Xiu Xiu revive el universo de David Lynch con “In Heaven”

La banda regresa con un proyecto más oscuro y experimental.

El cine y la música se unen una vez más gracias a Xiu Xiu. El grupo liderado por Jamie Stewart y Angela Seo anunció Eraserhead Xiu Xiu, disco que llegará el próximo 10 de julio a través de Polyvinyl y que se inspiró en Eraserhead, la película debut de David Lynch estrenada en 1977. 

Como adelanto del disco, la banda lanzó una reinterpretación de “In Heaven”, canción compuesta originalmente por Peter Ivers con letra de David Lynch y recordada por aparecer en Eraserhead. En esta nueva versión, Stewart y Seo transforman el tema en una experiencia cargada de sintetizadores y ruido ambiental, marcando así un nuevo capítulo en la relación artística del grupo con el cineasta estadounidense. 

El álbum estará conformado por siete canciones, cuyos sonidos van desde grabaciones de campo e instrumentación casera creada para sus conciertos, hasta órganos, sintetizadores modulares e interferencias eléctricas. Todo esto busca recrear la sensación incómoda y perturbadora que convirtió a Eraserhead en una obra de culto. En este proyecto, Xiu Xiu intenta transformar el diseño sonoro original de Alan Splet y Lynch en una especie de alucinación auditiva. 

Aunque  la agrupación ya había trabajado con el universo de Lynch en Plays the Music of Twin Peaks en 2016, esta vez el proyecto se adentra en un territorio aún más oscuro y experimental. La idea nació a partir de una serie de presentaciones en vivo inspiradas en la cinta, que poco a poco evolucionaron hasta convertirse en un álbum completo. 

Esta es la portada y el tracklist:

Xiu xiu

01. "Viento"

02. "Sleep Synth" 

03. "Tetra"

04. "Steampipe"

05. "Smashy Smashy"

06. "Ether"

07. "In Heaven"

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Beck se une al IMS y Meridian Brothers en “Ritmo Babilonia”

Este es el último adelanto de su próximo disco. 

Meridian Brothers e Instituto Mexicano del Sonido estrenaron “Ritmo Babilonia”, el último adelanto de Ruido Tovar, material que llegará este viernes 22 de mayo a través de Ansonia Records. Este sencillo es el cuarto y último adelanto del disco, tras el lanzamiento deEl Campeón (Bienes Funerarios)”, Cumbia Fantasia y Cumbia de los Estudiantes, producción que estará conformada por 10 canciones en total. 

“Ritmo Babilonia” es un homenaje a “El Festival de Mi Pueblo” (1981) de Rigo Tovar. En esta reinterpretación, Instituto Mexicano del Sonido (IMS) y Meridian Brothers mezclan percusiones vibrantes con sintetizadores de aire retro, logrando una energía festiva que evoca la esencia de la música tropical mexicana de los años setenta y ochenta, dando como resultado un tema con tintes funk y un enfoque actual. 

La canción también cuenta con la participación de Beck, quien aporta un matiz de pop alternativo. Su incorporación al tema se dio gracias a su amistad con Camilo Lara (IMS), dando como resultado dos tracks para el álbum, en los cuales el músico estadounidense reveló haberse integrado de forma natural y espontánea, logrando una composición que se siente fluida y orgánica.

Con este lanzamiento, Meridian Brothers e Instituto Mexicano del Sonido se preparan para la llegada de Ruido Tovar, un álbum colaborativo que reinterpreta la música tropical mexicana desde una mirada actual. El material también podrá escucharse en vivo, ya que se presentarán el 7 de agosto en La Maraka, en la Ciudad de México.

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Moses Sumney inicia una nueva etapa con “Sins of the Father”

El músico colaboró con Joseph Shirley y Kara Jackson en una canción para la película Is God Is

Moses Sumney se une a Joseph Shirley para “Sins of the Father”, sencillo en colaboración con la cantante Kara Jackson que formará parte del soundtrack original de Is God Is, la nueva película dirigida por Aleshea Harris. El tema funciona como el primer adelanto de este proyecto colaborativo que mezcla sonidos experimentales, blues y rock con una narrativa marcada por la tragedia y la violencia familiar.

La cinta, producida por Amazon MGM Studios y Orion Pictures, adapta al cine la obra teatral escrita por Harris. La historia sigue a las hermanas gemelas Racine y Anaia, quienes emprenden un viaje impulsado por el deseo de venganza de su madre: rastrear y eliminar a su padre. En medio de ese universo oscuro y cargado de simbolismo, Sumney y el compositor Shirley construyeron una banda sonora que busca intensificar el dramatismo emocional de la película. 

