par en Guadalajara y cuatro mas para CDMX.

The Smile en el Magazine London

Una velada de jazz, rock, progresión y poesía.

Durante el último fin de semana de enero se llevó a cabo la presentación del álbum debut de The Smile, el nuevo proyecto de Thom Yorke, Jonny Greenwood y Tom Skinner. Minutos antes de las 19:00 H del sábado (hora CDMX) un público virtual y presencial, ávido de música en vivo se reunió para contemplar la fusión de sonidos etéreos provenientes de otro universo.

¿Cómo logró la banda transmitir una sensación de intimidad desde el Magazine London para diversos espectadores del mundo? Pues bien, gracias al trabajo del reconocido director británico Paul Dugdale quien resolvió la situación a la perfección con planos a detalle de los instrumentos musicales, así como con la realización del singular efecto “ojo de pez” en sus tomas, las cuales nutrieron al evento de increíbles panorámicas.

Definitivamente, una de las ventajas de los conciertos virtuales es observar las expresiones y movimientos de los músicos con mayor claridad, lo cual se agradece en shows como este cuyas interpretaciones, especialmente las de Jonny Greenwood, son extraordinarias. 

El escenario adornado con luces LED simuló la silueta de una araña gigante, mientras arriba una plataforma hexagonal con pantallas transmitía el concierto. La interpretación del poema "The Smile" de William Blake grabada por el actor Cillian Murphy se escuchó en los altavoces abriendo el espectáculo. En el último verso, el trío entró a escena y los aplausos no cedieron a la voz grave y ostentosa de Murphy. El vitoreo fue inevitable.

“There is a Smile of Love 

And there is a Smile of Deceit 

And there is a Smile of Smiles

In which these two Smiles meet…”

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Thom Yorke comenzó a tocar el piano y a cantar “Pana-Vision”, el primer track del disco. Todos callaron. El bullicio cesó. Solo el bajo de Greenwood y la batería inquieta de Skinner rompieron con la interpretación desesperanzada y sombría del cantante. Con dicha canción, la banda mostró su carta más densa y misteriosa envuelta en tonalidades claro-oscuras. 

Luego de que Yorke agradeció y envió saludos a los amigos de América, la batería de Skinner y el bajo de Greenwood tomaron el protagonismo con "The Smoke". Las luces rojas y azules alumbraron el lugar tal como si se tratara de un clásico club de jazz: la gente reunida en círculo sorprendida con cada cambio de ritmo. 

Risas, risas, risas: Sonrisa. Realmente Thom Yorke estaba muy contento de interpretar nueva música. Y ¡cómo no! si su colega Jonny se lució al tocar simultáneamente el arpa y el piano en una versión mágica y celestial de "Speech Bubbles". 

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La cuarta canción: "Thin Thing" subió la adrenalina de forma progresiva y delicada. Los hipnóticos movimientos de las cámaras correspondieron al frenesí de las guitarras que emitían destellos en medio de una noche profunda. Espirales de distorsión describieron la desesperación y misterio que apenas comenzaba a predominar en el ambiente. 

1, 2, 3, 4, 5, 6. Un conteo que dio inicio a la experimentación electrónica de "Open The Floodgates", una pista tranquila cuyo punto de partida fue la concentración minuciosa y precisa de Skinner en los sintetizadores: suave, sublime y encantadora sin igual. 

Ahora, las luces se transforman en color azul para entrar a un mundo onírico. Thom Yorke toma los sintetizadores y crea un aura hermosa para “Free in the Knowledge”. Es la guitarra acústica un consuelo para las mentes de quienes escuchamos con atención y conmoción. Sin embargo, la batería no tarda en irrumpir la tranquilidad. Un ambiente peligroso se apodera de tus oídos, mis oídos. 

“And this is just a bad moment…”

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Experimentación más no improvisación. Cada decisión sonora de la banda lleva a la locura y  desesperación las cuales se reflejan en “A Hairdryer” cuyo verso “Look it all the pretty lights” se repite sin cesar. No obstante, ¿acaso el show se trata de una película de terror y suspenso? “Waving a White Flag”, la siguiente canción, lo confirma con su interesante guiño al trabajo de John Carpenter

¡Ojo aquí! Se viene una de las mejores partes del concierto y del álbum con "We Don't Know What Tomorrow Brings", un título que seguramente será coreado y celebrado en los grandes festivales.

