Sonido Gallo Negro comparte “Pañuelo de Seda”

Una cumbia tropical distópica, urbana y psicodélica.

Sonido Gallo Negro —grupo mexicano que se caracteriza por recuperar las raíces de la música tropical psicodélica— ha estrenado “Pañuelo de Seda”, un track que combina elementos tradicionales de las cumbias con sonidos electrónicos y futuristas.

Con una visión chilanga y cotidiana, Sonido Gallo Negro transforma la versión de los años 60 del artista ecuatoriano, Polibio Mayorga, en una imagen fiel a nuestra realidad actual. “Pañuelo de Seda” inicia con voces estridentes que nos llevan a través de la música lisérgica.

En la Alameda Central de la CDMX se crea una amalgama vibrante de sonidos, musicalizando escenarios surrealistas donde cohabitarían la cumbia ecuatoriana rebajada al estilo sonidero, motonetas atravesando las avenidas con música urbana, compitiendo en intensidad con los gritos de la gente tratando de abordar el metro Hidalgo en hora pico", explicó la banda en Instagram y compartió el arte realizado por el artista visual, Dr. Alderete.

 

Después del éxito y buen recibimiento de la agrupación, están preparando una presentación el próximo 31 de agosto en Foro Puebla, en donde harán bailar sin cesar a todos los asistentes con sus cumbias psicodélicas. 

Reproduce “Pañuelo de Seda” que ya se encuentra en todas las plataformas de streaming

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Entrevista con Alex Anwandter

Una tormenta llamada Alex Anwandter.

Este domingo 25 de agosto movimos nuestros cuerpos sin control con canciones como “Gaucho”, “Perdido” o “Tu Nueva Obsesión” y cantamos alocadamente canciones como: “Tienes una idea muy antigua del amor”, “El diablo en el cuerpo” o “Dime Precioso”, pero hoy vamos a leer un poco de lo que tiene en su mente el grande y talentoso Alex Anwandter.

Apenas, en 2023, Alex lanzó El Diablo en el Cuerpo, un gran disco con grandes invitados, Buscabulla, Javiera Mena, Julieta Venegas y Christina Rosenvinge, pero no tardó nada en estrenar nueve rolas nuevas bajo el nombre, Dime Precioso.

Lo hice porque tenía las canciones y básicamente me dio flojera esperar dos años en sacar música nueva, solo porque es como lo normal en la industria, me quise un poco revelar”.

Alex es una persona muy honesta, muy buena onda, muy bella y muy creativa además… “Todo el tiempo estoy haciendo cosas, ahora mismo tendré unas 20 canciones nuevas en diferentes grados de terminación”, pero jura que se portará bien y esperará un tiempo para publicarlas.

Es que dentro del ambiente creativo también puede hacer un poco de daño no sacar lo que tienes en tu interior. A veces, sacar las cosas te ayudan a darle paso a otras nuevas.

Yo no ando haciendo TikToks de mis shows o de mis grabaciones, pero lo compenso haciendo más de otras cosas como sacar música”.

Es bien loco ser artista en estos días y tener que generar contenido en redes sociales para mantenerte presente, lo cual no es bueno, ni malo, solo es, pero es real que no hacer ese trabajo extra es un alivio y da más libertad para la creación musical.

Música muy pegajosa, canciones melancólicas, baile y denuncia social son cosas que caracterizan al cancionero de Alex Anwandter, pero también hay una dualidad en extremo realista en sus canciones.

El mundo es un lugar muy malo, pero la vida es una cosa muy, muy bella. Hay que navegar conjugando esas dos contradicciones. Sufrimos y gozamos y amamos, me gusta hablar de esas cosas que suceden, supongo que lo hago desde un lugar muy personal”.

Y se nota que las canciones de Alex son cada vez más personales y pareciera que están cada vez más coloridas y alejadas de lo que alguna vez hizo desde Teleradio Donoso

Sí estoy lejano a Teleradio Donoso, pero también hay cosas que me gustan y cosas que no. Te podría decir que es medio cíclico, hay canciones que encuentro terribles y otras que encuentro buenísimas”.