“Sins of the Father” se desarrolla alrededor de una atmósfera densa y cinematográfica, donde el blues se mezcla con toques experimentales y elementos de rock, mientras la voz de Jackson complementa la visión artística de Sumney. La canción gira en torno a la reflexión sobre la herencia emocional, el peso de los errores familiares y la valentía de decidir que el ciclo termina con uno mismo. 

El álbum llegará el 22 de mayo a través de Lakeshore Records e incluirá 19 temas. Con este material, Moses Sumney suma un nuevo proyecto musical enfocado en el cine, luego de participar anteriormente en producciones de A24 como MAXXXINE y la serie The Idol

Esta es la portada y el tracklist:

Moses sumney

  1. "Sins of the Father (Feat. Kara Jackson)"
  2. "Don't Leave Me Be"
  3. "Bang! Bang! Bang!"
  4. "Man's Blues"
  5. "Bargain"
  6. "Twintuition"
  7. "The Letter"
  8. "Meeting God"
  9. "Them Twins Burnin"
  10. "Make Your Daddy Dead"
  11. "The Mission"
  12. "White Teeth"
  13. "Ezekiel"
  14. "Mirage"
  15. "The Good House"
  16. "Angie"
  17. "His Other Family"
  18. "Man"
  19. "Somebody Gotta Go Today"

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Temples explora la desconexión en “Blue Flame”

La banda británica presentó un nuevo adelanto de BLISS, su próximo álbum de estudio. 

Previo al lanzamiento de BLISS, próximo álbum de estudio de Temples que llegará el 26 de junio de 2026 a través de V2 Records, la banda británica presentó Blue Flame, el tercer adelanto de su quinto material discográfico. 

Tras el estreno de los sencillos Jet Stream Hearty Vendetta, el grupo integrado por James Bagshaw, Tom Walmsley, Adam Smith y Rens Ottink comparte una canción que mantiene la combinación entre sintetizadores envolventes, bases electrónicas y guitarras psicodélicas que ha marcado esta nueva faceta sonora. 

“Blue Flame” funciona como una crítica a la relación que actualmente las personas mantienen con la tecnología y cómo esta puede provocar cierta desconexión al limitar cada vez más la interacción humana. De acuerdo con la banda, el tema hace referencia a la manera en que las personas prefieren relacionarse a través de pantallas antes que de forma presencial. 

El lanzamiento también llegó acompañado de un video que conserva la estética futurista y psicodélica de la agrupación originaria de Kettering. La producción visual está acompañada por una atmósfera neón que Temples ha desarrollado durante los adelantos de BLISS y donde “Blue Flame” no es la excepción.

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Entrevista con No Te Va Gustar

Lo que florece en el caos.

En medio de una nueva etapa creativa y tras más de 30 años de trayectoria, No Te Va Gustar presenta FLORECE EN EL CAOS, un disco que nació entre giras, mudanzas y la necesidad de encontrar refugio en la música. En entrevista, la banda habló sobre la recepción del álbum, la importancia de seguir creando desde la autenticidad, el valor del formato físico en la era digital y la conexión generacional que han construido con su público a lo largo de los años.

Indie Rocks! Magazine: Vamos a empezar hablando del nuevo álbum FLORECE EN EL CAOS. Salió en enero y queremos saber cómo ha sido la recepción de este álbum. 

No Te Va Gustar: La verdad es que no te voy a decir “sorprendente” porque nosotros ya estábamos muy confiados del material, pero obviamente las repercusiones y las respuestas fueron todas muy positivas.

O sea, mucha gente diciéndonos que el disco está buenísimo y que les gustan todas las canciones, que eso a veces es difícil: que un disco esté parejo de principio a fin. Y la verdad es que tenemos esa suerte con este álbum.

IR!: ¿Todavía piensan en cómo va a ser la recepción de las personas o ya crean desde otro espacio?

NTVG: No, primero tiene que gustarnos a nosotros y después, cuando terminamos de grabarlo, empiezan los nervios por ver qué va a pasar. Lo hacemos en principio para que nos guste a nosotros y poder defenderlo de manera auténtica.

IR!: A veces pasa que un material tan importante como un disco se muestra primero a las personas de confianza antes de ser lanzado, ¿ustedes tienen esa dinámica?

