Entrevista con Smash-O

El punk está más vivo que nunca.

Con siete ediciones construidas desde el espíritu DIY, House of Punk llega a CDMX: una experiencia donde la música, el skate, el arte y la comunidad convergen bajo una misma filosofía. En entrevista, la banda mexicana Smash-O habló sobre la preparación detrás de la nueva edición del evento en House of Vans, el crecimiento de la escena punk en México y el significado de mantenerse fieles a una actitud que va mucho más allá del género musical. 

Indie Rocks!: ¿Están listos? ¿Están emocionados? ¿Cómo se sienten?

Smash-O: Sí, ya estamos listos, estamos emocionados y muy preparados. Hoy estamos cerrando toda la logística. House of Punk es un evento que hacemos nosotros, entonces imagínate: estamos como locos con todo el tema del desarrollo y la logística. Hoy estamos cerrando tiempos con proveedores, bandas, iluminación, audio… ya todo está preparado, todo el contenido está listo, ya tenemos todas las pautas encima en redes sociales. Entonces, la verdad es que estamos muy felices con todo lo que está sucediendo ahorita.

IR!: ¿Están más preocupados de que el evento salga bien o de tocar chido?

S: No, la verdad es que tocar chido. Ya llevamos mucho tiempo tocando y somos una banda que se esmera mucho en ensayar y en tocar. Y como bien decía mi abuelita… bueno, ya ni me acuerdo cómo era el dicho, pero el que se prepara mucho, cuando llega el examen ya no tiene miedo de nada. 

Smash-O viene de gira, viene tocando muchísimo. Fuimos a tocar a Hermosillo el fin de semana pasado, hemos estado tocando con Chingadazo de Kung Fu en toda la República, fuimos a Teotihuacán, Querétaro, vamos a ir a Puebla… entonces Smash-O está como una bala ahorita. La ejecución de la banda está perfecta y estamos preparados prácticamente para esto.

No es la primera vez que estamos en un evento que nosotros mismos organizamos y además tocamos; ya ha pasado otras veces, entonces estamos preparados. El evento ya está prácticamente planchado, así que tenemos todo bien cuadradito para que las cosas salgan de la mejor manera.

IR!: Está increíble. Como bien comentabas, Smash-O es una banda veterana, ya se la saben. Desde 2013, me parece, fue cuando sacaron lo primero.

S: Es correcto. Desde 2013 sacamos el primer material y hemos estado desde entonces. Mira, yo empecé a tocar a los 13 años. En 2013 yo tenía 14. Somos una banda de hermanos, entonces desde pequeños tocamos juntos y hemos tocado en un buen de lados. 

Desde el Lunario hasta venues que ya no existen. Tocamos en El Plaza Condesa, tocamos en Caradura y ahora estamos tocando en House of Vans, que yo creo que viene a llenar estos espacios.

Es un lugar tan emblemático, tan increíble. Es una casona con muchísima historia, entonces estar en estos lugares es simplemente espectacular.

IR!: Justo me mencionas muchos lugares muy icónicos donde ha tocado Smash-O, pero creo que este es especial. Sobre todo si nos vamos especificando en la escena nacional del punk. Entonces, ¿qué es lo diferente de Smash-O tocando en algo tan específico y especializado del género?

S: Pues mira, para empezar, Smash-O viene con un EP nuevo que ya está en plataformas, se llama The Monster Collection, y todo ese EP lo vamos a tocar ese día, junto con rolas que nos pide el público.

Ya Smash-O tiene sus propios fans, fans que nos siguen de tocadas. “Solo”, “Dulce o Truco” son emblemáticas y sí o sí van dentro del setlist.

Tenemos sorpresas especiales. Vamos a tener por ahí algo de pirotecnia, eso ya es especial, entonces va a estar padrísimo.

Va a haber mucha merch y, como tal, el House of Punk va a tener decoraciones en todo el recinto: banderines, arte especial hecho por Jessica Rojas, que es quien hace justamente los flyers del House of Punk. Entonces vamos a llenar el recinto de arte y va a haber sorpresas.

También vamos a tener un concurso de skate donde la gente va a poder patinar dentro del House of Vans. Va a estar increíble, la verdad.

IR!: El punk es un lifestyle, tú lo debes saber mejor que yo. Estabas mencionando el look; aquí tengo el flyer enfrente de mí y está bien chido: tiene dos serpientes con la lengua de fuera, mucho rojo, mucho estilo de boceto como si estuvieras dibujando en tu cuaderno en la prepa. Y obviamente la banda no va nada más a escuchar música, sino a empaparse de toda la experiencia. Creo que abren puertas a las 4 de la tarde, son muchas bandas y además hay una banda sorpresa. Entonces, ¿qué le dirías a la gente para convencerlos de que tienen que estar ahí desde las 4 en punto?