Una de las canciones que más odia en la vida de toda su carrera es “Cama de Clavos”, canción que le gritan con todas las fuerzas para que la toque, pero Alex se niega rotundamente en cada concierto.

Las canciones que dejo de disfrutar, no las toco más en vivo. Me gusta llevar contra, pero es importante ser sincero con el público, no estoy vendiendo pasta de dientes, en el escenario estoy entregando algo que de verdad siento”.

Y es que es real que los artistas no son un robot, que por más que parezcan productos también tienen sentimientos. 

Yo me conozco, si tocara solo lo que la gente quiere no estaría con la misma energía como cuando estoy haciendo lo que quiero, entonces el fin justifica los medios”.

Ahora ya saben cuál va a ser la respuesta de Alex si le piden esa precisa canción que nomás ya no ama para nada, pero cómo enojarse con él.

Trabajar como productor solo me ha beneficiado, por un lado aprendo un montón de los artistas. Trabajar con alguien como Julieta Venegas es para mí, no solo una oportunidad de carrera, es una oportunidad artística”.

Además de Julieta Venegas, Fother Muckers, Planeta No, Juliana Gattas y Francisco Victoria son algunos de los artistas con los que Alex ha trabajado como productor y la verdad no es por quedar bien, pero ha hecho muy buen trabajo produciéndose a si mismo y a otros artistas.

En esta ocasión vimos un show en vivo de Alex con banda completa, pero a veces se atreve a salir completamente solo, con su guitarra y pistas para complementar.

La energía que se produce cuando son varias personas haciendo música al mismo tiempo vs algo que sale de un computador no tiene comparación. Algo que me he propuesto desde hace mucho tiempo es no hacer shows yo con un micrófono y pistas atrás porque quedo como vacío de energía”.

Por eso mejor prefiere ganar menos dinero y pagar por una banda completa para que el público reciba más. “Es algo que también hago en mis discos, si bien tienen mucha música electrónica, también hay muchas personas tocando instrumentos, piano, batería, bronces, orquesta”.

Me encantaría hacer un show con un montón de músicos, tipo, aparte de mi banda, una orquesta de cuerda, una sección de bronce y un montón de invitados, tipo que aparezcan uno a uno los que han colaborado en mis discos”.

Ojalá un día se le haga hacer un show tipo Luis Miguel a nuestro querido Alex Anwandter.

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HERA HSBC 2024

Talento femenino hay de sobra.

En su primera edición, el festival Hera HSBC puso punto final a la discusión de si existe talento femenino suficiente para encabezar festivales de música y llegar a la paridad de género en estos eventos. Nombrado tras la diosa de la mitología griega y curado por artistas como Ximena Sariñana, este festival fue orientado a poner en el foco a artistas femeninas y “disidencias”.

Desde pop bailable, hasta metal se dio cita en el Autódromo Hermanos Rodríguez este sábado, además de juntar a varias generaciones y apelar tanto a los jóvenes como a la nostalgia, juntando a artistas como Demi Lovato y Evanescence en el mismo lugar.

El sol abrasador recibió a las primeras artistas del día. Para cuando Francisca Valenzuela tomó el escenario principal las nubes empezaron a augurar una tormenta. La chilena fue recibida con un público considerable y entusiasta desde temprano e interpretó con una mezcla de carisma y sensualidad temas como “Quiero Verte Más” y “La Fortaleza”, además de un dueto con Ximena Sariñana. La cantante se vio conmovida por el recibimiento y por una prenda que recibió de una fan para su bebé en camino.

Mientras en la carpa Nivea la artista Villano Antillano representaba al colectivo trans, Linda Perry llevaba la nostalgia al escenario Sedal, culminando con el himno noventero “What’s Up”, el cual la dio a conocer al mundo con 4 Non Blondes y cuya melodía fue coreada por todos los presentes. Cuando Ximena Sariñana tomó el escenario principal una nube negra se empezó a colocar sobre los asistentes. Interpretando canciones como “¿Qué tiene?”, “Sin ti no puede estar tan mal”, “Mediocre” y “Si tú te vas” (esta última a dueto sorpresa con Paty Cantú) la mexicana fue recibida con cariño.

