Deconstruyendo Restaurant

Posted on octubre 1, 2012 by -

Con motivo de la presentación de la edición especial del primer álbum de la banda regiomontana Jumbo, conformada por Clemente Castillo, Charly Castro, Flip Tamez y Beto Ramos, un pequeño grupo de periodistas (petit comité) nos dimos cita para conocer las versiones de los 14 temas del emblemático disco Restaurant; algunos con canciones tatuadas en la memoria de los que conocimos a la agrupación en el segunda mitad de la década de los 90.

Mientras éramos testigos de las versiones realizadas por cada una de las 14 bandas o músicos, Jumbo compartió con Indie Rocks! algo de sus 15 años de vida como banda.

Clemente Castillo (voz y guitarra):

“En este Restaurant Requisitado nos acompañan no nada más los 14 artistas principales en cada track, sino también otros siete  que vendrán en el DVD que es un tipo documental sobre lo que es Restaurant (...) Es un disco que sentimos está muy rico porque tiene artistas genuinos”.

 IR!: ¿Qué tanto ha pasado en 15 años?

“En 15 años han pasado muchas cosas, hemos atendido otras inquietudes como proyectos alternos que nos sirvieron para poder respirar y hacer cosas diferentes. La amistad sigue intacta, esa no cambia ni acaba, sólo se trata de crecer y aprender que hay otras cosas, otras personas”.

Flip Tamez (guitarra): 

“Tuvimos la suerte de contar con el apoyo de gente de  Nuevo León, Guadalajara y del D.F. Son amigos y algunos que no conocíamos".

IR!: ¿Cómo nació la idea?

FT: “Se le ocurrió a uno de nuestros managers, empezaron como un par de bonus tracks, y fue creciendo solo. Se hizo por el mero gusto”.

IR!: ¿Qué es lo mejor de ser músico independiente?

FT: “Aún cuando estuvimos en una transnacional siempre hicimos lo que quisimos, mucha gente pensó que con Teleparque y Gran Panorámico éramos más libres, pero en realidad siempre lo fuimos. Hemos tenido momentos de mucha popularidad, algunas veces de más de nicho de mercado, donde gustamos a gente más clavada. Hemos estado arriba, abajo y en todos lados, y lo mejor de estos 15 años es que pudimos hacer de la música un oficio, una forma de vida y nos encanta que la gente nos siga escuchando y esto nos hace soñar con ser una banda longeva”.

IR!: ¿Qué vamos a poder ver y escuchar el 25 en el Plaza Condesa?, ¿Sigue el experimento sonoro denominado tocadiscos?.

FT: “La mecánica es muy similar. A diferencia de lo ocurrido con Fobia que tenía bandas invitadas y que tuvimos la suerte de haber participado con Amor Chiquito, acá vamos a tocar el Restaurant de principio a fin, solo ese disco”.

Charly Castro (Bajo):

IR!: ¿Qué onda con el toquín del 25 de octubre?

CR: “Esto nació por iniciativa de OCESA Seitrack, si bien lo ocurrido con Fobia gustó mucho, la verdad es que la fecha ya estaba amarrada desde hace mucho antes. Para nosotros es como un cumpleaños, va quien te quiere y le interesa y la idea es festejar las canciones; regresa Eddy González (tecladista) ya está confirmado y Enrique González, que ahora es baterista de Los Lobos; la tiene más complicada pero la idea es trabajar con dos baterías, tanto con Beto y Quique”.

“En realidad para nosotros no es algo nuevo, esto se ha hecho en todo el mundo desde hace mucho y nosotros encantados de la vida de poder compartir con la gente lo primero que hicimos, estamos muy emocionados”.

Como primera impresión podemos adelantar que destacan las interpretaciones de Niña (también regios), lo mismo con los chamacos de Comisario Pantera que rifan, la de Los Rebel Cats con su sonido característico de rockabilly, así como Movus y Disidente, pues lograron comprender el concepto de las rolas asignadas, las desbarataron y manufacturaron propuestas interesantes con sonidos fieles a cada uno de sus estilos.

