Entrevista con Belle & Sebastian

Chris Geddes & Dave McGowan de Belle & Sebastian. Todas las anteriores.

¿Qué no se ha dicho ya de Belle and Sebastian? Es una pregunta que seguramente la banda misma se ha hecho en repetidas ocasiones. Desde su formación en 1996, el polifacético conjunto escocés aparentemente ha explorado todos los colores del espectro brindado por su compendio musical lleno de elocuencia lírica y musical. Iniciando con su disco debut, Tigermilk, se percibieron como la punta y lanza del indie pop con letras llenas de confesiones, incertidumbres y citas bibliográficas. Eventualmente, sus palabras en la dulce y vulnerable voz de Stuart Murdoch adquirieron más diversidad musical en el trasfondo, destacando los complejos arreglos orquestales en If You’re Feeling Sinister; la experimentación y audacia en The Boy With the Arab Strap; un rock más directo y nostálgico en The Life Pursuit y el delirio discotequero en Girls in Peacetime Want to Dance.

¿Cuál sería el siguiente paso lógico en sus carreras? Seguir tomando un poco de todo lo que les ha ayudado a crecer y consolidarse como una de las bandas alternativas más queridas y respetadas y llevarlo a todos los niveles y extremos posibles. De eso se trata A Bit of Previous, su noveno material y primer álbum formal en 7 años. Con motivo de su salida, platicamos con Chris Geddes, tecladista y uno de los elementos más veteranos de la banda y con Dave McGowan, bajista y su integrante más reciente.

El proceso para hacer este disco tenía como finalidad ir a Los Ángeles a grabar unas cosas, pero por las circunstancias terminamos quedándonos en Glasgow. Aprovechamos bastante el tiempo en casa, e incluso convertimos nuestro espacio de ensayo en un estudio. Aunque luego nos juntábamos para una taza de té o para comer, nunca estábamos todos en un mismo lugar por respeto a los protocolos y para que nadie contrajera COVID. Stuart tenía su propia cabina, igual que Sarah Martin,( vocalista), igual que varios de nosotros. Después del encierro fue increíble regresar a trabajar para grabar el resto del disco”, afirmó Geddes.

“Y hemos estado trabajando mucho en Glasgow estos últimos años. Grabamos algunas cosas, incluyendo la banda sonora de una película [Days of Bagnold Summer], pero no se sintió extraño volver al ruedo de siempre. No es como que fuéramos a trabajar en pijama como los demás [risas],” sumó McGowan.

En una banda tan extensa como versátil, uno podría suponer que demasiadas manos en un material pueden sabotear el producto final y dejarlo como una mezcolanza incoherente. Sin embargo, Belle & Sebastian ha existido para que cada miembro individual crezca y aporte temas de manera individual o en coautoría con otros de los integrantes, pero bajo una estética sonora que naturalmente haga sentido con la identidad de la banda. Es un proceso que han dominado sin conflictos y que se demuestra en cada diversa canción de A Bit of Previous.

No creo que exista un esfuerzo consciente para componer y hacer que un disco suene de cierta manera entre los músicos. Parte de nuestro proceso es que todo fluya de manera natural sin pensarlo demasiado. Es dejar que cada quien en la banda haga lo suyo y que al final, con suerte, suene a una canción o a un disco de Belle and Sebastian”, aclaró McGowan.

“Este disco ha sido un esfuerzo más colaborativo que otros. Usualmente el autor principal tiene más control acerca de la dirección de la música y letras, pero los demás tienen la completa libertad de contribuir para que el material crezca y se nutra. Dejamos que cada canción dicte por sí sola el rumbo, en vez de sentarnos y decir ‘así va a sonar todo el disco. Este es el concepto general’”, reiteró Geddes.