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Para las 18:00 H Daniela Spalla subió al escenario Sedal se soltó un aguacero que tomó por sorpresa a los imprudentes que fueron en ropa primaveral. La lluvia no impidió a los asistentes disfrutar de temas dulces y melancólicos como “Estábamos tan bien” y “Lejos de la ciudad”, cerrando con su reciente tema más bailable titulado “Sicilia”.

La nostalgia, ahora por los 2010, llegó al tope con Kesha en el escenario HSBC y el baile millennial no paró con temas como “Tik Tok”, “Blow”, “Your Love is my Drug” y “We R Who We R”. La cantante estadounidense expresó su felicidad de ser parte de un festival como ese y de estar de vuelta en México tras una muy larga ausencia, reiteró su sentimiento de empoderamiento femenino (tras todo lo que ha pasado en los últimos años) interpretando el tema “Woman” y conmoviendo a los presentes con “Praying”.

Cuando oscureció, llegó el turno de una de las artistas más esperadas por el sector alternativo y más guitarrero: Tash Sultana en el Sedal. La australiana se caracteriza por ser una banda completa en una persona, a lo largo de sus 60 minutos dio maestría en guitarra, bajo, batería, saxofón y flauta, esto gracias a sus pedales de looping, además de que también canta con una voz excepcional. Con temas como “Pretty Lady”, “Cigarettes”, “Notion” y “Jungle” fue ovacionada y definitivamente su talento excepcional ya no es un secreto a voces.

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A las 21:10 H se presentaba Ladytron en la carpa Nivea, el ambiente ideal para los ingleses. A pesar de que parecía que Demi Lovato en el escenario principal les había robado gran parte del público, poco a poco se fue llenando de gente y los presentes fuimos inmersos en su oscuridad futurista.

La banda encabezada por Helen Marnie y Mira Aroyo no se caracteriza por interactuar demasiado con la audiencia, pero eso añade a su misticismo e hicieron bailar sin parar a los presentes con canciones como “Deadzone”, “City of Angels”, “Playgirl”, “Discotraxx” y “Destroy Everything Your Touch”. Los espectaculares visuales espaciales en el fondo fueron la cereza del pastel de uno de los mejores actos del festival, ciertamente merecían más que los 40 minutos que se les dio.

La lluvia de la tarde enlodó el ambiente, lo cual dificultó un poco el traslado entre escenarios, pero aún así me propuse terminar la velada en el escenario Sedal. La artista antes conocida como Danna Paola tiene una legión de seguidores fieles que se veían festivos y bien servidos para cuando llegué a las últimas canciones como “XT4S1S”. Las coreografías de la mexicana y de sus bailarines son el punto destacado.

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El festival Hera se caracterizó no solo por sus actos femeninos, también por ser de chile, mole y pozole en cuanto a géneros musicales. Prueba de ello fue la presencia de Evanescence justo después de la fiesta pop de Danna. La banda estadounidense representó el lado metalero del evento y la diferencia de la audiencia respecto a otras fue bastante contrastante.

Con un ligero retraso, Amy Lee y compañía salieron casi a la medianoche con una luna de fondo que le dio el toque gótico perfecto. Temas como “Going Under”, “Call Me When You’re Sober” y “My Immortal”, los millennials recordamos nuestra juventud, cuando el nu metal era lo máximo. 20 años después estas canciones siguen resonando con muchos y apreciando la increíble y melancólica voz de Amy Lee. La cantante dedicó “Use My Voice” a todos los que se sienten solos e insuficientes y, como no podía ser de otra manera, “Bring Me To Life” fue el himno dosmilero que cerró su presentación (con el sector masculino de la audiencia intentado cantar las partes de Paul McCoy).

La banda colombiana Bomba Estéreo fue la encargada de cerrar el escenario principal e hicieron del final del evento una fiesta con temas como “Somos dos”, “To My Love” y “Fuego”. A la 01:30 H fue momento de decir adiós al festival Hera, el cual fue todo un éxito y una reunión de talento femenino de distintas latitudes, artistas que hicieron bailar, sonreír, llorar y sacudir la melena a miles de personas. Esperemos que se repitan eventos como este y que poco a poco la brecha de género en los carteles de festivales se reduzca.

