Página 3715 - Indie Rocks!

Screaming headless torsos y el power trío

Posted on septiembre 15, 2012 by Editorial -

Simplemente una noche excepcional la que presenciamos el jueves en El Plaza Condesa, definitivamente algo fuera de lo común en la que la poesía y el jazz fueron los grandes protagonistas; las palabras del poeta Mardonio Carballo transmutaron en poderosos conjuros llegando a las entrañas de los asistentes, así como la sonoridad de la lengua náhuatl mezclada con los sonidos experimentales de los hermanos Chema y Alonso Arreola logrando la alquímia perfecta que caracteriza a éste virtuosísimo power trío, quienes no perdieron la oportunidad de homenajear con una balada al ya desaparecido pianista y compositor cubano Ignacio Villa mejor conocido como: “Bola de Nieve”.

El público se dejaba arrobar por las palabras disparadas desde el megáfono de Carballo; y justo cuando pensábamos que ya lo habíamos escuchado todo, llega una re-composición del ya conocido tema de los Beastie Boys: “Sabotage” interpretada en náhuatl, cerrando con broche de oro ésta memorable presentación. Sin embargo no debemos olvidar que la participación de Arreola + Carballo sólo fue el inicio de esta gran noche en la que “El Plaza” se convirtió en una verdadera fiesta llena de color, con un escenario plagado de grandes talentos, con la presencia de los Screaming Headless Torsos, quienes abrieron con el tema “Vinnie”, seguido de un efusivo saludo por parte de Freedom Bremner (vocales) quien contagiado por la energía del público entregó todo desde el principio, haciendo evidente su admiración por México; la interacción constante con los fans logró momentos realmente efusivos, presentando “Field of Light” un tema de su nuevo material que nos recuerda aquel soul funk neoyorquino de principios de los 80, en el que homenajearon a la leyenda del funk George Clinton alias Dr.Funkenstein; fue una presentación llena de sorpresas, en donde cabe destacar la presencia de un coro barítono de jóvenes mexicanos quienes demostraron su profesionalismo al máximo.

Pudimos escuchar sonidos bastante experimentales mismos que los hacen inclasificables; en momentos recurrían a diversos objetos para generar atmósferas ambientales que nos transportaban al interior de una selva llena de misticismo, al fondo una voz que nos advertía repetidamente “Next stop Mexico City” de pronto unos riffs imparables nos traían de regreso a tierra firme, y si creíamos que la cosa no podría ir mejor emerge el cover “Angel” entre luces moradas evocando aquel purple haze de Jimi Hendrix, homenajeando su legado. El concierto fue todo un deleite los Screaming Headless Torsos definitivamente dejaron huella en el público mexicano.

Por su puesto no podríamos irnos contentos sin platicar con Freedom Bremner, quien en exclusiva para Indie Rocks! compartió su percepción sobre tocar en tierras mexicanas: “Siempre es grato venir a México, amamos estar aquí, es muy emocionante, quisimos regresar y hacer este show, es un lugar cálido, los fans son fantásticos, conocen nuestras canciones, son muy apasionados, algo que nos fascina es que también hay muchos jóvenes, chicos de 15 y 17 años¿ puedes creerlo?”. Al preguntarle sobre el cover de Hendrix, Bremner respondió: “Es un ser muy especial, la mayoría de la gente se enfoca en la forma en que tocaba la guitarra, en su vestimenta ó en su forma de vivir, pero se olvida de que él fue un gran escritor, tenía letras muy fuertes; personalmente te puedo decir que “Angel” ha sido una de sus mejores composiciones, pienso que es una balada hermosa, mañana es justamente su 70 aniversario por eso quisimos tocarla".

Los Dorados: un dragón con absoluta libertad sonora

Posted on septiembre 14, 2012 by Editorial -

A diferencia de tantos que repiten una y otra vez que cuentan con su “propio estilo” o que son “auténticos”, Los Dorados establecieron desde el principio el nunca pretender ser y simple y sencillamente hacer música por el gusto y amor al arte. Este grupo de hombres creativos y pacientes saben que esta disciplina no les debe nada, por el contrario, se deben a ella; de ahí su esfuerzo.