El primer sencillo del disco, “Unnecessary Drama”, ilustra la correspondencia agridulce entre amistades que pudieron haber sido mucho más y el agobio de volver a la vida real después de esa pausa dolorosa, pero el concepto del video lo lleva a circunstancias más ilustrativas y divertidas. En el clip podemos apreciar a la banda aprendiendo a tocar en armonía de nuevo y aprender la magia de la colaboración a través de cómicos ejercicios de integración y terapia. Un guiño jocoso también a la innegable química que tienen tanto en el estudio como en el escenario, factor que contribuye enormemente a su popularidad en el mundo.

En el video teníamos que actuar como si no nos lleváramos bien y nos molestamos todo el tiempo. Desde que yo he estado en la banda, sé que no es el caso, entonces fue divertido fingir esa parte,” comentó McGowan.

“La grabación del video fue muy disfrutable. El proceso del video es muy similar al proceso de cómo creamos la canción. Fue escrita principalmente por Bob (Kildea, guitarrista), y luego Stuart le ayudó con la letra. Stuart ya tenía bastante compuesto, pero el coro no, y Bob lo andaba presionando mucho, centrándose en una parte musical muy específica de la canción y que necesitaba palabras para convertirse en el coro. Creo que Stuart liberó un poco de esa frustración y por eso el coro es muy tajante y desafiante, el ‘this is my life’ que repite. Entonces es interesante cómo existe esa analogía entre la historia en el video y cómo fue escrita. No lo había pensado así [risas]”, recordó Geddes.

Belle & Sebastian es generalmente considerada como una gran, cálida familia tanto entre sus propios integrantes como ante sus fans. Y como en toda familia y banda musical con una carrera tan longeva, a veces el cambio de aires es sano y necesario, pero no por eso un factor de recelo o rencor. Por sus filas han desfilado varios músicos, incluyendo a Isobel Campbell y Mick Cooke. Con la adición formal de Dave en 2018, después de haberlos apoyado como músico de gira desde años atrás, el sonido del grupo se siente revitalizado, con más enfoque en ritmos y grooves. Definitivamente más rítmico y hasta con mayor sensualidad.

Lo que me gusta de estar en la banda es que puedes presentar ideas y sugerencias. No me considero un músico muy seguro de sí mismo, pero aquí puedo presentar lo que sea sin ningún temor o rechazo. El lado creativo es muy disfrutable. Siempre fui muy fan de la banda para empezar, entonces me llena de emoción cada vez que ensayamos algún tema clásico o componemos otro nuevo”, relató emocionado McGowan.

“Trabajar con Dave ha sido una gran alegría. Es una persona genial y un músico increíble. Recuerdo las primeras veces que empezamos a tocar con él y me dije a mí mismo ‘me tengo que aplicar y concentrarme mejor. Todos tenemos que mejorar para estar a la par como músicos’. El lenguaje musical que ya tiene con Richard (Colburn, baterista) es realmente admirable en el estudio y en vivo, Sus habilidades son de otro nivel [risas],” dijo Geddes.

“Muchas gracias por esas palabras, Chris”, dijo McGowan.

 

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Disfruta el top musical con el que despedimos la semana.

Si hay algo que existe para estar siempre presente y mejorar tus días, es sin duda alguna la música. A través de ella puedes descubrir y conectarte con distintas emociones que te transportan a un mundo único en el que explota la felicidad, tristeza, misterio, alegría o una mezcla de todos estos.

Indie Rocks! sabe que tus gustos musicales cada vez son mejores, es por ello que hoy, al igual que cada viernes, trae para ti las mejores cinco rolas que se estrenaron esta semana para que las conozcas, escuches en un infinito loop y las compartas con tus personas favoritas. En este top te vas a topar con el inigualable estilo de black midi y el primer adelanto de su próximo LP, la frescura de TOPS y mucho más.

Recuerda que estos, y más nuevos tracks destacados, puedes encontrarlos en nuestra playlist especial dando clic aquí (te recomendamos escucharla en aleatorio). No olvides seguirnos en nuestras redes sociales y dejarnos en los comentarios que canción fue tu favorita del top.