NTVG: Sí. Hicimos unas escuchas para familia y amigos en el estudio cuando ya estaba pronto el disco. Comíamos un asado ahí. 

Y sí, solemos hacerlo así, más como a manera de: “bueno, familia, amigos, este es nuestro nuevo material”. Y ellos son los que tienen la palabra más sincera, porque si te tienen que decir que no les gusta, te lo dicen. Pero no, la verdad es que estaba todo el mundo muy emocionado.

Los hijos, la familia, todos bailando, disfrutando de un gran momento. De felicidad, porque justo habíamos terminado de grabar el disco, y un disco que fue muy esperado por nosotros.

IR!: Respecto al nombre del disco, ¿qué podría ser eso que florece en el caos?

NTVG: Tiene que ver con que la música es el refugio muchas veces dentro de todo ese caos que vivimos a diario y a nivel mundial. Eso por un lado. Y, en lo más particular, nosotros como banda nos mudamos de estudio después de 11 años, un mes antes de grabar el disco. Entonces también tenía que ver con nosotros. Era algo más general y algo que tenía que ver con nosotros: que esas canciones florecieran dentro de todo ese caos que es una mudanza.

IR!: Y aparte en medio de una gira muy extensa. Por ahí entre 2024 y 2025 es que se forma el álbum, pero también están en un montón de fechas. ¿Cómo fue eso de estar haciendo el disco mientras estaban en tantos lugares?

NTVG: Sí, estábamos con la gira de 30 años y las canciones fueron surgiendo en los momentos de vacaciones que tuvimos. Algunas vienen de un poquito más atrás. Inclusive hay una que es de 2014, que quedó afuera del disco El Tiempo Otra Vez Avanza y la retomamos ahora porque encontró su lugar, su momento.

Y sí, la grabación fue en medio de la gira. Paramos un mes para grabar el disco y utilizamos menos tiempo inclusive, fue bastante rápido. Fin de año y principio de enero es la fecha obligada para descansar, porque después durante el año estás viajando muchísimo y es el momento para parar, porque si no la máquina no funciona.

IR!: Con las fechas que acaban de anunciar, también este va a ser un año muy movido.

NTVG: Muy movido. Y estamos renovados, la verdad, con energía renovada.

Tenemos diez canciones para salir a defender en directo y eso nos emociona, porque el otro día tuvimos un concierto en Uruguay y ya incluimos ocho de las diez canciones en el show. Fue una satisfacción increíble tocarlas por primera vez ante el público y fueron muy bien recibidas. Así que estamos felices. También el repertorio se renueva para este 2026.

IR!: Claro, y es que aparte está este público que los ha seguido durante toda su trayectoria y que también suma a nuevas generaciones. No sé si lo han visto en sus conciertos, que ya también van acompañados de hijos, hermanos…

NTVG: Es verdad, y eso nos encanta. Va familia, gente que nos ve desde hace muchísimos años y gente nueva. Diferentes generaciones. La verdad es que eso nos encanta.

IR!: Es muy valioso que también este sea un grupo que, con tanta trayectoria, con tanta historia y tantas nominaciones a premios importantes, siga creando. Y, hablando de las nuevas creaciones, ustedes como banda cómo hacen frente a las nuevas formas de consumo de la música en redes sociales. 

NTVG: Mirá, entendemos cómo funciona y sabemos por qué es, pero para nosotros sirve pensar las producciones como álbumes, que cambien el repertorio, que cambie la estética.

Después la gente escucha la música como quiere, la verdad. Pero tratamos de darle un orden y también fabricar el disco en físico, porque nos gusta ese concepto.

Después, cuando llega a la gente, la gente lo disfruta como quiere: si quiere escuchar una canción sola, la escucha; si quiere escuchar el álbum entero, lo hace. Lo importante es cómo nos sintamos nosotros al hacerlo.

IR!: Eso del formato físico es súper importante en estos momentos. ¿Ustedes dónde suelen consumir más música? ¿Son más de vinil, cassette o CD?

NTVG: Depende de la situación. En casa, justamente, somos mucho de escuchar vinilos y también otras formas. Pero después, cuando estás en la calle, no te queda otra que las plataformas digitales, que funcionan de ese modo. Y también está buenísimo.

Para los que somos románticos en ese sentido, tener el disco completo… nosotros sabemos que el artista puso el track uno, dos, tres, en ese orden.

Y muchas veces no sabés qué escuchar. Entonces estás en tu casa, mirás el disco y decís: “esto, justo perfecto para este momento”.

