Built to Spill estrena video para “Rocksteady”

Con una animación que nos remonta a la época dosmilera, el grupo nos da el último adelanto de su nuevo álbum.

Built to Spill, la banda de indie rock, formada en Boise en 1992, estrenó su nuevo álbum desde su último material en 2015, titulado When the Wind Forgets Your Name, a través de Sub Pop y ya está disponible en todas las plataformas digitales.

“Rocksteady” fue el último adelanto de la agrupación previo al lanzamiento de su disco, del que ya conocíamos los sencillos “Gonna Lose”, “Fool's Gold”, “Understood” y “Spiderweb”

La canción fue producida por Doug Martsch, mezclada por Martsch, Lê Almeida, João Casaes y Josh Lewis y masterizada por Mell Dettmer. Además, el tema viene acompañado de un video musical que podría recordarnos a los clásicos de las caricaturas de principios de los 2000, sumergiéndonos en un universo de ficción y psicodelia, agregando elementos como rocolas mágicas, patines, perros y hierba. El clip fue dirigido por Jordan Minkoff, con quien ya habían trabajado en dos temas anteriores. 

When the Wind Forgets Your Name se encuentra disponible en los formatos CD/LP/CS/DSPs. Cada disco comprado a través de este link y tiendas indie de Estados Unidos recibirán una edición limitada en color verde, por otro lado, en Reino Unido y países de Europa obtendrán el vinilo en color Misty Kiwi Fruit Green hasta agotar existencias.

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La portada fue diseñada por el artista de cómics, Alex Graham, quien también ilustró la parte interior del álbum que estará disponible en las ediciones CD, LP y casete del álbum.

The Black Angels estrena “Empires Falling”

“Empires Falling” formará parte de su nuevo álbum por estrenar Wilderness of Mirrors.

Han pasado cinco años desde que los fans han podido escuchar un nuevo álbum de The Black Angels  y  Wilderness of Mirrors  representa un regreso triunfante. La nueva canción, "Empires Falling", ofrece un ataque de rock psicodélico característico de The Black Angels junto a un montón de sonidos intrigantes y texturas, mientras que el tumulto político, la pandemia y la devastación constante del medio ambiente han permeado en sus letras.

Este viernes, 16 de septiembre , las leyendas de psych-rock de Austin, The Black Angels , lanzarán su nuevo álbum, Wilderness of Mirrors, a través de Partisan Records, con elogios de medios como  NPR All Songs Considered, SPIN , BrooklynVegan y más.

Empires Falling es un alegato crítico y reflexivo que examina el arte repetitivo de la humanidad de la destrucción masiva violenta. Como decimos en el coro, "es la historia en repetición". Vivimos en una naturaleza de espejos, donde es difícil distinguir lo que está bien de lo que está mal, lo que está arriba de lo que está abajo, o la verdad de la mentira, mientras navegamos por estos tiempos en los que el destino de la humanidad se refracta y refleja de un estado de pánico a otro, menciona la banda en un comunicado.

Desde su formación en el 2004 en Austin, TX, The Black Angels han sido verdaderos estandartes del psych-rock como Syd Barrett, Roky Erickson, Arthur Lee y los integrantes de Velvet Underground. Se espera el regreso de la banda a los escenarios de Norteamérica con una gira estelar este otoño, donde afortunadamente tendrán una parada el 5 de noviembre en México para presentarse en el  Festival Hipnosis en la Ciudad de México.

Escucha el nuevo sencillo aquí:

La delicadeza melódica de Jonah Yano

Sonidos distantes y atmósferas serenas dan forma a la propuesta del artista japonés-canadiense.

El caos y la estridencia de la cotidianidad suelen alejarnos de la belleza de la simplicidad que habita nuestro día a día. El pasar de las nubes por el cielo, el sol entrando por nuestras ventanas, el viento acariciando las hojas de los árboles, nos otorgan una imagen cálida del mundo que, a su vez, convive con lo convulso del presente. Esta serie de claroscuros sirven de inspiración para el artista Jonah Yano.

