DE LA SELVA A LA CIUDAD

Posted on octubre 18, 2012 by -

Pasaba del medio día y los rayos del sol ya se filtraban por las ventanas de la Casa Indie Rocks! Podía sentirse una vibra increíble, mucho más de lo normal. Felipe Pérez, vocalista de la banda costarricense 424, y el productor británico, Phill Vinall, estaban de visita. Al llegar y ver a Phil vestido de traje gris con una actitud muy propia, creí que podría tratarse de un tipo muy reservado. Sin embargo, tal fue mi sorpresa al compartir un montón de carcajadas con él y el líder de la banda que promete grandes éxitos.

La historia de 424 se remonta al año 2008 en la ciudad de San Juan, Costa Rica. Cuenta Felipe que abandonó su país con la idea de que hacer música no valía la pena, y parte hacia un viaje de backpacker a Europa. Felipe no contaba con que a su regreso estaría esperándole una banda dispuesta a rockear y a perseguir el anhelado sueño. “Yo hago música más o menos desde los 15 años, pero llega un punto donde digo ‘no vale la pena gastar mi energía en hacer música’… me voy enojado con la música, con el país. Vuelvo a Costa Rica después de este viaje y digo: ‘nada más voy a hacer música porque yo lo necesito,  porque me hace feliz’ (típica línea cheesy). Empiezo a tocar yo solo guitarra acústica unos tres meses. Para abril del 2009, estoy en un concierto y llegan estos tres güeyes y me dicen: ‘Hey, queremos hacer una banda’. Me cayeron muy bien y yo les dije: 'sí, démosle'. Realmente no nos conocíamos, la banda nos juntó y ahora somos súper amigos, hermanos. Hubo cambio de alineación, y el bajista nuevo es un amigo de toda la vida”, compartió el músico.

Tras haber lanzado un EP con sencillos como “No quiero hablar”, y videos dirigidos por su amigo Neto Villalobos, para el 2011 la agrupación formada por Juan Carlos Pardo (batería), Eduardo Mena (guitarra), Leonardo Valverde (bajo) y Felipe Pérez (voz), decide que es tiempo de trabajar con uno de los mejores productores para la grabación de su primer LP titulado Oro. Durante una presentación en el Festival Imperial, Camilo Lara se les acercó y les dijo que compaginarían perfecto con Vinall. Es así que los chicos de 424 contactan al productor de bandas como Pulp, Radiohead, Placebo, y Zoé: “No habíamos hecho un disco nunca, no sabemos como es. Entonces, empezamos a ver opciones, empieza  este juego en el que uno comienza a tratar de adivinar cual será el mejor productor… y realmente no se puede saber. Aparece el nombre Phil Vinall, quien trabajó desde los 90’s con este montón de bandas importantísimas y ha estado haciendo cosas con bandas pequeñas en Latinoamérica, con bandas muy grandes como Zoé. Le escribimos un correo, creo que nos devolvió una línea como de ‘Hey claro pásenme música’. Le pasamos música y al parecer le gustó, según dice él (risas), y le contestamos: queremos ir a la selva. No vamos a grabar en estudio”, dijo Felipe.

La grabación de Oro se llevó a cabo en la Hacienda “La Amistad”,  de acuerdo a Felipe, en Costa Rica todos los chicos están acostumbrados a la mezcla de naturaleza y ciudad. “Todos crecimos yendo a la playa, al bosque, a la selva, a los volcanes. Está muy grabado en nosotros. Cuando decidimos grabar el disco dijimos salgámonos de San José y vámonos a la selva, a donde hay electricidad de una fuente hidroeléctrica infinita, limpia. Estábamos rodeados de hectáreas de selva libre. Es un disco muy melancólico pero mellow (meloso), el ambiente influyó muchísimo”, expresó el artista.

Felipe considera que hasta ahora lo que más ha marcado a 424 es el haber trabajado con Phil, ya que cambió su perspectiva de hacer música. Por su parte Phil dijo que siempre es un gusto trabajar con bandas hispanas ya que son menos complicadas que las europeas, especialmente las inglesas. Dice que al escuchar los temas de los costarricenses inmediatamente le llamó la atención su vibra. “Es la vibra en general. No me gusta trabajar con bandas anglosajonas. Es mucho más divertido trabajar con hispanos porque están abiertos a experimentar y dirigirse a nuevos lugares”, dijo el productor.

