Horsegirl — Versions of Modern Performance

Crean en el hype, el debut de Horsegirl.

Desde Chicago, llega el disco debut de Horsegirl, Versions of Modern Performance, a través del sello Matador. El trío está conformado por Penelope Lowenstein, Nora Cheng y Gigi Reece, tres adolescentes que apenas rozan la mayoría de edad y tienen un estilo que nos remite a situaciones como; escarbar en una tienda discos, cazar canciones de la radio para grabarlas en cassettes y ver MTV2 todo el día.

Con un sonido que retoma varios géneros de la escena alt-rock de los 90; como el noise, el dreampop, riot grrrl, shoegaze e incluso el grunge, hay más que una vibra nostálgica en ellas, aunque es difícil discernirlo. Todo en este caso parece de otra época, su historia así lo dicta, distando mucho de lo habitual de nuestros tiempos. Aquí no hay éxitos virales, uso de redes sociales o plataformas, es una banda formada a la antigua.

Aficionadas a la música y recurrentes en la escena local, ensayaron en un sótano hasta tener el material y la confianza de grabar un demo, enviándolo a estaciones y medios de la ciudad, logrando un perfil en el periódico, rotación continua en la radio, un contrato con un sello mítico, y tocar en varios festivales, todo eso en tres años y una pandemia de por medio. Pero no nos dejemos engañar por el hype, están más cerca de ser prodigios que un producto de la industria y su debut las respalda.

Desde los primeros acordes de “Anti-glory”, canción rock en toda regla, cinemática, con un riff pegadizo, que representa fielmente el concepto de la banda, sus influencias y hacia dónde quieren ir, mostrándonos cómo funcionan las tres a modo de unidad. Por otro lado, “Beautiful Song” apuesta por ritmos melódicos y voces suaves, tema que coloca los rasgueos de guitarra y las distorsiones en el lugar y momento adecuado.

Mientras que “Live and Ski” se decanta por un sonido más crudo, donde brilla el ensamble al momento de su ejecución. Por último, destacar “Billy”, tema con el que cierra el álbum y el más ambicioso de los doce, siendo musical y líricamente el punto culmen del disco, pocas veces se puede tener un hilo conductor que te guíe de forma tan orgánica a un final como este.

En conclusión, es un gran debut, es sólido, redondo, saben cuáles son sus bases y aun así se permiten experimentar sin temor al error. Tienen una propuesta lo suficientemente original para inscribirse en el canon, sin sonar como una mera imitación o una banda de covers. Hace 20 años habrían sido encumbradas como las salvadoras del rock, hoy en día ¿Qué nos impide hacerlo?

Entrevista con Horsegirl

Hasta por debajo de las piedras.

Una nueva generación de bandas está empujando para entrar en la escena; y es que la música será algo que nunca muera, no se detenga y continúe hasta el último momento de existencia terrenal, está destinada a perdurar. La estafeta la está tomando Horsegirl, una banda de Chicago formada por tres integrantes aún en preparatoria y a quienes Matador Records decidió firmar, apostando por el talento y la gran energía que la edad les da, además de la manera tan precisa de hacer música. En una conversación con la banda, nos contaron sobre cómo se dio el acercamiento con Matador, cómo fue que llevaron un proceso creativo de su álbum debut, el significado que el disco tiene para ellxs, sus colaboraciones de ensueño y las canciones predilectas de su primer LP.

Como si de una película se tratase, la banda apareció en el mapa. “Ser parte de la familia de Matador Records es algo con lo que solo podíamos soñar, jamás esperamos que llegara a ocurrir. Solo con tener nuestro nombre al lado de artistas como Belle And Sebastian y poder conocerlos, parece mentira. Nosotrxs éramos un grupo de jóvenes tocando con otros jóvenes y un día mandamos una canción al periódico local y ellos escribieron sobre ella, el artículo se compartió y, de la nada, estábamos recibiendo llamadas de management, así fue como ellos nos contactaron con la disquera y henos aquí; recordamos ese momento, el estómago estaba hecho un desastre,y justo después estábamos tan felices, saltando y gritando, literal parecíamos niñas pequeñas; todo el contacto fue en línea, por la pandemia y no los conocimos en persona hasta que firmamos; ahora, podemos decir que son muy buenos y nos cuidan y nos guían, somos afortunadxs”, aseguraron.

Y Penélope agregó. “Creo que todo se volvió real cuando empezamos a responder e-mails, solo teníamos un mail que usábamos para bandcamp; antes de eso, solo hubiéramos fantaseado con que ocurriera, porque amamos lo que hacemos, era lo que hacíamos los fines de semana para pasar el rato. Yo toqué la guitarra toda mi vida y es de mis cosas favoritas; cuando estamos juntxs, somos simples, nuestro humor es relajado y nos sentimos felices por poder vivir esta experiencia”, dijo.