El artista, nacido en Hiroshima y radicado en Canadá, se esmera en crear atmósferas plácidas y sutiles, que se ven reflejadas en su álbum debut, souvenir, donde a través de su voz transparente y armoniosa, guitarras y percusiones cadenciosas, crea un ambiente envolvente.

La propuesta de Jonah fluye entre géneros como el jazz y el indie folk. Su nuevo sencillo, “always”, estalla en un incesante jazz que, en combinación con una cálida batería y violines lejanos, nos regalan un suave jazz. “always” se desprende de Portrait of a Dog, su segundo álbum de estudio que fue producido en su totalidad en colaboración con la banda canadiense BADBADNOTGOOD, con quien comparte similitudes tanto en sonido como en temáticas y se ha vuelto un colaborador constante en el crecimiento de Yano.

Para Portrait of a Dog, Jonah Yano busca adentrarse en la identidad, la contemplación de diferentes dinámicas familiares y las complejidades de las relaciones interpersonales. A través de 12 temas, el artista explorará un sonido mucho más consolidado y contará con invitados como Slauson Malone, Sea Oleena, Eliza Niemi y Leland Whitty.

OME: Beats contemporáneos inspirados en cuentos tradicionales

El primer álbum del productor retoma elementos musicales de la comunidad Rarámuri.

¡Esta no es otra propuesta musical, es la propuesta musical!  Sentirse orgullosos del lugar donde venimos, de nuestra riqueza cultural, que como mexicanos tenemos, y gritarle al mundo nuestras costumbres, es siempre una hazaña digna de reconocer, esta vez, la comunidad Rarámuri que habita la Sierra Tarahumara abarcando zonas del estado de Chihuahua al norte de México, es la protagonista del primer álbum del productor.

Conoce a OME, el proyecto de Uriel Durán quien también es integrante de Sotomayor.  El productor mezcla sonidos contemporáneos con los ecos tradicionales de las comunidades indígenas mexicanas. 

OME-2022

Durán retoma los cuentos, leyendas, creencias e historias de estas poblaciones, plasmándolas en su música, dejando como resultado, la inmortalización de las culturas que pocas veces se ven desde una perspectiva musical, mezclando elementos tradicionales con lo contemporáneo de la música electrónica; es una nueva forma de reconocer y reinterpretar las técnicas y expresar nuevas posibilidades sonoras para los instrumentos tradicionales. 

En álbum debut de OME, retoma las historias de la cultura Rarámuri con los sonidos de la naturaleza de esa región como la Cascada del Salto de Guachochi y el ferrocarril “El Chepe”; añadiendo instrumentos en peligro de extinción como el chapareque, también el huehuetl, teponaztli, rabel y violines dejando como resultado, melodías tradicionales a partir de elementos acústicos con ritmos electrónicos. 

LaCreación-Portada

LaCreación-Contraportada

La Creación, contará con 8 temas en total, estará disponible en una versión que se inspira en los contrastes de portada negra y acetato blanco cuyo arte del disco que es llevado al arte contemporáneo de nuestro pasado, donde además buscan utilizar esa tecnología visual en sus shows en vivo.

Algiers está de regreso con “Bite Back”, ¡disfruta!

Una obra que fusiona el hip hop y la cinematografía sonora.

Algiers es un proyecto musical originario de Atlanta caracterizado por la implementación de géneros como el soul, blues, post punk, no wave y música industrial, siendo calificado por algunos como una banda que se proyecta hacia un “soul futurista”. Desde el lanzamiento de su primer álbum homónimo en 2015, la intención de su mensaje y su compromiso artístico quedó claro: su música busca involucrarse activamente en la crítica cultural de las tradiciones dentro de los reinos de la política, la sociedad y la religión. Si de polémica y monumentación de voces se trata, el trío estadounidense es la perfecta respuesta a ello.