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Hipnosis presentó: Sugar Candy Mountain en el Foro Indie Rocks!

Un viaje lisérgico: Sugar Candy Mountain transforma el Foro Indie Rocks! en un sueño psicodélico.

Anoche, el Foro Indie Rocks! se convirtió en un santuario de ensueño bajo el hechizo de Sugar Candy Mountain, una banda que fusiona la psicodelia de los 60 con el folk, el pop barroco y toques modernos. El ambiente íntimo del venue fue el lienzo perfecto para una experiencia que desdibujó las fronteras entre la realidad y el sueño.

La velada comenzó con Petite Amie, los teloneros, quienes prepararon el terreno con su pop psicodélico vibrante. Sus melodías suaves y arreglos sofisticados crearon una atmósfera mágica, un preludio a lo que estaba por venir.

Cuando Sugar Candy Mountain tomó el escenario, nos sumergieron en un viaje sensorial. "Tired" nos envolvió en un remolino de guitarras reverberantes y suaves melodías folk, evocando la influencia de The Byrds y The Velvet Underground. La transición a "Running From Fire" equilibró la intensidad con una calma hipnótica, una muestra del balance entre la psicodelia cruda y el pop refinado.

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El cover de "Playground Love" de Air fue un punto culminante. Con un toque fresco, la banda infundió la icónica melodía con su esencia única, creando una experiencia etérea que se deslizó suavemente a través de la noche. Los visuales lisérgicos que acompañaron el tema nos transportaron a un universo de colores y formas en constante cambio, realzando la sensación de inmersión.

"Electric Wind" exploró paisajes sonoros espaciales, con texturas que evocaron el espacio rock y la ambientación etérea de grupos contemporáneos. En contraste, "666" ofreció una dosis de psicodelia cruda, una explosión de energía que nos mantuvo anclados en el presente mientras nos sumergíamos en su intensidad vibrante.

El clímax llegó con "Atlas" y "Windows", donde la banda desplegó melodías envolventes y arreglos sofisticados, reflejando el pop barroco con su riqueza sonora. La conclusión con "Tidal Wave" fue un crescendo emocional, cada nota resonando como olas que nos arrastraban hacia un mar de introspección y belleza.

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En conjunto, el concierto fue un viaje donde la psicodelia se fusionó con una visión artística única, transformando el Foro Indie Rocks! en un portal a un mundo de ensueño. Cada canción fue un capítulo en una experiencia inolvidable, donde el pasado y el presente se entrelazaron en un abrazo sonoro sublime.

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Natanael Cano en el Estadio GNP Seguros

Vibraciones de poder y emoción: un concierto inolvidable en el Estadio GNP.

El viernes 23 de agosto, el Estadio GNP fue testigo de una de las noches más memorables en la carrera de Natanael Cano. El cantante, conocido como el creador de los corridos tumbados, se presentó ante miles de seguidores que, a pesar de la lluvia, no dudaron en asistir para ser parte de este histórico evento.

Antes de que las luces se apagaran, las tres enormes pantallas del escenario proyectaron una entrevista en la que Natanael confesaba que este podría ser el concierto más importante de su carrera. Era un momento lleno de honestidad, donde el artista dejaba entrever su emoción y nerviosismo.  

La confesión de Cano marcó el tono de la noche: algo grande estaba por suceder. Tras esas palabras, el estadio se sumió en la oscuridad, generando un ambiente de expectación que pronto se desbordaría.

El inicio del concierto fue explosivo. Con los primeros acordes de “El F”, Natanael hizo su entrada triunfal, y el público respondió con un estruendoso grito. Desde ese momento, quedó claro que la conexión entre el artista y sus seguidores estaría en su punto máximo. La energía era palpable, y todos sabían que estaban a punto de vivir una noche única.

A lo largo de dos horas y cuarenta minutos, Natanael Cano se encargó de mantener la intensidad en el escenario. No se guardó nada, interpretando un repertorio que abarcó desde sus grandes éxitos hasta homenajes a los artistas que han influido en su música.