Tanto Phil como Felipe dicen haber vivido momentos inolvidables durante la grabación del álbum. Cuentan con un anecdotario que pueden visitar  y ver un poco de la chispa de estos hombres, que a pesar de venir de lugares completamente distintos, comparten algo en común: amor a lo que hacen y un entusiasmo incomparable.

La banda que Felipe describe como “el oro que compra mar y tierra en el amanecer” está preparándose para salir de Costa Rica y conquistar el mercado internacional. “Para mí lo que hacemos es oro, y este conjunto de canciones es como el oro que podemos hacer”, expresó el vocalista.

Estén pendientes de todas las actualizaciones de está enérgica agrupación, y esperemos que pronto nos visiten todos los integrantes para rockear al ritmo de su rock and roll silvestre.

Si quieres ver el anecdotario de cómo se grabó Oro entra aquí.

Dent May, entre el pop barroco y un universo kitsch

Posted on octubre 18, 2012 by -

Hay discos que se van colando entre nuestras preferencias suavemente –casi sin hacer ruido-. No poseen ese estruendo de una novedad que nos abruma, pero cuando va pasando el tiempo te das cuenta de que no lo has borrado del iPod.  Hay trabajos de un encanto discreto que van hallando el momento propicio para ser apreciados. Existe música que, poco a poco, te va conquistado.

Y es que este Do things (Paw Tracks, 2012) supone un cambió muy brusco, pues este músico dejó de lado el instrumento con el que se dio a conocer. A este nativo de Oxford, Mississippi, lo ubicamos por The Good Feeling Music Of Dent May & His Magnificent Ukulele, editado por Paw Tracks, la discográfica de Animal Collective, y en el que además de tocar las cuerdas de esta mini guitarra hawaiana se enfocaba en cantar a la usanza de los antiguos crooners. En la actualidad hay una estirpe de artistas que abrevan de allí: Jarvis Cocker, Richard Hawley, Mike Flowers, Jens Lekman y Jay Jay Johansson y algunos otros más.

Ha dejado el ukulele en el pasado y ahora se dedicó a un pop algo barroco y electrónico que no hace sino reconocer la inmensa influencia e importancia que tienen The Beach Boys en el panorama musical contemporáneo. Dent no cae en el low fi, pero sí recurre a una producción austera y a la autogestión; este hombre toca todos los instrumentos y aplica sus capacidades para rememorar también a figuras como Burt Bacharach, Van Dyke Parks o un Joe Crepúsculo que prescindiera del sentido del humor.

Sus candorosas melodías reposan sobre cajas de ritmo elementales pero efectivas (por allí andan efectitos electrónicos como decoración) y en las letras deja fluir sus puntos de vista acerca de la vida y el oficio del músico: “Cuando eras joven, ¿cómo soñabas que sería tu vida?, No esperes a que todo te llegue, tienes que levantarte y hacer lo que sabes”, afirma en “Rent Money”.

Es curioso y divertido que con influencias tan cursis como Electric Light Orchestra, Supertramp o Elton John consiga una vuelta de tuerca tan divertida y que suene actual, que también se reflejan en videos atascados de sentido del humor y en los que se burla de todo. Por ejemplo, “Don’t Wait Too Long” es su homenaje al soul setentero y a la música disco.

Para quien no entienda esta movida kitsch será difícil que asimile esta propuesta sobrecargada de merengue sonoro. ¿A quien más se le ocurriría cantar: “No quiero irme al sur de California. Yo no estoy hecho para Los Ángeles  y Nueva York tampoco es mi estilo”; en “Home Groan” confirma su convencimiento total en el modo de vida campirano.

Do things es un desplante más de un artista al que le gustan los smokings azul cielo y lucir como cuando Hugh Hefner o Larry Flint eran jóvenes. Aunque si escuchamos con atención “Parents” sabremos porque lo ficharon los Animal Collective; comparte estructuras y formas similares, pero aquí son prístinas y no vienen envueltas en la maraña eléctrica y crepitante de los de Baltimore.

Denle la oportunidad a Dent May y verán como es que un cantante de abolengo y elegancia entra en sus vidas para tratar de llenarlas de alegría, lujo y oropel.