S: Pues no vamos a publicar horarios. Solo que sepan que a las 4 se abren puertas. No se publican horarios.

Va a haber sorpresas de bandas y hasta que lleguen al evento van a ver la lista de horarios. Ahí se van a enterar a qué hora toca cada banda.

Lo que sí puedo decir es que Sputnik no va a cerrar, y es el headliner. Entonces imagínense. Puede tocar tercero o quinto. Por eso invitamos a la gente a llegar temprano.

Todos a las 4 de la tarde para que vivan todo desde el inicio.

IR!: Y hablabas de la merch. Creo que para toda la banda que ama el punk y géneros afines, también es importante tener ese pedazo de merch que solo existió en el House of Punk 2026, cuando tocaron Smash-O o Sputnik.

S: Exacto. Todas las bandas van a llevar merch y nosotros vamos a llevar carteles especiales del concierto. Solo ese día van a existir los carteles oficiales del House of Punk impresos.

Entonces, para que lo tengan en el radar: solamente ese día los van a conseguir.

Nosotros nos dedicamos a crear experiencias memorables para la gente y eso es algo súper importante para nosotros.

IR!: La merch también se acaba. Dijiste que van a tocar completo The Monster Collection, aunque no incluye el live en Argentina.

S: Ahora será versión México. Mira, el live de Argentina es muy importante porque el primer House of Punk se hizo allá. El concepto nació en Argentina y luego nos lo trajimos a México. Por eso ese EP es tan emblemático, porque forma parte de la historia del evento y también de la historia de Smash-O.

IR!: ¿Cuántos House of Punk ha habido hasta ahora?

S: Han existido siete ediciones en total; esta es la séptima.

Vamos a hacer una en Puebla y otra en octubre en otro estado. La de Puebla ya está anunciada y es con Chingadazo de Kung Fu.

En Ciudad de México esta es la única edición que va a existir este año, entonces invitamos a todos a que vayan.

IR!: ¿Ya habían hecho esto en House of Vans?

S: No, es la primera vez que lo hacemos ahí, y nos emociona muchísimo porque es un recinto muy emblemático, que va totalmente de la mano con los valores del House of Punk y de las bandas de punk rock.

Estoy seguro de que todas las bandas tenemos Vans, entonces está padrísimo convivir en un lugar tan increíble como este.

IR!: Qué chido. Y felicidades por tomar la iniciativa de hacer este tipo de cosas. Siempre dicen “el punk ha muerto”, pero no es cierto. Creo que está más fuerte que nunca y que además ya la gente entiende que no solo es música, sino una forma de hacer las cosas. ¿Qué notas tú en la comunidad punk de Ciudad de México? ¿Qué es lo que más comparten además de la música?

Smash-O: Lo que más compartimos es comunidad. Es una hermandad.

El mensaje principal de Smash-O y del House of Punk es que el punk es más que un género: es una actitud. Es una actitud de querer hacer lo que tú quieres.

Hace poco veía una película de Superman donde decían que el punk era hacer lo correcto. Yo creo que va muy de la mano con eso. Ser punk es hacer lo que más te gusta, lo que más te nace.

Toda la comunidad del House of Punk está convencida de eso y vive el género desde ahí. Las bandas, la gente y el evento entero giran alrededor de esa filosofía.

Además, el recinto va a estar lleno de arte, va a haber concurso de skate, merch especial, carteles únicos… Todo eso forma parte de la experiencia.

IR!: Van a estar todas estas bandas del cartel. ¿Cómo se van a organizar los tiempos? ¿Habrá descansos?

S: Sí, va a haber pequeños espacios entre banda y banda para que la gente respire un poco, aunque no muchos, porque al final es un festival y tiene que haber música continua.

Hay bandas que tocarán 30 minutos, otras 45. Sputnik sí dará un set completo de una hora y veinte, una hora y media.

Smash-O tocará 50 minutos, Seguimos Perdiendo una hora, Dr. Pink 40 minutos…

Todo está acomodado dentro del mapa general del festival, así que va a estar bastante padre.

IR!: Y la última pregunta. Imaginemos que esto apenas empieza. Que las siete ediciones son solo el principio y que House of Punk se convierte en una tradición internacional. ¿Qué bandas serían tu sueño para futuras ediciones?

S: Mira, llevamos tres años haciendo House of Punk, pero ya van siete ediciones, entonces para nosotros ya es tradición.

Ya es tradición en Ciudad de México, en Puebla. En Argentina hicimos una edición y el próximo año vamos a hacer otra allá y también en Colombia.