Nacidos en el 2003, como una iniciativa de estudiantes de la Escuela Superior de Música por hacer un ensamble de jazz, desde el principio aseguran que “hubo mucha empatía. Nos bastó con darle un rumbo, ya que como estudiantes de jazz uno se basa en los standards o todo el repertorio del género: lenguaje, rítmica, dinámicas, interacción, improvisación e interpretación; sí lo hicimos, pero siempre con esa inquietud de hacer cosas originales (propias), con un sonido particular. Empezamos con un jazz avantgard, con rítmicas, armonías y orquestación no convencionales, siempre con un gran margen de improvisación”.

¿Cuándo y cómo nace su Jazz con distorsión y beats electrónicos?

“El primer disco, Vientos del Norte, fue producido con nuestros propios recursos. Tuvo buena aceptación, bandas de otros géneros se identificaron, le quitamos lo solemne a nuestro jazz; abrimos brecha colaborando con grupos de rock”.

“Con Turbulencia (segundo disco) nos transformamos musicalmente. El hecho de llegar a un estudio y tener varios días para grabar con libertad nos permitió incorporar el delay y la distorsión en la guitarra, el saxofón y el contrabajo. Empezamos a trabajar con el Dj Rayo y tomó una dirección propia, dando espacio para todas las influencias musicales, no sólo el jazz. Decidimos ser honestos y aterrizar lo que nos gustaba tocar. Eso evolucionó nuestra música”.

“En el tercer disco, Incendio, invitamos al trompetista Cuong Vu. Fue nuestra primera experiencia con un músicos de reconocimiento internacional y esto sirvió para abrir brecha y hacer música diferente. Ahí fue cuando nos dimos cuenta que somos dueños de hacer lo que se nos pegue la gana, disfrutamos mucho hacer música, nos damos nuestro tiempo en la producción y provocar nuevas ideas; incluímos sonidos como el folk que nunca hubiéramos creído que estarían, pero que al final estas historias fronterizas encontraron su lugar. Procuramos que en la misma producción existiera la improvisación y esa es la esencia de Los Dorados: hacerlo igual que como se hacía en los 70”.

Las ventajas y desventajas de ser músicos independientes

"Lo mejor es que puedes hacer lo que se te hincha un huevo y lo peor es que no se tienen los grandes recursos, pero al final eso es muy relativo porque hay muchos que firman y en realidad no pasa nada ya que eres propiedad de una disquera y tu material puede estar enlatado años. Consideramos que no es el camino, lo delicado está en invertir tus ganancias, es duro no ver dinero con tanto gasto, pero el hecho de poder expresarte como te plazca, lo vale. Incluso todos tenemos proyectos alternativos".

Las complicaciones de la comercialización independiente

“Se trata de hacer trabajo en equipo con promotores. El jazz en México no vende y lo que paga la industria a los músicos mexicanos a comparación de lo que obtienen algunos extranjeros pues no pinta; de ahí la importancia de proyectos como Alterna Jazz, encabezada por Sara Valenzuela. Mientras sigan existiendo oportunidades como en la Carpa Intolerante (Vive Latino), se darán mayores oportunidades de asociarse con promotores”.

El proceso Creativo; la hora de hacer música

“Hemos evolucionado. En el primer disco lo hacíamos muy académico, muy formal y el proceso creativo debe ser muy diferente; los esfuerzos individuales con base en la improvisación siempre llegan a un final feliz; en el concepto de agrupación, la dinámica es colectiva, nos complementamos en lo lírico”.

El estilo Dorado

“El jazz es el origen, la esencia, pero musicalmente es una mezcla de sonidos de géneros como el hip-hop, noise, música electrónica, rock, música mexicana; es música libre. Todo es honesto, nuestra música es fácil de escuchar, es para todo tipo de públicos”.

