Boson de Higgs estrena video de "Primera Fila"

Encuentra tu equilibrio espiritual al ritmo del nuevo tema del cuarteto mexicano.

Boson de Higgs acaba de estrenar el video musical de su sencillo "Primera Fila", tema que formará parte de su álbum debut Años Luz, que estará disponible en tu plataforma digital favorita a partir de agosto. En este metraje realizado con animación, podemos ver a Fernando Portilla (vocalista), Marco Romero (bajo), Eduardo Odraude (guitarra) y Bernardo Gomez (batería) como si estuvieran dibujados con gis. Sus movimientos y actitudes son exactamente como si estuvieran tocando en vivo.

"Primera Fila" hace referencia a cuando le das mucha importancia a los comentarios de los demás. Es una canción que nos dice que debemos esforzarnos para dar lo mejor de nosotros mismos sin importar el qué dirán. Libérate con los ritmos ochenteros de este tema que te encantará.

Dale play a continuación a este video realizado por Angélica Bárcenas y Luis Navarrete.

Recientemente Boson de Higgs se presentó en la Semana IR! junto a Inner Wave, una deliciosa noche con una combinación de synth pop y lo-fi. Si quieres revivir todo lo que sucedió en esta increíble presentación, da clic en el siguiente enlace.

 

Feist anuncia podcast 'Pleasure Studies'

La oriunda de Canadá presentará una serie de podcast que te servirán de fortaleza para afrontar tu vida.

Leslie Feist anunció que el próximo 9 de julio a través de Talkhouse y Earios lanzará Pleasure Studies, una serie de podcast inspirados en su álbum Pleasure (2017).

Este proyecto surgió luego de que la cantante publicara un video en sus redes sociales en el que revelaba que la realización del álbum había sido "algo realmente duro". Ante este suceso, Feist realizó un encuesta para saber si alguien más experimentaba un desmoronamiento interno.

Cada episodio de Pleasure Studies contará la historia de un personaje en particular: una investigadora de viajes en el tiempo, una soñadora y activista, una triatleta transgénero, un agente encubierto del FBI, una pareja monógama en una película para adultos, entre otros. 

Cada una de las historias se conectará finalmente con las canciones de su más reciente álbum de estudio. "Me preguntaba qué podríamos encontrar si excavamos en los temas que hay debajo de los detalles de nuestras vidas... los impulsores más profundos por los que todos estamos siendo arrastrados", comentó Feist en un comunicado de prensa. 

"Escuchamos las historias de personas que han seguido sus sueños, han vivido largas vidas, han soportado la devastación y han salido del otro lado con una mayor comprensión de lo que significa estar vivo", compartió Spotify en la descripción de este proyecto. Escucha el trailer a continuación: 

 

The Drums estrena “Try”

“Try” es la resignación de un amor no correspondido.

The Drums, la banda liderada por Jonathan Pierce, nos presenta la canción “Try”. Este single es un bonus track de Brutalism, y nos habla de un amor tan intenso que llega a doler.

"Esta canción iba a ser lanzada originalmente en 2014, pero no sentí que la versión que tenía fuera lo suficientemente buena como para lanzarla. Fue hasta que la volvimos a grabar que se sintió lo suficientemente bien como para dejar entrar al mundo. Es una canción sobre amar a alguien en el nivel máximo solo para obtener poco o nada a cambio", expresó Jonathan Pierce.

Brutalism puede parecer un disco disperso, caótico e incoherente, pero esa es la naturaleza humana. Cada canción es un pensamiento o sensación que se expresa sin aviso y puede detonarse con cualquier cosa. Pero lo importante de este material es que Jonathan Pierce sabe canalizar esos sentimientos y plasmarlos de una manera en la que podemos sentirnos identificados. La inspiración es personal, pero su expresión es para el colectivo.

A continuación puedes escuchar la canción. 

Recientemente, la canción "Money" de The Drums se volvió viral gracias a un meme que le dio la vuelta al mundo. A causa de esto, la canción fue incluida en playlists del top 50 en países como Estados Unidos, Japón y posteriormente en todo el mundo. 