Colaboraciones track por track:

  • "Monotransistor" / Bicolor Fabrics
  • "Dulceácido" / Niña
  • "Aquí" / Comisario Pantera
  • "Fotografía" / Los Claxons
  • "Nova" / Los Rebel Cats
  • "Supercatriz" / Mexican Dubwiser y Pato Machete
  • "Siento que" / Siddharta
  • "Dilata" / Rodrigo
  • "Desde que nací" / Disco Ruido
  • "Explosión" / Movus
  • "Automático" / Disidente
  • "Alineados para siempre" / Renoh
  • "Tú me ves" / Andrea Balency
  • "Siempre en Domingo" / Ventilader

Niña sigue siendo Cool y Fresca

Posted on octubre 1, 2012 by -

Fue en la primavera de 1996 cuando surgió, Niña, una de las bandas más importantes de la escena musical regiomontana, y en la cual han participado alrededor de más de 40 músicos distintos. Durante esa época, Monterrey, fue la cuna de un movimiento musical conocido como la “avanzada regia”, que sí bien no ha vuelto ser un boom como lo fue en ese tiempo, actualmente, en cierta medida, se sigue repitiendo con las bandas de rock emergentes de la parte Norte de la República Mexicana.

“Somos amigos de un círculo más grande donde estamos compartiendo músicos y proyectos… somos un chorro, como 40 o 50 personas porque son los Jumbo, Plastilina Mosh, Control Machete, Zurdok, El Gran Silencio, Volován, entonces todos ellos tienen amigos músicos y se hacen conexiones”, dijo Alejandro Isassi, mejor conocido como ‘ChaJoe’ (voz y guitarra) en entrevista para Indie Rocks!

Con el paso del tiempo, Niña fue cambiando de integrantes, pero desde el inicio siempre supieron como querían sonar. Uno de los momentos más frescos para la banda fue cuando entraron Enrique Camacho (batería) y Alán Robles (guitarra): “Vinieron a darle un edge al sonido de la banda, pero tampoco vinieron en el plan de completamente revolucionar el sonido, sino que lo complementaron; es como cuando estas en una relación, no es para que cambies radicalmente, sino para que te complementes”, nos comentó Eugenio Royale (voz y sintetizador).

Aunque ya no han cambiado de integrantes, sí lo han hecho con la forma de escuchar y dar a conocer su música, pues su segundo EP, Cool como Fresco o como Yo?, lo lanzaron desde el 2011 con una serie de sencillos que funcionó para salir del esquema del LP: “Yo creo que nos estamos tratando de adaptar a la música en estos días… al menos para nosotros ya no existe el concepto de trabajar como era antes, de sacar un disco y hacerle una gira, porque si la principal fuente de ingresos es el disco, y eso, es justamente lo que no se está vendiendo, necesitamos cambiar los planes…También tiene que ver por el hecho de que trabajamos en una escuela donde damos clases a chavitos (School of Rock) y cuando les intentábamos regalar discos, no sabían que hacer con ellos", nos explicó ChaJoe.

A pesar de la ansiedad y frustración de algunos de sus seguidores por obtener el disco, Gino Marchetti (bajo) y Chajoe, también nos explicaron que les ayudaron con la creación de la portada del EP, pues mandaron las fotografías más cool y frescas que ellos mismos podían subir en su página oficial: “Un día cerramos la fecha y dijimos que ya no se podía más, pero lo página sigue abierta para que sigan subiendo fotos, porque es el concepto de que el arte se queda suspendido en una página… hay unas que se repiten porque estas amenizaban como estábamos vestidos nosotros, entonces la bronca fue combinarlo con una foto de nosotros y eso fue lo que estuvo interesante”.

“Cuando terminemos de hacer los tres EP’s, va a venir una cajita con toda la historia de todo lo que hicimos, y más adelante nos gustaría poner la historia de la banda porque si hemos tenido bastantes integrantes… Va a ser sobre lo que hacíamos después de los conciertos, que obvio nos vamos a quemar bien gacho, pero pues así es como funciona”, nos dijo entre risas ChaJoe.

Estos elementos y la fotografía que hace referencia al blog de Awkward Family  - que hicieron en un estudio como cualquier otro - nos demuestran que siguen siendo una banda independiente: “Ese tipo de detalles, es el tipo de credibilidad que es algo muy valioso de Niña, el mantenerte auténtico”, nos explicó Eugenio.

