The Twilight Sad regresa con nuevo sencillo en siete años

“Waiting for the Phone Call” marca una nueva etapa para la banda escocesa y anticipa su gira europea en 2026.

Después de siete años de silencio, The Twilight Sad reaparece con “Waiting for the Phone Call”, una canción que cuenta con la participación especial de Robert Smith de The Cure en la guitarra. El tema, lanzado a través del sello Rock Action de Mogwai, reúne a los miembros principales James Graham y Andy MacFarlane, junto a los colaboradores Alex Mackay (Mogwai) y David Jeans.

En palabras de Graham, la canción aborda la pérdida, el amor y la enfermedad mental. “Perdí a la persona más importante para mí de una de las maneras más crueles”, expresó en un comunicado. “He usado la escritura como una forma de procesar mis emociones; componer con Andy durante estos años ha sido tanto un escape como una forma de entender la vida”.

El resultado es una pieza intensa y emocional, marcada por las guitarras melancólicas de Smith y la atmósfera oscura característica del grupo. Además, The Twilight Sad volverá a acompañar a The Cure en su próxima gira por Reino Unido, Irlanda y Alemania durante el verano de 2026.

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Melody's Echo Chamber comparte “Eyes Closed”, su nuevo single

Celebrando el presente.

Luego del anuncio de su cuarto álbum de estudio, Unclouded, que estará disponible el 5 de diciembre a través de Domino y el estreno de "In The Stars", Melody's Echo Chamber comparte su segundo single, "Eyes Closed". 

Esta pieza musical transita entre el realismo y la fábula, explorando géneros que van desde el soul y la psicodelia hasta los confines del krautrock. Es, quizás, la composición más desenfrenada y juguetona del álbum.

Cierro los ojos no por negación, sino por devoción: a los recuerdos vívidos, a la complejidad de los sentimientos humanos, a ver más profundamente. También está impulsada por una estética resiliente que enfatiza la belleza de lo transitorio y la sensación agridulce de su impermanencia”, expresó la cantante en un comunicado de prensa.

Dale play aquí:

La talentosa artista francesa Melody Prochet promete un nuevo álbum, que se perfila como una oda al optimismo y la imaginación. Inspirada profundamente por el universo mágico y las narrativas conmovedoras del aclamado director de cine japonés Hayao Miyazaki, Prochet ha tejido una colección de canciones que capturan la esencia de la maravilla y la esperanza.

Cuanta más experiencia tengo de vida, más profundamente amo la vida y menos necesito escapar de ella. Si bien mi corazón aún pertenece a la hora azul, también siento como si hubiera reunido todos los fragmentos de mí mismo que estaban dispersos por todas partes y los hubiera pegado con oro, como en el kintsugi japonés”, concluyó la artista.

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“A Point Too Hard To Make”, lo nuevo de The Cribs

Espíritu puro y una melodía con estilo.

Lo nuevo de The Cribs es un adelanto de Selling A Vibe, su noveno disco que saldrá a la venta el 9 de enero de 2026 bajo el sello Play It Again Sam. Este material promete sorprender con un sonido fresco y distintivo, consolidando aún más a la banda de Wakefield.

El video musical "A Point Too Hard To Make", dirigido por Andy Knowles, trata sobre darse cuenta de lo importante que es una relación. Esto se ve claramente al final, con un abrazo emotivo entre los hermanos Gary y Ryan.

Años dedicados a anhelar conexión, evasión, emoción, todo ello en abundancia, durante toda una década. ¿Qué haces cuando se acaba la fiesta? ¿Dónde te deja? Te avisaremos si llegamos. Pero aún nos tenemos el uno al otro. De eso se trata esta historia, un poco de improvisación, en realidad”, explicó sobre el track, Gary Jarman.

Dale play a continuación:

Selling A Vibe promete ser un reflejo de su escepticismo sobre un mundo que le da más importancia a la cantidad que a la calidad y al estilo que a la sustancia. Esta es una iniciativa genuina que documenta la autenticidad y la honestidad, impregnada de un espíritu puro.