Mira el meme aquí abajo:

Korn anuncia su nuevo álbum 'The Nothing'

"Estoy perdido, nunca me encontrarás", expresa en su nuevo tema la banda estadounidense.

Después de tres largos años de espera, Korn acaba de anunciar que ya está listo el sucesor de The Serenity of Suffering (2016). Se trata de The Nothing, su nuevo álbum de estudio, el cual estará disponible a partir del 13 de septiembre a través de Roadrunner Records / Elektra.

“En la profundidad de nuestra Tierra vive una fuerza extraordinaria. Muy pocos están conscientes de la magnitud y el significado de este lugar, en donde las energías en blanco y negro se adhieren a nuestras almas y dan forma a nuestras emociones, elecciones, perspectivas y, en última instancia, a nuestra propia existencia. Bienvenido a...THE NOTHING", explicó el líder de la banda en un comunicado de prensa.

Para entender mejor sobre este lugar al que se refiere Jonathan Davis, Korn compartió el primer sencillo que formará parte de este nuevo proyecto. Estamos hablando de "You'll Never Find Me", tema producido por Nick Raskulinecz. Da play para escuchar el sencillo a continuación y disfruta de la animación creada por Chris Schoenman:

Si deseas ordenar este nuevo LP, lo puedes hacer a través de su sitio web oficial. A continuación te compartimos la portada y el tracklist de este nuevo proyecto:

  1. "The End Begins"
  2. "Cold"
  3. "You’ll Never Find Me"
  4. "The Darkness is Revealing"
  5. "Idiosyncrasy"
  6. "The Seduction Of Indulgence"
  7. "Finally Free"
  8. "Can You Hear Me"
  9. "The Ringmaster"
  10. "Gravity Of Discomfort"
  11. "H@rd3r"
  12. "This Loss"
  13. "Surrender To Failure"

A propósito, Korn aprovechó para anunciar las fechas de su gira por Norteamérica, para la cual tendrán como invitados a la banda, Alice In Chains.

Copenhell 2019

El metal es leal.

El pasado fin de semana se celebró la décima edición el festival Copenhell en la capital de Dinamarca, y con un sold out total se demuestra una vez más que el heavy metal es el género musical más leal de todos.

El lineup de este décimo aniversario fue liderado por bandas como Tool, Slipknot, Slash, Lamb of God, Rob Zombie, Refused, entre muchos sub géneros más del Metal.

A diferencia de muchas partes del mundo donde el heavy metal tiende a ser juzgado como una escena agresiva, en Copenhell los daneses rompen los paradigmas con mentalidad primer mundista.

Copenahell se ha convertido en uno de los refugios metaleros más anhelados en Europa. Es un evento seguro y socialmente responsable en temas ambientales e igualdad de género. El festival y las bandas alzan la voz para que las mujeres rockeras se sientan seguras y protegidas por la comunidad e industria.

Refused fue uno de los que en su discurso mostró molestia por la poca cantidad de bandas femeninas en el lineup. Por el otro lado, Lzzy Hale con Halestorm representó con unos vocales potentes y una guitarra majestuosa al sexo femenino.

Los días de verano en Escandinavia son muy largos con mucha luz solar, pero al caer la noche, la decoración y concepto del festival nos sumergen en un ultramundo infernal.

Es un lugar que une a la familia y amigos en armonía y permite rockear el estrés por cuatro largos días, donde la gente alcoholizada cuida del uno al otro, mientras la música puede parecer agresiva, la energía transmite hermandad.

Terminado el dia, después de la euforia y borrachera, los asistentes se forman y suben ordenadamente a los camiones que facilita el gobierno de la ciudad, demostrando que el gobierno también apoya la escena.

La industria musical esta drásticamente cambiando y muchos festivales grandes caen en banca rota, pero con este décimo aniversario, Copenhell muestra que el metal es leal y rentable.

A 50 años de la visita de The Doors a México

Sin mitos.