A pesar de que en las pláticas que ha tenido ChaJoe con otras agrupaciones y que los ven como “la banda de viejitos rockeros”, el trato directo que tienen con sus seguidores, las letras irónicas de las canciones; pero sobretodo el hecho de que es una agrupación que no vive al 100% de la música (pues todos los integrantes tienen trabajos distintos) hacen que Niña, siga siendo honesta y siga marcando la pauta para que surjan nuevas agrupaciones que revolucionen con sonidos nuevos.

Dreamers en el Tonalá

Posted on octubre 1, 2012 by -

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Pocos fuimos los que pudimos apreciar el sábado por la noche una presentación única en la que el dúo californiano formado por Megan Gold y Robbie Williamson, sacudieron algunas mentes descafeinadas y algo contaminadas de tanto pop citadino. Con un sonido estridente, lleno de fuerza e inexplicable como si tuviéramos un pie en el pasado y otro en el futuro, así es la música de Dreamers quienes cimbraron el foro del Cine Tonalá, estrenando su placa homónima presentada por Discos Tormento.

Tratar de describir el sonido de Dreamers sería caer en el absurdo, por supuesto cuentan con un bagaje musical bastante amplio; son como un reflejo de lo mejor de varias épocas, Megan Gold es una voz necesaria para ésta era, olvidemos ese sonidito agudo y plano tan de moda en la escena nacional, ella no se anda con rodeos, su voz es fuerte y virtuosa, como tener un poco de Siouxsie Sioux, Annie Lennox y Perry Farell (en un afán de aproximarlos).

Abrieron con "Elephant Drawing", pieza con vocales explosivas, anárquica, como si estuviéramos bajo el efecto del speed (incluso si nunca han estado ahí); "G I A B O" fue la siguiente en explotar, una rola frenética de esas que absorben totalmente los sentidos, sumamente fuerte como si fuera tu última dosis, las vocales compulsivas no administraban lucidez alguna y sin embargo nadie quiso abandonar el trip.

"Able to Rule" nos transportó en el tiempo de una manera oscura, imaginen un base bélica algo sutil, mezclada con ritmos como el boogie, así con esos tonos upbeat pero sobrios y sombríos como si de una ironía se tratara; la siguiente fue "City of Hope" una pieza que merece respeto en su totalidad nos remonta hacia aquellos años gloriosos de Jane’s Addiction y de Nine Inch Nails, percibimos sonidos industriales bastante prudentes y bien colocados, nada fuera de lugar, ningún intento fallido sino todo lo contrario.

"Jewel Thief" una pieza con beats repetitivos en realidad no hay mucho que decir de ella, el público la sentía muy bien y se dejaba llevar por esas secuencias electrosas; llegó el turno de "I am The Monster", con la que retoman ese camino oscuro más no tedioso, en la que traen de regreso los sonidos añorados del new wave y del post punk de una manera muy natural, por supuesto sería muy injusto encasillarlos en medio de estos dos géneros solamente ó de cualquier otro pues éste dúo da un paso más allá.

Despidiéndose con "Appaloosa", nos hacen aterrizar con ritmos más livianos los cuales perfilan para convertirse en un verdadero clásico; siendo éste el último corte de su disco debut, lanzan un video que no se pueden perder. Para todos aquellos que se saben exigentes y se encuentran en constante búsqueda de sonidos prodigiosos, definitivamente Dreamers es algo a lo que deben prestar oído.

Austin TV ya está en México #buscandoalejercito

Posted on octubre 1, 2012 by -

Austin TV, ha regresado de su gira por España y, continuando la busqueda de su ejercito para celebrar sus 10 años, anunciaron una extensa gira titulada Buscando Al Ejército, con la cual visitarán distintos estados de la República Mexicana. Todo lo que suceda, será grabado para después editar un DVD.

La gira con más de 35 presentaciones, cerrará en el Pepsi Center WTC el mes diciembre.

Todos en Indie Rocks! les deseamos la mejor de las suertes en este camino que apenas inicia, donde sin duda, habrá más caballeros del albedrío por mucho tiempo buscando un satélite para poder decir "olvide decir adiós".