Al tener 17-19 años, lxs  integrantxs aprendieron a crear estando en un cuarto. “Mucho de lo que hacemos es sentarnos en un cuarto y escribir la música juntxs, nunca ha sido cuestión de quien es mejor para qué dentro de la banda, sino que todxs aportamos con ideas y es un proceso comunal. Es una dinámica única, porque sí solo hacemos eso, nos sentamos a escribir y no controlamos nuestras ideas, más bien, se vuelve divertido de hacer, la energía se mueve y fluye, no es estresante; tener un álbum a nuestra edad y estar firmadas con Matador ahora, es algo extraño, porque todavía estamos estudiando la preparatoria, pero a este punto todo es todavía un sueño, todo es emoción y es divertido, lo que es positivo, ya que empezar a esta edad, nos da toda la edad adulta para dar más música, es irreal. Ni en mis sueños más locos, habría pensado que alguien en México quiere hablar con nosotrxs, no hubiera pensado que a alguien fuera de nuestras familias le importara lo que tocamos”, bromearon.

Con lo que esperamos sea una larga carrera por venir, los artistas que admiran ahora dicen mucho de hacia dónde van. “Es complejo pensar que escribiríamos nuestra música con alguien más, pero sería extremo tocar con Brian Eno; Lorelle Meets The Obsolete y Exploded View son dos bandas mexicanas que hemos seguido como fans y tocar con ellos en el Festival Primavera sería de otro mundo, el cartel ahí siempre es bueno.

Su álbum debut Versions Of Modern Performance saldrá el próximo 3 de junio, una fecha inolvidable para Horsegirl. “'The Fall Of Horsegirl' fue difícil para nosotrxs de terminar y darle forma, creo que fue la canción de la que no estábamos muy segurxs que iba a incluirse. Este álbum es el debut y comprende todas las canciones que teníamos escritas y con las que habíamos trabajado durante la preparatoria, así que nuestro siguiente álbum, cuando lo haya, será con canciones totalmente nuevas que aún no tenemos escritas. Amamos 'Beautiful Song' y 'Homage Of Birdnaculars', ojalá puedan escuchar el álbum”, finalizó Horsegirl

A 25 años del 'Wu-Tang Forever' de Wu-Tang Clan

Uno de los álbumes más importantes en la historia del hip hop mundial.

1997 fue un año en el que se produjeron algunos de los discos que han marcado el rumbo de la música pop hasta nuestro días: Daft Punk lanzó Homework; Radiohead hizo lo propio con OK Computer; U2 publicó POP; mientras que Wu-Tang Clan marcó un antes y un después en la escena hip hop con la salida de su segundo álbum: Wu-Tang Forever.

Luego de la conformación de Wu-Tang Clan en 1993, una de las versiones más acabadas indica que RZA le propuso al resto de los integrantes que le otorgaran el control total del colectivo y que en cinco años alcanzarían la cima del hip hop internacional, y no mintió…cuatro años después, Wu-Tang Forever se posicionaría como uno de los álbumes de rap más importantes de todos los tiempos.

El disco fue lanzado el 3 de junio de 1997 bajo el sello Loud/RCA Records en Estados Unidos. Es un álbum doble integrado por 27 tracks, de los cuales se desprendieron los sencillos: “Triumph”, “It’s Yourz” y “Reunited”.

Wu-Tang Forever es considerado en la actualidad como el mejor LP del grupo, un verdadero parteaguas en el hip hop mundial: el disco debutó como número 1 en la lista Billboard 200; a la semana de haber sido lanzado vendió 612 mil copias; fue nominado en los Grammys en la categoría de Mejor Álbum de Rap; a la fecha ha vendido más de dos millones copias; las revistas Melody Maker, NME, Spin y The Village Voice lo catalogaron como uno de los mejores álbumes de 1997. Las razones para que el disco recibiera tal cantidad de reconocimientos se debe a múltiples factores, podríamos comenzar por el tema de la producción, detrás de la cual estuvo RZA, llevando al grupo a otro nivel, echando mano de cuerdas, potentes líneas de sintetizador y samples, estos últimos recibieron un tratamiento especial y novedoso nunca antes utilizado, que consistía en cortar y aumentar la velocidad de los samples, logrando con ello un peculiar sonido agudo, técnica con la cual RZA haría escuela años más tarde en discos de artistas como Kanye West.