Stephen Bernstein y la muchedumbre del sexo

Posted on octubre 16, 2012 by -

Stephen Bernstein, uno de los trompetistas de jazz más carismáticos y talentosos de las últimas décadas está de vuelta en México para formar parte del asombroso cartel del festival Alterna Jazz a llevarse a cabo en el Centro Cultural Roberto Cantoral en Coyoacán, y es de hacer resaltar que su presencia, al lado de su ensamble conocido como Sex Mob, es algo que cualquier persona, independientemente de ser entusiasta o no del jazz, no puede perderse. ”Nuestra presentación estará enfocada en la música de Nino Rota de las películas de Fellini, música de James Bond, de Duke Ellington, uno que otro clásicos rock de Sex Mob… ¡ah, y algo de mariachi! Platica Steven, quién es famoso también por formar parte de la Millenial Territory Orchestra, The Lounge Lizards, y ser el único músico de jazz que ha grabado usando como elemento líder, la trompeta de varas.

Sex Mob forma parte de una escena en Nueva York conocida como la escena “Downtown” o la escena“Kniting Factory”, que son la zona y el club que frecuentan estos músicos. La escena se compone de un vasto y ecléctico revoltijo de estilos y géneros: free jazz, electrónica, punk, fusión, avant-gard, y pop: “Aun estoy creciendo y aprendiendo, una generación en la música se marca ciertamente después de que a muchos de nosotros se nos graba, se escribe y salimos de gira… ¿soy uno de los viejos ahora? ¡Yo me siento joven!”. Trabajando con nombres desde John Zorn y Aretha Franklin hasta Lou Reed y Sting, el nombre de Steve se ha forjado como uno de los más talentosos y versátiles, lanzando siete discos con Sex Mob desde 1998, incluyendo en ellos covers de Paul McCartney, Nirvana, Grateful Dead, y Sly & The Family Stone… pero claro, en versiones deconstruidas cargadas de complejidad estructural de años de escuela jazzística, no esos discos gachos que venden en las tiendas de “versiones lounge de Radiohead”. “Tomo total y absoluta responsabilidad que mis álbumes de covers, o el de temas de James Bond en especial,  hayan generado interés en la gente no adepta al jazz, hay que mantener la música relevante y esa siempre ha sido mi intención”.

"La era digital en el jazz es un cambio tecnológico y generacional en la sociedad, todo está (supuestamente) a un clic de distancia, así que la relación de la gente con el género también ha cambiado”, explica Steven, de cómo los consumidores de jazz no son tan distintos a los consumidores de otro genero, incluyendo sus compromisos con la compra física de discos. Este trompetista, cuya alineación como Sex Mob incluirá a Briggan Krauss en el saxofón,  Tony Scherr en el bajo, y Kenny Wollesen (todos igual de talentosos, pero no tan desastrosos como Stephen), platica sobre el contenido predilecto de su música: “El jazz y el arte en general tienen una relación muy cercana con el humor y el sexo, es de lo que más trata nuestra musica… pero también hay política, lo malo es que es muy peligroso hablar de eso ¡así que preferimos las risas y el coito! Aunque, como residente de Nueva York, debo de decir que Ocuppy Wall Street que está por cumplir un año, es un movimiento mundial muy importante. Creo que ha sacado a relucir situaciones que la gente ignoraba, el dialogo ya ha cambiado” .

Para terminar, Stephen, quien toda su vida ha sido fanático de Duke Ellington, regala dos recomendaciones sobre como actualizarse o cómo llegar de manera fresca al jazz contemporáneo: “Si Duke Ellington regresara de la tumba, lo llevaría a ver  a Anthony Braxton o a John Zorn ¡Si!”

SBTRKT EN EL PLAZA CONDESA

Posted on octubre 15, 2012 by -

{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}

Previo a los festejos del Corona Capital, el fin de semana inició con un concierto multitudinario. No estoy muy seguro de si me agrada un lugar abarrotado cuando se trata de presentaciones como la que tuvo SBTRKT, ya que el espacio para bailar es muy reducido. A pesar de ese pequeño contratiempo, todos nos la pudimos arreglar para mover el cuerpo apropiadamente en una noche que se convirtió en una verdadera fiesta.

Tras un set bastante decente por parte de Ezekiel, el escenario comenzó a prepararse para la entrada de Aaron Jerome y Sampha Sisay. La filosofía del anonimato de SBTRKT, “no es necesario mostrar mi rostro ya que mi música hablará por mí”, fue confirmada no sólo por su máscara sino por un concepto visual bastante agradable, en donde el escenario estuvo iluminado por luces tenues.