Calificados por el Mastuerzo de Botellita de Jeréz como “el nuevo rock”, debido a la novedad en sus elementos y su filosofía, Los Dorados son el resultado de haber picado piedra durante años, generando nuevas oportunidades en lo musical y proponiendo. Tal es el caso de ser parte de diversos festivales y recibir invitaciones de todo el mundo. Sin duda vale la pena escucharlos el próximo 20 de septiembre en el Auditorio Roberto Cantoral, que dicho sea de paso es un lugar con condiciones ideales para presenciar un buen concierto.

COEXIST, EL RETO DE THE XX

Posted on septiembre 14, 2012 by Editorial -

The xx

Coexist

Young Turks

2012

El segundo álbum, como siempre, es el coco de todas las bandas. Después de la increíble acogida que tuvieron con su disco debut titulado simplemente xx, Romy Madley Croft, Oliver Sim y Jamie Smith (aka Jamie xx) -ganadores del Mercury Prize en 2009- tenían el reto no sólo de satisfacer a una audiencia enorme, sino de entregar algo de la misma o mejor calidad que xx, lo cual de entrada no pintaba fácil.

Bandas que comienzan su carrera con un primer disco tan aclamado, comúnmente se abruman y se presionan al sacar el segundo. El sonido que nos reveló esta banda con xx se convirtió en un punto de referencia. Fue un álbum de una belleza muy austera y delicada, repleto de silencios largos y enigmáticos a los que no estábamos acostumbrados. Fue un material que les concedió un estilo muy propio y diferente al de cualquier otra banda.

Los susurros y los hermosos silencios -que no resultan incómodos, sino que encajan perfectamente bien en todos los temas- siguen presentes en Coexist y lo ayudan a fluir como agua. Cada acorde está repleto de sentimiento y misterio.

“Angels”, aunque hermosa, decepciona un poco por sonar exactamente igual a las canciones del álbum anterior. “Reunion” maneja elementos nuevos como el uso del steel drum dándole un aire medio caribeño y refrescante. “Missing” es una de mis favoritas por ser sutilmente romántica sin llegar jamás a ser cursi, envuelta de principio a fin en ese aire minimalista tan característico de The xx.

“Tides” es una rolita muy bien lograda que combina elegantemente el sintetizador con coritos fantasmales. “Swept Away” maneja un house beat delicioso que recuerda un poco a Everything But The Girl. La melancolía es la piedra angular de esta placa y recorre las venas de todos los tracks. Si se está pasando por una situación amorosa difícil o -peor aún- una ruptura, este disco se volverá una adicción y se querrá regresar a él compulsivamente. Los que no pasan por ningún tipo de situación amorosa, lo escucharán por el puro gusto de dejar entrar a la soledad y a la tristeza en sus oídos.

Coexist es un disco firme, completo, con ejecuciones impecables de músicos que se nota que se han presentado en un sin fin de festivales y que tienen la confianza en sí mismos para sonar como una banda sólida y coherente. La fórmula de “menos es más” les funciona a la perfección y demuestran su gran capacidad creativa superando con creces la difícil prueba del segundo álbum.

Nathan Fake

Posted on septiembre 14, 2012 by -

Creado por James Holden, el sello inglés Border Community se ha vuelto una referencia musical de los amantes de la música electrónica de esta generación; uno de los músicos más conocidos y prodigiosos de esta disquera es Nathan Fake.

Nacido en Norfolk, Inglaterra y con tan solo 29 años, Nathan Fake se ha posicionado como uno de los más importantes djs y productores de la época, con una carrera marcada por exitosos singles y tres álbumes de estudio aclamados por la crítica, Nathan es culpable de haber vuelto a posicionar el techno en la escena musical inglesa, con un aire mucho más fresco y ambiental.