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Entrevista con Mirror Revelations

El trío presume de mucho poder y oscuridad con Ignea y su más reciente sencillo "Liberar". Donde los sintetizadores analógicos, el bajo distorsionado y la repetición se funden en una experiencia sensorial y urgente.

Desde Toluca, Mirror Revelations ha construido un universo donde la repetición se convierte en mantra y el ruido se transforma en movimiento. Su sonido, alimentado por pulsos motorik, texturas analógicas y bajos distorsionados,  apunta tanto a la pista de baile como a la introspección. Con Ignea y "Liberar", el trío lleva esa búsqueda a un nuevo terreno: más crudo, más oscuro y profundamente emocional.

Indie Rocks!: ¿Qué ha cambiado desde esos momentos de Aura (2023) hasta el Mirror Revelations que son ahora?

Mirror Revelations: Yo creo que, pues sí, justo el conocer más gente, ver quién puede tocar con nosotros, acoplarnos más con ciertas personas. También explorando nuevos sonidos, hemos querido incorporar nuevas cosas a nuestro proyecto; siento que musicalmente también hemos evolucionado bastante. Y, claro, conectar con mucha gente de la escena alternativa, lo que llamamos la escena local.

IR!: ¿Qué onda con el sencillo “Liberar”, que lanzaron el 29 de agosto? Cuéntenos de esta canción.

MR: “Liberar” es el primer sencillo de nuestro nuevo álbum Ignea. Lo estamos trabajando desde hace tiempo y trata una temática que no se puede ignorar: lo que está pasando en Palestina e Israel. Una temática compleja, pero al componerla sentimos un clic y supimos que era una plataforma para decir algo. Pensamos que hay cosas que no se pueden evitar y que, aunque uno quiera evitarlas, la música te obliga. Si te afecta y está afectando a muchísimas personas, ¿por qué no llevarlo a la música? Es una canción con mucha fuerza, que habla de no quedarnos callados y tratar de movilizarnos.

Además, dura casi ocho minutos, y ahí vemos una resistencia al formato corto impuesto por la industria. Decidimos que durara ese tiempo, porque simplemente así lo sentíamos.

IR!: Ustedes se producen, trabajan en casa, tienen libertad creativa. ¿Han pensado en traer a un productor externo para este álbum o para el tercero?

MR: Sí, lo hemos pensado para el tercer disco, estamos sopesándolo, calibrándolo. En el segundo disco teníamos una visión muy clara de lo que éramos y no sentimos que hiciera falta, pero para el tercero no estamos cerrados. Nos gusta colaborar. Y hablando del próximo álbum: ya salió “Liberar”, quizá saquemos otro sencillo, queremos que sea sorpresa. Este disco será más oscuro, más contestatario: menos guitarra, más batería, más sintetizador procesado, más crudeza, más minimalismo, más trance. También incorporamos elementos de EBM e industrial.

IR!: En el arte visual del álbum, “Liberar” viene con una portada subversiva —cuéntenos del proceso visual.

MR: Exacto. Desde el nuevo álbum me estoy rifando todo lo artístico. El arte de “Liberal” tiene esa repetición, pero con un punto de quiebre: un triángulo rojo al centro que parece decir “algo va a estallar”. Nuestra estética de arte va más hacia la ilustración, hacia que el noise sea visible, tangible.

IR!: Hay distintos “mirror” en Mirror Revelations: el espejo del estudio, el del escenario, el de la creación íntima. ¿Con cuál se quedan?

MR: Buena pregunta. Yo me quedo con el mirror en el escenario: uno frente al público, con libertad, con expresión. Me quedaría con ese mood del escenario, porque al final es otro “yo”, es la libertad de hacer muchas cosas y conectar. Pero pensándolo bien, me quedaría con esos mirror también.

IR!: ¿Cómo es un día de concierto para ustedes? ¿Algún ritual o preparación especial para entregarse al escenario?