Los shows de música electrónica, ya sean dj-set’s o live acts, suelen darse por sentados ya que el principal objetivo es bailar, pero en este caso podemos decir que SBTRKT ofreció un concierto completamente en vivo en el sentido más tradicional del concepto, ya que su presencia no estuvo atada detrás de las consolas, hubo una buena convivencia con los espectadores y las versiones de sus melodías adquirieron una fuerza diferente. Los británicos interpretaron lo mejor de su producción, como “Wildfire”, “Ready Set Loop” y “Hold On”.

Las opiniones entre el público estuvieron divididas. Algunos llegaron a declarar que el audio no fue el mejor, pero la fiesta que se presenció no apareció de la nada, ¿cierto?

Corona Capital, día 2

Posted on octubre 15, 2012 by -

{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}

Siempre es bueno romper, aunque sea un poco, con las tradiciones. Está establecido que el domingo es un día familiar, o bien, que es un día para quedarse en casa a mirar películas dobladas en la televisión. Para quienes consideran al último día de la semana como el más triste y asistieron al Corona Capital, seguro su semblante cambió: no fue un domingo cualquiera.

En esta emisión, el festival constituyó una prueba de resistencia para la juventud. Tras una magnífica pero extenuante primera jornada, se tenía que volver a acudir al Autódromo para un cierre memorable. El festival todavía se encontraba protegido por un clima benigno, y nada mejor para iniciar que algo ligero que al mismo tiempo sea fino.

No es mentira que el pop chileno ha dado las mejores propuestas de la música actual en español. Los chilenos han demostrado un buen gusto para componer piezas bailables y frescas, y ese poder reside, principalmente, en dos mujeres: Javiera Mena y Francisca Valenzuela, quien tuvo la cuarta presentación en el escenario Capital. Es un lugar común que cuando se habla de mujeres que se dedican a la música se les ponga el adjetivo “sexy”, pero en el caso de Francisca Valenzuela, sería inevitable decirlo. Con un pantalón rojo muy ceñido y una cabellera perfecta, deleitó a sus espectadores con canciones como “Buen soldado”, “Quiero verte más” y la despechada “Muérdete la lengua”, coreada tanto por chicos como por chicas. Fue un acto puntual, tanto en su inicio como en su despedida, e idóneo para cargarse de energía y adentrarse en el festival.

La reputación del Bizco Club es innegable. El escenario es un escaparate de las mejores propuestas electrónicas, aunque en el día 2 la densidad se hizo presente. Shabazz Palaces ofreció un show difícil, repleto de beats que alcanzaron el nivel de música concreta: un gusto para los puristas del hip hop. A continuación del dueto de Seatlle, se presentaba Araabmusik, el de los dedos rápidos, y lo que parecía iniciar como una fiesta terminó siendo un ataque epiléptico. Acompañado por un MC (¿o era su ingeniero de audio?, ¿qué hacía en el escenario ese hombre?), Abraham Orellana abrumó a su público con la velocidad que alcanzó con sus beats. Todas las reacciones fueron lógicas, tanto la del que bailó frenético como la de la chica que se desmayó un tanto alterada a un lado de mí.

Para curarse del calor y la rudeza del Araabmusik, era necesario apreciar la luz otoñar y salir a bailar con The Drums. Hace un par de años tuvieron su debut y su frescura y limpieza no decaen. El carisma de Jonathan Pierce, su buena disposición al público, todo se conjugó para que su acto fuera de los mejores en el escenario Capital. Hay muchas bandas a las que es evidente que les aburre tocar sus éxitos, pero The Drums se mostraron más que felices por hacerlo, ejecutando “What You Were”, “Money”, y cerrando con “Let’s Go Surfing”.

El dueto de canadienses Tegan and Sara, además de encarnar una fantasía porno (gemelas lesbianas), ofrecieron un concierto lleno de romanticismo y ternura, dedicando canciones a todos aquellos que stalkean al ex en Facebook, diciendo que se sentían en una cita amorosa con el público mexicano y tocando canciones como “Hell” y “Walking With A Ghost”.