IR!: Hablando del tracklist, considerando que también son muy sensibles ante el orden de las canciones, ¿qué nos pueden decir de este? ¿Cómo fue que seleccionaron y llegaron a que “Halcones y Payasos” fuera la primera que abre el viaje? Porque es importante la apertura y el cierre, seguro.

NTVG: Queríamos arrancar arriba, con la canción tal vez más rockera del disco —o una de ellas— y terminarlo tranquilo. Así fue como se armó.

Y después, en el medio, que te vaya llevando por diferentes lugares y colores, que te vaya moviendo un poco en cuanto a letra y ritmo. Esa es la búsqueda: que no se te planche, o que dos canciones hablen de lo mismo o tengan ritmos parecidos.

Es como que te vaya llevando y moviendo.

IR!: Respecto al material físico y visual, ¿qué nos pueden decir acerca de la portada? Ahora existe la categoría de mejor portada en los premios Grammy. Entonces, ya se le está dando desde la industria un peso a lo visual, que siempre estuvo acompañando lo musical, pero que ahora también forma parte del discurso artístico. ¿Cómo fue la selección de esta portada?

NTVG: Bueno, está basada en la obra de una artista plástica argentina que se llama Mariana Villafañe. Nos contactamos por Instagram una vez y yo me puse a ver sus trabajos. Los mostré a mis compañeros y estaban buenísimos.

Tomamos una obra de ella que es una especie de cubo de acrílico con una flor de papel adentro, que terminó siendo la tapa del disco. Ella la fotografió y quedó increíble. Es muy talentosa y, a partir de eso, nace también un cambio de estética en los shows y en todo, porque el arte es importantísimo. 

IR!: Claro, debe haber ahí un hilo narrativo justo como el disco. Los visuales van a estar en muchos lugares y van a utilizar un montón de elementos que surgen de ahí. También una pregunta obligada: trabajar en la producción con Nico Cotton, que además ganó el premio a productor del año en los Latin Grammy Awards de 2025. ¿Cómo les fue en esta producción?

NTVG: Le trajimos suerte. Mirá, nosotros ya habíamos trabajado con él en una canción suelta que grabamos, “Me Cansé”, en la que participa Zoe Gotusso.

Él produjo esa canción y nosotros nos sentimos súper cómodos. Es muy práctico y escucha la misma música que escuchamos nosotros. Viene como del mismo lado, más allá de que produzca a un montón de artistas de otros géneros.

Entonces lo llamamos para este álbum y todo salió como queríamos. Eso es muy importante en un productor: potenciar lo que nosotros creemos.

IR!: Ahora ya terminó la gira de los 30 años el año pasado, pero concretamente, ¿qué creen que los ha llevado a consolidar una carrera de tantos años?

NTVG: El respeto entre nosotros, el respeto al público y priorizar siempre lo artístico. Después, que el grupo humano esté unido. Porque esto ya se ha tornado más que una familia. Estamos viajando durante mucho tiempo en el año, estando juntos y dejando a la familia real en casa. Entonces imaginate que compartimos muchísimo y tiene que estar todo bien para que funcione.

Nosotros no funcionaríamos si entre nosotros no estuviera todo bien. Capaz otra gente sí podría lograrlo, pero nosotros no. Porque nos apoyamos mucho en eso: en estar alineados y mirar siempre hacia adelante, todos juntos.

IR!: Incluso eso se ve en el escenario. Lo hemos visto como espectadores en shows en vivo: cuando no está fluyendo y también cuando fluye demasiado, cuando hay una comunicación muy interna entre ustedes. Entonces, bueno, para cerrar la entrevista, vienen de gira en México y tienen muchas fechas en agosto. ¿Qué nos pueden adelantar acerca de esto, algún invitado?

NTVG: Mirá, los invitados siempre los cerramos más cerca de la fecha, porque dependemos de sus agendas. Lo que sí podemos decir es que vamos a abrir esta etapa con una estética renovada, por esto que hablábamos recién. Vamos a tocar la mayor cantidad posible de canciones del disco y también los clásicos, por supuesto, porque la gente nos ve cada año y medio o dos años y merece escuchar esas canciones que ya conoce desde hace tiempo y con las que se emociona. Y a nosotros nos encanta hacerlo también. Así que va a ser una mezcla entre el mundo nuevo y lo que ya veníamos tocando.

Somos muy agradecidos con la gente, con el público mexicano. Nos sentimos muy queridos acá desde la primera vez que vinimos. Es un público muy pasional, que se entrega al show, y que ha ido creciendo. Y nos llena de orgullo haber hecho todo este camino juntos.