Fake comienza su carrera musical en el 2003, cuando ya respaldado por el sello inglés, lanza al mercado su primer sencillo titulado "Outhouse", canción que se convirtió rápidamente en un éxito comercial. Este éxito comenzó a aumentar paulatinamente, en 2004 "The Sky Was Pink" vuelve a revolucionar el mercado musical. El primer álbum de estudio de Fake se hizo esperar hasta el 2006 con Drowning in a Sea of Love, estableciendo una sensibilidad enmarcada en melodías y sonidos experimentales que consolidaron el primer éxito discográfico del niño consentido de Border Community. En 2009 es presentado Hard Islands, álbum que ofreció una faceta completamente diferente al Nathan que ya habíamos conocido; este álbum mostró un sonido mucho más frenético y rítmico, armonías a destiempo y beats hipnóticos que no dejaron ver un ritmo en concreto en todo el disco, sólo una psicodelia bien lograda por un genio en proceso.

Después de cuatro años de silencio, Fake regresa para regalarnos su más reciente producción discográfica lanzada en agosto del presente, Steam Days incursiona en nuevos terrenos sonoros, ritmos que evolucionan con el paso de los minutos y atmósferas psicodélicas que logran ir estableciendo emociones diferentes en cada canción, mostrando una madurez musical y el gran talento que ya conocíamos.

Al marco del Festival Internacional de Creatividad Digital y Música Electrónica MUTEK.MX, Nathan Fake regresará a tierras mexicanas para presentarse en el Auditorio Blackberry el 4 de octubre, acompañado en el escenario por Lao, Luke Abbott, Jon Hopkins, Egyptrixx y Scuba. Nathan promete una noche memorable, un concierto que sin lugar a duda, los amantes de la música electrónica no deben pasar por alto.

Rompiendo la cotidianidad con Ximena Sariñana

Posted on septiembre 14, 2012 by Editorial -

“Transformar lo cotidiano en una experiencia única e ir más allá de lo común”, fue la premisa por la que Coca-Cola Zero y Cinépolis invitaron a Ximena Sariñana a una sala de cine, para un set íntimo con algunos de sus admiradores. La cotidianidad de una sala de cine se vio interrumpida por el jazz-pop de Ximena Sariñana y por momentos el lugar se convirtió en un pequeño club de jazz. En un escenario muy poco convencional, la cantante mexicana interpretó algunos de sus éxitos, principalmente de su primer disco. El peculiar experimento resultó muy agradable, pues permitió el acercamiento del artista a su público, como en los inicios de su carrera.

A los pies de la pantalla de la Sala 14 del Cinépolis Perisur, se instaló un pequeño escenario en el que únicamente había un par de teclados, sintetizadores, percusión eléctrica y una guitarra acústica. El show más que acústico fue íntimo. La cantante mencionó que el set fue planeado como una historia, comenzando con su canción "Normal". Mientras Ximena Sariñana interpretaba sus temas, en la pantalla se proyectaban videos referentes a ellos.

La artista tuvo mucha interacción con el público, cosa que cada vez sucede menos en los grandes conciertos. Ello la llevó a recordar sus inicios en el Zinco Jazz Club del centro de la ciudad. Muy acorde al lugar, continuando con su historia, Ximena interpretó "Reforma" y "Tú y yo". Con ese último tema, la velada tomó un aire muy romántico que permitía la cercanía del artista con el público.

Un error abrió paso a una sección especial en el show, pues Sariñana interpretó un par de covers, cosa que de acuerdo con ella, pocas veces sucede. El primero fue del tradicional son mexicano, "La Llorona", recordando a una de sus más famosas intérpretes, Chavela Vargas. El segundo, incluido en su primer álbum, fue "Monitor", originalmente de la banda mexicana Volován. El show concluyó con "Mediocre", la canción ella considera como la más importante de su carrera.

Al final, Ximena Sariñana bajó del escenario para responder algunas preguntas que sus fanáticos le habían enviado. Entre ellas destaca que en próximas fechas Sariñana viajará a España donde tendrá algunos shows y festejará su cumpleaños. También, la cantante hizo saber que estará completamente enfocada en la realización de un nuevo álbum. Y cuando se le preguntó cuál es su fuente de inspiración, ella respondió que en general la cotidianidad, pero se tiene que estar muy atento para encontrar momentos específicos en ella. Ciertamente uno de esos momentos específicos fue el show en esa sala de cine.