Llegó el momento de descansar las piernas, recuperar el aliento y sufrir una mezcla de emoción y estrés. A partir de las 7:00 p.m. las opciones eran demasiadas, cada uno de los escenarios ofrecían algo excelente e imperdible. Encontré que en distintos puntos se llevaban a cabo verdaderas juntas en las que se determinaba a qué escenario dirigirse.

Una de las ventajas del Corona Capital es la oportunidad que se tiene de ver a los veteranos de la música vanguardista, hecho que siempre impondrá respeto, ya que el escenario es ocupado por personas que son algo más que carne y hueso. Si, estoy hablando de New Order, quienes salieron al Corona Light con una precisión que sólo los británicos tienen. “Lo disfrutarán tanto como nosotros”, dijo Bernard Summer para dar inicio a un recorrido de épocas en el que se revisitó a Joy Division con melodías como “Isolation” y se ejecutaron obras maestras como “Ceremony” y “Here To Stay”.

Por otro lado (el extremo opuesto de New Order), unas horas antes Florence Welch había dado una gran sorpresa colaborando con The Maccabees, para más tarde ofrecer junto a su banda The Machine uno de los conciertos más emocionantes del Corona. Florence + The Machine es música que conmociona, Welch logra abarcar los perímetros del escenario y la amplitud del público con himnos como “Shake It Out” y “Dog Days Are Over”.

La escuela o el trabajo: es tiempo de retirarse, hay que levantarse temprano. En el tránsito que la gente tomaba del Autodrómo a las puertas de salida era evidente el cansancio y la felicidad. La semana será iniciada con otra cara: hemos experimentado otra clase de domingo, dentro de un festival que es una fiesta, que es un pretexto para reunirte con amigos y amores y quedar enronquecido por la euforia de gritar ante tus artistas favoritos.

¡Hasta el próximo año!

CORONA CAPITAL, Día 1

Posted on octubre 15, 2012 by -

{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}

¡Arranca el Corona Capital! ¿Para qué especular sobre su calidad y consolidación, si ya es un hecho que es de los mejores eventos en México? En esta emisión, pudimos apreciar una mejor logística. Y además de ese elemento, que siempre es apreciable, se reunieron miles de personas con el propósito de celebrar la música en un ambiente desprovisto de densidad, un ambiente lleno de diversión y cerveza. No hay quien salga sin una buena experiencia del festival: algunos conocen nuevas bandas, algunos lloran de la emoción al poder ver a sus clásicos de la adolescencia. El primer día del Corona se desarrolló sin contratiempos climáticos.

Cuando el sol se hizo más presente muchos comenzaron a quitarse la ropa, aunque la calurosa tarde no les importó a las Dum Dum Girls, que salieron vestidas de negro. Así como los “Dum Dum Boys” de los que habla Iggy Pop, las californianas rebosan decadencia, glamour y mucha energía. Tocaron las melodías que más las emparentan con el punk, como “Jail La La”, y finalizaron con un espléndido cover de The Smiths, “There Is A Light That Never Goes Out”.

Estamos de acuerdo que el traslado del escenario Corona al Corona Light no era nada difícil, así que después de las Dum Dum Girls fue tiempo de escuchar algo nacional: Hello Seahorse! Tal vez sigan manteniendo el mismo estilo que los caracteriza desde hace algunos años, pero no por ello dejan de ser queridos, ya que lograron conglomerar a una buena cantidad de fans. Los Hello Seahorse! estrenaban nueva producción, “Arunima”, de la cual se pudieron escuchar en su tocada dos cortes, “No es que no te quiera” y “Para mi”.

Antes de buscar víveres y descansar un poco, fue necesario bailar. Pero, sucede que los que escucharon a Die Antwoord en el Bizco Club (un aplauso a 8106 por su curaduría) no bailaron como siempre suelen hacerlo, ya que el trío logró levantar la verdadera locura. Muy pocas veces he visto que algún músico o una banda siempre la euforia auténtica entre los espectadores. Era muy fácil identificar a quienes no los habían escuchado antes. Por la falta de cejas de Yo- Landi y el gasparín erecto que pusieron en el escenario sólo puede orillar a una pregunta: “¿qué rayos estoy viendo?”. Die Antwoord son vulgares, son excesivos, su apariencia es completamente perturbadora. La gente rapeó al ritmo de “Fatty Boom”, “Rich Bitch” y “Zef Side”. Die Antwoord demostraron que el glamour no es necesario para crear música electrónica propositiva, aunque en su caso el término tendría que ser “extrañísima”.