Dale play a “Halcones Y Payasos” de FLORECE EN EL CAOS, el nuevo álbum de No Te Va Gustar, aquí:

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El Cancionero del Mundial 26 (Grupo C: BRA, MAR, SCO, HAI)

¡Grupo C en El Cancionero del Mundial 26!

Te presentamos a Brasil con tres propuestas alternativas que son diversidad, historia y resistencia: Caxtrinho, Katy da voz e as abusadas y Boogarins.

Marruecos avanza en el cancionero con el rock experimental de Achelas, mientras Boards of Canada está a la delantera representando a Escocia.

Haití, por su parte, trae consigo un high-energy heavy metal increíble con Tortuga.

¿Ya conocías estas bandas?

Cancionero caxtrinho

Cancionero katy

Cancionero boogarins

Cancionero lazywall

Cancionero achelas

Cancionero haoussa

Cancionero high fade

Cancionero giohard

Cancionero boards

Cancionero tortuga

Cancionero oracle

Cancionero ram

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Entrevista con Oliver Tree

Una nueva etapa, más independiente en Love You Madly, Hate You Badly.

El cantante, compositor, productor, rapero, comediante y cineasta de Santa Cruz, California, Oliver Tree ha comenzado una nueva etapa en su carrera con su cuarto álbum de estudio, Love You Madly, Hate You Badly, lanzado por su propio sello discográfico, Alien Boy Records. Con ello, dejó de trabajar con una disquera grande y de grabar en estudios profesionales para adoptar un enfoque más DIY, registrando 17 nuevas canciones en los siete continentes durante dos años, con una laptop y una interfaz en cuartos de hotel. 

El proceso incluyó sus visitas anteriores a México y una breve residencia en la Antártida, donde realizó sus primeros shows en esa parte del planeta. Previo al lanzamiento de este álbum tuvimos los sencillos “Superhero”, “Joyride”, “Flowers”, “Deep End” y “All You Ever Wanted” que nos dan un sonido no tan producido, pero que se siente tan auténtico como en sus pasados álbumes.

Previo a su próximo show en el Pabellón Oeste de la Ciudad de México, platicamos con Oliver Tree a fondo sobre su nuevo álbum, esta nueva forma de trabajar su música, sus recuerdos de visitas pasadas a CDMX y su fin de semana, que lo llevó de pasear por Chapultepec a una presentación sorpresa en el Supernova Genesis junto al influencer Aarón Mercury.

Indie Rocks!: Acabas de presentar tu cuarto álbum de estudio Love You Madly, Hate You Badly, ¿cómo fue trabajar en estas 17 nuevas canciones durante 2 años en diferentes lugares del mundo y al mismo tiempo lanzarlo bajo tu puro sello discográfico?

Oliver Tree: Fui a 82 países durante dos años y simplemente viajé y exploré el mundo mientras hacía música. Fue parecido a cómo solía hacer música como productor de dormitorio, solo, excepto que esta vez lo hice en cuartos de hotel. Me di cuenta de que la cantidad de dinero que estaba desperdiciando en estudios y pagando ingenieros era tan alta que, por el mismo costo de un día en un estudio en Los Ángeles, podía volar a Sudáfrica, Bogotá o Kirguistán, quedarme en un cuarto de hotel cuatro o cinco días, hacer cuatro o cinco canciones y regresar. Eso realmente me ayudó a reconectar con mis raíces como productor de dormitorio. Aunque las voces sean quizá más crudas y el sonido menos de alta fidelidad, se siente como una versión muy auténtica de mí. Como artista, estaba realmente inspirado.

IR!: ¿Cómo fue el trabajar tanto la producción, grabación y todo lo que hay detrás del álbum por ti mismo a diferencia de tus álbumes pasados?

OT: Al ser la única persona que produjo el álbum, eso fue un enorme reto. Hice más de 100 canciones solo para completarlo, y terminar cada canción significó pasar por 50 o 60 versiones para llegar a la final. Así que había una gran diferencia entre yo como artista y yo como productor. Como productor, traté de crear el entorno adecuado para que Oliver Tree, el artista, estuviera feliz e inspirado. Lo enviaba a lugares hermosos y poco comunes que mucha gente nunca ha escuchado, lugares donde podía tomar fotos de edificios de concreto, comer cosas extrañas como iguana o incluso sesos de vaca, beber sangre en Macao, pasar tiempo con la tribu masái, grabar la portada del álbum en Afganistán, ir a Irak, quedarse en casas de barro o dormir en las cuevas de Petra con los beduinos. Fue una inversión en mí mismo y en aprender a disfrutar estar solo. Construí una relación tan hermosa conmigo mismo a través del proceso que, incluso si a nadie le gustara el álbum, yo igual lo amaría. Estoy en un punto de mi carrera en el que ya no me importa tanto; básicamente estoy semi-retirado y enfocado en disfrutar la vida mientras estoy vivo y sano.

