HEALTH lanza su nuevo sencillo “YOU DIED”

Brutalismo emocional en su forma más pura.

La banda angelina HEALTH vuelve a encender la maquinaria con “YOU DIED”, un tema abrasador y profundamente humano que anticipa su próximo álbum CONFLICT DLC, disponible el 11 de diciembre de 2025 a través de Loma Vista Recordings.

En este nuevo corte, el trío lleva su característico sonido al límite: sintetizadores que colisionan con guitarras distorsionadas, una percusión implacable y una voz que parece surgir desde un lugar entre la desesperación y la serenidad. “YOU DIED” se presenta como una declaración existencial sin adornos, donde el dolor se convierte en aceptación y la vulnerabilidad en fuerza.

Los años son cortos. Las noches son largas”, HEALTH.

El sencillo llega acompañado de una serie de remixes exclusivos disponibles en el SoundCloud de la banda, con reinterpretaciones de BROOKS ALEXSANDER y LIL TEXAS, quienes llevan el caos sonoro de HEALTH hacia los territorios del club y el techno extremo.

La agrupación continúa su gira junto a Pierce The Veil, con fechas en México y Sudamérica, presentando un show que mezcla el impacto físico del metal con la intensidad sensorial de la electrónica industrial. En vivo, HEALTH canaliza el ruido, la angustia y la belleza de lo distorsionado en una experiencia que se siente más cercana a un ritual que a un concierto.

Además, la banda confirmó una gira coestelar en 2026 junto a Carpenter Brut, consolidando así una alianza explosiva entre dos de las fuerzas más potentes del sonido oscuro contemporáneo.

Health you died

“YOU DIED” reafirma el lugar de HEALTH como una de las propuestas más audaces e indispensables del panorama alternativo actual. Su música sigue diseccionando la decadencia emocional de la era digital con precisión quirúrgica, entre riffs que hieren y sintetizadores que curan.

Para HEALTH, CONFLICT DLC no solo es un álbum: es una conversación directa con su comunidad, una coalición de outsiders y subculturas que encuentran en el ruido una forma de celebración. Porque, aunque todo se derrumbe, lo importante —según la banda— sigue siendo disfrutarlo.

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Robyn regresa con “Dopamine”

Siete años después, la espera termina.

La estrella sueca del pop Robyn está de vuelta. Tras una larga ausencia discográfica, la artista compartió su nuevo sencillo “Dopamine”, marcando su primer material original en siete años.

El anuncio llegó después de una serie de mensajes crípticos en sus redes sociales, donde Robyn invitó a sus seguidores a “mantener los ojos abiertos”, anticipando su esperado regreso. “Dopamine” retomará esa mezcla de melancolía, euforia y vulnerabilidad que ha definido su carrera desde Body Talk (2010) hasta su último álbum, Honey (2018).

El lanzamiento del sencillo llega con un videoclip de performance sencillamente espectacular. Este metraje, que ya está generando gran expectación, tiene como protagonista absoluta a Robyn, quien irradia carisma y una energía inigualable en cada escena. La dirección del video estuvo a cargo de la aclamada fotógrafa Marili Andre, una artista con una visión estética distintiva y que ya tiene un historial de colaboración exitosa con el equipo.

Todo el mundo tiene un teléfono donde puede ver su ritmo cardíaco, y estamos aprendiendo a descifrar nuestras emociones a través de las hormonas y las sustancias químicas de nuestros cuerpos. Es casi como si ya no aceptáramos que somos humanos, como si intentáramos salir de eso y explicar absolutamente todo—lo cual me parece genial, pero también es por eso que el mundo está jodido, esta idea de que puedes descifrar y ganar en la vida o algo así. La dualidad de 'Dopamine' es tener una emoción que es súper real, súper fuerte, intensa, placentera o dolorosa, y al mismo tiempo saber que esto es solo un proceso biológico en mi cuerpo—y luego no elegir entre religión o ciencia. Simplemente aceptar que ambas están ahí juntas y poder moverse entre ellas”, explicó la artista en un comunicado de prensa.