El show de The Walkmen bien hubiera podido contrarrestar el trash de Die Antwoord, pero fallas técnicas de sonido le restaron fuerza a su tocada, puesto que muchos, al ver el defecto, se retiraron, perdiéndose el hilarante momento en el que en el que Hamilton Leithuaser le reclamó al ingeniero de audio, apoyado por el público que comenzó a hacerle la señal apodada como “the finger” al encargado en cabina. Hamilton Leithuaser después se reconcilió con el ingeniero una vez que su micrófono fue reestablecido. “Well, this thing is working, everybody are friends, don’t worry”, dijo el vocalista.

En las piernas y en los pies comienza a aparecer un hormigueante dolor, sopla un agradable aire fresco y la mente demanda relajarse. La solución estuvo en la banda de Jakob Dylan, “The Wallflowers”, quienes salieron a recibir el ocaso con un country limpio y sentimental con el que muchos de los asistentes se acaramelaron con su novia(o) en turno. Para culminar la caída de la tarde y recargar en su totalidad la pila interna, Death in Vegas funcionó a la perfección. Empezaron un poco retrasado, pero el coraje que siempre nos da por esperar de más se disipó cuando Richard Fearless y Tim Holmes, acompañados por una gran banda que incluía batería, salieron para envolver a la gente con sus atmósferas sofisticadas, teniendo su momento más bailable con la canción “Hands Around My Throat”.

En el Corona Capital, la noche anuncia que los mejores actos están a punto de comenzar. Debido a la cercanía entre los escenarios (y que cada uno contaba con su propia cartelera) todos nos pudimos ubicar sin estrés.

La salida de Suede se efectuó pocos minutos de que The Kills finalizara su acto. Brett Anderson se encuentra muy entero, y la edad, lejos de anestesiarlo con solemnidad, vuelve a su presencia escénica mucho más lúcida, con toda su sexualidad y decadencia. Los fanáticos se conmovieron con “Animal Nitrate”, canción que rompería con todos los parámetros comerciales de Inglaterra. Con "The Beautiful Ones" hubo saltos unánimes por parte del público. El final de su concierto marcó un paralelismo con uno de los mejores actos del año pasado: Brett Anderson y Beth Gibbons, ambos británicos (y con un primer nombre muy semejante) se bajaron a saludar a la primera fila. Además de los conciertos, el público se pudo acercar a las publicaciones independientes nacionales, como la Semana de Frente, y por supuesto, Indie Rocks!

Calificación: una excelente primera jornada.

Las recetas del Primer Ministro del Funk para saborear el groove

Posted on octubre 12, 2012 by -

Como parte de su visita al D.F, los 3MF ofrecieron un gran concierto el pasado 4 de octubre en El Imperial. Indie Rocks! tuvo la oportunidad de contar con la grata presencia del líder de esta banda tapatía. Autonombrado como el Primer Ministro del Funk, el compositor, bajista y vocalista nos platicó el camino que ha seguido esta agrupación para convertirse en el banquete sonoro que es hoy en día.

Indie Rocks! : ¿Porqué  3MF, en sus inicios, fueron tres fundadores?

Ministro: “ Sólo hay un ministro del Funk, el número tres es simplemente una cuestión cabalística extraña. La visión, los temas, toda la dirección musical, todo está a cargo de mí. Y el grupo realmente es el ensamble que se presenta en vivo y el frontman soy yo, el primer Ministro”.

Indie Rocks! : ¿Me puedes contar un poco de tu formación musical?

Ministro: “3MF se vuelve un catalizador para juntar los estilos musicales que más me gustan teniendo como base el funk. Y el funk es muy promiscuo, se acuesta con todos los géneros musicales y es lo que lo hace divertido,  y el sonido que da como resultado es el nu- funk. Es algo que está diseñado para que te mueva el corazón y los pies, y que las melodías se te queden”.

Indie Rocks!: ¿Cuáles han sido algunas influencias importantes para tu música?

Ministro: “Cosas recientes que me inspiraron mucho para el último disco, NOW, fueron gente como Sebastian de Francia; Miami Horror o Bag Riders en Australia; Jupiter que es un dueto increíble; de Guadalajara, Future Feelings,  San Juan Project o Dan Solo que coprodujo el disco conmigo”.