Aquí las fechas de las presentaciones por nuestro país:

Septiembre

28 – Puebla, Puebla.
29 – San Luis Potosí, San Luis Potosí

Octubre

4 – Querétaro, Querétaro
5 – Monterrey, Nuevo León
6 – Reynosa, Tamaulipas
7 – Nuevo Laredo, Tamaulipas
11 – Chihuahua, Chihuahua
12 – Cd. Juárez, Chihuahua
13 – Cd. Obregón, Sonora
17 – Colima, Colima
18 – Cd. Guzmán, Jalisco
19 – Mazatlán, Sinaloa
20 – Tepic, Nayarit
21 – Guadalajara, Jalisco
25 – Celaya, Guanajuato
26 – Morelia, Michoacán

 Noviembre

1 – Pachuca, Hidalgo
2 – Texcoco, Estado de México
3 – Toluca, Estado de México
4 – Rock & Road, D.F.
8 – Rockutla, Puebla
9 – Fresnillo, Zacatecas
10 – Morelia, Michoacán
15 – Campeche, Campeche
16 – Cuautitlán Izcalli, Estado de México
17 – Villahermosa, Tabasco
18 – Cancún, Quintana Roo
21 – Mérida, Yucatán
23 – San Cristobal de las Casas, Chiapas
24 – Tuxtla Gutiérrez, Chiapas
30 – Oaxaca, Oaxaca

Diciembre

6 y 7 – Acapulco, Guerrero
8 – Cuernavaca, Morelos
15 – Pepsi Center WTC, D.F.

Su última producción discográfica Los Caballeros del Albedrío, podrá ser adquirida en formato vinil a partir del 3 de diciembre.

Estén pendientes de las redes sociales de la banda para obtener más detalles sobre esta gira:

http://www.austintv.mx
http://www.facebook.com/austintvoriginal
https://twitter.com/austin_tv

HUÉSPEDES DEL ORBE, UN DISCO QUE REPITE UNA FÓRMULA YA PROBADA

Posted on septiembre 28, 2012 by -

Enjambre

Huéspedes Del Orbe

2012

EMI

Con base en un trabajo constante, y después de haber estado picando piedra durante algunos años dentro de la complicada escena del rock nacional, Enjambre ha logrado convertirse en un grupo reconocido, el cual, actualmente llena cualquier lugar en el que se presenta y cuenta con un gran número de fieles seguidores. Se podría decir que el punto más alto en la carrera de esta joven banda llegó con la salida de su disco anterior, Daltónico, que fue todo un éxito, tanto en ventas como con la mayoría de los medios especializados.

Se veía difícil igualar todo lo conseguido con Daltónico, pero, parece que Enjambre sí lo logrará -e incluso lo podría superar- con su nuevo álbum Huéspedes Del Orbe, del cual ya hemos podido escuchar su primer sencillo “Somos Ajenos”, un tema que marca el sonido del recién salido material, y que es el mismo a lo largo de los catorce tracks que lo componen.

Huéspedes Del Orbe abre con “Reflejo”, una canción que inicia con sonidos espaciales, para posteriormente darle paso a una marcada línea de bajo y a una veloz batería que nos anuncian que la música ha comenzado. Luego del primer tema, los demás suenan a lo mismo, salvo por cinco que logran sobresalir. “Viceversa” y “El Ordinario”, en los que se dan algunos cambios de ritmo, con respecto a las anteriores; “Del Orbe”, una breve pieza instrumental en la que los integrantes del grupo demuestran su calidad como músicos, pero que desgraciadamente dura poco tiempo;  “Alicia”, que es lo más rockero del disco con riffs de guitarra que recuerdan a “Ausencia De Cocina”, y “Egohisteria”, último track del álbum, en el que vuelven a aparecer los mismos sonidos espaciales del primer tema, regresando al principio y cerrando un círculo de manera idónea.

El cuarto material de estudio de Enjambre conserva el sonido rock-pop dramático y melancólico ya característico de la banda, que tan buenos resultados les ha dado hasta ahora, sólo que está más pulido y ha sido mejorado. Huéspedes Del Orbe no ofrece algo nuevo, tampoco se nota que se haya querido arriesgar a la hora de grabarlo, sólo se repite una fórmula ya probada, y es casi seguro que esto funcionará como ya lo ha hecho en el pasado. En general, se trata de un buen disco que será el deleite de los fans de la banda, la cual sigue y seguirá cosechando más éxitos.