También hacemos ediciones en Texcoco, porque nosotros somos de allá y ahí hemos hecho los más grandes. El año pasado el cartel estuvo gigantesco, con Thermo, Chingadazo de Kung Fu

Y regresando a la pregunta: mi sueño sería tener a Green Day.

IR!: Qué chido que lo digas. Siempre hago esta pregunta: ¿te ves tocando a los 80 años?

S: La vida es fuerte y tiene muchas vertientes. Pero al final de cuentas, nosotros somos muy trues, muy leales a nuestros principios.

Y si la vida me lo permite, yo voy a seguir aquí hasta hacerme una pasita.

No te quedes fuera del House of Punk este 30 de mayo de 2026. ¡Consigue tus boletos aquí!

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Disco Bahía presenta “Power Ballad”

La banda mexicana sigue construyendo el universo de El Rey del Glam con un sencillo más íntimo. 

El Rey del Glam de Disco Bahía está cada vez más cerca, y con ello el grupo continúa revelando sencillos que anticipan esta nueva era. Tras el lanzamiento de “Tus Palabras”, la banda mexicana presentóPower Ballad, segundo adelanto de lo que será su próximo álbum de estudio, el cual se adentra en un terreno más íntimo, emocional y atmosférico, reafirmando la evolución estética y musical que el grupo ha construido con sus últimos lanzamientos. 

Este nuevo sencillo llega con una carga más introspectiva, en donde la vulnerabilidad y el desamor son temas que destacan dentro de la canción, al construir una narrativa sobre el desgaste emocional dentro de una relación romántica que se resiste a morir, ya que todavía hay sentimientos que continúan presentes. Esa tensión entre el apego y la distancia emocional construye una atmósfera hipnótica que refuerza el carácter del proyecto, el cual apuesta por lo sensorial. 

“Power Ballad” se mueve entre sintetizadores suaves y guitarras envolventes, en donde la voz de María Torres guía la narrativa con una sensibilidad que oscila entre la nostalgia y el deseo. El resultado es una pieza que se siente cercana, pero al mismo tiempo cinematográfica, en donde, de acuerdo con Pablo, integrante del grupo, el tema reúne influencias que van desde las guitarras al estilo de Mk.gee y Dijon, hasta el ritmo clásico de las baladas rock de los años 80. 

El lanzamiento también llega acompañado de un video en donde la banda aparece en un ambiente minimalista que resalta por el contraste entre el blanco y el rojo, lo que captura la vibra cinematográfica y sofisticada del grupo. Además, Disco Bahía prepara su regreso a los escenarios de la Ciudad de México con una presentación programada para el próximo 28 de noviembre en el Auditorio BB. 

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“The Wave”, lo nuevo de Jungle

La banda británica sigue expandiendo su universo musical. 

Luego del estreno de "Carry On", Jungle presentóThe Wave, un nuevo adelanto de lo que será su próximo álbum Sunshine, programado para ser lanzado el 14 de agosto. En este segundo sencillo, J Lloyd, Tom McFarland y Lydia Kitto dejan que la banda continúa expandiendo su sonido con una mezcla de nostalgia y producción moderna, sello que ha caracterizado su carrera desde sus inicios. 

Este nuevo tema presenta una vibra influenciada por la música brasileña de los años 60 y 70, la cual se refleja en su ritmo, compuesto por arreglos suaves y una atmósfera que remite a aquella época, pero con una producción actual. A nivel lírico, la canción aborda la idea de resistir a momentos complicados, apostando por la esperanza como motor emocional. 

El lanzamiento del disco no llega solo, ya que la banda también prepara una extensa gira mundial que incluye fechas en Reino Unido, Europa, Norteamérica y Oceanía para 2027. Latinoamérica también forma parte de este nuevo ciclo, con paradas en México, Perú, Colombia, Brasil, Argentina y Chile. 

En el caso de México, el grupo ofrecerá tres presentaciones, iniciando el 17 de marzo en el Auditorio Telmex en Guadalajara, el 19 en el Palacio de los Deportes en la Ciudad de México y el 22 en el Auditorio Banamex en Monterrey. Con su próximo material discográfico, Jungle demuestra que tras más de una década de trayectoria, se mantiene como una de las propuestas más sólidas de la escena global.

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A Perfect Circle inicia nueva etapa con “Starless”

Con una atmósfera oscura y emocional, el tema marca el regreso del grupo antes de volver a los escenarios. 

A Perfect Circle está de vuelta con “Starless”, el primer sencillo que el grupo lanzó desde 2024. La banda liderada por Maynard James Keenan y Billy Howerdel presentó este tema, el cual marca el inicio de una nueva etapa y que, además, llega antes de su gira por Europa y Reino Unido tras ocho años de ausencia en dichos escenarios. 