Uno de los momentos más emotivos de la noche llegó cuando Cano dedicó un bloque de siete canciones a Ariel Camacho, a quien siempre ha mencionado como una de sus mayores inspiraciones.

Con temas como “El toro encartado”, “Entre pláticas y dudas”, y “Bien Guerrero”, Natanael rindió homenaje al artista sinaloense, emocionando profundamente al público. Las letras de Camacho, resonaron con fuerza entre los asistentes, muchos de los cuales conocen estas canciones de memoria.

El homenaje a Camacho no fue el único gesto de respeto hacia los grandes del regional mexicano. Natanael también incluyó en su setlist versiones de clásicos como “Soy de alto mando” de Alfredo Olivas, “O me voy o te vas” de Marco Antonio Solís, “Pídeme la luna” de Leo Dan y “Mi bello Ángel” de Los Primos MX

Sin embargo, fue con “Ya te olvidé” de Rocío Dúrcal y “Amor Eterno” de Juan Gabriel con las que el estadio alcanzó uno de sus puntos más altos de emoción. Estas interpretaciones, fueron coreadas por todo el público, creando un momento casi único en el que la voz de Natanael se fundió con la de miles de personas.

Cano continuó con un segmento dedicado a sus éxitos en solitario. Canciones como “Diamantes”, “Más Altas Que Bajadas”, “Compa Bladi”, y “CH y la Pizza” mantuvieron el ambiente en lo más alto. Pero fue “Amor tumbado” la que realmente hizo que el público explotara en gritos y aplausos. 

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Este tema, uno de los más emblemáticos de su carrera, es una perfecta muestra de su estilo: una mezcla de corridos tradicionales con elementos urbanos, que ha cautivado a una nueva generación de oyentes.

Sin embargo, lo que muchos esperaban con ansias eran las colaboraciones que se habían causado expectativa previamente. Y Natanael no decepcionó. La primera de ellas fue “Disfruto lo Malo”, donde compartió escenario con Jimmy Humilde. Esta colaboración fue seguida por “Como es arriba es abajo”, junto a Dan Sánchez, quien se quedó para interpretar dos temas más: “Adrenalina” y “LSD”. Estos momentos demostraron no solo la versatilidad de Cano como artista, sino también la camaradería y el respeto que existe entre los exponentes del género.

Uno de los puntos más altos de la noche llegó con la aparición de Tito Double P. Juntos interpretaron “Primo”, una canción que fue recibida con ovaciones y aplausos. La química entre ambos artistas era evidente, y se notaba que disfrutaban cada momento sobre el escenario. 

Este segmento continuó con “Dando y dando”, donde Alejandro Buelna se unió a Natanael para interpretar también “Madrid”. La combinación de voces y estilos mantuvo al público al borde de la euforia, y la energía no dejó de subir.

Pero uno de los momentos más esperado de la noche fue sin duda la colaboración con Belinda. La cantante apareció de sorpresa para interpretar “300 noches” junto a Natanael. La reacción del público fue inmediata: gritos, aplausos y una atmósfera cargada de emoción se apoderaron del estadio. La presencia de Belinda añadió un toque especial a la noche, y su interpretación junto a Cano fue uno de los momentos más memorables del concierto.

Otra de las colaboraciones más esperadas fue la de Gabito Ballesteros. Juntos interpretaron “Lou lou” y “El Boss”, dos temas que resonaron con fuerza en el Estadio GNP. Pero la verdadera sorpresa llegó cuando Peso Pluma se unió a ellos para interpretar “AMG”. Este trío fue recibido con un estallido de aplausos y ovaciones, haciendo retumbar el estadio con la energía de los tres artistas juntos. La química entre ellos era evidente, y el público no dejó de corear cada una de las canciones.

Peso Pluma se quedó para tocar otros temas junto a Natanael, incluyendo “Pancake”, “PCR”, y “Carnal”. Estas canciones fueron coreadas y ovacionadas por el público, quienes reconocieron la grandeza de estos dos exponentes de los corridos tumbados. El respeto mutuo entre Cano y Peso Pluma quedó claro en cada momento que compartieron sobre el escenario, consolidando aún más su estatus como figuras clave del género.