IndieRocks!: ¿Por qué el nombre NOW para tu más reciente álbum? ¿A qué suena?

Ministro: “Es el resultado de nuestros tres discos anteriores porque refleja el pasado, el presente y una visión hacia el futuro del grupo, pero sobre todo es una foto de cómo es ahora y las influencias que yo traigo. Por eso es NOW, este momento. No dejar que el pasado determine el presente y obviamente no dejar que el presente se afecte por el futuro, estar muy en el momento”.

Indie Rocks!: ¿Qué te parece el público del D.F, es un público fácil o difícil?

Ministro: “Me gusta mucho tocar para la gente del D.F por que no tengo que dar cátedra de nada. Me encanta que es un público que si haces bien tu trabajo te va a responder. Hay esa recepción muy cálida y siempre nos ha ido muy bien aquí”.

Indie Rocks!: Recientemente tocaron en el Festival 212 RMX ¿Cómo les fue?

Ministro: “Increíble. Hay un Electronic Press Kit que acabamos de subir, donde me presento como El Primer Ministro y vienen imágenes de ese festival, muchísima gente, una producción muy buena. Y salimos a hacer lo que teníamos que hacer: conquistar”.

IndieRocks!: ¿Cuáles son sus próximas presentaciones?

Ministro: “Nuestro objetivo principal ahorita es el D.F. Vendremos para que nos vean en vivo. Para el siguiente año, los planes serán participar en los festivales principales y sí, planes obviamente de internacionalizarnos, por eso el disco viene en inglés y en español”.

Indie Rocks! : Por último, ¿el resto de 3MF, son músicos contratados  o son amigos tuyos y los invitaste, o cómo nació esa colaboración?

Ministro: “Son gente que ha estado en mi vida durante mucho tiempo y que participamos en los proyectos del uno y del otro. Es gente que está ahí por que tiene que estar ahí, por que son los mejores, pero afortunadamente además, hay una química muy fuerte, una amistad, un cariño, un entendimiento y una visión en común. Entonces más allá de cualquier arreglo que pudiéramos tener, sí es una relación de visión conjunta y están conmigo en esto hasta el final”.

Escocia hizo vibrar a Guadalajara

Posted on octubre 12, 2012 by -

{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}{{descripcion}}

Escocia hizo vibrar a Guadalajara con la visita de Franz Ferdinand al Teatro Estudio Cavaret con un lleno de 2 mil 500 personas aproximadamente,  tras casi más de dos años de su última visita.

Pasada las 21:00 horas, los integrantes de la banda mallorquina L.A., vestidos con chamarras de cuero y mostrando un poco de piel que lucían coloridos tatuajes, prendieron a la audiencia desde la primera canción, que con aplausos seguían el compás de las canciones llenas de riffs, y entre las luces de un escenario lleno de color, hacían mover el cuerpo entero. Realmente una gran banda que no deben perderse este fin de semana en el Corona Capital y seguro estarán dando de qué hablar en nuestro país pues han abarcado una gira de medios bastante amplia que les dio la oportunidad de sesiones en los medios nacionales.

En punto de las 22:00 horas, en un escenario adornado de bellos amplificadores que llevaban marcado el nombre de la banda, Alex Kapranos y compañía, entre gritos y aplausos de recibimiento, saludaban al público presente con una empatía encantadora pues, una vez más pudieron justificar que Guadalajara es una plaza leal y fiel seguidora de Franz Ferdinand. “The Dark of Matinée” hizo encender el ánimo de los presentes que comenzaron a brincar con la energía que venían reservando para esta ocasión.

“No You Girls” daba paso a lo que se concretaría como la noche en que literal, temblaba Guadalajara y créanme, se podía sentir el vibrar de gradas y piso sobre todo con su más conocido single, “Take Me Out”, coreado al unísono y no importó que lo hayan dejado para el final, los tapatíos esperaban ese momento a como diera lugar, había energía para explotar. Sin duda fue el momento en que se  confirmó que los escocéses no eran una moda pasajera y que con su nuevo material siguen marcando buenos momentos.

A lo largo de más de 10 temas, a Alex Kapranos y compañía les dio tiempo para presentar algunas de sus nuevas composiciones de un nuevo material que promete mucho y que vendrá a hacerle fuerte a su antecesor, “Tonight”.