Durante los últimos años, Robyn se ha mantenido presente a través de colaboraciones con SG Lewis, Jónsi de Sigur Rós, Neneh Cherry, Jamie xx y Yung Lean, reafirmando su posición como una de las figuras más influyentes del pop alternativo contemporáneo.

Con “Dopamine”, Robyn abre un nuevo capítulo en su historia: uno que promete volver a conectar la emoción y la pista de baile con la intensidad que solo ella sabe transmitir.

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Leon Bridges y Norah Jones se unen en “This Christmas I’m Coming Home”

Un encuentro cálido para las fiestas decembrinas.

Los ganadores del Grammy Leon Bridges y Norah Jones se unen por primera vez en un dueto festivo titulado "This Christmas I’m Coming Home”. La canción, publicada a través de Columbia Records, captura el espíritu de la Navidad con un tono íntimo y atemporal que refleja la elegancia y el soul característico de ambos artistas.

Compuesta por Norah Jones junto al escritor y productor Leon Michels —conocido por su trabajo junto a Clairo, The Black Keys y Sharon Jones & The Dap-Kings—, la pieza combina sutileza, calidez y una producción orgánica que remite a los clásicos navideños con un toque contemporáneo.

“This Christmas I’m Coming Home” no solo es una celebración del reencuentro y la nostalgia, sino también una muestra de la química natural entre dos voces que evocan elegancia y emotividad. La colaboración llega como preludio al próximo lanzamiento de Bridges, “A Merry Black Christmas”, que promete continuar expandiendo su visión del soul moderno con un aire festivo.

Con esta unión, Leon Bridges y Norah Jones entregan un regalo musical perfecto para cerrar el año, donde la tradición se encuentra con la sensibilidad actual.

This christmas i'm coming home

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Charli xcx une fuerzas con John Cale para su nuevo sencillo “House”

Un encuentro entre la elegancia y la brutalidad sonora.

La artista británica Charli xcx ha lanzado “House”, un tema en colaboración con John Cale, legendario miembro de The Velvet Underground, que formará parte del nuevo álbum de la cantante para la próxima adaptación de Wuthering Heights, dirigida por Emerald Fennell.

Charli xcx house

Inspirada por el documental de Todd Haynes sobre la icónica banda neoyorquina, Charli compartió que una frase de Cale se convirtió en el punto de partida para este trabajo: que toda canción debía ser “elegante y brutal”. Aquellas palabras —anotadas y revisitadas a lo largo de los años— marcaron el tono de su proceso creativo.

Cuando empecé a trabajar en la música para la película, esa idea se volvió una guía constante. Finalmente decidí contactarlo para compartirle las canciones que su frase había inspirado”, explicó Charli. De esa conversación nació “House”, una pieza cargada de emoción y atmósfera, en la que Cale aporta una lectura poética con su inconfundible voz, “tan elegante como brutal”, según describe la cantante.

Este lanzamiento también marca el inicio de un año clave para Charli, quien protagonizará The Moment, una producción de A24 basada en una idea original suya y dirigida por Aidan Zamiri. Además, participará en múltiples proyectos cinematográficos, incluyendo Faces of Death, I Want Your Sex y The Gallerist.

“House” ya está disponible en plataformas digitales. Wuthering Heights llegará a los cines el 11 de febrero de 2026 a través de Warner Bros. Pictures.

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Entrevista con Andrea Vanzo

El compositor italiano llega por primera vez a México con su espectáculo Settlerite, inspirado en su espacio personal y su universo sonoro más íntimo.

Desde Italia hasta México, Andrea Vanzo se ha convertido en una de las voces más singulares dentro de la música instrumental contemporánea. Con un estilo que mezcla el minimalismo, la nostalgia y la introspección, el pianista y compositor aterriza en el país para presentar Settlerite, un espectáculo inspirado en su propio hogar, donde se gestaron los temas de su serie discográfica Intimacy. Conversamos con él sobre su conexión con el público mexicano, el proceso detrás de su música y lo que significa trasladar su mundo interior al escenario.