Grizzly Bear: una promesa ininterrumpida

Posted on septiembre 28, 2012 by -

Grizzly Bear

Shields

Warp

2012

Este año ha sido distinguido por el regreso de la clase 2009 de Brooklyn, marcada por su glorificación a la psicodelia. Animal Collective y Dirty Projectors han vuelto en 2012, ambos con distintos desenlaces. En un escenario similar, llega Grizzly Bear, con su anticipado Shields.

La sensibilidad pop del cuarteto se ha identificado por pasar etapas, pero siempre con la misma melancólica sintonía. Si bien Horn of Plenty, la distorsionada y meditabunda visión freak-folk del 2004, fue un trabajo solista de Ed Droste - quien ahora comparte funciones de vocalista y composición con Daniel Rossen -, su secuela Yellow House, sentó las bases para la personalidad de la banda. Un influyente exponente del psych-folk moderno donde convivieron ambientes fantasmagóricos y arreglos orquestales por igual. Veckatimest significó su alteración sonora, pues aunque manteniendo sus facultades principales, se adentró en el indie rock más convencional: incrementó el uso de la distorsión en las guitarras, y se degradó la importancia de la orquestación, dándole un lugar como acompañamiento. De igual manera, éste funcionó como parteaguas a un público mucho más extenso, movimiento encabezado por su sencillo estrella, “Two Weeks”.

La producción a cargo de Chris Taylor, bajista de la banda, toma un papel estelar aquí, y proporciona calidad cristalina. Consciente del aumento de público, no se avergüenza de pulir en toda su superficie el LP, y promueve un aspecto más accesible y manteniendo el ambiente orgánico que distingue al proyecto.

Shields parece dividido en tres actos. Al inicio, un deslumbre de adrenalina y urgencia emocional por respuestas. Aprovechan el estado de desconcertación para propinar los 15 minutos más crudos y directos de la discografía de Grizzly Bear, entre ellos dos tracks ya lanzados como sencillos. "Sleeping Ute" escurre un blues diluido en una masa de guitarreos agresivos, identificable por la exageración en la voz de Droste, y “Yet Again”, una oda a la incomprensión amorosa, inundada de la obsesión de Droste por Fleetwood Mac y otros actos de rock clásico de los setentas.

En el segundo, retoman su fama de amantes de la repetición como formato de expresión. No es raro que hagan hincapié una y otra vez en algo si lo creen redituable a futuro, que es común desemboque en la culminación del crecimiento o una recompensa similar, una que permita sentir progresión. “A Simple Answer” luce como un corte rechazado de Arcade Fire: una letra predicante de la nostalgia y arrepentimientos de la juventud, con todo y Rossen en su mejor impresión de Win Butler, que termina por hundirse en su intrascendencia.

En lo que pareciera una disculpa a su falta de sustancia, la banda proporciona un intenso y dramático desenlace, donde no se miden consecuencias. Coros atronadores, puentes emocionales de piano, orquestas disonantes, percusiones explosivas. “Sun In Your Eyes” es una mini-ópera pop por sí sola, atragantándose con su propia sobredosis de emociones mientras se despide, “so bright, so long, I’m never coming back”.

La consistencia de sus extremos es contrastante, comparada con los momentos anti climáticos vividos en el resto del material. Grizzly Bear intenta demasiado ser grandioso, y en forma parcial, ese es un problema. Muchas veces lo visible no es el resultado, sino el esfuerzo exagerado por lograrlo, uno que altera los momentos, tanto, que a final de cuentas no los deja bien parados. El exceso de confianza se muestra denso, y su urgencia por dar una declaración final que resuma su existencia, es la misma que los detiene. Nos encontramos ante una promesa interrumpida, una que se tendrá que aceptar por lo que es.

Hello Seahorse, una banda que conserva su olor a indie

Posted on septiembre 28, 2012 by -

Hace meses, Denise, la voz de Hello Seahorse!, emprendió una búsqueda: “quería un olor que me remitiera a una experiencia que no quería olvidar. Me pareció que tener un olor era una forma de poder recordar eso y volver a ese espacio”, dijo. Entonces, encontró el aroma que buscaba, un perfume artesanal de nombre Arunima. Pasó el tiempo, y mientras componía, recordó aquella palabra en sánscrito: “me parecía muy bonito ponérselo a una de las canciones”. La palabra despertó el interés de sus compañeros, que al enterarse de su significado (el resplandor del amanecer) decidieron nombrar así su quinto disco.