Con el complejo de Edipo a cuestas. Enfundando provocadores pantalones de piel. James Douglas Morrison empuña una ensangrentada daga y camina con la bragueta abierta, mostrando un puñal de carne henchido también de sangre. Para el final de noches que intentamos morir, aun debían transcurrir poco más de dos años.

The Doors pactó cuatro conciertos en tierras de legendarios sacrificios humanos, la antigua Tenochtitlán, donde profecías y representaciones quedaron encarnadas en un hombre barbado, que, como Quetzalcóatl, venía de lejanos feudos. Morrison, barbado sí, llego volando, también, pero en un Boeing 7371.

El viernes 27 de junio de 1969, fue la primera de las funciones, la cuarta, el lunes 30 de junio. Las bandas teloneras, fueron Leo Acosta y su Orquesta y Pop Music Team*, esta última hizo sonar piezas de su único y censurado disco, Society is a Shit, donde temas como "Tlatelolco", provocaron enlatar su música durante casi 30 años.

Finalizada la psicodelia de la banda mexicana, el Rey Lagarto tomó el escenario, sacudió sus escamas, erizó su cola, atizó su lengua y a los 1000 asistentes, presentó a Las Puertas de la siguiente manera. "Juan Densmore, Ramon Manzarek, Roberto Krieger y yo… Fidel Castro"2. Entonces, a través de 10 amplificadores3, el órgano Gibson Kalamazoo4 de Ramón, pronunció las más demenciales notas sonoras.

Concluido el recital, se abrieron las puertas a veraniegas noches mexicanas de una farsante ciudad que montaba salvajes caballos de hipocresía. "Los Jinetes en la tormenta", sedientos, pararon en la más elegante discoteque de la Zona Rosa, Sergio's Le Club5, propiedad del actor con orden de aprehensión por tráfico de estupefacientes, Sergio Villagrán6.

Al reconocer quién entraba en la disco, lo que fuera que sonara dejó de hacerlo por "Hello, I love You", lo que provocó un grito de Jim, "Take that Off!". El asistente del gerente de giras subió a la cabina de audio y, reemplazó el "Hola, Te Amo" por "In A Gadda Da Vida". Recuperada la tranquilidad, Jimbo fue presentado con algunos distinguidos parroquianos, después tomó, entre otras cosas, Morrison Special y fumó puros Montecruz Las Palmas7.

Las puertas de la percepción fueron derribadas a patadas por el poder político, abrieron paso al hijo menor del presidente Gustavo Díaz Ordaz, Alfredo Díaz Borja**, quien vistiendo una chaqueta tipo Nehru y aparentemente drogado, llegó hasta el camerino de The Doors donde a pesar de no ser bienvenido, fue recibido diplomáticamente8. Otro encuentro documentado entre Alfredo Díaz y The Doors, es la visita que hicieron al Museo Nacional de Antropología, abierto exclusivamente para los liderados por Morrison9. Ciertas memorias de Díaz Borja, son leyendas que visten fastuosas pieles confeccionadas de alegóricas fantasías. Imaginaciones que mudaron a intoxicadas notas, publicadas en la débil y cooptada prensa que destacaban. “Esta presentación es arriesgada pues el grupo tiene su fama fincada principalmente entre la juventud”10. Otro escandalizado informe periodístico revelaba. The Doors toman cerveza en plena actuación”11.

La memoria gráfica en el México de esas presentaciones, la conservamos por los click de la cámara del escritor de la revista Rolling Stone, Jerry Hopkins. Sus imágenes concilian el olvido. Mantienen joven a Morrison, quien sin demora descendió hasta el nivel 27 del inframundo. De esas tierras fúnebres han brotado negras flores, algunas han marchitado y quedado en el abandono, no así el paso de medio siglo de aquellos cuatro conciertos.