Ahora, luego del lanzamiento de su más reciente álbum There Is No Year, Algiers ha compartido un nuevo sencillo titulado “Bite Back” en colaboración con Backxwash y Billy Woods, considerados como innovadores dentro del hip-hop contemporáneo. La pieza tiene una sonoridad muy underground y oscura, con una estructura bien definida que modula el hype enérgico de la pieza de manera magistral.

La letra de esta nueva canción toma como base la resistencia negra y la opresión policial, temas que se mantienen vigentes y de los que se necesita hablar más con urgencia. Profundizando un poco en el mensaje y la colaboración artística, el multiinstrumentista y productor Ryan Mahan expresó lo siguiente:

La mierda se ha puesto real en los últimos años, realmente necesitábamos hacer crecer nuestra comunidad de colaboradores y hacer sólidos los lazos que siempre hemos sentido, particularmente con las cabezas del rap. ¿Y tener a los dos mejores raperos del momento, Billy Woods y Backxwash, en el mismo tema producido por Algiers? Pellízcame, en serio".

Asimismo, Billy Woods comentó:

Esto parece la banda sonora de la lucha revolucionaria. Me siento honrado de participar mano a mano con un increíble conjunto de artistas”.

Escucha “Bite Back” y visualiza su video oficial a continuación. Y, por supuesto, mantente al pendiente de las actualizaciones por parte de esta joya de grupo musical.

Angel Olsen y Sturgill Simpson cantan a dueto “Big Time”

La canción principal del último disco de Olsen se convirtió en una nueva versión colaborativa con Sturgill Simpson.

Han pasado algunos meses desde que Angel Olsen lanzó su álbum más reciente, Big Time, y hoy nos presenta su nueva colaboración con Sturgill Simpson en una nueva versión a dúo de la encantadora canción principal del disco.

El dúo country es una tradición larga e histórica en la mayoría de los géneros musicales estadounidenses, desde Johnny Cash y June Carter en "Jackson" hasta Dolly Parton y Kenny Rogers transformando una pista de Bee Gees con "Islands in the Stream", un buen dúo tiene el potencial de convertir una canción country promedio en un clásico.

 Olsen y Simpson han sido amigos y fanáticos mutuos durante años, pero la colaboración en "Big Time" marca la primera vez que los dos trabajan juntos. La versión original de la canción muestra a Olsen inclinarse hacia su lado country, pero la adición de la voz en auge de Simpson hace que se sienta aún más en línea con los grandes del bluegrass y el country de la vieja escuela.

Es una locura escribir una canción y luego ver a alguien a quien realmente admiras cantar tus palabras; un poco le da la vuelta a todo el asunto”. Ya me encantaba la canción, pero escuchar la versión de Sturgill de 'Big Time' me hizo sonreír de oreja a oreja, hizo que cobrara vida en un nivel diferente", dijo Olsen en un comunicado.

Escucha a continuación este dueto:

Kelela regresa con el sencillo “Washed Away”

Una canción honesta y alentador luego de su pausa de 4 años.

La cantautora estadounidense Kelela está de regreso luego de una larga pausa en su carrera de 4 años. Su sencillo “Washed Away” es una canción suave que va más hacia la balada ambient, mucho más sutil y tranquila de lo que generalmente estamos acostumbrados con la cantante.

Al respecto, Kelela mencionó que a pesar de amar los ritmos pegajosos y melodías fuerte que te inviten a bailar, en esta ocasión buscaba una canción más pura y real, por lo que un tema ambient le pareció más adecuado.

En este sencillo, que es el primero en cuatro años desde "Frontline", la compositora habla directamente a la comunidad negra marginada, que en los últimos años ha vivido episodios lamentables de abuso.

Específicamente quiero hablar a la gente negra marginada y resaltar el trabajo que hacemos para encontrar renovación en un mundo que está construido para hacernos sentir inadecuados. Esta canción es el soundtrack del alivio que encontramos después de hacer una introspección”, dijo Kelela, en su comunicado de prensa respecto al sencillo.