"Starless" se construye sobre un ritmo oscuro y envolvente, con una base lenta y densa que se acompaña de una lírica que funciona como metáfora sobre la lucha contra los sistemas autoritarios y la manipulación ideológica, pero también sobre la batalla interna por no perder la empatía y la razón en medio de los conflictos. El sonido refuerza la sensación de estar atrapado en un laberinto emocional y político, buscando desesperadamente una forma de regresar. 

La canción fue escrita a principios de este año y grabada en el estudio Lankershim Ranch, propiedad de Howerdel, en California. Además, cuenta con la participación de Josh Freese en la batería, músico que ha colaborado con la alineación desde hace años y que recientemente retomó actividades con Nine Inch Nails. La mezcla estuvo a cargo de Matty Green, quien ha trabajado con artistas de la talla de U2, TV On The Radio y Florence + The Machine.

Tras culminar sus fechas por Europa, A Perfect Circle se unirá a Puscifer, proyecto alterno del vocalista Maynard James Keenan. Este tour contempla algunas paradas por Latinoamérica, siendo México una de ellas para el próximo 25 de noviembre en el Estadio Fray Nano. Con “Starless”, la agrupación presenta una pieza que combina sonidos delicados con momentos más explosivos, dando como resultado una pieza de tono melancólico que recupera la esencia sonora que ha caracterizado a la banda a lo largo de su trayectoria.

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Panda Bear y Sonic Boom anuncian 'A ? of WHEN'

El dúo regresa con un disco más experimental. 

Después del gran recibimiento que tuvo el álbum colaborativo Reset en 2022 entre Noah Lennox, mejor conocido como Panda Bear de Animal Collective, y Pete Kember de Sonic Boom, el dúo anunció el lanzamiento de su próximo disco titulado A ? of WHEN, que llegará el próximo 10 de julio de 2026 a través del sello Domino y estará conformado por diez canciones.

Esta nueva entrega continuará explorando texturas psicodélicas, pero esta vez con una instrumentación que incluye bucles de arpa, secuencias de tambores de acero, guitarras pedal steel e incluso algunos guiños inspirados en un mariachi de la Ciudad de México. Para lograr este sonido, el dúo contó con la participación de colaboradores como la arpista Mary Lattimore y el multiinstrumentista británico Daniel O'Sullivan.

A la par de este anuncio, los músicos compartieron el tema homónimo que adelanta el sonido del material. De acuerdo con los propios artistas, la canción representa ese momento en el que todas las cosas que han sido arruinadas finalmente nos alcanzan. Musicalmente, la pieza logra transformar la sensación de ver al mundo con un profundo suspiro en una pieza pop efervescente, sello que ambos músicos han sabido dominar a lo largo de su carrera. 

A ? of WHEN estará disponible en vinilo, CD, casete y descarga digital a través de Bandcamp y Domino Mart, dejando fuera a las plataformas de streaming. Un punto a destacar es que el disco mezcla la sensibilidad melódica de Lennox con la producción psicodélica y vintage de Kember, donde el dúo vuelve a explorar el pop experimental mediante el uso de loops y sonidos analógicos, pero ahora con una intención mucho más conceptual. 

Esta es la portada y el tracklist:

Pandabearsonicboom

01. "Never givin' in"

02. "Lucky Charm"

03. "Revive him"

04. "Something like dreaming"

05. "A ? of WHEN"

06. "Pray to you"

07. "Be the bridge"

08. "Like a moth to the flame"

09. "Somethin' that lasts"

10. "Graveyard"

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Entrevista con Belle & Sebastian

Canciones para volver a casa.

Entre discos de culto, recuerdos que siguen creciendo con el tiempo y nuevas canciones inspiradas por la euforia futbolera, Belle and Sebastian continúa encontrando formas de conectar la nostalgia con el presente. A propósito de sus presentaciones en el Teatro Metropólitan, donde interpretaron completos Tigermilk (1996) e If You’re Feeling Sinister (1996), además del lanzamiento de “It Only Takes One Lion”, conversamos con Stuart Murdoch sobre el paso del tiempo, la experiencia de escuchar discos completos y el vínculo emocional que la banda mantiene con México.

Indie Rocks!: Quiero empezar con algo general ya que tienen una discografía impresionante. ¿De dónde nace la inspiración? ¿Es la vida misma o toman un tema en específico y empiezan a trabajar en él?

Belle and Sebastian: Creo que siempre empieza con algo muy personal. A veces es una conversación, un recuerdo o simplemente una sensación difícil de explicar. No suelo sentarme pensando “voy a escribir sobre esto”, sino que las canciones aparecen poco a poco mientras voy viviendo. Muchas veces la inspiración viene de observar a la gente, de caminar por una ciudad o de sentirme completamente perdido.