Laurel Halo

Posted on septiembre 13, 2012 by -

Dentro del marco de MUTEK.MX se encuentra una artista que en lo personal me encanta: Ina Cube, una mujer apasionada y visionaria que se convirtió en una de las propuestas más interesantes en la escena experimental, envolviendo con una vibra y un sonido meramente espacial y de momento oscuro y celestial.

Con influencias de Gerri Blank, Miike Snow, Can, Space Time Continuum, Rhythm & Sound entres muchísimos otros, Laurel Halo, inspirada por una infinidad de factores que convirtieron su teoría musical en una especie de ciencia-ficción electrónica y nativa de Ann Harbor, comenzó a tocar el piano con sólo seis años de edad y añadió toques de guitarra y violín a su repertorio cuando era aún una pequeña niña. Cuando comenzó a componer, su fascinación por las formas geométricas fueron su traducción en la música y los sonidos que fue absorbiendo en el transcurso de su carrera fueron sólo los detalles para su obra final.

Con varios EP's del 2006 al 2009, escritos, arreglados, interpretados y producidos por ella misma, es como hoy por hoy, con un sonido realmente evolucionado, esta chica mantiene una apretada agenda, colaborando con un sin fin de artistas que proponen cosas increíbles en cada proyecto. Su última pieza, Quarantine, es una clara muestra de lo que les estoy hablando: una serie de sueños emotivos que se muestra como uno de los mejores discos del año.

Es así, como el próximo 5 de octubre, tendremos la oportunidad de presenciar a Laurel Halo en el Teatro Fru Fru dentro de las actividades del MUTEKMX 2012 por sólo 200 pesitos.

Un sonido oscuro y fantasioso que evoca a un futuro desolado y escabroso, vocales desesperados y un espiritú ansioso y a la vez agresivo. Halo sabe lo que hace y está segura de lo que quiere lograr a través de cada melodía, tanto que fabrica sonidos hermosos que pueden rozar con lo espantoso. Despreocupación que encamina a la perfección.

Un avatar en ascenso que merece la pena ser escuchada, ¡no se la pierdan!

Metales Livianos

Posted on septiembre 13, 2012 by Editorial -

David Byrne & St. Vincent

Love This Giant

4AD / Terrícolas Imbéciles

2012

"I celebrate myself" son las primeras tres palabras en el poema Song of Myself de Walt Withman, inspiración para el título Love This Giant, y básicamente describen la vibra que se siente en esta colaboración. David Byrne, mítico ex-Talking Head y consagrado exponente del art rock, ha disfrutado en los últimos años de una libertad creativa, resaltando su trabajo vanguardista en compañía de Brian Eno. Annie Clark, conocida como St. Vincent, se encuentra en una vuelta olímpica tras un histórico 2011. Con el éxito de su clásico moderno, "Strange Mercy", tercer episodio en una discografía pulcra, llevó al art pop a expandir sus horizontes. El emparejamiento da la sensación de ser una celebración recíproca a sus éxitos.

Tras encontrarse en un show a beneficio en el que colaboraron Björk y Dirty Projectors en una pequeña biblioteca de Soho, NY, Clark y Byrne acordaron intentar algo parecido. "Who", escrita con la idea de ser presentada en vivo en el mismo escenario, fue diseñada con base en instrumentos metálicos de viento, visto como una solución para agrandar el sonido. Esta idea creció lo suficiente como para validar un trabajo mutuo más elaborado, que consecuentemente siguió bajo el mismo concepto. Las trompetas, trombones, tubas y demás son los materiales de construcción de Love This Giant, apareciendo en cada sección y track del LP. Funk, r&b, bandas de Nueva Orleans fueron algunos de las múltiples influencias que se usaron y mezclaron a favor.