Tras dos años sin lanzar material, Arunima marca el regreso del grupo: “ dijimos: ya es hora de hacer un disco nuevo. Lejos. No tan lejos salió en el 2010, ya llevábamos un rato de no estar componiendo. Nosotros componemos para el disco, no somos de esas bandas que se la pasan sacando rolas todo el tiempo (...) Estuvimos primero aquí en el DF , luego montamos un estudio en una casa de Palm Springs y  finalmente nos fuimos a terminarlo a  Sonic Ranch”, dijo Bonnz.

Para HS!, Arunima significa un camino nuevo,  uno que mezcla su eterna melancolía con una energía más dinámica.

Sobre sus letras un tanto depresivas, Denise comenta: “Hacer canciones es mi terapia, prefiero las que yo compongo porque es un acercamiento más fácil cantar algo que tú viviste y que puedes proyectar (…) en este disco hay soledad, hay amor. No todo es oscuro, aunque creo que nunca vamos a perder esa nostalgia, es nuestra esencia. Pero en este disco hay una gama más extensa de colores”.

Este cambio de energía no es coincidencia, es más bien, la consecuencia de su paso por festivales como el Vive Latino y Coachella: “Este ambiente se te va quedando, te das cuenta de que lo que quieres es bailar”, dijo Bonnz, quien además de ser miembro del grupo es Dj: “Mi faceta de Dj ha influido, pues te das cuenta del tiempo de las rolas, 130 es el beat que pone a bailar a la gente. Cuando estábamos componiendo pensaba: ¡130, 130!”. Y  es que la banda lo tenía claro,  querían canciones que fueran divertidas en vivo: “Cuando tienes una canción prendida haces vibrar más al público”, mencionó Denise.

Para lograr su cometido, contaron con un nuevo aliado: Camilo Froideval, productor del disco: “Nos entendimos muy bien con Milo, supo cómo llevarnos por el camino que queríamos, además de mostrarnos otras alternativas. Ha trabajado con muchas bandas de rock y entiende perfectamente la dinámica de qué ocurre cuando una banda está en el escenario”, contó Denise.

Otra de las aportaciones de Camilo fue el arduo trabajo de pre-producción: “Trabajamos las maquetas hasta encontrar todas las formas posibles (…) yo en lo particular llegué al estudio con una noción de lo que iba a hacer con mi voz en cada canción”, dijo Denise.

Ahora, la banda se prepara para ir de gira con Café Tacvba en el Rockampeonato: “Iremos a Hermosillo, nos emociona porque nunca hemos ido, queremos seguir llegando a lugares nuevos”, dijo Joe. A los concursantes Denise  les recomienda: “Trabajo y constancia. Defender tu bandera, porque si tú no lo haces nadie más lo hará”.

Pasar tanto tiempo juntos puede sonar cansado pero los miembros de la banda se consideran familia: “Hay una intimidad muy presente, sabemos cómo es cada persona y respetamos los espacios de cada uno. La pasamos muy bien toureando, por eso te mantienes aquí”, dijo Denise.  Y es que  los de Hello Seahorse! son  unos junkies del escenario: “Esto es una droga, entonces cuando no la tienes, te das de topes. De  finales de diciembre y todo enero, como no hay tantos eventos, los músicos la sufrimos cabrón, porque es una temporada donde no hay mucho trabajo (…) y dices: chale, extraño estar tocando", narró Denise.

La temporada baja se acerca, pero HS! encuentra en qué mantenerse ocupados y por ahora les interesa el mundo audiovisual: “Es una de nuestras ideas para este nuevo inicio, ver la forma de poder entrarle a la imagen”. Ya el tiempo dirá.

Hello Seahorse! recomienda:

Denise: Grizzly Bear, Helado Negro y The xx.

Joe: St. Vincent, David Byrne, Talking Heads.

Fernando: Pink Floyd y French Kicks.

Demdike Stare, los beats esotéricos y oscuros

Posted on septiembre 26, 2012 by -

Dos personajes con inquietudes similares pero diferentes escuelas musicales unieron sus habilidades para darle vida a uno de los proyectos de la música experimental y electrónica más definidos y mejores logrados de los últimos años, Demdike  Stare suena a un poco de techno, dubstep, jazz, dando como resultado música que construye paisajes oscuros, tétricos y sexuales, ideales para una película de terror o para crear atmósferas llenas de sombras y decadencia.