MR: Intentamos levantarnos temprano, salir a correr, hacer ejercicio para desestresarnos. Comer ligero para que no nos pese. En la Ciudad de México es pesado por el tráfico, tienes que salir muy temprano. Pero la idea es que sea algo que relaje, que te conecte con la gente, no algo tortuoso.

IR!: ¿Tienen pensado lanzar este álbum en formato físico, como vinilo?

MR: Somos amantes del formato físico, y definitivamente queremos lanzar en vinilo. Hay sorpresas, aunque aún no podemos adelantar mucho, lo más seguro es que sí sea en formato físico.

IR!: Para cerrar: ¿quieren dejar un mensaje para la audiencia de Hipnosis?

MR: Sí, agradecer el espacio, esperamos que puedan escuchar “Liberar”, que lleguen temprano al festival. También que aprovechen para ver propuestas mexicanas emergentes, quedarse los dos días.
(Risas) Estamos quizá grandes, los achaques piden cama, pero la música nos da energía; vamos con todo, ni sueño, ni irnos temprano.

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Entrevista con Bala

El dúo gallego presenta Besta, un disco donde la furia y la ternura conviven en perfecta disonancia, y se prepara para su debut en México dentro del festival Hipnosis 2025.

Desde Galicia, Bala se ha consolidado como una de las propuestas más potentes y viscerales de la escena ibérica. Su mezcla de punk, grunge, stoner y metal no busca complacer, sino canalizar —con ruido y emoción— una visión del mundo atravesada por la precariedad, el feminismo y la necesidad de resistir.

Con su nuevo álbum Besta, el dúo formado por Anxela Baltar y Violeta Mosquera eleva su sonido a un nuevo nivel: un grito de rabia y esperanza en tiempos convulsos. A días de su presentación en Hipnosis 2025, conversamos con ellas sobre el proceso detrás del disco, la maternidad, las colaboraciones y lo que significa tocar por primera vez en México.

“Era inevitable que el disco fuera tan frontal”

Indie Rocks!: Besta se plantea como un disco que no solo critica lo que está mal, sino que también resalta lo que nos sostiene. ¿Cómo nació esa necesidad de hacer un álbum tan directo y cargado de mensaje?

Bala: Vivimos tiempos muy duros y muy absurdos. Besta nació de la necesidad de nombrar todo eso, pero también de celebrar lo que nos mantiene vivas: la amistad, los animales, la música, las redes que nos sostienen cuando todo se tambalea. Era inevitable que el disco fuera tan frontal.

IR!: En este material trabajaron con artistas como Ana Curra, Dani Miller, Tanxugueiras y Laurispunkis. ¿Qué aportó cada colaboración al sonido de Bala y cómo eligieron con quién compartir canciones?

Bala: Cada colaboración fue una extensión natural de lo que somos. Ana Curra aportó oscuridad y legado; Dani Miller, locura y energía desbordada; Tanxugueiras, la fuerza ancestral de la tierra; y Laurispunkis, una honestidad y energía brutal. Escogimos a quienes sentimos cerca en espíritu, no solo en sonido. Fue un honor poder contar con todas estas diosas a las que tanto admiramos.

“Escribir fue una forma de resistir”

IR!: Las letras de Besta hablan sin rodeos de precariedad, consumismo, cuidado animal, medio ambiente y redes de apoyo. ¿Cómo fue para ustedes escribir desde esa sinceridad en medio de tiempos tan complicados?

Bala: Fue necesario. Me costó abrirme tanto, porque nunca lo había hecho de una forma tan directa ni tan profunda, pero era lo que tenía que salir en aquel momento. Nos tocó hacerlo desde el caos, desde la frustración y la esperanza a la vez. Escribir fue una forma de resistir y de mantener la cabeza fuera del agua.

IR!: Sabemos que la maternidad de Anxela también influyó en el álbum. ¿Qué impacto tuvo en la manera de trabajar y en lo que querían expresar en Besta?

Bala: Cambió todo. La maternidad te hace repensarlo todo: los tiempos, las prioridades, la mirada. Hay más conciencia del mundo que dejas y del que quieres construir. Te ves de pronto como una persona distinta, y al principio perdida, desubicada. Escribía estas letras agotada, intentando conectar con el proceso vital tan potente que estaba viviendo… era inevitable que no se viese reflejado en las letras y en la forma de componer.