Indie Rocks!: Antes que nada, muchas gracias por este momento. ¿Qué nos puedes contar sobre tu origen y cómo surge Intimacy Volume 1, tu álbum más importante hasta ahora?

Andrea Vanzo: Intimacy Volume 1 es, en gran parte, un álbum autobiográfico. Representa un viaje hacia mis orígenes y mi historia personal. Cada pieza es una pequeña parte de mí, un retrato de lo que soy y de lo que he vivido.

Indie Rocks!: En los últimos años has construido una conexión muy fuerte con tu público, sobre todo a través de redes sociales. ¿Cómo nació ese vínculo?

Andrea Vanzo: Cuando empecé, no usaba mucho las redes. Todo cambió durante la pandemia: comencé a grabar música y a subir algunos videos a Instagram. Uno de ellos tuvo muy buena respuesta, y ahí entendí que podía conectar con la gente de una manera distinta. Desde entonces, he construido mi presencia poco a poco.

Indie Rocks!: Esta será tu primera visita a México. ¿Qué significa para ti venir a tocar aquí?

Andrea Vanzo: Estoy muy feliz. Es la primera vez que cruzo el Atlántico para tocar en América. Además, tengo amigos músicos en México con quienes he colaborado, como Gibran y Hostel, un artista de música ambiental. Así que, de alguna forma, ya siento una conexión especial.

Indie Rocks!: Tus seguidores mexicanos son muy activos en tus redes. ¿Qué esperas de tus conciertos en Ciudad de México y Guadalajara?

Andrea Vanzo: Tengo una conexión fuerte con el público mexicano. Muchas personas me escriben desde hace tiempo pidiéndome que venga. Espero un público cálido y cercano; eso es lo que más deseo.

Indie Rocks!: Cuéntanos sobre Settlerite, el espectáculo que presentarás en esta gira.

Andrea Vanzo: Settlerite es un show completamente nuevo. Quise llevar mi hogar al escenario: mi sala, el piano, los libros, las fotos, la lámpara… todo. En mi Instagram hay un reel donde se puede ver la reconstrucción exacta del espacio. Quiero que el público sienta que está dentro de mi mundo. Además, habrá un nuevo setlist con piezas inéditas de Intimacy Volume 2.

Indie Rocks!: ¿Qué puedes adelantarnos sobre tus próximos proyectos?

Andrea Vanzo: Estoy trabajando en muchas colaboraciones y escribo nuevas piezas todos los días. Habrá varias canciones nuevas muy pronto y una colaboración especial que saldrá el próximo año.

Indie Rocks!: Para quienes aún no conocen tu música, ¿qué canciones recomiendas escuchar antes del concierto?

Andrea Vanzo: Diría "Soulmate", "Balzaldi Inverno" —que será parte de Intimacy Volume 2— y "Dreaming to Fly" o "The Midland", del mismo álbum. Son una buena forma de empezar este viaje sonoro.

Indie Rocks!: ¿Tendrás tiempo para conocer un poco de México durante la gira?

Andrea Vanzo: Me encantaría, pero no creo que sea posible. El viaje será muy corto y tengo otra fecha en Guadalajara, así que será una visita intensa.

Indie Rocks!: Si tuvieras que describir tu música en tres palabras, ¿cuáles elegirías?

Andrea Vanzo: Íntima, nostálgica y para quienes saben escuchar con calma.

Indie Rocks!: ¿Algo que quieras añadir antes de cerrar esta entrevista?

Andrea Vanzo: Estoy muy emocionado con este show, porque es una parte muy personal de mí. Es la primera vez que muestro algo tan íntimo fuera de Europa, y me alegra que sea en México. Espero encontrar gente dispuesta a sentir y escuchar conmigo.