Notas:
1, 2, Douglas Cameron, B with Greenland, David R. 2009, Inside the fire. My Strange days with the doors. Bloomington, Indiana. AuthorHouse. Pags 43, 46.
Redacción, 28 de junio de 1969, Anoche debutó el conjunto “The Doors”, Nacional, El, pag. 13.
4, 5 Douglas Cameron, B with Greenland, David R. 2009, Inside the fire. My Strange days with the doors. Bloomington, Indiana. AuthorHouse. Pags 47.
6 Jiménez, Armando, 1997, Cabarets de antes y de ahora en la Ciudad de México. México, D. F. Plaza y Valdéz Editores. Pag 142.
7, 8 Douglas Cameron, B with Greenland, David R. 2009, Inside the fire. My Strange days with the doors. Bloomington, Indiana. AuthorHouse. Pags 49, 46.
9 Manzarek, Ray. 1998, Light My Fire, My Life With The Doors. New York, New York. Berkley Boulevard Books.
10 De la Rosa, Rodolfo, 27 de junio de 1969, Los “The Doors” en México, Nacional, El, pag 12.
11 Perete, Ricardo, 29 de junio de 1969, ¡Corte!, Excelsior. Pag 4 – C.
* Pop Music Team. Su vocalista, Jorge Berry, trabajaría en la cadena de televisión Televisa. El baterista, Julio Vigueras, fue director del Conservatorio Nacional de Música.
** Alfredo Díaz Borja, fue integrante de las bandas, Kaleidoscope, Renaissance, Love Syndicate (palomazo Jim en 1970), Wingman y Lucrecia, banda telonera de Alice Cooper en Monterrey, Nevo León, en 1980.

Esteman visitó la Casa Indie Rocks!

"El amor es libre", lo dice Esteman en su nuevo video.

El cantante y compositor colombiano, Esteban Mateus Williamson, visitó la Casa Indie Rocks! y en entrevista con Daniela Galván, nos platicó acerca de su próxima participación en la XLI Marcha del Orgullo LGBT+ este sábado 29 de junio y de su nuevo video "Amor libre".

"Cuando se empieza a hablar de la comunidad y de más formas de amar es porque muchas veces las personas, algunos padres de familia o en diferentes lugares más religiosos, dicen que no hay que meter a los niños, pero los niños son lo que menos prejuicios tienen. Cuando un niño ve a dos mujeres que son mamás y que tienen una familia lo ven como un referente de amor y nada más. Un poco el tema de hablar con los niños es que hay que integrarlos en este tema y no ocultarles nada, porque muchos de esos niños nos lo van a agradecer cuando se estén formando. Por eso hay un personaje en el video, una niña que era bailarina y dijimos bueno, su personaje será una niña que se identifica de una manera más masculina, simplemente eso, se está descubriendo y se encuentra con su hermana que es más femenina y ella a través de su baile y su actitud, sigue adelante".

Mira la entrevista a continuación:

Si aún no has visto el video de "Amor libre", aquí te lo compartimos:

Reactor 105.7 solo transmitirá música continua a partir del 1 de julio

Algunas estaciones del Instituto Mexicano de la Radio han anunciado que transmitirán solo música debido a un recorte presupuestal.

El día de ayer durante el programa Réplicas de la estación de radio Horizonte 107.9 el periodista Ricardo Raphael anunció su renuncia debido a los recortes de los cuales está siendo víctima el grupo radiofónico. Esto provocó que diversos locutores de algunas estaciones hermanas lanzarán el hashtag #IMER_SOS y confirmar que en efecto habrá un cierre de cuatro estaciones y la reducción del 35% de su personal debido a decisiones presupuestales. Además se dejará de transmitir 2900 horas de contenidos.

 

Las estaciones que cerrarán son Radio Mexico Internacional, Música del Mundo, Interferencia HD y Jazz Digital.

Reactor 105.7 –que desde 2006 le dio un giro a la transmisión de música dando apertura a nuevos artistas y géneros– compartió que a partir del 1 de julio dejará de realizar programas en vivo y únicamente habrá música.

Natalia Szendro, quien recientemente ocupó la gerencia de la estación escribió en su cuenta de Twitter:

 

¿Qué dice el gobierno sobre esta situación?