IR!: Una vez que ya tienen las letras, ¿cómo deciden la parte instrumental y el mood?

B&S: Para mí casi siempre van de la mano. Hay melodías que ya traen cierta emoción incorporada. Algunas canciones piden algo luminoso, otras necesitan sentirse más frágiles o melancólicas. Nunca intento forzar demasiado el mood; normalmente dejo que la canción me diga qué necesita.

IR!: Después de tantos años, ¿qué significa para Belle and Sebastian regresar a discos como Tigermilk e If You’re Feeling Sinister y tocarlos completos en vivo?

B&S: Es algo muy emotivo porque esos discos representan el comienzo de todo para mí. Cuando hicimos Tigermilk jamás pensé que alguien seguiría escuchándolo treinta años después. Volver a esas canciones ahora es como reencontrarme con una versión mucho más joven de mí mismo. Hay algo muy hermoso y extraño en eso.

IR!: Ambos álbumes fueron escritos en una etapa muy específica de sus vidas. ¿Cómo cambia la relación con esas canciones casi treinta años después?

B&S: Cambia muchísimo. Cuando eres joven escribes desde un lugar muy inmediato, casi impulsivo. Ahora puedo mirar esas canciones con más distancia y quizá con más compasión hacia la persona que era entonces. Algunas letras incluso adquieren nuevos significados con el paso del tiempo. Eso me sigue sorprendiendo muchísimo.

IR!: Estas serán noches distintas con álbumes distintos. ¿Cómo cambia la energía emocional entre Tigermilk e If You’re Feeling Sinister cuando los interpretan en vivo?

B&S: Tigermilk tiene algo muy inocente y espontáneo. Se siente como una banda descubriendo quién quiere ser. If You’re Feeling Sinister es más introspectivo, más nocturno quizá. Cuando los tocamos completos sí cambia mucho la energía emocional de la noche. Son dos estados mentales completamente distintos.

IR!: Más allá de la nostalgia, ¿qué sienten que estos discos todavía tienen que decirle a las nuevas generaciones?

B&S: Creo que esos discos siguen hablando de sentirse fuera de lugar, de buscar identidad, de querer conectar con otras personas. Y eso nunca desaparece realmente. Cambian las épocas y cambia la forma en que vivimos, pero esas emociones siguen siendo exactamente igual de intensas.

IR!: Recientemente lanzaron “It Only Takes One Lion”. ¿Cómo nació esa canción y qué representa dentro de este momento actual de la banda?

B&S: Soy un gran aficionado al fútbol, así que toda la emoción alrededor de la clasificación de Escocia terminó entrando naturalmente en la canción. Quería capturar esa sensación de euforia colectiva, esa esperanza que aparece por un momento y hace que todos se sientan unidos. También tiene algo muy clásico dentro del espíritu pop de la banda: es luminosa, alegre y muy energética. Fue realmente divertido hacer una canción así.

IR!: A lo largo de su carrera, siempre han logrado mantenerse fieles a su esencia mientras el panorama musical cambia constantemente. ¿Cuál creen que ha sido el secreto para conservar esa identidad?

B&S: Honestamente, nunca he pensado demasiado en seguir tendencias. Siempre he tratado de hacer la música que me emociona a mí primero. Creo que cuando empiezas a perseguir lo que está de moda corres el riesgo de perder tu propia voz. Nosotros siempre hemos trabajado de una manera muy intuitiva y quizá por eso la identidad de la banda se ha mantenido tan clara.

IR!: En una época dominada por playlists y canciones rápidas, ustedes siguen siendo una banda profundamente ligada al concepto de álbum. ¿Cómo entienden hoy la experiencia de escuchar un disco completo?

B&S: Para mí un álbum sigue siendo una experiencia emocional completa. Me gusta pensar en el orden de las canciones, en cómo una lleva a la otra y en el viaje que eso puede provocar en alguien. Entiendo perfectamente que hoy la gente escucha música de maneras distintas, pero todavía creo que escuchar un disco completo puede cambiarte el día.

IR!: La relación de Belle and Sebastian con México siempre ha sido muy especial. ¿Qué recuerdos tienen del público mexicano y qué representa volver después de varios años?

B&S: Siempre recuerdo los shows en México con muchísimo cariño. Hay una conexión emocional muy fuerte con el público mexicano. La gente canta todo, se entrega por completo y eso se siente arriba del escenario inmediatamente. Volver después de varios años realmente emociona mucho.

IR!: Muchas personas conectan con sus letras en momentos muy personales de sus vidas. ¿Cómo viven el hecho de que sus canciones se conviertan en refugios emocionales para tanta gente?