Andrea vanzo

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Noble Savage regresa con “Skeleton Key”, un tributo oscuro a Mark Lanegan

Un homenaje entre sombras y emoción.

Noble Savage vuelve desde las sombras con “Skeleton Key”, un tributo profundamente emotivo al legendario Mark Lanegan. El trío liderado por el cineasta y músico Hari Sama entrega una versión que entrelaza la melancolía del darkwave con la elegancia del synth pop, dando vida a un homenaje que vibra con respeto, oscuridad y belleza.

Después de un año brillante, lleno de presentaciones en festivales de México y Estados Unidos, Noble Savage cierra el 2025 con una pieza que rinde honor a una de las figuras que más ha inspirado su estética y su sonido. “Skeleton Key” es más que un cover: es una carta de amor desde las sombras, una reinterpretación que transforma la tristeza en luz tenue y el eco en emoción pura.

Skeleton key portada

El lanzamiento llega acompañado de un videoclip dirigido por Azael Arroyo, quien junto al grupo construye un universo visual onírico y cargado de simbolismo. A través del uso de inserciones generadas con inteligencia artificial, el video recrea ese mundo de sombras y emociones que Noble Savage imaginó para esta versión: un espacio donde la nostalgia, el duelo y la devoción conviven en una misma frecuencia.

Con “Skeleton Key”, Noble Savage confirma que su arte no solo habita la oscuridad, sino que la transforma en una experiencia poética y profundamente humana.

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Entrevista con Mogwai

La intensidad sigue viva.

A casi tres décadas de su formación, Mogwai continúa siendo uno de los nombres más poderosos y respetados dentro del post rock. Con The Bad Fire, su más reciente álbum, la banda escocesa reafirma su capacidad de evolucionar sin perder su esencia: guitarras monumentales, atmósferas envolventes y una emotividad que se mantiene tan vigente como en sus primeros años.

En entrevista con Indie Rocks!, Stuart Braithwaite, guitarrista de la banda, reflexiona sobre la creación de su nuevo material, la importancia de seguir explorando sonidos y su próxima visita a México, donde regresan para presentarse en uno de los festivales más esperados del año.

Indie Rocks!: Su nuevo disco The Bad Fire salió a comienzos de este año. ¿Podrían contarme un poco cómo nació este álbum? ¿Cómo fue el proceso de creación?

Mogwai: No fue el disco más fácil de hacer. Pasamos por un momento complicado porque la hija de nuestro tecladista estuvo muy enferma, así que tuvimos que esperar a que su situación mejorara. Afortunadamente ahora está mucho mejor, pero al principio fue difícil juntarnos para ensayar o escribir canciones.

Una vez que entramos al estudio todo fluyó. Lo grabamos con John Congleton, que viajó desde Los Ángeles, y quedamos muy contentos con el resultado.

IR!: Me parece increíble cómo logran mantener una calidad constante disco tras disco. ¿Cómo consiguen seguir sonando frescos después de tantos años?

Mogwai: Creo que tenemos la suerte de que todos escribimos música. Hay tres de nosotros que componemos, y eso mantiene las ideas fluyendo. Cuando solo hay un compositor principal, puede ser más difícil mantener la frescura.

Además, Martin, nuestro baterista, es muy dedicado y siempre busca empujar las cosas un poco más allá. Nos gusta probar cosas nuevas y, por suerte, la gente sigue apoyando lo que hacemos.

IR!: ¿Cómo funciona ese proceso entre ustedes cuando alguien trae una idea o una canción?

Mogwai: Es bastante simple. Cada uno trabaja por su cuenta: yo hago maquetas en mi laptop, Barry tiene su estudio, Dominic también. Luego subimos las ideas a una carpeta compartida y todos las escuchamos.
Cuando nos reunimos, tocamos los temas y los vamos ajustando. Si alguien tiene una idea para cambiar o agregar algo, se prueba. Básicamente tocamos hasta que suene bien. Nada demasiado distinto a lo que hacen otras bandas, la verdad.