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La parte final del concierto estuvo marcada por la energía y la emoción. Natanael cerró la noche con un segmento en solitario, interpretando ocho canciones más, entre las que destacaron “Pacas de Billetes”, “Giza”, “Madonna”, “Cuerno Azulado”, y “Nataaoki”. Esta última canción, con la que Cano cerró su concierto, fue un broche de oro para una noche que difícilmente será olvidada por quienes tuvieron la suerte de estar allí.

El concierto del 23 de agosto en el Estadio GNP no solo fue el más importante en la carrera de Natanael Cano hasta el momento, sino también un punto de inflexión en la escena de los corridos tumbados. 

Con un total de 49 canciones, Cano ofreció un espectáculo lleno de energía, emoción, y sobre todo, autenticidad. A lo largo de casi tres horas, logró conectar con su público de una manera única, cumpliendo y superando todas las expectativas.

Esta presentación dejó claro que Natanael Cano es un artista que no solo ha creado un género, sino que también está redefiniendo lo que significa ser un ícono en la música mexicana contemporánea.

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Vondré explota en “Bomba Casera”

Cuando los acordes se vuelven dinamita y la distorsión te lleva al límite.

Vondré nos trae su tercer sencillo "Bomba Casera", como parte de su próximo material de larga duración 00:00, que verá la luz a principios de 2025. Este single es como un torbellino que te atrapa y no te suelta, explorando esa dependencia a los malos hábitos que nos transforman y nos arrastran por una espiral oscura y descendente.

Vondre Bomba Casera

Inspirados en el pedal Bomba Casera de Neutrino Labs, Vondré ha capturado esa combinación perfecta de un overdrive con un interruptor que, al activarse, lanza un rugido distorsionado que raspa los acordes. Es como si cada nota estuviera siendo lanzada con una onda expansiva que te golpea directo al alma.

Y como si eso no fuera suficiente, el sencillo viene con un video animado creado por Oso Rivera que nos lleva por un viaje donde la transformación, la muerte, la evolución personal y ese coqueteo con lo oscuro se mezclan en un cóctel explosivo que te hace sentir como si estuvieras descendiendo al inframundo.

Así que ponte los audífonos, sube el volumen y déjate llevar por "Bomba Casera", porque Vondré te volará la cabeza con su sonido intenso y provocador. ¡Nos vemos en el lado oscuro!

Recuerda que el próximo 24 de agosto es el festival HERA HSBC y Vondré será parte de los showcases de La Marketa. Más info aquí. 

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Escucha “Please Don’t Hate Me”, el debut de Sophia Warren

La realidad te hipnotizará.

La ingrata manía de normalizar que debemos ser aceptados y queridos por el resto, antes que por nosotros mismos, es algo que atormenta a más de uno en la actualidad. Sophia Warren es un ejemplo de ello. Sin embargo, con base en esta experiencia -y una intención profunda de hacer música- sacude al escucha con un single debut lleno de emociones brillantes y, por supuesto, una dosis de realidad.

“Please Don’t Hate Me” es el nombre de esta melodía que corre con la producción de Chris Coady, conocido en la industria musical por su trabajo junto a proyectos como Slowdive, DIIV, Beach House, Yeah Yeah Yeahs, por mencionar algunos.

Sophia Warren

El debut de la cantautora radicada en Austin, Texas, se compone de diferentes texturas: un rock melódico, que pronto recurre a la distorsión, para así generar un paisaje hipnótico repleto de una paleta de colores radiante.

Escribí ‘Please Don’t Hate Me’ mientras estaba en una relación con alguien que no me hacía sentir amada. [...] Esta canción habla de encontrar el amor dentro de ti. No tienes que escuchar a tu pareja decirte todas las cosas buenas que quieres escuchar, se trata de ir al baño y decirte en voz alta frente al espejo que eres hermosa, que eres suficiente y que eres amada”, explica Sophia Warren en un comunicado de prensa.

Ahora, ¡Disfruta!

“Please Don't Hate Me” es el primer adelanto del EP que la cantante lanzará el próximo 30 de octubre vía Tigris 33.

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Coldplay une voces en “We Pray”

Un himno colaborativo de esperanza y resistencia en un nuevo sencillo que fusiona trap y pop.