Tema aparte es el de la lírica, cargada de pasajes en los que da cuenta de las dificultades que aguardan las calles, la violencia recurrente y el complejo y sórdido mundo de las drogas, entre otras temáticas. “Triumph” incluye uno de los versos más potentes jamás escritos en un tema de hip hop, según la prensa especializada; por su parte “Cash Still Rules/Scary Hours” es considerado uno de los mejores tracks del álbum debido a la profundidad de su discurso.

A 25 años de haber sido lanzado, Wu-Tang Forever será reeditado, la vieja y la nueva guardia tendrá la oportunidad de escuchar en todo su esplendor una de las piezas clave que le ha dado forma al hip hop.

Hoy, en pleno 2022 hay rap en español, en alemán, portugués, en francés, en árabe… prácticamente en todos los idiomas existentes en el mundo, y eso en gran medida, se lo debemos a artistas como Wu-Tang-Clan, quien con su ejemplo sigue inspirando a generaciones enteras.

Top 5 con los mejores tracks de la semana

Nuevo mes, nuevas canciones y nuevos sonidos.

Llegó el mes de junio y claramente no lo hizo solo, lo acompañan decenas de canciones que a lo largo de estos días se han metido hasta lo más profundo de nuestra mente para no salir de ahí. Las cantamos, disfrutamos, bailamos y más. Cinco de ellas destacaron por el perfecto conjunto que hicieron entre el sonido, ritmo y letra, es por ello que Indie Rocks! creó un top para que lo único que tengas que hacer los próximos minutos sea dejarte llevar y disfrutar.

Aquí te vas a topar con Yeah Yeah Yeahs y su esperado regreso luego de casi una década de descanso, pero también con Jungle y el lanzamiento de una rolita con la que es imposible no bailar. Si quieres enterarte cuáles son los temas que hacen falta en el top de la semana, no dejes de scrollear porque te vas a sorprender.

Recuerda que tenemos una playlist hecha especialmente para ti en la que vas a encontrar los mejores estrenos de las últimas semanas, y ya que estés por ahí, échale un ojo al resto de playlist temáticas. No dudes en seguirlas y escucharlas en aleatorio. Tampoco olvides darnos follow en nuestras redes sociales para que estés siempre al tanto de las mejores noticias musicales.

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El Primer Extranjero y el sentimiento de la juventud latina

Un proyecto fresco y lleno emoción directo desde Chile.

El Primer Extranjero es una propuesta musical con la que se puede conectar a la primera escucha. Ya sea por su sonido de base pop con mirada experimental o por su contenido lirico que ahonda en lo más entrañable de las emociones humanas, el proyecto solista del músico chileno Mauricio López, crece y da voz a lo que siente la juventud latinoamericana.

Con influencias tan diversas como el noise, hardcore y jazz, El Primer Extranjero explora un sonido único que nutre con elementos latinos y su incontenible energía. Así lo demuestra en su más reciente lanzamiento, la canción “De 0 a 100”, un tema que hace referencia a esas situaciones en las que nos sentimos impactados por algo y nuestro ánimo se transforma rápidamente.

Mira el video musical “De 0 a 100” aquí.

Partiendo de la ansiedad, el músico no teme compartir su vulnerabilidad a través de la música y es así que logra conectar con nuevos seguidores.

Muchas veces no sé cómo lidiar con los sentimientos abrumadores de otra forma más que hacer música. Y espero que… al que la escuche, en alguna medida, a crear un espacio seguro donde se pueda hablar sin contención sobre lo que es no estar del todo bien ”, El Primer Extranjero.

Pero no solo agobio e incertidumbre El Primer Extranjero presenta en su catálogo, sino que también destaca su trabajo en temas como “Conocimientos”, una canción sobre enamorarse y dejarse a llevar sin esperar lo peor de cosas.

¡Dale play a "Conocimientos"!

Deja entrar a El Primer Extranjero a través de tus oídos, pues es uno de esos artistas que representan una nueva generación, preocupada y soñadora, pero llena de talento y pasión. No olvides seguirlo en redes sociales.

¿Frank Ocean dirigirá su primera película?

El artista llevará su potencial creativo a nuevos horizontes y expresiones artísticas.

Frank Ocean se encuentra afinando los últimos detalles para la realización de su película debut, junto al estudio y distribuidora independiente A24. Este estudio es el que está detrás de películas como Uncut Gems, El Faro, Hereditary y la serie Euphoria, así que el proyecto de Ocean estará llegando a un estudio consolidado y con una gran catalogo de calidad.