IR!: Algo que siempre ha llamado la atención en su música es el sonido particular de sus instrumentos. Es difícil replicarlo. ¿Cómo logran construir esos paisajes sonoros?

Mogwai: Barry cambia completamente su setup de sintetizadores en cada disco, y eso modifica mucho el sonido general. En mi caso, siempre estoy probando nuevos pedales, amplificadores, guitarras... somos bastante geeks. Nos gusta experimentar.

Casi todo lo hago con pedales; tal vez Barry hace cosas más digitales con los sintetizadores, pero mi parte es más analógica. Todo se trata de probar y encontrar algo que suene diferente.

IR!: También me parece que las portadas de sus discos siempre tienen un estilo muy particular. ¿Participan directamente en esa parte visual?

Mogwai: Trabajamos con el mismo diseñador desde hace años, Dave Thomas. Le mostramos la música, él nos enseña varias ideas y versiones, y elegimos juntos. Somos más personas de música que de arte, así que confiamos mucho en él.

IR!: ¿Qué los inspira hoy en día, tanto musical como visualmente?

Mogwai: En cuanto a cine, mi película favorita es The Exorcist. Hace poco vi un gran documental sobre su director. Además de eso, leo mucho, cómics, libros, arte… me gusta cualquier cosa que te haga pensar, sobre todo el horror y la ciencia ficción.

Musicalmente escucho mucha música ambiental —Stars of the Lid, Brian Eno—, también blues antiguo como Blind Willie Johnson y Skip James, punk como Adolescents o Siouxsie and the Banshees, y mucho hip hop. Depende del estado de ánimo, escucho de todo un poco.

IR!: ¿Tienes algún ritual para escuchar música?

Mogwai: Prefiero los vinilos. Tengo una gran colección, aunque ahora parte está guardada porque me mudé y no tengo espacio. Pero sí, escuchar discos es mi forma favorita.

IR!: Hablando de eso, ¿cómo equilibran su vida personal con la de músicos que constantemente están de gira?

Mogwai: No siempre es fácil. A veces tienes cosas personales que atender y también tienes que salir a tocar o grabar. Pero somos afortunados de poder viajar y vivir de la música, así que de alguna manera encontramos el equilibrio.

IR!: En unos días estarán tocando en México, donde tienen un público muy apasionado. ¿Qué pueden adelantarnos sobre ese show?

Mogwai: Nos encanta tocar en México. En esta gira estamos mezclando muchas canciones del nuevo álbum con temas más antiguos. Los conciertos han salido muy bien, así que tenemos muchas ganas de volver.

IR!: Ya han tocado antes en este festival, ¿qué recuerdan de esas experiencias?

Mogwai: Siempre ha sido increíble. Nos tratan muy bien y el público es enorme y entusiasta. Es un festival grande, pero se siente muy cercano al mismo tiempo.

IR!: ¿Hay alguna banda del cartel que les emocione ver?

Mogwai: Nuestros amigos de Franz Ferdinand estarán ahí, así que será genial verlos. También Foo Fighters, Queens of the Stone Age, Kadavar, hay muchos actos interesantes. Una de las mejores partes de los festivales es descubrir bandas nuevas.

IR!: Para quienes nunca los han visto en vivo, ¿en qué mentalidad recomendarían llegar a su show?

Mogwai: Con la mente abierta. Nuestra música no es convencional, así que lo mejor es venir dispuesto a dejarse llevar y disfrutar el sonido. Eso es lo más importante.

IR!: Y para alguien que quiera empezar a escuchar a Mogwai antes del festival, ¿qué canciones recomendarían?

Mogwai: Tal vez una vieja, como “Helicon 1”, o algo más reciente, como “Fanzine Made of Flesh” o “High Chaos”. Escúchenlas y vean qué les provoca.

IR!: Para cerrar, si pudieran describir a Mogwai en tres palabras, ¿cuáles serían?