El video que acompaña la canción fue grabado en la Depresión de Danakil en Etiopía y fue dirigido por Yasser Abubeker. El lugar es conocido por ser peligroso para la superviviencia por sus condiciones geográficas, la yuxtaposición de las ideas con el paisaje nos regala una imagen poderosa y Kelela logra con esta producción una oda a su naturaleza, su fortaleza y su belleza.

Nick Cave y el duelo después de la muerte de sus hijos

La complejidad de la pérdida plasmada en la creación artística: un recinto para el luto y la salvación.

Cuando llega la muerte en nuestras vidas, los estragos necróticos que deja a su paso se nos presentan entre la imposibilidad y lo inesperado: el dolor por la pérdida de nuestros seres queridos es casi inconcebible. Pareciera que, por más filosofía que se haya escrito en torno de ella y por más investigaciones que se hayan llevado a cabo, entender la muerte resultara un intento vano. Y es que, si bien la muerte es siempre la misma sin importar los porqués o los cómos, la experiencia de sus consecuencias es un mundo totalmente distinto para cada persona. Nick Cave, el renombrado músico estadounidense, conoce muy bien estos andares de oscuridad y desconsuelo, pues el pasado mayo ocurrió la devastadora muerte de su hijo mayor de 31 años, Jethro Lanzeby, a tan sólo siete años de diferencia del fallecimiento de su hijo menor Arthur cuando tenía 15 años. 

En una reciente entrevista con el periódico de New York Times, el artista compartió su experiencia en el duelo y cómo ha podido conectar con fans que han pasado por situaciones de pérdida similares. La entrevista se llevó a cabo en vísperas del lanzamiento de su libro Faith, Hope and Carnage, una obra que se estrenará este 20 de septiembre y que recopila diversas entrevistas entre él y el periodista Seán O’Hagan. Sus hijos ya no tuvieron la oportunidad de ver salir a la luz este libro, y Cave platicó acerca de su sentimientos en torno a su muerte: 

Creo que las personas en duelo son conscientes de la fecha de caducidad de su propia miseria. Pero con respecto a Arthur y Jethro, no puedo limpiarme las manos y decir: 'está bien, ahora sigo adelante’”. Y añadió: “No sé cómo decir esto, de verdad, pero sé que hay una salida. Lo aterrador de la muerte de Arthur fue que se sintió como, ‘¿cómo podría este sentimiento ser diferente?’. No quiero que todo lo que hablo y todo lo que soy gire en torno a estas pérdidas, pero me siento obligado a hacerles saber a las personas en la misma situación de duelo… que hay una salida”. 

Además, el artista comentó que, de alguna manera, su esposa Susie y él han logrado sobrellevar este enorme vacío, especialmente a partir de las respuestas que empezaron a recibir por parte de las personas que lograron conectar y empatizar con su historia a partir de sus propios vacíos. Saber que estaba ayudando a personas que estaban atravesando lo mismo inspiró a Cave, e indudablemente lo motivó a llevar su sentido de responsabilidad a los escenarios. 

Los conciertos que hice después de eso también: el cuidado de la audiencia me salvó. Mi audiencia me ayudó enormemente, y cuando toco ahora, siento que eso me está devolviendo algo. Lo que estoy haciendo artísticamente es pagar por completo una deuda. Es... mi otro hijo ha muerto. Es difícil hablar de eso, pero los conciertos en sí y este acto de apoyo mutuo me salvan. La gente dice: ‘¿Cómo puedes irte de gira?’. Pero para mí es al revés. ‘¿Cómo no iba a hacerlo?’". 