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My Chemical Romance estrena “The Foundations of Decay”

Esta canción marca el primer nuevo lanzamiento de My Chemical Romance desde "Fake Your Death" de 2014.

Tuvieron que pasar ocho años para que pudiéramos escuchar una nueva canción de My Chemical Romance. Se trata de “The Foundations of Decay” y ya está disponible en todas las plataformas digitales a través de Warner Music.

Let our bodies lay
With our hearts, we stay
Let our blood and pain
The forgotten pain
If your conditions are a passing phase
May your amnesty forever in the morning race
And as the vermin crawls
We lay in the foundations of decay", se escucha en la canción.

Dale play a continuación:

My Chemical Romance celebrará su regreso a los escenarios a partir del 16 de mayo en St. Austell, Reino Unido en Eden Project.

¡Mantente pendiente de más noticias!

Películas Geniales presenta “El Mejor Día Del Mundo”

Rufis y sus amigos regresan para animar el día con su nuevo sencillo.

La divertida banda de rock psicodélico Películas Geniales, liderada por Rufis, el perro más rockero (y algunas veces depresivo) estrena “El Mejor Día Del Mundo”, un nuevo sencillo lleno de toda la personalidad y estilo de la banda capitalina.

El sencillo nos presenta un track repleto de noise pop, con guitarras reverberadas y con toda la esencia DIY que caracteriza a la banda, mientras la letra nos presenta un mensaje positivo que intenta establecer un mood lleno de tranquilidad y de superación emocional.  Escucha el track aquí.

Un día despiertas sin preocupaciones, sin ansiedad, sin tristeza porque estás decidido que ese será tu día, nada te molesta, estás feliz, quieres a todo mundo, todo te parece bello, porque ese día es el mejor día del mundo”.

Después de un par de años de incertidumbre mundial, el mensaje de la canción nos permite pensar en un mejor futuro y tal vez en una recuperación emocional paulatina. Todo esto acompañado de una voz nostálgica y una energía ruidosa como soundtrack.

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La banda disfruta de un gran momento con lanzamientos de sencillos constantes, en camino de su primera producción de larga duración y estaremos atentos a más anuncios que tengan para nosotros.

“Comollegamosaquí”, lo más nuevo de Solo Fernández

Un viaje emocional que comienza con el subidón de energía de sentirse en conexión con un extraño en una fiesta.

El conjunto dominicano Solo Fernández presentó el nuevo sencillo “Comollegamosaquí” en colaboración con el productor musical del caribe, Diego Raposo; un tema que habla sobre lo impredecibles y complejas que pueden llegar a ser las relaciones humanas.

comollegamosaqui Artwork

Comollegamosaquí” se estrenó con su video oficial dirigido por Eric Alvarez, una pieza audiovisual, que nos muestra a la banda en medio de una fiesta, donde las luces y la mezcla de colores acompañan perfectamente la estruendosa melodía.

Musicalmente, el tema nos lleva a través de un viaje emocional, que comienza con el subidón de energía de sentirse en conexión con un extraño en una fiesta, hasta el breakdown, cuando las cosas no resultan como se esperaba, todo a través de los sonidos bien armonizados de una batería, un bajo, guitarras eléctricas y sintetizadores.

“Comollegamosaquí” es el primer sencillo de Solo Fernández en colaboración con Diego Raposo y está lejos de ser el único, pues la sinergia entre la banda y el productor fue tal, que recientemente este último se proclamó como el cuarto integrante de los Fernández, a través de Twitter.

https://twitter.com/DiegoRaposo/status/1522746554284716037

Escucha Comollegamosaquí”, ya está disponible en plataformas vía Gran Vaina y no olvides agregarla a tus favs.

Arcade Fire versiona “As It Was” de Harry Styles

La banda sigue deleitando a sus fans, esta vez como parte de una sesión orgánica en el Maida Vale Studios para la BBC Radio 2.