El artista y A24 ya han colaborado con anterioridad, ya que Ocean ha otorgado licencias de algunas de sus canciones para diferentes proyectos del estudio, y compuso algunos arreglos para una republicación de la película Moonlight (2016) en el año de 2019.

Desde 2020 se ha especulado con un proyecto filmográfico del artista, debido a conversaciones sobre un proyecto secreto con el director del filme Call Me by Your Name, Luca Guadagnino, pero desde entonces no has surgido nuevos detalles de alguna colaboración. El artista ya ha incursionado en otros campos apartados de la música, ya que hace apenas un año Ocean inauguró su marca de lujo Homer, la que se especializa en diseño de accesorios y joyería, teniendo una gran recepción dentro del mundo de la moda.

Estaremos al tanto de los anuncios sobre este nuevo proyecto de Frank Ocean, y estamos seguros que con su capacidad creativa y con la ayuda del estudio, logrará crear algo interesante y que comenzará a abrirle paso dentro del mundo de la industria cinematográfica.

George Arthur Calendar comparte “Sucker”

Esta canción inaugura una nueva etapa para el músico después de que su última producción, Paradox, saliera el año pasado. 

Todos (o casi todos) tuvimos un amor adolescente que nos hizo pensar que ahí nos quedaríamos siempre y que con esa persona íbamos a estar el resto de nuestras vidas, evidentemente en la mayoría de los casos no fue así. Ese sentimiento de enamoramiento llevado a la máxima potencia es el concepto detrás de la nueva canción de George Arthur Calendar"Sucker". En este nuevo tema GAC nos trae una balada synth pop o bed room plagada de efectos estelares junto a un bajeo groove que asemeja a las canciones melosas de los años ochenta, además la percusión creada en drum pad es por demás el complemento perfecto para esta canción.

"Sucker" llega con un video oficial dirigido por el mismo George Arthur Calendar en el que vemos la historia de dos personas que están a punto de ser "flechadas" por un par de Cupidos que tienen más pinta de espías que de querubines.

Con el estreno de esta balada, GAC anunció a través de un comunicado que trabaja en lo que será su música que escucharemos este año y el que viene, así que mantente pendiente de las buenas nuevas de este músico mexicano que estará sonando mucho estos próximos meses.

Dave Smith, el padre del MIDI, muere a los 72 años

El adiós de una leyenda que revolucionó la industria musical.

El padre del MIDI, David Smith, falleció a los 72 años cuya causa de muerte aún se desconoce. Esta noticia se dio a conocer a través de anuncio en la página oficial de Sequential, donde declararon:

Con gran dolor, compartimos la noticia de que Dave Smith ha fallecido. Estamos desconsolados, pero nos alivia un poco saber que se encontraba haciendo lo que más amaba en compañía de su familia, amigos y artistas".

Pero ¿Quién fue Dave Smith?

Nada más y nada menos que un pionero en la industria musical, quien se convirtió en una leyenda por revolucionar el mundo de los instrumentos con la creación del sistema MIDI (Musical Instrument Digital Interface). Después de una serie de intentos, con ayuda de Tom Oberheim e Ikutaro Kakehashi, se reunió con grupo de fabricantes de teclados: Roland, Korg, Yamaha y Kawai durante la Winter NAMM de Anaheim (California) en 1983, con la finalidad de llegar a un acuerdo donde se tuviera una interfaz en común y concebir así, un sistema que hasta la actualidad sigue utilizándose.

También diseñó el primer sintetizador analógico polifónico programable en 1978, al que nombró Prophet-5, y que fue un parteaguas en la música, permitiendo a los grandes músicos como Radiohead, concebir algunos de los éxitos más famosos de su tiempo.

Remembering-Dave-picture

Nace en 1950, originario de San Francisco (California), Dave Smith se graduó en Ciencias Computacionales e Ingeniería Electrónica de la Universidad de California en Berkeley.

Fundó su empresa Sequential Circuits en 1974, misma que hasta ahora se encuentra vigente y dentro del gusto de agrupaciones tales como A-ha, Blondie, Culture Club, Miley Cyrus, Arcade Fire, Cage the Elephant, entre muchos otros.

IDLES abre la nueva temporada de 'From the Basement'

La banda se adueña de From the Basement con una presentación brutal y catártica ¡Mira el episodio!

IDLES es el primer invitado a la nueva temporada de From the Basement, una serie web creada por el productor musical Nigel Godrich en el 2006.

Luego de 11 años sin transmitir un nuevo episodio, la serie de presentaciones en vivo regresa con una nueva temporada y lo hace de una forma espectacular, presentando una sesión exclusiva de media hora donde IDLES tocó siete canciones incluidas "MTT 420 RR", "Meds", "Car Crash", "When The Lights Come On", "The Wheel", "The Beachland Ballroom" y "Wizz", todas parte de su más reciente álbum Crawler.