Nick ha expresado su gratitud con sus fans y con las personas que se han mantenido cercanas a él y su esposa. Por un lado, es importante tener presente nuestro deber de recordar a quienes han ido mientras nos mantengamos vivos, pues entre más recordemos, más posibilidades tendremos de preservar la memoria de quienes amamos. Y por otra parte, también es importante recordarle a todas nuestras redes de apoyo el aprecio y el agradecimiento por su acompañamiento, pues representan actos invaluables en las vidas de quienes atraviesan por procesos tan complejos como la pérdida.

Escucha "Push the Sky Away" en su versión en vivo en la Sydney Opera House. 

 

George FitzGerald — Stellar Drifting

La odisea espacial de George FitzGerald.

El músico y productor inglés George FitzGerald, nos presenta su nuevo álbum de estudio Stellar Drifting, a través del sello Domino. Sucesor de All That Must Be (2018), este material marca el regreso del londinense, luego de una gira mundial y una pausa obligada por la pandemia, además, lo hace explorando nuevos sonidos como el synth pop y el math rock (especialmente este último) y teniendo ritmos mejor balanceados, marcando una distancia con su producción anterior, algo que, se está volviendo recurrente en su carrera.

En esta ocasión, FitzGerald busca inspiración en lo exterior, en lo más alejado de nosotros, al contrario de su antecesor, que era una producción experimental e intimista. Cuando menciono que, lo que mueve al disco es lo externo, es porque literalmente es así. Stellar Drifting, fue creado a partir de imágenes del espacio profundo, procesadas por un algoritmo para crear sonidos; galaxias, constelaciones, estrellas y planetas que se encuentran a años luz de distancia, es donde el músico encuentra su motivación.

Es una paradoja retrofuturista, ya que nuestros aparatos más avanzados sólo muestran imágenes del pasado. Por ejemplo, en “Passed Tense” a dueto con Panda Bear, escuchamos una base de electropop ochentero con toques de house de los 90, apuntalada por el coro de Lennox hace la canción bailable del disco.

Por otro lado, “Rainbows and Dreams” en la que participa la cantante SOAK, se siente más compleja en su construcción y más emotiva en su interpretación, crea un paisaje menos sci-fi que la anterior. También destaca “Betelgeuse”, que recuerda a sus inicios, beats veloces y elegantes con voces sencillas, dejando ver el concepto detrás del disco y no tanto la búsqueda del hit.

Por último, “The Last Transmission” junto al grupo London Grammar, que no es el último track, pero si se percibe como el cierre del álbum, con pocos elementos y mucha melancolía termina este viaje interestelar. En conclusión, es un buen regreso, que nos muestra la habilidad de FitzGerald para construir un concepto y llevarlo hasta el límite. También, para mostrarnos a un artista con distintas facetas, desde la concepción de éxitos EDM, hasta la creación abstracta, pasando por lo personal.

Stellar Drifting logra sobrepasar lo anecdótico y curioso de su origen, haciéndolo a partir del talento de su creador, quien nos ofrece una ventana sabiendo que, probablemente, aún no estamos listos para hablar de la situación por la que hemos pasado, y de la cual parece vamos saliendo poco a poco.

Entrevista con Osees

Protestar, mientras exploras tus raíces e influencias.

El festival Hipnosis 2022, se encuentra cada vez más cerca, y tendremos la oportunidad de disfrutar de una jornada cargada de música excepcional, de la mano de grandes actos de la escena alternativa global. Aprovechando la cercanía del festival, nos sentamos a platicar con John Dwyer, frontman de Osees, y uno de los máximos exponentes de la escena under del rock psicodélico.

Osees llegará a nuestro país con una propuesta fresca, junto a toda su esencia experimental, gracias a que presentarán su nuevo álbum A Foul Form en el escenario del festival. Este es un material que desafía a lo realizado por la banda durante una gran parte de su trayectoria, presentando un sonido caustico y ruidoso, que sin duda nos volará la cabeza en vivo. Aprovechamos esta plática para conocer más detalles sobre la producción y el mensaje de álbum, a lo que el frontman nos comentó:

“Me gusta que lo llames caustico, porque creo que lo identifica muy bien. La grabación fue intencionalmente agresiva, y la verdad yo disfruto de este tipo de trabajos. Creo lo quise mantener simple, ya que lo creamos en mi estudio de casa, con equipo simple y nada elegante. Todo con la intención de que suene como si saliera de un sótano cualquiera. Quise utilizar los sonidos con los que crecí y a los que volví durante toda la pandemia, cosa que no le gustó mucho a mi perro”.