Ambos poseen una tendencia cerebral en su música, pero se diferencian en sus estilos. David Byrne acostumbra más el experimentar con la repetición y la generación de crecimiento tanto progresivo como vertiginoso, mientras que Annie Clark se distingue por su acercamiento más artesanal a la composición. Y, la manera en que estas resultan fusionarse es exactamente la anticipada. Por todos lados podemos dar cuenta de la fluidez de movimientos de Byrne, con beat-tracks inteligentes que van desde batería grabada en vivo para ser recortada y reorganizada a placer ("Ice Age") hasta una interpretación electrónica de una banda marcial ("I Am an Ape"). Y la minuciosa exactitud orquestal de Clark florece en tracks como "The Forest Wakes", lleno de adornos y pasajes que incluso recuerdan a su hit “Marrow”, del 2009.

Como ellos mismos han comentado, la introducción de una orquesta metálica rompe con la idea de que éste pueda distinguirse como un álbum de St. Vincent o uno de David Byrne, sin embargo, gran cantidad del material contiene marcadas manifestaciones que permiten fácilmente darse una idea de quién origino qué. "Optimist" tiene todos los factores como para ser un recorte de "Strange Mercy" y “I Should Watch TV” permite a Byrne una exploración de la sociedad actual con un estilo que lo hace sentir cómodo. Así como sus rostros fueron deformados con prótesis plásticas en el arte del LP, su sonido y personalidad tuvo que alterarse lo suficiente como para llegar a un punto de superposición. "Weekend in the Dust" desata un personaje nunca antes visto en Clark, desbordante de funk y celebrante de la paranoia en la forma más despreocupada posible, probablemente influenciado por su colaborador.

Los metales pudieron ser una solución para conseguir rápidamente tierra en común y trabajar, al ser igualmente nueva para ambos. Pero tal decisión definitivamente cortó las posibilidades de ver una interacción entre sus principales talentos, como lo serían la virtuosidad de Clark con la guitarra y la construcción de bases rítmicas de Byrne. Pero dentro de lo que cabe, Love This Giant aporta un sonido relativamente nuevo con una sofisticada producción y un pop que utiliza sus propias raíces para construir una vista al futuro.

No es retro, es aprender de los clásicos

Posted on septiembre 13, 2012 by Editorial -

Existe una banda capaz de interpretar las enseñanzas del maestro, redefinir el sentido de la música y mostrar una nueva propuesta que aunada a unos “brownies mágicos” nos hacen bailar sin retroceso alguno. Independientes y sin intermediarios, lucen por no pertenecer a una disquera elegante. Frescos y desinhibidos detienen el tiempo para hacernos descubrir que para la buena música, no existe tiempo para disfrutarla.

¿Alguna vez pensaron que existiría la cocina musical?, o mejor aún, ¿Que mientras bailas, esta banda prepararía brownies mágicos para ti? Pues Timothy Brownie lo hace realidad el próximo 25 de septiembre en el Pata Negra.

Su enfoque musical es una fusión electro-disco-funk de azotea (más alla del esfuerzo colectivo por encasillar la música en un género), y la forma de crear temas llenos de sonidos estéticos y funcionales, materializan no sólo un disco que en sus canciones refleja una vibración de creatividad, sino también la forma de presentarse al ritual se vuelve un nuevo concepto de hacer música en vivo. "Hacemos música instrumental con un concepto de diversión en vivo. Los brownies salen de la cocina del maestro y es el agradecimiento a la gente por compartirse con nosotros, la idea es divertirnos, buscar que la música fluya desde lugares poco comunes", mencionó Andrés, guitarrista de la banda.

Pero el origen y el trabajo de esta banda no es fortuito: "Un día íbamos por la carretera en Miami cuando de pronto sucedió algo en relación a la música: brindle, brindle, house, brindle, brindle, house; le dimos una interpretación para después convertirlo en una composición. Empezamos a jugar, hicimos un dibujo y lo transformamos en un patrón musical. Dijimos: Esto es lo que tiene que interpretar la guitarra, así como el bajo, la batería, etcétera. ¡Así comenzó todo!", apuntó Mariano.