“Estamos seguras de que habrá una conexión intensa con el público mexicano”

IR!: Se presentarán en Hipnosis 2025. ¿Qué significa para ustedes tocar en México y qué esperan del público en este festival?

Bala: Es un sueño. Tocar en México era algo que nos habían pedido muchas veces, y la idea nos rondaba la cabeza desde hacía mucho tiempo, pero por distintas circunstancias todavía no se había dado la oportunidad. Que la primera vez vaya a ser en este increíble festival nos hace sentir muy afortunadas. Estamos seguras de que habrá una intensa conexión con el público… por nuestra parte haremos todo lo posible para que así sea.

IR!: ¿Cuáles son sus bandas imperdibles en esta edición del Hipnosis 2025?

Bala: El cartel es fantástico, queremos ver a todas las bandas. Personalmente no faltaré el día 2 a los shows de Deafheaven, Dinosaur Jr y Fin del Mundo, pero estoy deseando ver a todos y cada uno de los grupos que pasarán por el festival, porque estoy segura de que las formaciones que no conozco también me van a sorprender.

IR!: Han pasado por varios discos —Human Flesh (2015), Lume (2017), Maleza (2021) y ahora Besta—. ¿Cómo sienten que ha evolucionado Bala a lo largo de estos años?

Bala: Creo que los cambios principales están en las letras y en la forma de componer. De alguna manera hemos ido buscando nuestro camino, y quizás aún no lo hemos encontrado del todo… es un proceso que continúa cada año, con cada disco. En general nos hemos vuelto más conscientes sin perder la rabia. Antes era puro instinto; ahora hay más intención, pero la misma energía.

IR!: Después de varios proyectos y tantos shows, ¿cuál dirían que es el secreto para seguir haciendo música sin repetirse ni caer en lo mismo?

Bala: No pensar demasiado. Cada disco es una versión nueva de nosotras, con lo que estamos viviendo en esa etapa vital. Simplemente soltamos lo que tenemos dentro en cada momento, y eso siempre es distinto en función de las circunstancias personales, vitales y sociales que estemos viviendo, por lo que es muy difícil caer en lo mismo.

IR!: Para alguien que aún no conoce a Bala, ¿qué canción de Besta le recomendarían escuchar primero para adentrarse en su mundo sonoro?

Bala: Seguramente “Prisas” o “Inmutable”. Ahí está todo: la rabia, la ternura, el ruido y el corazón abierto.

IR!: Si tuvieran que describir a Bala en tres palabras, ¿cuáles serían?

Bala: Ruido, verdad, entraña.

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The Damned rinde homenaje a Brian James con un nuevo álbum de covers

Not Like Everybody Else llegará el 23 de enero con versiones de The Kinks, The Rolling Stones y más.

The Damned anunció Not Like Everybody Else, un nuevo álbum de versiones que rendirá tributo a la memoria de Brian James, guitarrista fundador de la banda y autor de muchos de sus primeros temas. James falleció a inicios de este año a los 70 años.

El primer adelanto será “There’s a Ghost in My House”, original de R. Dean Taylor, disponible este jueves. El álbum, que verá la luz el 23 de enero, incluye interpretaciones de clásicos sesenteros del garage y el rock psicodélico, con temas de The Kinks, The Rolling Stones, Pink Floyd, The Creation y The Animals, además de una versión de “Gimme Danger” de Iggy and the Stooges.

Grabado en cinco días en Revolver Studio, Los Ángeles, el disco reúne a Dave Vanian, Captain Sensible, Rat Scabies (en su primera sesión con la banda en 40 años), Paul Gray y Monty Oxymoron. La portada muestra una ilustración de un joven James, envuelta en un estilo flower-power que refleja el espíritu de las canciones reinterpretadas.

Además, The Damned participará en el compilado Killed By Deaf – A Punk Tribute to Motörhead, que saldrá el 31 de octubre e incluirá una grabación en vivo de Lemmy Kilmister junto al grupo interpretando “Neat Neat Neat”.