Posteriormente, Greenwood da inicio a "Skirting on the Surface", la canción de la perdición cuyo delicado acorde de guitarra invita a tomar un respiro: inhala, exhala, contempla. Con "The Same" el piano y la batería provoca cierta ansiedad que poco a poco se combina con el eco de la voz de Yorke repitiendo: “We are all the same…”.  

Por su parte, "The Opposite" y "You Will Never Work In Televisión Again" provocan el punto más álgido del show. ¿El responsable de tremenda emoción? Jonny Greenwood y la locura de los movimientos de sus dedos al tocar la guitarra, los cuales responden a los versos incompletos del cantante y a la enérgica batería de Skinner. Y de repente: aplausos, gritos, todos en el venue se ponen de pie. ¡Bravo!

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Luego del encore, The Smile regresó para interpretar “Just Eyes and Mouth”, una pista para avivar los ánimos, agitar aún más el corazón contento y bailar con los hermosos ritmos de jazz envueltos en un azul eléctrico. Antes de irse, la banda toca un cover de la canción "Different For Girls" de Joe Jackson, se despide e invita a todos los presentes a celebrar la noche mágica e inigualable que acaba de acontecer. 

Finalmente, de la nada y del todo se dibuja una sonrisa entre los espectadores.

Setlist:

  1.  "Pana-Vision"
  2.  "The Smoke"
  3.  "Speech Bubbles"
  4.  "Thin Thing"
  5.  "Floodgates"
  6.  "Free in the Knowledge"
  7.  "Hairdryer"
  8.  "Waving a White Flag"
  9.  "We Don't Know What Tomorrow Brings"
  10.  "Skirting on the Surface"
  11.  "The Same"
  12. "The Opposite"
  13.  "You Will Never Work On Television Again"
  14.  "Just Eyes and Mouth"
  15.  "Different for Girls" (cover Joe Jackson)

 

The Smile 

Entrevista con Broken Social Scene

The lucky revival songs.

¿Cómo celebra un banda sus décadas? Un tour de aniversario es la opción más obvia. Se anuncian las fechas con la promesa de tocar un disco en su totalidad. Típico. Sin embargo, ¿cómo celebrar en medio de una pandemia que parece eterna? ¿Cómo darle un giro a lo esperado en medio de un escenario inaudito para todos?

Para Broken Social Scene, que nunca ha sido una banda común, su aniversario número veinte se festeja sacando del disco duro las canciones que se quedaron en el limbo entre la luz y el olvido. Revisitando lados b y canciones que solo fueron escuchadas por aquellos que lograron adquirir esa edición especial en vinil de cierto disco con una canción más.

“La iniciativa vino de alguien en nuestra compañía discográfica. Sugirió que con el 20 aniversario, era buen momento para ir a los archivos y lanzar algunas canciones, porque… tenemos muchas canciones”, me comentó Brendan Canning, miembro fundador de Broken Social Scene, en una llamada desde su natal Canadá. Comenzaron a hablar (vía mail porque COVID), para intentar elegir las lucky revival songs, aquellas producciones que “escucho y pienso, ‘esta pudo haber estado en aquel álbum en lugar de ir a donde todos los sonidos van a morir, un disco duro en algún cajón olvidado’”.

“Uno nunca sabe quién puede escuchar lo que uno lanza. Puede ser que un chico en Acapulco le diga a su amigo ‘oye, acabo de escuchar esta canción de esta banda llamada Broken Social Scene’ y será la primera vez que nos escuche”. “Si las quieres incluir en tu vida, pueden formar parte de tu experiencia ahora”.

Old Dead Young, nombre de este nuevo álbum, se trata de dar algo que a alguien le podría gustar. “Nunca sabes a quién le podría interesar tu propuesta. entonces se trata de intentar cosas”. Además, podemos verlo como una analogía bastante atinada. “Checa estas canciones. Son viejas. Estaban muertas, pero también son jóvenes ahora, dependiendo de cuándo las escuches. Old, Dead. Young. Viejo, muerto y joven, es una celebración sin importar en qué fase te encuentres”.