Jenaro Villamil, quien está a cargo del Sistema Público de Radiodifusión del Estado Mexicano mencionó que la crisis por la que está pasando el IMER la "deben resolver pronto" ya que los medios públicos son indispensables. Por su parte el presidente de la república, Andrés Manuel López Obrador durante la llamada mañanera externó no saber sobre la situación y declaró. "No se van a debilitar a los medios públicos, van a ajustarse los medios públicos para que también haya austeridad, pero sí son trabajadores que cumple una función se les va a respetar".

Desde Indie Rocks! mandamos todo nuestro apoyo al IMER.

Lust for Youth — Lust For Youth

Urgente pop de una juventud desolada.

Amor. Necesidad. Urgencia. Preocupación. Dolor. Desesperación. Desinterés. Guitarras. Teclados. Pop. Decepción. Pet Shop Boys. Oscuridad. New wave. Actualidad. Vida. Muerte. Universo. Microorganismo. Tristeza. Llanto. Alegría. Lujuria. Rencor. Armonía. Error. Insultos. Miseria. Perversión. Eurodance. Felicidad. Dios. Explicación. Misterio. Desamor. Clima. Egoísmo. Fascismo. Tiranía. Inundación. Tecnología. Ayuda. Olvido. Miedo… el diccionario de palabras que propone y sugiere el nuevo álbum de la banda formada en Dinamarca, Lust For Youth, se origina en una preocupación general que es posible rastrear en la geografía musical del orbe, sin importar el género al cual esté anclado. Hay un consenso, el mundo y el individuo están girando fuera de su eje, se encuentran en medio de una crisis, en un punto de quiebre, un clímax narrativo en donde intervienen factores morales, psicológicos, emocionales, económicos, políticos y sociales. Una era inestable que se descubre cuando hacemos conciencia de ello.

Si una ramificación del fascismo se ha instalado en algunos países con consecuencias como la intolerancia hacia el inmigrante, el abandono de la otredad, recortes presupuestales a los sistemas estatales, una política miope hacia el cambio climático, nula visión a la sobrepoblación y la arquitectura de un nuevo espacio, entre una veintena de otros puntos drásticos, también el aislamiento del individuo ha crecido con resultados preocupantes, la depresión y ansiedad como enfermedades silenciosas y poco atendidas, así como la intolerancia hirviendo en redes sociales y la adicción a las series televisivas. Estas son las “grandes preocupaciones” de las que habla la banda en su sexta y homónima producción, Lust For Youth.

En sus 36 minutos que abarcan los ocho cortes, el ahora dúo que forman Hannes Norrvide y Malthe Fischer se muestra sólido y eficaz en el electro pop de corte ochentero que han ido puliendo desde International hace cinco años. Alejado ya del sonido cuasi drone, de las atmósferas viscosas y del ambiente oscuro, galopa más rápido en un movido y pegajoso eurodance, y desde ahí Lust For Youth suelta tres cañonazos guiados por una guitarra que marca la agenda, “Great Concerns”, “Adrift” y “By No Means”, conectados con el sonido de Pet Shop Boys y su beat adictivo. Un sentir de frescura y diversión. En sus letras abundan las ansiedades modernas, el temor a la soledad, la indiferencia del entorno y la desesperanza hacia el futuro.

El álbum es también un paso hacia adelante de una banda que ha ido experimentando con su propio sonido desde el origen, las referencias al pasado cada vez son menores, y en cortes como “Insignificant” y “Adrift” desatan los cables de los synths y dejan que ellos tomen el control, prolongando la música hacia un horizonte lejano. ¿Hacia adónde podríamos mirar cuando el presente es desangelado? Hacia el frente, hacia arriba, a lo lejos, en un estado de euforia, galopando como marcan los beats del proyecto danés. El acierto es la consistencia de cada tema, el sentido circular y la potencia. Parece mentira que las letras puedan ser de carácter existencial en medio de la alegría de algunas canciones tan rápidas, tan urgentes, desesperadas por abrirse paso, por romper, por cruzar, tan desesperadas como lo estamos cuando ansiamos ver a nuestros padres, amigos o amores y corremos hacia ellos. Tan desesperadas como a veces nos podemos sentir en una convulsiva vida. Si Compassion fue la transición de synth pop, en este álbum se edifica ese puente. ¿Podríamos llamarlo Eurowave? Una oleada que nos arrastra. Una oleada que nos empuja con mucha fuerza en “Great Concerns” desde su primer riff. Tras el intro atmosférico nos posee, nos involucra, nos lleva, nos guía.