B&S: Es una de las cosas más bonitas que me ha dado hacer música. Muchas veces escribes algo desde un lugar muy íntimo y luego descubres que otras personas encontraron compañía o consuelo ahí. Nunca dejo de sorprenderme cuando alguien me cuenta que una canción estuvo presente en un momento importante de su vida.

IR!: Si tuvieran que elegir una canción de Tigermilk y una de If You’re Feeling Sinister que hoy represente mejor a la banda, ¿cuáles serían y por qué?

B&S: Probablemente “The State I Am In” porque siento que ahí ya estaban muchas de las cosas que definieron a la banda desde el inicio. Y de If You’re Feeling Sinister quizá “Get Me Away From Here, I’m Dying”, porque todavía tiene una energía y una emoción que siguen sintiéndose muy vivas para mí.

IR!: ¿Cuál es la diferencia entre Belle and Sebastian en el estudio y en un show en vivo?

B&S: En el estudio puedo volverme muy obsesivo con los detalles. Me gusta construir pequeños mundos dentro de las canciones. En vivo todo es mucho más emocional e inmediato. Ahí lo importante es la conexión con la gente y dejar que las canciones respiren de otra manera.

IR!: Describe a Belle and Sebastian en tres palabras.

B&S: Melancólico, cálido y humano.

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Entrevista con Jessie Ware

Bailar, arriesgar y sentirse cómoda en su propia piel.

La artista británica regresa con una nueva etapa donde el dancefloor, la sensualidad y la libertad creativa conviven en un mismo universo sonoro.

Con una carrera que ha sabido evolucionar entre el pop, la electrónica y la sofisticación emocional, Jessie Ware atraviesa uno de los momentos más seguros y ambiciosos de su trayectoria. Su nuevo álbum presenta distintas facetas sonoras: canciones para la pista de baile, momentos íntimos y una energía mucho más confiada que termina por envolver todo el proyecto. Jessie habló sobre el proceso detrás del disco, la presión de lanzar sencillos, la influencia del dancefloor en su música, la construcción visual de esta nueva era y el emocionante regreso a la Ciudad de México.

Indie Rocks!: Primero que nada, felicidades por el nuevo álbum.

Jessie Ware: Gracias, gracias.

IR!: ¿Qué tan emocionada estás? Hemos tenido la suerte de escuchar algunos sencillos y siento que son bastante distintos entre sí, ¿no crees?

JW: Sí, totalmente. Nunca quiero que la gente sienta que ya entendió por completo el disco antes de escucharlo entero. Por eso elegimos empezar con una canción como “Could Get Used To This”, que funciona casi como una introducción al universo del álbum, como diciendo: “ok, acostúmbrense a esto”. Después llegamos a algo mucho más orientado al dancefloor como “Ride”, y luego vendrán canciones como “Automatic”, “Super Bloom” y “Sauna”.

Quería que desde los sencillos la gente entendiera que este disco tiene muchos moods distintos. Pero cuando lo escuchas completo, todo termina teniendo sentido.

IR!: Hablando de los sencillos, ¿piensas mucho en el orden en el que salen o simplemente fluye? Al final son la primera presentación del disco al mundo.

JW: Sí, claro que lo pensamos muchísimo. Los sencillos tienen la función de atraer a la mayor cantidad de personas posible. Son una invitación para que la gente quiera entrar al disco.

Con “Could Get Used To This” tenía sentido porque abre el álbum y también marcaba el inicio de esta nueva etapa. Pero eso no significa que sean necesariamente mis canciones favoritas. Tengo muchísimas favoritas en este disco que probablemente nunca serán sencillos, simplemente porque así funciona la industria y tienes que jugar un poco el juego.

Si fuera completamente por mí, quizá lanzaría “Mr. Valentine” como sencillo o haría las cosas de otra manera, pero también tienes que escuchar al sello, entender las dinámicas de redes sociales, TikTok y cómo cambia constantemente la forma en la que promocionas música. Tienes que ser flexible. Tal vez yo sigo siendo un poco old school en la manera en la que entiendo todo esto, así que trato de escuchar a la gente.

IR!: ¿Ha habido algún momento en tu carrera donde tú tenías razón y el sello no? Como decir: “se los dije”.

JW: (Ríe) No sé. La verdad es que mi sello ha sido muy bueno conmigo. Tenemos una relación muy colaborativa. Por ejemplo, cuando relanzamos What’s Your Pleasure? con la edición deluxe, logramos convertir “Remember Where You Are” en sencillo aunque ya estaba dentro del álbum desde antes. Yo sentía muchísimo que esa canción merecía tener su propio momento y celebrarse de otra manera.