Demdike Stare  es un proyecto nacido en Manchester en el 2009 y está formado por Sean Canty y Miles Whittake, dos personajes ya conocidos en la escena por otros proyectos: Miles quien se presentaba bajo el seudónimo de MLZ  y era parte de Pendle Coven, y Sean quien por su parte trabajó en el sello Finders Keepers.

La tarjeta de presentación de esta pareja  fue Simbiosis, un disco que ya dejaba ver una clara personalidad del proyecto. De ahí en adelante sus trabajos han ido evolucionando y cada vez han ido mejorando, Forest Of Evil, Elemental (entre otros) lo demuestran. La mayoría de sus trabajos están vinculados al sello Modern Love al que Demdike Stare los consideran sus mejores aliados por darles la libertad de hacer y deshacer lo que quieran en su trabajo.

Miles ha declarado que para que este proyecto suene así, mucho se debe a que los dos son coleccionistas obsesivos de vinilos, definiendo a Demdike Stare como los registros de los discos que han comprado.  Y a pesar de que esta dupla lleva poco tiempo ha logrado ganarse un espacio y se han presentado en festivales como el Latitude o el famoso All Tomorrow's Parties.

Es tal vez  el proyecto más interesante que el MUTEK.MX trae a nuestro país y es la oportunidad de disfrutarlos.

Amanda Palmer y el teatro malvado (de la música)

Posted on septiembre 26, 2012 by -

Amanda Palmer and The Grand Theft Orchestra

Theatre Is Evil 

8 Ft. Records

2012

Siempre me he preguntado si la economía de la industria musical del llamado primer mundo es tan generosa que permite a los artistas que no son superestrellas llevar una vida decorosa cuando no están en gira o en promoción. ¿De verdad se gana lo suficiente como para sobrevivir durante las vacas flacas? No circula tanta información sobre lo que tienen que hacer los músicos para mantenerse cuando su oficio no aporta el dinero suficiente (España es una excepción; ventila muchos de los casos y se sabe que los artistas deben de laborar en actividades variopintas).

Ahora resulta que alguien como Amanda Palmer, con una larga carrera en el proyecto de cabaret punk llamado Dresden Dolls y luego en solitario, se metió en un auténtico lío después de vivir un rotundo caso de éxito en torno al llamado crowfounding. Ante la necesidad de recabar fondos para lo que sería Theatre Is Evil, su nuevo disco solista, sus fans le juntaron casi un millón 200 mil dólares a través de kickstarter.

Amanda dio cuentas de la manera en que repartió el dinero, los impuestos y demás gastos fijos. Al final se quedaría con sólo 100 mil libres. Pero más tarde solicitó a músicos actuar gratis para la presentación del álbum en Nueva York. Muchos se ofendieron y preguntaron: ¿Es que acaso no puede pagar honorarios a sus colegas (únicamente reclutaba a la sección de cuerdas)?.

El “sospechosismo” movió a ciertas investigaciones que más tarde plantearon la posibilidad de que hubiera aplicado en realidad unos 250 mil a pagar la hipoteca de su casa. La cantante dio marcha atrás y le pagó a todos los acompañantes. Reiteró que no había nada turbio, pero el daño ya estaba hecho. La polémica cayó sobre su trayectoria.

En lo personal, considero muy lógico que sí tenía una hipoteca urgente usará parte de ese dinero. ¿Qué artista puede trabajar a gusto ante la amenaza de perder su casa o ser desalojado? La cuestión es que lo hubiera hecho público  y con eso bastaba. Ahora el problema es que los dimes y diretes restan atención a una entrega notable por sí misma.

Palmer fue más allá del rollo fársico, oscuro y de folk siniestro de lo que hacía en Dresden Dolls y concibió un disco de rock de miras mucho más amplias. Theatre Is Evil me remonta a pasajes de Siouxsie and the Banshees y también a Anna Calvi. Es mucho más potente, las guitarras están más presentes y el manejo de voz es espléndido.