El detalle de este álbum es la brevedad, la extensión del alivio, la prolongación de la cura, el tiempo de sanación. El álbum no concluye lo que abre, no cierra la totalidad, deja espacios sin rellenar. El atino de International era su orden y duración. En Lust For Youth no han cicatrizado las heridas, no ha concluido la idea, el concepto no se ha establecido del todo, el diccionario aún sigue abierto y los ocho cortes ya han finalizado. “By No Means”, el encargado de terminar, es dopamina en extremo, una revolución de pop agitándose en las piernas y los brazos, subiendo hacia el cerebro, viajando por la sangre. Es explosión. Emoción. Sentimiento. Amor. Desamor. Tristeza. Soledad. Angustia. Ansiedad. Depresión. Pop. Pop. Pop. Energía. Urgencia. Desesperanza. Esperanza, esperanza, esperanza, porque esa no nos la va a quitar nadie y por el contrario, álbumes como este, nos la da.

Entrevista con Black Flag

Mike V de Black Flag: Más allá del hardcore.

Greg Ginn, guitarrista, compositor y cantante, ha dicho en reiteradas ocasiones que Black Flag se trata de las canciones. Es verdad que durante algún tiempo, los policías norteamericanos estaban alertas cuando veían algún afiche que pregonara la visita de la banda a las ciudades. Poco a poco, el fenómeno de Black Flag fue asociándose a presentaciones legendarias que terminaban con problemas con la ley, movilizaciones masivas de jóvenes que atacaban lo que simbolizaba la autoridad. El hazlo tú mismo encumbrado. Y a pesar de que sí, se trate de las canciones, Greg Ginn también dice. “Black Flag se trataba de saltar de la cornisa y hacer las cosas”.

El próximo 28 de junio del 2019, Black Flag se estará presentando en la CDMX y tuvimos la oportunidad de platicar con Mike V, quien es el encargado de los ya míticos micrófonos de la banda.

Mike Vallely es una persona ocupada. Si buscas su biografía, encontrarás que es patinador, músico, actor, personalidad de la TV, doble de películas y jugador de hockey, además de padre de familia. “Creo que todos tenemos la capacidad para encontrar tiempo para las cosas que nos importan y por las que tenemos pasión. Tienen que hacer sentido, financieramente, a la par de otras responsabilidades. Soy capaz de sortear las cosas. Greg y yo somos grandes amigos y su música es muy importante en mi vida, me preguntó si quería salir de tour y cantar sus canciones. Eso hizo sentido y estoy muy emocionado de hacerlo”, dijo Mike.

Black Flag goza de un peldaño importante cuando se habla de bandas influyentes. Algo así como The Velvet Underground de los ritmos más frenéticos. Cuando le pregunto a Mike si cree que en la actualidad siguen sirviendo de inspiración, responde. “La música sigue siendo relevante. Es vibrante. No está atrapada en el tiempo. Tal vez muchas de las otras bandas que vinieron al mismo tiempo que Black Flag, ya sabes como el punk rock y esas cosas, no toda la música sigue viva. Quizá te siga gustando escucharla y te traiga buenos recuerdos, pero la música de Black Flag sigue viva. Si la descubres en este momento te hablaría porque no está encapsulada en el tiempo, entonces, los nuevos músicos, los fans más jóvenes o cualquiera que tenga exposición a su música, puede ser afectada emocionalmente por ella porque son grandes canciones, pasaron la prueba del tiempo”.