IR!: ¿Durante la grabación del álbum hubo algún momento en el que grabaste algo y por hacerlo en una forma más DIY en el que hubo interrupciones por grabar en cuartos de hotel en diferentes partes del mundo, que olvidaras grabar alguna parte del proyecto o alguna otra cosa?

OT: Hubo momentos en los que el personal del hotel se molestó porque estaba grabando música demasiado fuerte. No pasó muy seguido, pero ocurrió en el primer país al que fui, y entendí que tenía que ser más inteligente al elegir hoteles con paredes más gruesas. La parte más triste fue perder un teléfono que tenía alrededor de 117,000 fotos y videos: cayó al océano después de que se rompiera la parte de atrás, así que perdí todo ese contenido. Gran parte del álbum, en realidad, estaba ligada a mi idea de hacer un libro de fotografía, y mi única regla era que cada foto debía estar tomada con mi celular. Tenía una cámara buena, pero ni siquiera quería usarla. Quería que todo se sintiera crudo y personal, como la música. Por suerte, fui construyendo el libro conforme avanzaba, y muchas de mis fotos favoritas seguían guardadas porque las revisaba constantemente y las iba agregando al proyecto. También grabé todas las sesiones en habitaciones de hotel y planeaba usar ese material para el lanzamiento, pero también lo perdí. Quizá haya algo hermoso en eso: conservar los recuerdos y no obsesionarse tanto con el contenido, porque al final eso nunca fue realmente el objetivo para mí.

IR!: Eres un artista muy activo en redes sociales, ¿hay algunos contenidos que planeas o todo sale de forma muy espontánea?

OT: Mis redes sociales probablemente son las más inconsistentes que puede tener alguien. A veces son los videos más simples y chafas; otras veces son cosas que costaron 40,000 dólares hacer y luego las bajo porque no me gustó la actuación. No se trata de vanidad: hago contenido para la audiencia. Si les gusta, se queda arriba. Si no, lo limpio. La gente está tan saturada que me gusta mantenerlo simple y curado. Todo mi estilo como Oliver Tree se basa en esta idea de ser lowbrow y highbrow al mismo tiempo: algo que al principio puede parecer una tontería total, pero si miras más de cerca, hay algo mucho más profundo debajo. Ese espacio intermedio es lo que yo llamo unibrow.

IR!: ¿Sientes que hay una evolución tanto laboral, artísticamente como personalmente que hayas notado mientras trabajabas en este nuevo álbum?

OT: Yo diría que, como ser humano, estoy evolucionando igual que ojalá lo hacen los demás. El crecimiento de una persona también se refleja en el crecimiento de un artista. Este álbum es muy claramente un álbum conceptual centrado en enamorarse y en el desamor que puede venir con ello. Algunas personas podrían decir que estoy escribiendo la misma canción una y otra vez, pero para mí siempre se me olvida documentar la parte de enamorarse. Normalmente recurro a la música cuando estoy roto y con el corazón destrozado; ahí es cuando la música me salva la vida. Esta vez traté de capturar algunos momentos de enamoramiento y conservarlos como algo que pudiera guardar en una botella y compartir. Así que sí, definitivamente ha habido una gran evolución. El álbum está lleno de amor, odio y sexo, y todo eso está entrelazado. Para mí, fue muy catártico y terapéutico.

IR: Antes de tu show en CDMX, estás aquí y tuviste un fin de semana nada relacionado a la música, visitaste Chapultepec y estuviste en el Supernova Genesis, ¿hay algo en la ciudad que te gusta hacer para relajarte y que disfrutes en cada visita?