En una sesión en vivo con la BBC Radio 2, como parte  de su gira promocional de WE, álbum que lanzó a principios del mes, la banda de Win y Régine decidió realizar un cover de “As It Was”  la canción de Harry Styles que ha sido por varias semanas la número 1 en las listas de ventas y reproducciones de Billboard, Spotify, entre otras.

Aunque conservó la esencia de la versión original, Arcade Fire le puso su toque personal añadiendo algunos instrumentos más de cuerda y percusión; además tener una voz femenina como la de Régine haciendo las armonías y el puente logró darle una energía distinta.

Las sesiones en vivo de BBC son conocidas por darnos presentaciones inesperadas, donde los artistas invitados nos muestran otro lado creativo, este caso no fue la excepción, aunque no esperábamos tal crossover fue sin duda una grata sorpresa pues sus ritmos encajan tan bien, que parecía una producción propia.

Además de deleitarnos con este cover, la agrupación canadiense presentó 5 canciones más de su nuevo álbum, entre las cuales incluyó “Age Of Anxiety II” y “The Lightning I, II”. Arcade Fire se prepara para iniciar su gira a partir del 30 de agosto, aunque por el momento sólo tendrá paso por Europa, esperamos que pronto anuncie fechas para más países.

Cariño en el Lunario del Auditorio Nacional

El Lunario se llenó de texturas pop de colores pastel.  

No es casualidad que la agrupación madrileña, Cariño, haya causado gran impresión en el público capitalino en su primera visita a nuestro país. Su proyección escénica ha ido creciendo de manera progresiva y el nuevo alcance de su concepto y visión las acaba de llevar a tocar en festivales como el Coachella (la máxima plataforma festivalera del continente americano).

De modo, que solo era cuestión de tiempo para que Paola, Alicia y María tuvieran una segunda visita a la Ciudad de México en un lapso menor de seis meses.

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Para esta ocasión el repertorio contó con las novedades de su nuevo álbum homónimo editado el pasado 5 de mayo, de manera anoche (11 de mayo) en el Lunario del Auditorio Nacional logramos tener una de las primeras presentaciones de este nuevo concepto y momento musical de las Cariño.

Hecho que contrasta con sus presentaciones anteriores ocurridas en el Foro Indie Rocks! a finales del 2021 donde ahí vimos al joven tridente del tontipop lograr un doble sold out con un show que se había pospuesto por dos años por la pandemia.

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De manera que anoche por fin tuvieron salida en directo canciones que (posiblemente) tuvieron que estar guardadas por más tiempo del presupuestado.

Por ello, no es casualidad que entre las novedades adecuadas para este concierto “año de mierda” figurará desde los primeros instantes del show.

Dando lugar a momentos divertidos con “soy una perra” o “tamagotchi” donde se hizo la especial mención de que Javiera Mena estuvo a cargo de la composición; detalle que causó una ovación aun sin la presencia física de la cantante chilena.

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Por su lado, tracks infaltables de su repertorio “Mierda Seca”, “Souvenirs”, “Todos los Días”, su exitosa versión de “Llorando en la Limo” de C. Tangana, “Modo Avión” fueron coreados de principio a fin.

Y con mención especial a las reacciones provocadas con “Me gustan las chicas” donde se creó un espacio sónico de seguridad y confianza para todas las chicas asistentes (que eran la mayoría) logrando que desde las niñas pequeñas hasta las más mayores reivindicaran y corearan junto a Cariño su gusto/amor/atracción por las mujeres.

Logrando una complicidad inmensa con sus seguidoras mexicanas que continuó hasta llegar a la parte culminante del show para las que fueron reservadas los temas emblemas y favoritos del público “Te Brillan” y "Canción Pop de Amor”. Provocando que durante casi hora y media el tiempo se detuviera y se creará una atmósfera dreamy color rosa pastel con toda la explosión pop de las madrileñas trajeron consigo.