Así que sí, creo que al final es colaboración. Ellos me dan mucho espacio creativo y me permiten tomar muchas decisiones, pero también tengo que escuchar su punto de vista.

IR!: Cuando escuché “Ride”, para mí fue como una bocanada de aire fresco porque amo esa faceta más electrónica y orientada al dancefloor de Jessie Ware. ¿Sentías que volver a eso era casi parte de tu ADN?

JW: Totalmente. Esa canción la escribí hace dos años y llevaba muchísimo tiempo queriendo lanzarla. Literalmente cada mes decía: “¿ya podemos sacar ‘Ride’?”. Tuve que contenerme muchísimo.

Pero creo que la paciencia funcionó porque cuando salió, sorprendió a la gente. Algunos fans ya la habían escuchado porque la toqué un par de veces en vivo y sabía que había ganas de escucharla oficialmente. Sentía que el público estaba listo para ella y quería demostrarles que yo también los escucho. Era como decirles: “ok, ya esperaron suficiente, aquí está”.

IR!: El video es increíble. Cuéntame un poco sobre eso.

JW: ¡Gracias! Me encanta que esté filmado en película. Tenía esta idea de conseguir a un cowboy sexy y tuve muchísima suerte porque terminé convenciéndo a James Norton en una fiesta de unos amigos. Básicamente lo acorralé y le dije: “¿puedes montar caballo y convertirte en un cowboy sexy para mi video?”.

Pensé que él sería mucho más protagonista y que yo aparecería menos, pero la idea fue creciendo y terminó convirtiéndose en algo muy divertido. Yo estaba aterrada, pero también muy orgullosa del resultado.

Y la reacción ha sido increíble. No solo de mis fans, también de los papás y mamás afuera de la escuela de mis hijos. Pensé que iban a juzgarme horrible y terminaron felicitándome. Me daban high fives y me decían: “gran trabajo”.

IR!: Creo que la palabra “sassy” ha aparecido muchísimo alrededor de esta nueva era de Jessie Ware. ¿Estás de acuerdo?

JW: Sí, definitivamente hay un poco más de sassiness ahora mismo. Estoy divirtiéndome mucho. Me siento muy segura de mí misma, de la etapa de vida en la que estoy, de mi carrera, de mi cuerpo, de mi feminidad. Me siento cómoda con mi identidad y creo que eso naturalmente se refleja en la música.

IR!: También me encanta cómo juegas con referencias western y disco dentro de “Ride”. Esa introducción tipo The Good, The Bad and The Ugly es brillante. ¿Cómo nació?

JW: Gracias. Quería jugar con la idea de mezclar el western y el country con disco. Me parecía un lugar interesante para experimentar con géneros.

En la canción estoy casi llamando a alguien, invitándolo a convertirse en mi cowboy. Llegó un momento donde sentí que ya había dicho suficiente con la letra y quería que el hook explotara de una manera distinta, no necesariamente conmigo cantando.

Estábamos jugando muchísimo en el estudio, bailando, probando ideas absurdas, y de pronto empecé a hacer esta referencia súper obvia al cine western. Después la pasamos por un synth y todos empezamos a reír porque sonaba increíble.

Ni siquiera sabíamos si nos iban a dejar usarla. Pensábamos que quizá solo sería una broma interna del estudio. Pero la gente de Ennio Morricone nos dio permiso y estoy muy agradecida porque siento que terminó convirtiéndose en una canción muy poderosa para la pista de baile.

IR!: Después de sacar un disco viene toda la parte de tocarlo en vivo y recorrer el mundo diciendo: “conozcan a mi nuevo bebé”. ¿Qué planes tienes para esta nueva gira?

JW: Espero que para cuando empiece la gira ese bebé ya sea casi un toddler y que la gente ya conozca las canciones y las haga suyas.

Ya estoy empezando a imaginar el show y quiero que todo se sienta más grande. Voy a tocar en venues más grandes, así que toda la propuesta visual tiene que crecer también. Quiero arriesgarme más, mostrar mi voz de maneras distintas, sentirme conectada con el público y hacer un show emocionante, hermoso y muy vivo.

IR!: Muchos artistas suelen decir que su nuevo disco es el mejor que han hecho. ¿Qué diferencia a la Jessie Ware de 2026 de la de años anteriores?

JW: Creo que este disco reúne muchas referencias de distintas etapas de mi carrera. Si alguien me sigue desde Devotion, espero que pueda sentir que no he olvidado esa parte de mí.

No es un ejercicio de nostalgia todavía, pero sí hay una comodidad mucho mayor conmigo misma y con las canciones que hago. Me siento segura, aunque sigo intentando sorprender a la gente.