Pero son los arreglos, ritmos, palabras y texturas de Uriel, Mariano, Andrés y Gonzalo los que se unen para encontrar su forma y dar como resultado Legado Mutante, su primer álbum de estudio; un disco sobrio, pegajoso, críptico e hilarante que diversifica como pocas veces puede hacerlo un disco. Timothy Brownie ha capturado en el set list eso que llega para nunca irse: “la buena música”. "Al final del día lo que buscamos es que después de vernos la gente salga y genere, nos vea y sienta el cambio, que haga lo que más les gusta, pero que lo haga con responsabilidad social", comentó Andrés.

"Jugo de frutas" es el primer sencillo y es también la prueba más fehaciente de la interesante propuesta que estos timotheanos presentarán el próximo 25 de septiembre en Pata Negra."Estamos concentrados completamente los cuatro en la banda, vienen muchas sorpresas pero antes queremos mostrar este disco al público y que lo disfruten ", finalizó Uriel, quien antes de irse nos aseguró que lo bueno apenas está por venir.

No olvides visitar su SoundCloud.

EL DEBUT DIVINO DE DIVINE FITS

Posted on septiembre 12, 2012 by Editorial -

Divine Fits

A Thing Called Divine Fits

Merge

2012

Supergrupo -según Wikipedia- es un término utilizado para describir a grupos de música que habían tenido fama en bandas anteriores o a nivel individual y que suelen formarse como un proyecto paralelo más que con la idea de permanecer juntos como banda. Es así como surgió Divine Fits, una agrupación conformada por Britt Daniel de Spoon, Dan Boeckner de Wolf Parade y aliado de Handsome Furs y Sam Brown de New Bomb Turks, quienes el pasado 4 de septiembre lanzaron su primer material discográfico titulado A Thing Called Divine Fits.

Hace dos años Daniel asistió a un concierto de Handsome Furs y bromeó con Boeckner acerca de formar una banda. Afortunadamente para nuestros oídos, la bromita se hizo realidad. A Thing Called Divine Fits es un álbum en el que todas las canciones tienen algo que las hace únicas y cada una tiene su propia atmósfera. “My Love Is Real” abre el disco espléndidamente con un estilo totalmente ochentero que a ratos nos recuerda a “Tainted Love” de Softcell; luego viene “Flaggin A Ride” que también continúa con el patrón ochentero pero menos electrónico, más rockero y con mucho ritmo; por ahí tiene unos sonidos como de castañuelas que me recordaron a Roxy Music. “What Gets You Alone” es de las pocas canciones que se queda como a la mitad haciendo algo de ruido con guitarras estridentes pero sin entregar nada en particular, al igual de “Baby Get Worse”.

“Would That Not Be Nice” destaca por esas voces procesadas, guitarras cadenciosas y estallidos de sintetizador. Es tan fácil de digerir que podría fácilmente colarse en alguna lista de popularidad de música comercial. “The Salton Sea” es una de las joyitas del disco, ya que es la única rola con una marcada influencia de krautrock que sobresale por tener ese sonido algo obscuro y mecánico que la hace completamente diferente al resto de los tracks incluidos en esta placa. Hasta aquí todas las rolas podrían considerarse bastante upbeat, fiesteras y bailables.

El mood del disco empieza a descender con “Civilian Stripes” que es una tema totalmente acústico, pausado, con un pianito delicado que le da ese toque sereno tipo balada. Le sigue “For Your Heart”, otra balada, que con el puro sintetizador y la voz de Daniel logra mantener el equilibrio y la fluidez sin esfuerzo.

Encaminándonos hacia el final aparece la maravillosa “Shivers”, un cover de Boys Next Door (la primera banda de Nick Cave). La canción parece haber sido desmembrada hasta su más pura esencia y ensamblada de nuevo cuidadosamente dando como resultado una creación tan cruda como conmovedora. Y con la voz seca y sucia de Daniel me atrevo a decir que suena mejor que la original. Se me antojaba como para cerrar el álbum con broche de oro, pero desafortunadamente cierra con “Like Ice Cream” y “Neopolitans”, dos temas que no alcanzan a sellar bien, son como pintura sin secar o como un arroz que no se alcanzó a cocer.