Coldplay regresa con fuerza en su más reciente sencillo "We Pray", una canción que promete resonar en los corazones de millones. Esta vez, la banda británica ha unido fuerzas con un talentoso grupo de artistas internacionales: Little Simz, Burna Boy, Elyanna y TINI

"We Pray" es un himno de trap pop que mezcla ritmos modernos con una lírica profundamente emocional. La canción habla sobre la importancia de la fe, la unidad y la perseverancia en la búsqueda de un mundo mejor. A lo largo de sus versos, los artistas expresan oraciones y deseos para superar las adversidades, bendecir a sus seres queridos, y encontrar refugio y guía en tiempos difíciles. Con su coro poderoso, "Y así rezamos", Coldplay y sus colaboradores invitan a la audiencia a unirse en un canto colectivo de esperanza y resistencia.

El lanzamiento de "We Pray" no solo destaca por su mensaje, sino también por su innovadora fusión de géneros, combinando elementos de trap con el característico estilo pop de Coldplay. Este sencillo promete convertirse en un éxito global, recordándonos la importancia de mantener la fe en medio de las dificultades. No te pierdas la oportunidad de escuchar este inspirador tema y unirte al mensaje de esperanza que Coldplay y sus colaboradores transmiten.

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Jessie Reyez y Lil Wayne se encuentran en “Ridin”

La pasión y la desilusión plasmadas en un juego de palabras. 

Jessie Reyez está de regreso para seguir cautivando con su armoniosa voz y letras introspectivas, además de seguir sorprendiendo con grandes colaboraciones. Esta vez es el turno de presentar “RIDIN”, el sucesor de “SHUT UP” lanzado hace un par de meses en colaboración con Big Sean. Ambos singles están disponibles a través de FMLY / Island Records.

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“RIDIN” es un track tan apasionado como íntimo, la fusión de las guitarras y tambores crean un espacio donde Jessie nos transmite cómo sus relaciones íntimas anteriores no han cumplido con sus expectativas, lo que ha causado que ahora solo busca busca ser complacida físicamente. 

Lil Wayne se une a este tema para añadir su toque pasional y sin censura para amplificar este sentimiento lleno de doble sentido que Reyez plasma en un juego de palabras. 

Con “RIDIN”, Jessie Reyez y Lil Wayne crean un ambiente cálido, donde gracias al viaje de la provocación y la pasión, facilitan el disfrute entre dos personas.

Si eres de lxs que solo busca ser complacidx físicamente y ya no crees en promesas, este single sin duda es para ti. 

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Blink-182 estrena “No Fun” y “All in My Head”

Dos sencillos que prometen conectar con sus fans. 

Blink-182, formada por Mark Hoppus, Tom DeLonge y Travis Barker, sigue siendo una de las bandas más icónicas del pop punk. Originarios de California, estos tres músicos han marcado generaciones con su estilo energético. Su próximo álbum, One More Time... Part-2, que se lanzará el 6 de septiembre a través de Columbia Records, incluirá ocho canciones.

El primer sencillo, "No Fun", es un viaje melancólico a través de la vida adulta, donde Blink-182 explora la pérdida de la juventud y la desilusión que llega con la madurez. La letra evoca la nostalgia por los tiempos en que la vida era más emocionante, con un estribillo que martillea "Ya no hay diversión". La banda reflexiona sobre cómo el paso del tiempo ha cambiado su percepción de lo que significa divertirse, dejando un sabor agridulce en cada acorde.

Por otro lado, "All in My Head" se sumerge en la lucha interna del narrador, abordando temas de ansiedad, soledad y agotamiento mental. Con un ritmo intenso y letras cargadas de emociones, la canción pinta un cuadro sombrío de la vida en la carretera y la batalla constante contra los propios demonios. La pregunta recurrente, "¿Está todo en mi cabeza?", resuena como un grito desesperado en medio de la confusión y la incertidumbre.

One More Time... Part-2 promete ser un álbum que, al igual que estos sencillos, tocará fibras sensibles en su audiencia, reafirmando a Blink-182 como una banda capaz de evolucionar sin perder su esencia, puedes preguardar el álbum aquí.

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