Como en todos sus discos, este álbum se trató de hacer algo cohesivo. Canciones que, sí, nos recordaran varias etapas de la banda, pero que más que nada combinaran de una manera que fluyera; por eso las canciones no van cronológicamente. “Las tratamos como si fueran un bonche de canciones nuevas. Lo que intentamos fue hacerlo como ‘aquí tienes una canción de rock muy intensa, llena de energía, y ahora vamos a calmarnos un poco con esta otra”. Clásico de BSS.

La última vez que la banda tocó fue en nuestro país en el Corona Capital 2019. A medida que los venues se abren en Canadá, Broken Social Scene ya tiene conciertos planeados. “Esto va a pasar. Y si la música es un buen acompañante y es nuestra música, misión cumplida.” Misión cumplida definitivamente.

Aurora — The Gods We Can Touch

El deseo de sentirnos inmortales por un momento.

La nueva producción discográfica de Aurora da inicio con un coro mágico, celestial y sublime. Sin embargo, no es una bienvenida al Edén, sino una despedida del jardín paradisíaco del que fueron expulsados Eva y Adán por su deseo y placer. Abandonar el refugio que condena y castiga para atreverse a descubrir los encantos terrenales. Probar la fruta prohibida. ¿Qué podría ser más poderoso que hacer del rechazo un manifiesto de amor y libertad?

Aurora Aksnes trabajó durante el encierro por la pandemia en 15 canciones sumamente dramáticas y apasionadas que dan como resultado una producción elegante y excepcional. Mientras predominaba un ambiente ansioso, desolador y caótico, en la mente de la compositora noruega se gestaba un espectro de esperanza. Una luz en la que se encontraron los placeres más divinos.

Escucha, disfruta y deja que los dioses y diosas te acompañen en cada canción mientras preparan fiestas paganas. Las referencias a la mitología griega de la lírica dan el soporte al mensaje principal del álbum: Rompe las cadenas, sé libre y ama con locura. Acéptate con todos tus fallos y virtudes. El disco es un punto de convivencia y comunión para Artemisa, Afrodita, Perséfone, Morfeo, Peitho, Prometeo, Dionisio y los seres humanos quienes quedan fascinados con la ilusión de que por un momento son inmortales.  

The Gods We Can Touch aborda el cuidado de la salud mental y el medio ambiente (“Exhale Inhale”), la diversidad sexual (“Cure For Me”), el racismo (“Giving In To the Love”), el poder de las mujeres (“Heathens”), la belleza de los cuerpos (“The Innocent”) y, sobre todo, el amor por la vida y la naturaleza humana. 

Las letras son reflexiones inteligentes y críticas audaces a problemas actuales, ambas con una sensibilidad cautivadora. En cada pista hay un toque de sensualidad y cada verso emana libertad al máximo. 

“If I'll be somebody, I'll never let my skin decide it for me…”

Estamos hechos de todo y nada. En nuestro ser convive agua, sol, estrellas y cielo. Chocamos como átomos para conocernos, fusionarnos y convertirnos en uno. Después sufrimos con pasión la separación y la pérdida. Y el ciclo se reinicia. Los dioses nos envidian. Entonces, ¿por qué reprimimos nuestros sentimientos? Todo importa. El mínimo reflejo de la luz crea vida. La más sutil de las sonrisas sueña con amar y ser amada. “Everything Matters” lo representa muy bien. 

La producción del álbum, realizada por la compositora y Magnus Skylstad, se asemeja a la magnificencia de la música sacra. Su potencia y profundidad te transportan a universos místicos. El órgano enigmático, sombrío y misterioso. Los sintetizadores palpitan al ritmo del corazón de un pájaro. La combinación de electrónica, pop, rock, un poco de tango y folk crean una energía desmedida que incita a imaginar incendiarios pasos de baile e impulsos por cantar a todo pulmón. Vivir como gitanos. Bailar a la velocidad del sonajero de las panderetas de "Heathens" o  los ritmos de jazz al piano del comienzo de "The Innocent". Éxtasis. Solo déjate llevar. 