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01. "There’s A Ghost In My House (R. Dean Taylor)"
02. "Summer In The City (Joe Cocker)"
03." Making Time (The Creation)"
04. "Gimme Danger (Iggy & The Stooges)"
05. "See Emily Play (Pink Floyd)"
06. "I’m Not Like Everybody Else (The Kinks)"
07. "Heart Full Of Soul (The Yardbirds)"
08. "You Must Be A Witch (The Lollipop Shoppe)"
09. "When I Was Young (The Animals)"
10. "The Last Time (The Rolling Stones)"

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Expo Mitzu: tecnología, música y comunidad en un solo espacio

Un evento que celebra la innovación acústica, los clientes y la escena independiente mexicana.

El evento organizado por Mitzu junto a Kaiser, reunió en un solo lugar la pasión por el sonido, la innovación en equipo de audio y el impulso a los nuevos talentos de la música independiente. Durante la jornada se exhibieron soluciones que van desde bocinas para fiesta hasta monitores de estudio, interfaces, teclados y guitarras, reafirmando que “el futuro del sonido ya está aquí”.

Entre los invitados y protagonistas del evento se encontró la banda veracruzana Carolina Club, que gracias al apoyo del Estudio Kaiser —espacio dedicado a asesoría, ensayos gratuitos y grabación con responsabilidad hacia los nuevos proyectos— presentó su propuesta energética ante el público. “Cuando nos dieron la noticia nos quedamos en shock… estamos muy agradecidos de estar aquí”, declararon los integrantes tras la invitación de Arturo Carreño Massó, Director general de Mitzu y fundador de Kaiser México.

El evento pasó de la exhibición de productos a la celebración musical: desde el trío Spoys, Emilio Osorio, hasta La Sonora Dinamita, la jornada mostró diversidad de géneros, demostrando que Mitzu y Kaiser son líderes del mercado y orgullo mexicano. Más que una feria, la Expo Mitzu se presentó como un espacio de diálogo entre marcas, artistas emergentes y comunidad, fortaleciendo lazos, mostrando innovación y agradeciendo la confianza de quienes buscan el mejor sonido.

Nos vemos en la próxima. Vive el sonido a tu manera en Mitzu: no importa cuál sea tu ritmo, tu mood o tu estilo, aquí encuentras la opción de audio perfecta para ti.

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Florence + The Machine libera “Sympathy Magic”

El tema llega acompañado de un video dirigido por Autumn De Wilde, con la intensidad emocional que distingue a Florence Welch.

Florence + The Machine comparte “Sympathy Magic”, el último adelanto de su próximo álbum Everybody Scream, disponible este 31 de octubre. Escrita y producida junto a Danny L. Harle y Aaron Dessner, la canción captura el equilibrio entre vulnerabilidad y euforia que ha definido la carrera de Florence Welch.

Inspirada en una cirugía que la cantante enfrentó durante la gira de Dance Fever en 2023, “Sympathy Magic” transforma la fragilidad física en una declaración de renacimiento. Entre versos que evocan la pérdida de memoria y la reconciliación con el propio cuerpo, Welch canta:

The scar fades but pulls inside / Tugging at me all the time.”

El video, dirigido por su colaboradora habitual Autumn De Wilde, refuerza el tono liberador de la canción: Welch y un grupo de mujeres aparecen en los paisajes ventosos de las Highlands, encarnando la fuerza que surge tras el dolor.

Con “Sympathy Magic”, Florence + The Machine cierra la antesala de un disco que promete ser uno de los más personales de su trayectoria: un grito luminoso ante la transformación y la supervivencia.

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Entrevista con Grave / Mal

El dúo mexicano redefine el ruido como ritual: texturas densas, cuerpos en movimiento y una comunidad que no se resigna.