A Thing Called Divine Fits es un álbum de electro rock lleno de energía, realizado por tres artistas que se complementan tremendamente bien. Es un debut muy respetable, sin pretensiones, con un sonido ochentero medio dreamy, medio indie, medio acústico, medio movido; es un disco que tiene de todo, absolutamente de todo. Cuando un supergrupo hace un trabajo tan bueno como éste, nos ganas de gritar: ¡Que se repita!, ¡Que se repita!.

Para escuchar completo A Thing Called Divine Fits haz click aquí

Noche flamenca en el Plaza Condesa

Posted on septiembre 12, 2012 by Cynthia Flores -

Aunque conocida en algunos círculos como la reina del flamenco por su gran técnica vocal y su singularísimo timbre de voz dentro del mencionado estilo, Concha Buika no es intérprete y cantautora de un solo género. Su discografía abarca esencialmente la música con sentimiento, con poesía, con reclamos hacia quien no vale la pena; y también aquella que canta a la libertad de toda índole.

Concha Buika, originaria de Palma de Mallorca en España, pero hija de padres de Guinea Ecuatorial lleva en su nombre esta dupla geográfica y en su música también, aunque es precisamente ésta última la que ha ampliado ricamente a su antojo en una carrera por demás exitosa.

El pasado sábado 8 de septiembre se subió al escenario del Plaza Condesa para ofrecernos una muestra totalmente acústica de su trabajo. Con seis discos en su haber y más de veinte colaboraciones con distintos grandes artistas tan variados en estilo, como Seal, Nelly Furtado, Bebo Valdés, Javier Limón, etc., Buika posee ya un gran repertorio de experiencias y recursos artísticos para poder transmitirnos mediante una nota o una expresión el sentimiento más sutil o desgarrador, con absoluto dominio de la mesura y el buen gusto. No faltó el agradecimiento por su parte hacia México y su público; así como para la recién finada Chavela Vargas, además de una que otra anécdota a propósito de su buena amistad con “La Chamana”.

También poseedores de un gran bagaje musical y gran kilometraje en escenarios internacionales, acompañó a la cantante el trío de músicos conformado por un pianista, un bajista y un percusionista. De los cuales fue el cubano Iván “Melón” González Lewis al piano, quién destacó por su gran participación en la mayoría de las canciones, ya que fue el único que interpretó solos, maravillosos solos. En el cajón flamenco iba nada menos que el percusionista Ramón Porrina, hijo de Ramón “El Portugués” y nieto de “Porrina de Badajoz”, grandes personajes del flamenco español. Porrina ha acompañado a personajes tan icónicos del flamenco tradicional y también del más moderno y comercial, como Paco D´Lucía, Joaquín Cortés, Diego “El Cigala”, Tomatito, etc. Tanto el percusionista como el bajista, se limitaron a ofrecer una base rítmica solida y estable en todo momento. Lugar adecuado para que tanto “Melón” como Buika pudieran jugar a transmitir diversos mensajes y estados de ánimo.

Fue un concierto muy íntimo y directo con el público, demostrando todos ellos una sencillez cautivadora y buen humor. Tal vez la dotación musical pudo ser mayor por el tamaño del lugar y el escenario, pero de ningún modo esto demeritó la gran calidad y dominio de todos los ejecutantes, ni tampoco el goce del público que cantaba a toda voz Jodida pero contenta, Se me hizo fácil, Mi niña Lola o El último trago del maestro José Alfredo Jiménez. El ingeniero de audio también hizo un gran trabajo que se reflejó en un sonido limpio, claro y con buen volumen. Definitivamente un gran concierto, una gran artista acompañada por grandes músicos y también un gran mensaje el que Buika va transmitiendo en cada lugar que se presenta, el derecho a la libertad.