¿Un asunto mediático –válido o no- debe hacer mella en la apreciación de la obra? Quizá la autora se equivocó en ciertas decisiones, pero ello no está grabado en alguna de las 15 canciones que integran el trabajo. En mi caso, me enteré de los pleitos hasta mucho después de disfrutar en varias ocasiones del disco. Y les digo la verdad, el zipizape de redes sociales y diarios no me importó. Ni siquiera que un productor tan relevante como Steve Albini estuviera en contra de Amanda.

Un tema como “Smile (Pictures or It Didn't Happen)" me llevó a apreciar cierta influencia de Radiohead y My Bloody Valentine; “The Killing Type” se me hizo una experiencia plena de rock and roll al estilo PJ Harvey. ¿Se necesita más al momento de dejar correr un disco?

Como también la acusaron de apoyar a Neil Gaiman –su marido-, por sus nexos con la Cienciología, pues optó por tocar en la presentación del libro A Queer and Pleasent Danger de Kate Bornstein, en el que da cuenta de su amarga experiencia en la institución que tanto ama Tom Cruise. Así evidenció de cual lado está.

Amanda es una mujer sobrada de agallas. He allí esa paródica “Do It With a Rockstar”. Capacidad irónica no le falta y capacidad instrumental tampoco. Puede dejar explayarse a las guitarras, o volver a sus piezas de piano, como “Trout Heart Replica”. Además, aquellos que en el estudio integraron la Grand Theft Orchestra lucen a plenitud.

Su capacidad dramática, su sensibilidad compositiva y una voz que resuena como un cañón, la sitúan en un selecto círculo de artistas. Superior a Regina Spektor o a Florence, se encuentra en una etapa de plenitud creativa –como en la que anda Tori Amos-.  Su talento la saca a flote y no necesita probar nada más… ni siquiera a los fans que la han financiado.

ALIKA está prepARADA

Posted on septiembre 26, 2012 by -

Este viernes 28 de septiembre, Alika presentará de manera oficial su nuevo disco, Dub Your Self, en El Plaza Condesa frente a muchos de sus fans mexicanos; en un show en el que la cantante tendrá como invitados especiales a Bungalo Dub y Ziom Train.

Previo a su esperado concierto en El Plaza, Alika se tomó un tiempo para hablar con los medios acerca de lo que podremos ver ese día, su nuevo material y otros aspectos importantes de su carrera, así como de su manera de ver la vida.

Alika está sumamente emocionada por tocar una vez más en la Ciudad de México y esta vez en un foro más grande: “Este concierto tiene como objetivo principal presentar mi nuevo disco, Dub Your Self. Se tratará de un gran show que estará muy completo, ya tenemos varias cosas preparadas y habrá invitados sorpresa. Esa noche vamos a tocar bastantes canciones del nuevo disco y otras clásicas. Me gusta mucho estar en México, la experiencia de tocar acá siempre ha sido buena para mí”.

Otro factor importante por el que la cantante uruguaya está tan entusiasmada es que cada día crece el número de sus fans mexicanos, quienes le han demostrado su fidelidad en diferentes ocasiones: “La gente que se identifica con lo que dices te busca y te escucha. La respuesta de la gente en México ha sido muy buena, apenas se juntaron como mil personas en una firma de autógrafos en el Chopo y yo no me esperaba algo así, pero estoy feliz de que pase”.

En lo que se refiere a su nuevo álbum, Dub Your Self, Alika comentó: “Es un material compuesto por 17 tracks que son remixes de mis canciones. Experimentamos un poco con otros sonidos; dub, dubstep, jungle y drum & bass. Fue producido por Omar Dukas, 6 Blocc y Colonel Hattie, y cada uno le aportó algo distinto”. La respuesta del público a la salida de Dub Your Self ha sido bastante buena. Hasta ahora, esta placa sólo se ha vendido en algunos shows y en un par de semanas ya se podrá conseguir en diferentes tiendas.

Alika también aprovechó la ocasión para hablar de la escena musical independiente en México, a la cual ella ve muy bien, y de su colaboración hace un par de años con Mad Professor, a quien describió como un gran músico y de quien aprendió algunas cosas. La cantante dejó claro que seguirá haciendo música todo el tiempo que pueda, y que en cinco o diez años se ve a sí misma igual de satisfecha que ahora con su trabajo y feliz.