El tran(s)ce-punk nace de un proceso de autoconocimiento que ha estado gestándose durante años. Es el cúmulo de averiguaciones que condensa lo que más nos atrae al tocar: repetición, ruido rítmico, texturas densas y atmósferas oscuras… que puedes bailar (si quieres). Es el trance de sentirnos en sintonía y no soltar esa insistencia hasta sus últimas consecuencias. Música trans-fronteriza. En el cuerpo y en el sonido.

Indie Rocks!: Hace siete meses lanzaron su álbum Todo Acaba. ¿Cómo fue para ustedes trabajar ese material y llegar al resultado que ya podemos escuchar?

Grave / Mal: ¡Siete meses! Wow, el tiempo vuela cuando te diviertes. Este material tomó mucho tiempo en gestarse debido a diversos procesos personales que atravesamos. Llegar al resultado final se sintió como una odisea… en cualquier momento parecía que podría valer verga. Pero no lo hizo.

Materializarlo implicó paciencia, ternura, fortaleza, adaptación y mucho enfoque. Nada de eso hubiera sido posible sin tener clara nuestra intención de seguir conociéndonos a través de la música y lo que representamos. Somos dos personas que se aman y hacen lo que pueden.

IR!: ¿Cómo decidieron que su música estuviera disponible en plataformas como Bandcamp y YouTube?

G / M: En su momento no lo pensamos demasiado. Nuestro enfoque nunca estuvo realmente en las plataformas que usaríamos para presentarnos. Nos concentramos en tocar en vivo y distribuir cintas en los shows. Fuera de eso, Bandcamp y YouTube siempre fueron herramientas que nosotras mismas usábamos para descubrir música, por lo que resultó natural pensarlas para nuestro propio trabajo.

Más tarde subimos nuestra música a otras plataformas como Spotify —hasta que entendimos que, además de ser una plataforma de mierda para lxs músicxs en general—, también subvenciona el genocidio militar.

IR!: ¿Cómo surgió su acercamiento al festival Hipnosis y qué podemos esperar de su presentación en esta octava edición del festival?

G / M: Nuestro acercamiento fue algo bastante inesperado. Recibimos la invitación y decidimos aventarnos a esta experiencia, algo muy nuevo para nosotras. Eso mismo nos emociona. ¿Qué se puede esperar? Difícil pregunta. Haremos lo que podamos —y no olvidaremos pasarla bien—.

IR!: ¿Qué planes tienen para Grave / Mal en 2026?

G / M: La verdad es que no somos mucho de planear (jaja), pero pronto lanzaremos nuestro primer vinilo con un compañero que tiene un sello llamado Pinches Discos. Será el álbum Todo Acaba más un malicioso sencillo que acabamos de sacar, titulado “Transitar la Dicha de un Mal Camino”. También queremos girar por otros países y seguir conociendo por ahí. Vamos a ver qué pasa.

IR!: ¿Y a corto plazo, qué les gustaría hacer con el proyecto?

G / M: Reiterando: no somos mucho de planear. Pero en lo que respecta al futuro cercano, cerraremos el año con algunas tocadas en CDMX, Cuernavaca y aquí en Guanatos. Por ahora eso nos motiva mucho, y es suficiente. Queremos seguir tocando y explorando este nuevo modus operandi.

IR!: Para alguien que aún no los conoce, ¿por dónde empezar?

G / M: Perfecto momento para decirlo: no somos muy fans de recomendar sólo un track, pero si tuviera que hacerlo, diría que busquen el álbum Todo Acaba. Esas canciones tienen la condensación de todo lo que somos y buscamos.

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Entrevista con Pavement

Slanted, Enchanted… y de regreso en México.

Bob Nastanovich habla sobre el documental, el paso del tiempo y la emoción de tocar por primera vez en el país.

Pavement es una de esas bandas que nunca se propuso definir a una generación, pero lo hizo de todos modos. Desde sus comienzos en Stockton, California, su sonido lo-fi, su humor absurdo y su honestidad los convirtieron en un referente absoluto del indie rock noventero. Ahora, más de tres décadas después de su formación, el grupo liderado por Stephen Malkmus se prepara para presentarse por primera vez en México dentro del festival Hipnosis 2025, y lo hace en un momento donde su legado vuelve a ser revisitado gracias a un nuevo documental y una inesperada conexión con las generaciones más jóvenes.