Entrevista con Liber Terán

Un nuevo disco en donde la creatividad, el ingenio y el uso de las nuevas plataformas, destacan en su totalidad.

Con esa buena vibra y ánimo que lo caracteriza, Liber Terán está contento de regresar a la vida presencial después de dos años de estar ausente en los escenarios debido al Covid – 19. Lo mejor es que su aparición en esta nueva realidad, la hace presentando Punto de Partida, su nuevo disco en donde la creatividad, el ingenio y el uso de las nuevas plataformas, destacan en su totalidad.

Frente a un piano antiguo dentro de una cabaña ubicada a las faldas del Popocatépetl, es como Liber Terán nos concedió una amena entrevista cargada de buenas noticias y mucha música con la salida de su nuevo álbum, y es que no es para menos, este disco es muy especial ya tiene la unión de diferentes aristas. Punto de Partida es un producto creado durante la pandemia, el primer sencillo, "El último rincón", salió meses antes de que la contingencia de salud estallará, estamos hablando de septiembre del 2019, tiempo en que Liber aún tenía en sus planes sacar un EP; sin embargo, la dinámica cambió.

Para ese entonces el cantante contaba con dos tracks grabados, pero dadas las circunstancias pandémicas, decidió tomarse un tiempo para hacer un disco largo e ir sacando poco a poco sus sencillos: en total fueron seis entre 2019 y 2021. El resto del álbum lo fue armando con más canciones de su autoría y con rolas del pasado que incluso tenía guardadas desde 2007.

…Y de repente cuando paras momentáneamente todo, puedes ver las cosas de una perspectiva un poco más tranquila y decir ‘bueno, quiero hacer esto, no quiero hacer esto, o a lo mejor estas canciones que quería meter mejor no las meto, mejor las guardo o, más bien, me lo tomo con más calma y empiezo a ver qué otras canciones que tengo aquí guardadas puedo incluir´.”

Mitad Medellín, mitad Ciudad de México

Fue en 2017 durante el reencuentro con su banda máter, Los de Abajo, donde Terán conoció a Felipe Álvarez, un reconocido productor polifacético que ha trabajado con bandas exitosas como Bomba Estéreo, Monsieur Periné, entre otras. Para Liber trabajar con Felipe fue total libertad, porque a distancia y sin presiones, lograron hacer cosas maravillosas. Un día Terán le llamó y le dijo: “Oye Felipe quiero seguir trabajando contigo, y quiero terminar estos temas ya de solista.” Fue así como empezaron a hacer el disco. Esa alianza tuvo como resultado la colaboración de músicos con los que Líber nunca tuvo un trato directo, por ejemplo, "Una descarga", "Cuando se apaga" y "Piedra hechizada" fueron canciones en donde las guitarras y las voces fueron grabadas en México, pero el resto en Medellín con el equipo de músicos con que Felipe trabaja. 

Para Liber Terán fue muy gratificante ver cómo sus rolas iban adquiriendo un matiz diferente por músicos cien por ciento empapados de aires colombianos y de argentinos que viven en Bogotá, artistas que Terán no conoce en persona y que son músicos de sesión que han colaborado con Aterciopelados, Shakira, Bomba Estéreo, etc. 

Esos músicos colaboraron en mis canciones y le dieron un nuevo toque a través de Felipe, yo nunca los conocí, solo al baterista porque tuvimos una sesión de grabación a través de una plataforma donde estábamos conectados en vivo.”

De las rolas y experiencias

La pandemia fue un momento disruptivo para Liber Terán, Punto de Partida tiene once temas inéditos, tres remixes, y cuatro temas incidentales, estos últimos son tracks que Terán grabó en ambientes de diferentes lugares para darle un sabor y toque diferente al disco, con el fin de que de que no fuera un playlist de canciones pegadas grabadas en diferentes partes del mundo y en diferentes épocas, sino que abarcaran todo un concepto. 