Mogwai: Very, very loud (muy, muy ruidosos).

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Blackwater Holylight anuncia, ‘Not Here Not Gone’, su nuevo álbum

Una fusión contundente y profundamente melancólica.

Blackwater Holylight, originalmente un cuarteto y ahora consolidado como un poderoso trío de hard rock, ha cimentado su lugar en la escena underground de Los Ángeles. Este cambio de ubicación, tras un productivo periodo en Portland, Oregón, coincide con el anuncio de su muy esperado álbum debut: Not Here Not Gone.

Este trabajo discográfico, resultado es una propuesta sonora audaz que teje las texturas monolíticas y pesadas del doom metal con la atmósfera etérea y expansiva del shoegaze, se lanzará el 30 de enero de 2026 bajo el sello independiente Suicide Squeeze Records. 

Como primera muestra de esta evolución, la banda ha compartido el sencillo "Heavy, Why?", una canción que se construye sobre riffs de guitarra cargados de melancolía que sirven como vehículo para la exploración lírica de la desconexión corporal y la alienación emocional. La tensión narrativa y musical se mantiene en constante ascenso, culminando en un potente y catártico clímax eléctrico.

'Heavy, Why?' es un arreglo líricamente ligero e instrumentalmente pesado que, de forma críptica pero intencionada, habla de la experiencia de estar desencarnado y plantea la pregunta, simplemente: '¿Por qué? ¿Por qué es una experiencia tan dura, solitaria, angustiosa y pesada el alejarse del Ser?'", explicó Sunny Faris en un comunicado de prensa.

Dale play a continuación:

"Heavy, Why?" encapsula la filosofía de Blackwater Holylight: una banda que logra ser innovadora y atemporal, ofreciendo una propuesta que resuena con la intensidad del presente sin dejar de lado la riqueza del rock pesado clásico.

Mira la portada y el tracklist:

Blackwater not here not gone,

1. "How Will You Feel"

2. "Involuntary Haze"

3. "Bodies"

4. "Heavy, Why?"

5. "Giraffe"

6. "Spades"

7. "Void To Be"

8. "Fade"

9. "Mourning After"

10. "Poppyfields"

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Wolfmother celebra 20 años de su álbum debut con una edición en vinilo

Un disco que redefinió el hard rock moderno regresa en formato picture disc limitado.

Han pasado dos décadas desde que Wolfmother irrumpió en la escena internacional con su álbum debut homónimo, un trabajo que devolvió la energía del hard rock y la psicodelia setentera a los escenarios de medio mundo. Para celebrar el 20 aniversario de este lanzamiento, la banda australiana anuncia una edición especial en vinilo doble picture disc deluxe, con arte del legendario ilustrador Frank Frazetta y un tiraje estrictamente limitado para coleccionistas.

Publicado originalmente en 2005, Wolfmother marcó una época en la que el rock parecía perder fuerza frente al auge del indie y la electrónica. Con riffs implacables, distorsión sin concesiones y una voz cargada de poder, el trío liderado por Andrew Stockdale logró algo inesperado: devolver el protagonismo al rock más crudo y directo. El álbum alcanzó el Top 10 en Australia, ingresó al Billboard 200 de Estados Unidos, fue multiplatino y ganó tres premios ARIA, incluyendo Mejor Álbum de Rock.

Su impacto trascendió los rankings. Canciones como “Joker and the Thief”, “Mind’s Eye” y “White Unicorn” se convirtieron en himnos de festivales, películas y videojuegos, consolidando a Wolfmother como una de las bandas más influyentes del renacer del rock en los 2000. En 2007, su sencillo “Woman” ganó el Grammy a Mejor Interpretación Hard Rock, convirtiéndose en la primera agrupación australiana en recibir ese reconocimiento.

El lanzamiento del vinilo conmemorativo no solo celebra su legado musical, sino también su estética: la portada, ilustrada por Frank Frazetta, sigue siendo una de las más icónicas del rock moderno. Esta nueva edición incluye dos LPs en formato picture disc con diseño exclusivo y estará disponible por tiempo limitado.