OSEES

Osees tiene más de 25 años de carrera dentro de la industria, años en los que ha experimentado algunos cambios de nombre y de alineación, pero siempre manteniendo una propuesta experimental desenfrenada, en la que todos sus integrantes pueden tomar la libertad de crear lo que deseen. Estos años de experiencia, otorga un amplio espectro sonoro del cual pueden elegir el estilo a desarrollar en su próxima producción. Esto puede ser, desde algo con temática independiente y de garage, hasta algo ultra profesional y vanguardista.

Toda la temática ruidosa y accidentada, es totalmente intencionada, creo que nuestra experiencia como músicos, nos permite ser más agresivos y experimentales que una banda que comienza y de tanto tratar definir su estilo, crea cosas increíbles. Nosotros podemos llegar a esos resultados, porque es lo que somos, y en este caso tratamos de emular a los sonidos que nos vieron crecer”.

Es interesante, pensar en las influencias de un proyecto que lleva más de 20 años en activo y que se caracteriza por ir en contra de lo establecido. Ya que uno pensaría que las influencias solo se toman en cuenta cuando el sonido de una banda no está del todo establecido, pero cuando hablamos de este álbum, las influencias del punk de finales de los 70 e inicios de los 80 son evidentes.

Sin lugar a dudas, este es nuestro álbum que más influencias ha utilizado para ser creado. Creo que el truco es tomar ideas de todos lados y usarlas como como tú quieres, agregando tu sonido. Eso sin caer en solo hacer covers que no aporten nada nuevo a la propuesta sonora. Justo cerramos este álbum con un cover, en el que dimos un gran giro al estilo original del tema, infusionándola de puro Osees. Además, es una gran manera de regresar a nuestros orígenes, y a una época en la que solo nos preocupábamos por escuchar el siguiente álbum de Misfits”.

El contexto mundial actual, está permitiendo una resurrección del punk como género de protesta, ya que vemos esta temática presente en distintos proyectos. Las coyunturas bélicas en las que nos encontramos, junto a toda la tensión política global abre una oportunidad para el arte de expresarse y crecer como movimiento opositor a estos hechos. La música retoma su papel protagónico como movimiento de resistencia y de denuncia, ante las injusticias mundiales. Temática que se vuelve eje rector dentro de esta nueva producción del proyecto de San francisco, a lo que John nos comenta:

Yo puedo decir que mi vida ha sido muy fácil, he tenido muy buena suerte, soy americano con muchos privilegios, pero sé que existen situaciones terribles en el mundo. Hay mucho desorden y crisis política. La empatía comienza a escasear en el mundo, así que este es el momento perfecto de que la gente comience a crear. Para mí, lo que importa es lo que dices, sin importar el género musical que estés trabajando, pero si me preguntas a mí, el rock psicodélico siempre será el género perfecto para ir en contra de lo establecido, el punk solo es más sencillo”.

Cerramos la conversación, hablando un poco sobre la próxima visita de Osees a nuestro país y sobre su esperada presentación en el festival Hipnosis, a lo que John nos respondió con gran emoción y con un evidente cariño hacia nuestra capital:

Siempre estoy emocionado de visitar México, soy muy fan del país, amo la comida, el ambiente y la gente. Es un lugar fantástico, todo el mundo se pone muy celoso cuando les digo que vendré a la Ciudad de México. Además, tendré la oportunidad de tocar junto a grandes proyectos frente a mucha gente que ama nuestra música y toda la propuesta alternativa. Es y será increíble”.