“La última canción que compuse 'Una descarga', que es el focus track, es una canción que escribí justo en una etapa muy fuerte de mi vida porque me separé de mi esposa después de 10 años de estar con ella, de tener a mis dos hijos… la canción habla de una descarga emocional ante la pérdida de una relación, pero también ahora que el mundo adoleció esta nueva realidad mundial después del conflicto ruso-ucraniano donde de repente los fantasmas de la Guerra Fría vuelven a salir… utilicé  también la canción un poco para hablar de esa descarga que puede ser estar viviendo con la guerra, estar escapando de la guerra…”.

La posibilidad de repensar cómo se quiere la obra final, es decir, el ir y experimentar cosas a otros lugares, tener otras sensaciones para plasmarlas en el resultado final, es algo que Liber vivió en carne propia, por ejemplo, su visita a una comunidad otomí llamada Taxadho (reserva ecológica desértica donde Luis Buñuel grabó Simón del Desierto ubicada en Hidalgo) le dio la oportunidad de experimentar y adoptar cosas totalmente diferentes que incluyó en este nuevo álbum, desde fotos de la zona hasta grabaciones de frases en lengua otomí.

“La ventaja de no tener que sacar un disco en un mes, sino tardarte más tiempo, te da la posibilidad de que se te vayan ocurriendo cosas que te van surgiendo en el camino…esa es la ventaja de darte el tiempo para hacer un disco sin presiones…normalmente uno se metía al estudio a grabar las 15 canciones, lo mandabas mezclar lo mandabas remasterizar y lo sacabas.”

Un disco muy personal

Sin duda, Punto de Partida es un disco hecho desde la perspectiva muy personal de Liber Terán, pues marca el principio y el final de una etapa de su vida, a la que le ha dedicado 30 años a la música y que sin duda es un parteaguas, en donde reflexiona acerca de las muchas canciones que compuso en los últimos trece años y que ahora forman parte de este disco.

Es un disco que tiene todas las vertientes de la música que me ha apasionado como solista, desde la música folk norteamericana, la norteña mexicana, la música gitana gipsy del este de Europa, se cuelan inclusive influencias de danzón, Chachachá, de cosas que experimenté con Los de Abajo… música indie de alguna otra manera como un rock un poco más pop.”

Próximos planes

Hoy es el gran lanzamiento de Punto de Partida en todas las plataformas, y el próximo 20 de mayo a las 19:30 horas Liber Terán hará la presentación oficial de este álbum en el foro El Tejedor ubicado en la colonia Roma en donde también tocará otros éxitos. Liber Terán tiene ganas de tocar en muchos más escenarios lo que ya sería su quinta producción, así como de compartir micrófonos e instrumentos con otros artistas.

 

 

The Smile — A Light for Attracting Attention

Detrás de la sonrisa, el debut de The Smile.

Integrado por Thom Yorke y Jonny Greenwood de Radiohead, además del baterista Tom Skinner (Sons of Kemet) la banda The Smile, presenta su álbum debut A Light for Attracting Attention, que llega a través del sello XL. Este súper grupo es un proyecto que surgió a partir de la pandemia y que ha creado altas expectativas gracias a la calidad de sus lanzamientos y no sólo por los blasones de sus integrantes.

Durante el encierro, Greenwood y Yorke, trabajaron sobre material existente y nuevas ideas, dando como resultado este disco lleno de referencias y sonidos conocidos, sin sentirse repetitivo en relación a sus carreras. Jazz, rock progresivo, new wave, punk y post-punk, son los géneros que pintan este paisaje sonoro, un lugar que hemos visitado, pero en el cual no te sientes acogido. Aunque el mismo nombre lo señala; The Smile no es la cálida sonrisa familiar y reconfortante, sino la de alguien acostumbrado a transitar estos parajes obscuros, conoce los escondites en donde te resguardas para depredarlos. Este es su lugar feliz.