Esta íntima sesión en vivo, tiene una sensación de aproximación, que pocas veces se logra en sesiones grabadas. Desde el principio con los miembros conectando los instrumentos, ajustando los micrófonos, las claquetas, todo provoca una sensación de estar presenciando algo brutal. El sonido mismo de los instrumentos y la voz áspera de Joe Talbot te envuelven en esta atmósfera musical.

(From the Basement) Es único, no se compara a nada más. Hay un sentido de mitología detrás y es un sueño para nosotros ser parte de esto. Hemos querido hacer esto por un largo tiempo”, dijo Joe Talbot, miembro de IDLES.

Revive el momento y ve toda la sesión a través de su canal de YouTube; también está disponible sólo el audio a través de mixcloud.

La producción de From the Basement anunció para los próximos capítulos a Sons Of Kemet, Warpaint, Caribou, Squid y Nilüfer Yanya. Mantente al pendiente y no te pierdas nada de está increíble serie.

Andrea Franz — Wild Idea

En su LP debut, Andrea Franz explora distintos géneros como el pop alternativo, el indie rock y se aventura a cantar en español.

Andrea Franz ha decidido lanzar su primer disco de larga duración bajo el título de Wild Idea junto a la discográfica de Zoé, Discos Panoram y resulta más cómodo tener un disco donde vengan todos los sencillos que ha sacado la cantante a través de sus casi seis años de trayectoria. Para algunos parecerá una "trampa" el que este álbum reúna canciones que ya conocemos, pero el concepto detrás del nombre sirve para poder ver que Andrea Franz no es alguien que se adapte a los estándares de la industria musical, sino que es alguien a quien le gusta tener justo eso, "Wild Ideas".

El álbum abre con "Stupid Nerves", tema que originalmente debutó en 2020 y que es una manera perfecta de iniciar un disco ya que el mismo intro de la canción es muy tranquilo y auditivamente es agradable que una artista vaya poco a poco incrementando la intensidad de su música y no que entre de lleno con guitarrazos o baterías explosivas. La siguiente canción es "Disculpa", un tema con un aura sesentera que recuerda el rock & roll romántico de artistas como Enrique GuzmánLos Teen Tops Ritchie Valens, además es la primera canción que Andrea canta en español en este disco.

En Wild Idea nos sobran canciones que te harán tener ganas de levantarte de donde estés sentado para comenzar a saltar y a bailar, la prueba llega con "Future Friends", una de las pistas con la música más "alegre" del álbum. A continuación viene el tema más popular de la carrera de Andrea Franz, "We've Met", la canción que lo inició todo por allá de 2016 y la cual, curiosamente, es la más popular del repertorio de la cantante como sencillo y como tema de Wild Idea. El ritmo se vuelve lento en "Sweet Things", una balada que funciona como esa canción que varios artistas crean con la mente cargada de recuerdos de un amor del pasado.

La segunda canción cantada en español es la inédita "Locura Por Ti", supongo que fue la única que no fue lanzada como un sencillo o incluída en un EP por ser la pieza maestra de la carrera de Andrea Franz. Esta canción tiene de todo y cada elemento abona a que el sonido sea demasiado bueno. El bajo que inicia el tema es simplemente fenomenal, crea una tensión que se libera con la llegada del coro con un ritmo bastante funk, los sintetizadores crean la atmosfera de misterio que acompaña a la perfección la letra y la incertidumbre de estar muy clavado con alguien y no saber si seremos correspondidos o no. Por último, el puente de "Locura Por Ti", es pegajoso y la inclusión de coros de voces femeninas lo vuelve algo mágico. Brillante, sin duda alguna la mejor canción de Wild Idea.

Lo único que no me terminó por gustar del todo fue la manera en la que cierra este disco ya que llevaba buen ritmo hasta "Running Back" y la recta final está compuesta por tres canciones que bajan la intensidad y te dejan con una sensación de que la siguiente canción volverá a ser algo trepidante y eso no ocurre. "La Ciudad""Baby, Come Close" y "Worst Curse" pudieron estar repartidas de otra manera dentro de Wild Idea y tal vez habría funcionado mejor. Incluso me atrevería a decir que si "Locura Por Ti" hubiera sido la penúltima canción y "Running Back" la última, habría tenido un mejor cierre Wild Idea, es cuestión de percepciones, en mí caso me gusta que los discos cierren con una nota alta para que en una reproducción futura tenga ganas de oír el álbum completo para llegar a ese emocionante final.