Dos décadas después, Wolfmother sigue sonando igual de potente, recordando que el rock, cuando se toca con convicción, nunca pasa de moda.

Wolfmother picture disc

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Entrevista con Jet Vesper

Soul, groove y cócteles al atardecer.

El músico australiano Jet Vesper llega al Corona Capital con una propuesta que mezcla soul, funk y un espíritu luminoso que invita a moverse sin pensar demasiado. Su música, influenciada por el groove clásico y la producción moderna, busca reconectar el cuerpo con el ritmo y la cabeza con el placer de escuchar. Desde su estudio hasta las calles que recorre con audífonos puestos, Vesper construye un universo cálido donde el sonido es tanto refugio como celebración.

Indie Rocks!: Me parece muy interesante cómo mezclas tantos géneros dentro de tu música. ¿Podrías contarme cómo llegas ahí, tus inspiraciones y un poco sobre todo eso?

Jet Vesper: Sí, creo que uno de mis “problemas” es que amo muchos estilos diferentes de música, y a veces es difícil elegir un solo camino o un solo género. Pero también es algo emocionante. En el fondo, la música con la que crecí —el soul y el funk— está en mi sangre, no tengo que esforzarme por hacerla, simplemente surge.
Siempre estoy abierto a nuevos sonidos, nuevos artistas. Me considero un estudiante de por vida, siempre aprendiendo de discos o de los músicos con los que toco localmente. Es fácil absorber muchas influencias cuando escuchas tanta música, pero lo difícil es hacer que realmente funcione. A veces algunas ideas simplemente no encajan, pero cuando lo hacen, es algo mágico.

IR!: Me gusta mucho eso que dices de escuchar a muchos artistas. Para mí, escuchar música también es un ritual. ¿Cómo escuchas música tú? ¿Dónde y qué sueles oír?

JV: Escucho música en el estudio, sobre todo antes de crear, para subir mis niveles de energía. La música tiene ese poder de cambiarte el ánimo. Pero también escucho mucho cuando camino; me gusta recorrer una ciudad y combinar el paisaje visual con lo que estoy escuchando.

En el estudio presto atención a los detalles de producción; en la calle, todo se trata del vibe. Últimamente he estado escuchando a varios artistas que estarán en el Corona Capital, como Leisure y los también australianos Cut Copy. Tengo muchas ganas de verlos.

IR!: Te va a encantar la Ciudad de México, tiene esa energía visual que combina perfecto con la música. Y hablando del Corona Capital, vas a tocar el último día del festival. ¿Qué puede esperar el público de tu presentación?

JV: Estaré tocando con una banda de cinco integrantes con la que he girado por Europa y Australia durante todo el verano. Hemos desarrollado una conexión muy buena y cada show se siente más especial. Tocamos todo en vivo, sin backing tracks, así que tenemos cierta libertad para improvisar y responder a la energía del público. No es una sesión de jazz libre, pero sí dejamos espacio para que las cosas fluyan y cada concierto sea único.

IR!: Para quienes aún no te han escuchado pero quieren verte en el festival, ¿qué canciones recomendarías para empezar a conocer tu música?

JV: La que más conecta con la gente es “Love in the Open”, pero también recomendaría “Golden Day” y “Sunny”. Creo que esas tres canciones representan bien mi sonido.

IR!: ¿Y en qué estado mental recomendarías llegar a tu show?

JV: Me gustaría que la gente llegue con el corazón abierto y lista para dejarse llevar. Quiero que el público salga de su cabeza y entre en su cuerpo, que bailen, que canten y se sientan parte de una comunidad por un momento. Espero poder ofrecerles una especie de “vacación mental” mientras dura el concierto.

IR!: Para cerrar, si pudieras describir a Jet Vesper en solo tres palabras, ¿cuáles serían?

JV: Beach, cocktails y smooth.

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