Uno que otro fallo en el audio no pudo faltar pero a pesar de ello, resulta curioso como su potencia es insaciable, la ejecución de los instrumentos tan exacta; un líder que comparte el escenario con los demás integrantes de la banda, donde todos hacen una bomba de tiempo, eso es Franz Ferdinand: guitarras, pianos, coros y un aporreo de tambores.

Después de haber tomado el mando de la noche, un encore de tres canciones, Alex Kapranos y compañía finalizaron hasta que "This Fire", última canción de sus conciertos, de una manera frenética hizo mover a los asistentes. Un solo de batería ejecutado por toda la banda fue el momento de la noche, muy aparte de cuando tocaron “Take Me Out” que calificamos como el momento de euforia la cual fue incontenible no sólo en ese momento, sino en más de una hora de concierto

El 2006 fue el año para que la banda deleitara a sus seguidores, posteriormente el 2010 fue para agradar a nuevos escuchas y este 2012, sin duda fue la confirmación de que los escocéses no eran una moda pasajera y que con su nuevo material siguen marcando buenos momentos.

Franz Ferdinand ya comenzó a trabajar en su siguiente producción además de que iniciaron una serie de presentaciones en los festivales más importantes como el Primavera Sound, Berlin Festival, Lollapalooza, Summer Sonic y el esperado por nosotros, el Corona Capital 2012.

La Elegancia Tropical de Bomba Estéreo se avecina

Posted on octubre 11, 2012 by -

Después de haber tenido una exitosa gira por América Latina y Estados Unidos, Bomba Estéreo se encuentra listo para regresar a los escenarios con su tercera producción discográfica, Elegancia Tropical. Desde sus inicios, las presentaciones en vivo de Simón, Liliana, Kike y Julián se han caracterizado por tener una puesta en escena bastante fuerte, combinada con visuales y grandes escenarios, que han dado paso a una nueva etapa que la banda describe como: “Un regalo que es en sí, el resultado mismo de su esfuerzo”.

"El alma y el cuerpo" es el nombre del primer sencillo que se desprende de Elegancia Tropical, y está acompañado por dos videos (acústico y versión original) que dejan ver - en definitiva- que la esencia de Bomba Estéreo es un corazón que late gracias a la música. “Llegar a otros públicos y lograr presentaciones en vivo, con un nivel sonoro y estético similares o iguales a los que realizamos en Colombia, son primordialmente algunos de los objetivos de la banda en éste nuevo disco”, dijo Simón en la entrevista para Indie Rocks!.

“Es un disco arriesgado y con un sencillo diferente como por ejemplo: "Fuego”, dijo Lil para respaldar a su compañero. Cincuenta años en guerra y una escena que se revela ante un sistema acostumbrado a reprimir a su gente, es uno de los principales estímulos de Bomba Estéreo y de toda una nueva oleada de músicos colombianos que a paso veloz se han ido abriendo las puertas del éxito. La gratitud, el orgullo, la felicidad y la gozadera son valores que se encuentran encarnados en cada uno de los integrantes de Bomba Estéreo y , seguramente, una de las principales claves por las cuales estos chicos han crecido como grupo y seres individuales.

“Música de contenido y no sólo fiesta” es como describió Simón la propuesta de éste nuevo disco y en sí, la de todos los demás álbumes de la agrupación. Bomba Estéreo no busca encasillarse dentro de un género en específico. La participación de Buraka Son Systema y del hip hopero brasileño Bnegão, demuestran que un buen trabajo en equipo da como resultado lo que el nombre del disco describe propiamente como una: Elegancia Tropical.

Una excelente producción musical y una tremenda evolución espiritual en las letras de la canciones, por parte de Lil, acompañan las enérgicas y melancólicas melodías que van dejando con ganas de más al escucha. El nuevo y altamente recomendable disco de Bomba Estéreo, Elegancia Tropical, será lazando en nuestro país por el sello Terrícolas Imbéciles, a partir del 25 de octubre (fecha aproximada). Y la gira para llevar a cabo la promoción del disco, iniciará el 27 de octubre en su natal Colombia y de ahí pa'l real. Se planea que para noviembre la banda regrese al D.F, así que no hay mejor forma de darles la bienvenida a estos colombianos, que escuchando su nuevo material ponena temblar el piso de nuestra bella ciudad con su música. ¡Pa’ arriba Bomba Estéreo!