OT: Amo la Ciudad de México. Vine varias veces mientras trabajaba en el álbum, y este año ya he estado aquí cuatro veces. Regreso en un mes para dar un concierto aquí, así que sí, amo la Ciudad de México y amo México. He estado en México más de 25 veces. Crecí yendo a Baja California todos los años, y ahora que soy mayor, vengo más a la Ciudad de México. Vengo aquí todo el tiempo, incluso cuando no tengo shows. Honestamente, me gusta más que Estados Unidos. Para responder tu pregunta, también me encanta venir sin concierto. Anoche estuvo brutal, probablemente fue una de las noches más locas de mi vida. Me dormí como a las 6 o 7 de la mañana. La fiesta aquí está salvaje, y aunque no soy muy fiestero, he estado trabajando tan duro terminando mi documental sobre la Antártida, sacando el álbum y haciendo prensa, que he estado tratando de relajarme un poco. No hay mejor lugar para hacerlo que CDMX.

IR!: Mencionaste que estuviste trabajando un documental en la Antártida además de ser el primer show en tu gira, ¿cómo fue esa experiencia?

OT: El proceso de ese proyecto es bastante salvaje porque cubre el año que viví en la Antártida. Sí, me metí al agua varias veces, en el polar plunge y una vez casi tuve hipotermia, así que alguien tuvo que lanzarse a rescatarme. Ese fue uno de los momentos más aterradores. Al final, mis papás tuvieron que ir a la Antártida y básicamente salvarme porque sentía que me estaba volviendo loco ahí.

IR!: Tienes una gira en puerta que además en la Antártida, tendrás shows en Sudamérica y en la Ciudad de México, ¿qué podemos esperar de esta gira?

OT: La gira todavía no ha sido anunciada, pero en realidad la llevaremos a los siete continentes. La verdadera belleza de esto es que este álbum fue grabado en los siete continentes. No creo que haya existido realmente una gira mundial así. El sueño es llevar el show a países y lugares que la gente ni siquiera sabe que existen, y más allá de eso, conectar con humanos de todos los orígenes. Durante el proceso de grabación, di seis shows en la Antártida, y también me presenté para la tribu masái en Tanzania; fue probablemente el show más punk rock de mi vida. Literalmente era solo la tribu, y los bocinas las renté con unos chicos suajilis del pueblo. Nunca habían escuchado música así y ni siquiera sabían cómo bailar. Quiero que la gira refleje esa energía: un show mundial para el mundo.

IR!: ¿Qué podemos esperar en tu música durante el resto del año?

OT: También planeo lanzar una serie de documentales llamada The One Man Band, que sigue cómo grabé el álbum en Machu Picchu, el Cristo Redentor, la Gran Muralla China y otras maravillas del mundo. Llevé equipo de grabación y registré música en muchos de esos lugares. Esa es una parte enorme de lo que espero lanzar este año. Mi largometraje sobre la Antártida, que edité yo mismo, tardó como tres meses en terminarse, así que todavía tengo que resolver el flujo de trabajo. Me ha costado encontrar a los editores adecuados, pero ojalá estas películas salgan y muestren el proceso detrás del álbum. Más allá de eso, esperen lo inesperado. Mi vida básicamente es una serie de misiones secundarias y aventuras random con todo tipo de gente. Ese es el uso más valioso de mi tiempo: no conseguir más seguidores, dinero o impresionar a la gente, sino conectar con las personas. Quiero seguir construyendo esas conexiones, mantenerme enfocado en la Ciudad de México y hacer más cosas aquí. Esto se siente como un hogar para mí, y espero pasar mucho más tiempo aquí.

IR!: Para terminar, ¿hay algo más que te gustaría agregar?

OT: Y para cualquiera que tenga un sueño: no necesitas permiso. No necesitas esperar a tener dinero. Simplemente hazlo. Tienes un iPhone, tienes un teléfono con cámara, tienes una laptop: no hay excusa. Hice todo este álbum con una interfaz usada de 150 dólares. Puedes grabar una canción en tu teléfono. Puedes hacer cosas ahorita mismo. No esperes a que sea perfecto. Si no es perfecto, ¿qué importa? Luego lo puedes perfeccionar. Solo hazlo.

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“Because I Don’t Know”, lo nuevo de Tricky junto a Mitch

El productor británico presentó un nuevo adelanto de Different When It’s Silent, álbum que llegará en julio. 

Con más de tres décadas redefiniendo los límites del trip hop, Tricky está de regreso con Different When It’s Silent, su próximo álbum que llegará el 17 de julio de 2026 bajo su propio sello, False Idols. Como adelanto del material, el productor británico presentó "Because I Don’t Know", un sencillo en colaboración con el cantante Mitch Sanders.