En charla con Indie Rocks!, Bob Nastanovich, percusionista y uno de los miembros más carismáticos de la banda, reflexiona sobre esta nueva etapa, los años compartidos con Malkmus y compañía, y la emoción de tocar frente al público mexicano por primera vez.

Indie Rocks!: Pavement ha marcado el camino del indie rock por más de 30 años. ¿Cómo se siente mirar atrás y aún vivir “primeras veces”, como su visita a México?

Bob Nastanovich: Es increíble. Siempre quisimos tocar en México, especialmente en Ciudad de México. En los noventa no había tanto interés por el rock alternativo o el indie, pero eso cambió mucho. Las nuevas generaciones mexicanas están muy metidas en la música subterránea y experimental, y sentimos que ahora sí hay un público que conecta con lo que hacemos. Tardamos en llegar, pero hay muchas bandas aquí que crecieron escuchando a Pavement. Así que para nosotros también es un día muy especial.

IR!: Con el nuevo documental sobre Pavement, el público ha redescubierto su historia. ¿Les hizo replantearse quiénes son como banda?

Bob: Sí, de cierta forma. Es una película divertida, un poco excéntrica, y no sé si refleja exactamente cómo somos, pero me gusta que presente una versión distinta de la banda. Escuchar nuestras canciones convertidas en un musical fue raro, pero también bonito. Es extraño ver cómo un grupo de gente puede reinterpretar algo que hicimos hace décadas y hacerlo con tanto cariño. Supongo que eso te obliga a aceptar que la música, cuando conecta, sigue viajando por generaciones.

IR!: Después de tantos años compartiendo giras y escenarios, ¿cómo ha cambiado tu relación con Stephen Malkmus y el resto del grupo?

Bob: Creo que todos estamos más tranquilos. En los 90 había mucha presión: giras interminables, prensa, expectativas, sellos discográficos… Ahora no hay nada de eso. Nos reunimos porque nos gusta tocar juntos y porque todavía nos llevamos bien. En esta versión de Pavement hay más libertad. Rebecca Cole, nuestra nueva integrante, ha aportado mucho. Es una gran música y nos ayuda a sonar más completos.

IR!: Su canción “Harness Your Hopes” se volvió viral y acercó a una nueva generación a la banda. ¿Cómo viven ese resurgimiento inesperado?

Bob: Es algo que no esperábamos. Mientras el documental se hacía, “Harness Your Hopes” explotó en internet y de repente había adolescentes escuchando Pavement por primera vez. Fue raro, pero al mismo tiempo nos hizo sentir agradecidos. Si alguien descubre nuestra música por una canción perdida, está bien. Lo importante es que el interés sea genuino.

IR!: ¿Cómo eligen qué canciones tocarán en el festival Hipnosis? ¿Se vuelve más difícil con tantos discos y épocas distintas?

Bob: ¡Sí! Es difícil porque hay mucha música y cada quien tiene sus favoritas. Generalmente yo armo el setlist, pero Stephen lo revisa y a veces cambia cosas dependiendo de lo que puede cantar o del ánimo del momento. Intentamos que haya un balance entre lo que la gente quiere escuchar y lo que nosotros disfrutamos tocar. Lo importante es que se sienta bien, que fluya. No se trata de hacer una lista perfecta, sino de mantener la energía.

IR!: ¿Cuál dirías que es el secreto para seguir haciendo música sin caer en la monotonía?

Bob: No sé si hay un secreto. Creo que lo importante es divertirte. En mi caso, nunca fui músico profesional; empecé a tocar una semana antes de nuestro primer show. Siempre fui más bien un tipo que estaba ahí para animar y mantener el ritmo. Si me lo sigo tomando así, todo sigue siendo divertido. La monotonía aparece cuando empiezas a tomarte demasiado en serio.

IR!: ¿Y cómo describirías a Pavement en tres palabras?

Bob: Torcidos. Hechizados. Eternos.

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