Y también me da muchísima confianza el cariño que recibí con los últimos discos. Cuando fui a México por primera vez fue una experiencia completamente increíble. Honestamente no podría haber pedido un mejor show.

IR!: Justo esa era mi última pregunta. ¿Qué tan emocionada estás por regresar a México?

JW: Estoy desesperada por volver. De hecho, para cuando salga esta entrevista probablemente ya estarán anunciados los conciertos. Voy a tocar dos shows en la Ciudad de México, así que eso significa pasar varias noches ahí… y honestamente creo que es una de las mejores ciudades del mundo.

Estoy emocionadísima por salir a bailar otra vez después de los shows, comer increíble y reencontrarme con mis fans mexicanos. Espero que este sea el inicio de muchísimas más fechas juntos, quizá incluso en otras ciudades del país.

IR!: Muchas gracias, Jessie. Fue un placer hablar contigo.

JW: Gracias a ustedes.

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El Cancionero del Mundial 26 (Grupo E: GER, ECU, CIV, CUW)

GRUPO E ¡Grupo E en El Cancionero del Mundial 26!

Los siguientes partidos del cancionero se juegan con el rock gótico de Xmal Deutschland, la agrupación exclusivamente de mujeres que comenzó en 1980 y posicionó su sonido en todo Alemania.

Ecuador avanza hacia protestas con las letras poéticas de Pánico. Mientras, Costa Marfil presenta al grupo marfileño de música zouglou y coupé-décalé: Magic System.

Curazao cierra el grupo con músicos poderosos como Rich Kalashh, Myana y Kris Berry.

¿Quién se lleva este encuentro?

#WeAre26

 

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C xmal

C sound

C panico

C lumazul

C munn

C dobet

C kedjevara

C magic

C myana

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C kris

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“Giraffe”, lo nuevo de Gilla Band

Un híbrido idiosincrásico e innovador.

Tras casi cuatro años, Gilla Band regresa con “Giraffe”, un lanzamiento en picture disc de 7” que ya está disponible vía Rough Trade Records. El cuarteto de Dublín conformado por Dara Kiely, Alan Duggan Borges, Daniel Fox y Adam Faulkner, continúa redefiniendo el rock contemporáneo tras una década de trayectoria. Su enfoque visionario, caracterizado por texturas abstractas y ritmos complejos, ha sido fundamental para innovar el uso de la guitarra y transformar el sonido de la escena independiente irlandesa.

Con “Giraffe”, la banda reafirma su estilo único: un híbrido audaz que desafía etiquetas como post punk o noise rock. Esta nueva propuesta es el resultado de una visión idiosincrásica que solo este cuarteto podría haber perfeccionado, fusionando la intensidad abrasiva de sus trabajos anteriores con una madurez compositiva que expande los límites de su propio universo sonoro. A través de este material, Gilla Band demuestra que su capacidad para desmantelar y reconstruir géneros musicales sigue tan vigente y afilada como en sus inicios.

En esta canción, las primeras secciones representan cómo suele ser mi estado mental. Puede ser un lugar muy disperso y, a veces, solitario. Sentirme poco querido y encontrar difícil expresar lo que realmente estoy pensando”, expresó Dara Kiely en un comunicado de prensa.

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ROSAS y Herbolaria unen sus voces en “A Flor de Piel”

El sencillo presenta una colaboración marcada por la vulnerabilidad emocional. 

ROSAS y Herbolaria lanzaron A Flor de Piel, sencillo que reúne a ambos talentos mexicanos para presentar una pieza repleta de vulnerabilidad y nostalgia. El track destaca por combinar trip hop y neo-trova junto a sonidos electrónicos que construyen una atmósfera íntima y envolvente. 

El tema aborda esos vínculos que se quedan a medias, haciendo referencia a las historias que, por una u otra razón, jamás terminan de concretarse, pero dejan una marca imborrable. La canción funciona como una conversación honesta y cercana entre dos personas centrada en el momento exacto en que una relación permanece en un punto confuso, justo cuando las palabras ya no son suficientes para mantenerla viva.

ROSAS aporta una interpretación emotiva que se mueve entre la nostalgia y el anhelo, mientras que Herbolaria, proyecto encabezado por Anahí Iturralde, desarrolla un paisaje sonoro cargado de sintetizadores hipnóticos, percusiones suaves y una tensión emocional constante que acompaña la narrativa del sencillo. 

Más allá de ser una simple colaboración, “A Flor de Piel” no busca respuestas, sino que acepta la incertidumbre y convierte el desapego en una experiencia musical mucho más cercana. Con este lanzamiento, ambas propuestas continúan expandiendo su universo creativo y consolidan un sonido que confirma que la melancolía también puede ser un medio de encuentro e inspiración.

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