Musicalmente es impecable, a la altura de los nombres que lo firman, destacando algunos momentos: “The Opposite”, una combinación de funk con rock psicodélico, donde la batería guía un viaje que se torna un tanto obscuro. Seguida por “You Will Never Work in Television Again” una canción punk en toda regla; dura, directa y breve, que nos muestra la faceta más cruda de la banda, recuerda no sólo a los inicios de Radiohead, sino al de cualquier grupo que encuentra en este género la forma de canalizar su energía.

Thin Thing” es la otra cara de esa moneda, con sonidos más sofisticados y experimentales mantienen la misma fuerza, sólo que, con una mejor dosificación de los esfuerzos, mostrando mayor madurez. Por último, resaltar “We Don´t Know What Tomorrow Brings” penúltima pieza del disco, con sonidos dark wave y post-punk, el trio mantiene una estabilidad interpretativa en este tramo final, algo que nos deja ver que no sólo son un cumulo de canciones, sino que hay una intención de orden detrás de éstas.

En conclusión, es un buen álbum, los fanáticos de los tres músicos y de sus agrupaciones, se encontrarán complacidos, al igual que los nuevos escuchas. Aunque puede resultar agotador por momentos, dados sus cambios drásticos de ritmos. Los más experimentados tendrán un paseo por el parque, y los menos, una travesía difícil, pero ninguno será el mismo después del trayecto, sin embargo, más de uno terminará con una sonrisa.

Moderat — MORE D4TA

Moderat regresa un paso a la vez.

Después de seis años de su último disco, III (2016), y cinco desde aquel concierto multitudinario en Berlín que marcaba el inicio del receso indefinido, se vuelven a unir las partes de MODERAT para lanzar su cuarto disco de estudio, MORE D4TA, a través del sello MonkeyTown. El proyecto alemán compuesto por; Sascha Ring (Apparat), Gernot Bronsert y Sebastian Szary (Modeselektor), regresa para darnos justo lo que promete, un reencuentro, tanto en formas, sonidos y procesos.

Unos ya los conocemos, los beats, ritmos y géneros son con los que se han desarrollado a lo largo de su carrera, aquellos que lograron crear una atmosfera propia, donde pudieron desarrollarse sus ambientes y paisajes sonoros, sin significar necesariamente más de lo mismo. El tercer elemento es el que causa mayor expectación, y para MODERAT más incertidumbre. El trío fue pasó a pasó, en lugar de lanzarse de lleno a producir nuevo material, se fueron reconociendo de a poco, sin ningún objetivo cuantitativo en específico, sino enfocándose en lo cualitativo, es decir, saber si era posible la creación por sí misma, sobra decir que así fue.

MORE D4TA, es un disco que versa acerca del aislamiento y la sobre estimulación a la que estamos sujetos, y que se agudizó en el último par de años. Musicalmente se divide en tres etapas; la primera, más accesible, incluso podíamos decir segura. La siguiente, refleja la dinámica de este disco, la búsqueda nuevas vertientes sin perder su horizonte. Mientras que la tercera parte es mucho más arriesgada y emocionante. Cada una de estas fases tiene su momento destacado, “Easy Prey”, primer sencillo lanzado, nos transporta a un club europeo de principios de los 00´s, con un toque house y algo de pop. “Neon Rats” se mueve bajo la misma tesitura que la anterior, pero colocándonos en el punto medio del disco, empezando a sentir beats más acelerados y experimentales.

Esto lo podemos escuchar en “Undo Redo”, con la que entramos a la parte final del álbum, arreglos de cuerda y distorsiones junto con voces y ritmos obscuros, se unen para crear la mejor de las 10 canciones. En conclusión, es un buen regreso, cumpliendo con las expectativas de los fanáticos y las propias. Se da su tiempo para desarrollarse, cada canción se conecta y crece con la anterior, creando una narrativa coherente y con ella un disco sólido. MODERAT se abre de lleno, nos deja ver sus dudas y nerviosismo, pero nos demuestra que, al igual que andar en bicicleta, hacer buena música jamás se olvida.