A la par de su influencia en otras bandas, existe un simbolismo importante en el aura de Black Flag. ¿Tenían un mensaje? ¿Lo siguen teniendo? Mike responde. “Tendrías que preguntarle a Greg —porque no soy el cantautor— acerca del mensaje y no da entrevistas, entonces buena suerte. No sé si Black Flag tenga un mensaje necesariamente pero es muy fácil de identificarte. ¿Cuál fue la primera canción de Black Flag lanzada? 'Nervous Breakdown'. 'Estoy a punto de tener un ataque de nervios, mi cabeza realmente duele, si no encuentro una manera de salir de aquí, voy a enloquecer'. Ahora, ¿quién no se puede identificar con eso? Todos en algún momento de nuestras vidas nos hemos sentido así. Creo que Greg encontró la manera de relacionarse directa y literalmente. Además de la energía de las canciones, simplemente se las arreglaron para crear música que no existía antes y que se erigía por sí misma. Son canciones escritas maravillosamente, sin encasillarlos en hardcore o punk rock, son simplemente grandes canciones. Black Flag es mucho más grande que los géneros a los que han sido atados, van más allá de esos estilos”.

Mike Vallely parece ser un hombre que cumplió un sueño. Ahora es vocalista de una banda por la que sintió inspiración temprana. Cuando me cuenta de la primera vez que escuchó a Black Flag, hay cierta ensoñación que viene con el recuerdo. “Tenía 14 años, era septiembre de 1984 en mi secundaria. Había un muchacho ya sabes, diferente, con el estilo del punk rock. Me acerqué a él porque quería ser su amigo y me dio un cassette y la primer canción del casete era 'Rise Above' de Black Flag. Estaba muy emocionado de descubrir nueva música, pero no tenía idea de que iba a escuchar algo que me cambiaría la vida. Cuando puse esa cinta y empezó esa canción, incluso antes de que empezaran las vocales, la música, la introducción, el sonido de la guitarra y la energía en ella no sonaba como algo que hubiera escuchado antes. Era la primera vez que escuchaba música que me hablaba a mí. Que sentía que esa música estaba escrita para mí. Que entendía esa música, que me identificaba con ella. No era algo que se sentía lejano como el rock de estadio, lo sentías inmediato, te sentías importante y con accesibilidad. Y luego empezó la voz y voló mi cabeza. La agresividad, la energía y luego el coro, ¿sabes? 'Rise Above' para un adolescente de 14 años esto era algo muy importante. Muy importante. Entonces claro que lo recuerdo y cambió mi vida y es la mejor música que jamás he escuchado”.

Acerca de la distribución y descubrimiento de música actualmente, dice que él solo escucha Spotify, pero las mismas canciones de siempre. “Tal vez solo soy viejo y me gusta lo que me gusta y no quiero proyectar esta forma en la que soy con nadie más”, dice. Sus hijas descubren más música que Mike V.

En cuanto a los planes de Black Flag, comenta. “Ahorita solo vamos a girar. Greg y yo tenemos una gran relación, no tenemos planes inmediatos de sacar un disco. nos enfocaremos en los viajes en el tour, en tocar los mejores shows que podamos. Aunque tocamos las canciones viejas del catálogo de Black Flag creemos que podemos darles una energía correcta y un espíritu correcto y esperamos que sean expansivas y que la gente se pueda identificar con ellas y no solo las vean como viejas canciones. Claro que todo el mundo viene a escuchar justo eso, pero queremos inyectarles vida y no solo tocarlas como sonaban en los discos, sino realmente tocarlas en el momento, no solo estamos interpretando, sino darles la oportunidad de ser libres, de que vayan a donde quieran ir, liberar las canciones. y creemos que así, vamos a dejar a la audiencia en un mejor estado que como los encontramos, no queremos que solo digan 'ok ya los vi, puedo quitarlos de mi lista de pendientes', queremos que la gente tenga una experiencia, queremos tener una experiencia compartida con nuestro público”.