"You Keep Me Crawling" se llevaría muy bien con aquel verso de Zahara: "No te preocupes, nadie va a venir a perdonarte en el nombre de nadie". No gastes tu tiempo en pedir perdón de rodillas por tu origen, identidad, gustos, preferencias, deseos, esencia. Olvídate de la obediencia y la condescendencia. Hemos venido a este mundo para vivir en libertad y existir para amar. ¿Te atreves? 

A lo largo del álbum se produce un ritual excéntrico, una comunión entre el mundo celestial y terrenal. Definitivamente la experiencia de escucharlo en vivo, en compañía y brindando, será un regocijo total de espiritualidad. "Come and feel alive, lover / Come and feel the love like a sinner…". 

La teatralidad, la diversión, el humor, la inquietud, el deseo de mover el cuerpo. Los gritos salvajes, el reverb y el bandoneón de "Artemisa" interpretado por Per Arne Glorvigen. Todo en dirección a convertirse en polvo estelar.

La despedida es  frágil y conmovedora con ayuda de delicadas guitarras acústicas y un tenue saxofón en el fondo. Y como si de un sueño se tratara, Aurora nos invita a despertar y emprender el vuelo a un pequeño lugar llamado la Luna.

The Gods We Can Touch es el álbum más ambicioso de la cantante hasta la fecha y no dudo en absoluto que será uno de los mejores del 2022. Sin más por el momento, dale play, cuéntanos tus interpretaciones y ¡a vivir se ha dicho! 

Pistas que no pueden faltar en tu lista de reproducción: "Heathens", "The Innocent" y "Blood In The Wine".

A 10 años del 'Visions' de Grimes

Eran inicios del 2012, cuando una artista canadiense poco conocida, bajo el sello de 4AD, lanzaba un álbum que cambiaría su carrera musical para siempre.

Han pasado 10 años del estreno de Visions, el tercer álbum y el más reconocidos por la crítica de Claire Boucher, nombrada popularmente como Grimes, y aunque la producción fue realizada por ella misma con el software Garage Band, la originalidad y frescura del LP la posicionó como una de las artistas más prometedoras de la década.

Si bien ya era un desafío grabar en solitario, la cantautora decidió llegar al límite sometiéndose a un periodo de casi 1 mes de aislamiento – esperemos Book 1, la nueva obra maestra que preparó durante el confinamiento por Covid-19 con poco alimento, muchas anfetaminas y limitadas horas de sueño. El resultado, ya lo conocemos, un LP de 13 canciones y 47 minutos de duración que mezcla de forma perfecta sonidos de dream pop, new wave, R&B, electrónica y experimental.

Las letras del álbum retratan un periodo oscuro de la vida de la artista, donde su adicción a las drogas, la muerte de un par de amigos y la agresión sexual que había sufrido se muestren en canciones como “Oblivion” y “Genesis”, ahora himnos de su carrera musical.

El crecimiento entre Visions y su trabajo más reciente es evidente hasta para ella misma, quien ha declarado sobre cómo puede escucharse aprendiendo a hacer música con la canción “Infinite Love Without Fulfillment”. “Recuerdo grabar las voces por encima de las baterías y después, de la nada, probar esa base y decir: ¡whoa! Como un espiral que me llevó a este experimento”.

Grimes es una artista completa, es de reconocerse que la carátula del álbum fue diseñada por ella misma, quien siempre ha preferido ser llamada una artista visual antes que músico. Visions ha sido reconocido como el segundo mejor álbum del 2012 por el periódico británico The Guardian y como el 252 de todos los tiempos por la revista NME. Podemos llamar a Grimes de muchas formas, pero todas podrían resumirse en: artista y portavoz de la inteligencia artificial.

Recientemente, como parte de la celebración por los 10 años de su icónico LP, Grimes ha anunciado la reedición de Visions, el lanzamiento se llevará a cabo únicamente a través del sitio de suscripción Vinil Me, Please e incluirá impresiones de arte exclusivas y notas escritas por la artista.