Este estreno llega tras “Out of Place”, tema en el que colaboró junto a Marta Złakowska y que sirvió como un previo para conocer el rumbo de su decimoquinto trabajo de estudio. Ahora, con "Because I Don’t Know", el artista apuesta por texturas electrónicas más sutiles, ritmos pausados y un murmullo sombrío que convierten la canción en una experiencia introspectiva y envolvente. 

A lo largo del disco, Sanders se hace presente en 12 de los 14 temas que componen la producción, y su voz destaca por un falsete melancólico que contrasta con el tono grave y casi susurrado de Tricky. Aunque “Because I Don’t Know” conserva ese toque oscuro y atmosférico característico del productor británico, también refleja una etapa mucho más íntima gracias a una instrumentación construida entre bases electrónicas y percusiones densas. 

Different When It's Silent promete ser uno de los trabajos más enfocados y crudos de su trayectoria reciente, reuniendo una mezcla de géneros como el blues minimalista, hip hop y electrónica ambiental para construir una obra que reafirma la capacidad de Tricky para mantenerse vigente sin perder identidad.

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Son Lux anuncia 'Out Intro' junto a “Endlessly”

El primer adelanto de su nuevo álbum.

Son Lux regresa con Out Into, su nuevo material discográfico que será lanzado el próximo 18 de septiembre de 2026 bajo los sellos This Is Meru y City Slang. Como adelanto de esta producción, el trío conformado por Ryan Lott, Rafiq Bhatia e Ian Chang presentó el sencillo “Endlessly”.

Esta canción funciona como el primer adelanto del grupo, y fue creada originalmente pensando en una banda de marcha de Ohio; sin embargo, terminó formando parte del disco debido a su conexión con las ideas centrales del proyecto. El tema gira en torno a la idea de dejar atrás la conformidad para abrazar la autenticidad, funcionando como un recordatorio de que encontrarse a uno mismo es un proceso continuo. 

Además de “Endlessly”, Out Into contará con un total de ocho canciones que mantendrán el estilo característico del grupo, con atmósferas densas, cambios de ritmo y una producción que apuesta por lo emocional y lo experimental. El álbum destaca por mezclar elementos del indie rock con la electrónica, reforzando la identidad sonora de la banda. 

Junto al anuncio del estreno del disco, Son Lux también reveló que iniciará una gira internacional que recorrerá América del Norte, Europa y Asia, con fechas confirmadas en ciudades como Los Ángeles, Londres y Tokio. En el caso de México, la banda se presentará en la Ciudad de México en el Foro Indie Rocks! el 10 de octubre de 2026 con este nuevo material.

Esta es la portada y el tracklist:

Son lux

01. "Want You to Love"

02. "Out Into Us"

03. "Endlessly"

04. "Even If it Hurts"

05. "You Could Be the One"

06. "Summer’s Gone"

07. "Apparition"

08. "No God Like a King"

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Lido Pimienta inicia una nueva era con “Tóxica”

La artista presentó el primer sencillo de Caribenya, un álbum que explora la resistencia y la identidad.

Tras el lanzamiento de La Belleza en 2025, la cantautora Lido Pimienta anunció Caribenya, su próximo disco, el cual será lanzado el 17 de julio de 2026. Como primer adelanto fue revelado “Tóxica”, sencillo que inaugura esta nueva etapa.

El tema se construye sobre una base rítmica marcada por la dualidad, al unir ritmos que evocan lo afrocaribeño y sintetizadores que le dan un toque electrónico; esta mezcla acompaña a una letra que hace referencia a un reclamo hacia una persona que, por sus inseguridades y a través de la manipulación ejercida dentro de la relación, terminó convirtiendo el vínculo en algo dañino. 

El track funciona como una despedida que mezcla reproche y compasión, en donde la artista no solo denuncia la toxicidad, sino que también decide soltar, sanar y seguir adelante. La repetición del término “tóxica” actúa como un mantra que expulsa el dolor y reafirma la autonomía emocional, además de enviar un mensaje universal sobre la importancia de establecer límites. 

Caribenya contará con un total de ocho canciones que surgieron como una respuesta directa y contestataria a los cánones más rígidos de la música académica. Lido define a este nuevo material como una propuesta más divertida y arraigada en la resistencia, la reconexión cultural y el gozo colectivo, buscando descolonizar los sonidos tradicionales para abrazar una visión global con una esencia caribeña.

Esta es la portada y el tracklist:

Lido pimienta

01. "Arrúllame"

02. "Tóxica"

03. "Libélula"

04. "Talento"

05. "Así Nací"

06. "Hoy Por Ti"

07. "Marea"

08. "No Me Quiero Ir"

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