Vince Staples anuncia disco con “Blackberry Marmalade”

El rapero regresa con un sencillo que adelanta su próximo disco.

Vince Staples está de regreso con Cry Baby, su nuevo álbum que llegará el próximo 5 de junio y contará con un total de 10 canciones. Como primer adelanto, el rapero de Long Beach reveló “Blackberry Marmalade”, sencillo que marca esta nueva etapa tras el lanzamiento de Dark Times (2024).

Este material será su primer trabajo junto al sello Loma Vista, después de haber colaborado con Def Jam y Blacksmith, lo que representa un cambio importante en su trayectoria. Con un enfoque más independiente, Cry Baby se perfila como un proyecto que apuesta por una visión más libre y personal, incluso desde su construcción sonora, ya que incorpora instrumentación en vivo como parte central de su propuesta.

Bajo este contexto, “Blackberry Marmalade” no solo funciona como el primer vistazo, sino que también trae consigo un mensaje político. En la canción, Staples aborda temas como la violencia y la experiencia de ser una persona negra en Estados Unidos, con una narrativa que se complementa con un video grabado en primera persona, donde el espectador se sumerge en la historia como si fuera el protagonista.

Con Cry Baby, el rapero presentará una faceta más introspectiva, haciendo uso de narrativas conceptuales que se enlazan con su propuesta musical al incorporar distintas melodías junto al rap. A través de este nuevo disco, Vince muestra su postura frente al contexto social y político que atraviesa su país, y también deja ver que su evolución sonora está estrechamente ligada a su entorno.

Esta es la portada y el tracklist:

Vincestaples cover

01 "Blackberry Marmalade"
02 "Go! Go! Gorilla"
03 "White Flag"
04 "The Running Man"
05 "TV Guide"
06 "The Big Bad Wolf"
07 "Only in America"
08 "Do You Know the Devil"
09 "Cotton"
10 "7 in the Morning"

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Uncle Acid & The Deadbeats revela “Don’t Let It Control You”

El sencillo adelanta su próximo álbum de estudio. 

Uncle Acid & The Deadbeats está de regreso con “Don’t Let It Control You”, un sencillo que marca el inicio de una nueva etapa y adelanta lo que será su próximo material de estudio. Tras un periodo de experimentación con su álbum conceptual Nell' Ora Blu (2024), el grupo liderado por Kevin Starrs vuelve con un lanzamiento que retoma influencias setenteras y, además, reafirma su identidad dentro del rock contemporáneo.

El tema, lanzado a través de su propio sello Killer Candy Records, es el primer sencillo que promociona su siguiente álbum, donde la banda mantiene esa esencia de rock pesado que los caracteriza. La letra hace referencia a conservar la autonomía personal y no permitir que el miedo o la manipulación tomen el control, poniendo énfasis en la lucha interna por mantener el rumbo de la propia vida.

Para acompañar este estreno, el grupo presentó un video musical filmado en formato Super 8, lo que le da un toque analógico. El clip fue producido por Tinnitus Productions, una casa especializada en estética de bajo presupuesto y cine de terror clásico que complementa el ambiente construido en la canción, la cual se apoya en un sonido con tintes garage para crear una atmósfera hipnótica que mezcla la crudeza del proto-punk con elementos del doom y el psych rock.

Desde su formación en 2009, Uncle Acid & The Deadbeats se ha caracterizado por retomar sonidos del pasado y reinterpretarlos bajo una visión propia, esto les ha permitido consolidarse como una de las propuestas más sólidas dentro del rock psicodélico moderno. Con este nuevo sencillo, la banda no solo confirma su regreso, sino que deja claro que su evolución continúa incluso después de varios años de trayectoria.

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Entrevista con My New Band Believe

Ocho canciones, una sola idea en movimiento.

Con un enfoque más intuitivo que estructurado, Cameron Picton construye el primer álbum de My New Band Believe como un flujo continuo más que como una suma de canciones. A lo largo de ocho tracks, el disco se arma a partir de ideas que se filtran, se descartan y se reorganizan hasta encontrar una coherencia propia. En esta conversación, Picton habla sobre el origen del material, su dimensión visual y la forma en que este proyecto empieza a trasladarse al escenario.

Indie Rocks!: Muchas gracias por tu tiempo. Y felicidades por el lanzamiento del álbum. Este álbum tiene ocho canciones. A la primera escucha, se siente como una actuación en un teatro, en ocho partes. Entonces, ¿cómo abordaste el desarrollo de este material desde un punto de vista sónico y comercial?

My New Band Believe: Digo, fue como ideas vagas de super-camino. Con el tiempo, descartaba algunas e incorporaba nuevas. Así que fue un montón grande de ideas que terminaron convirtiéndose en este álbum a través de un proceso de filtrado natural.

IR!: Ahora nos gustaría conocer un poco más sobre la historia de fondo de la pintura que está como la portada del álbum.

MNBB: Tenía esta idea para la composición del álbum y contacté al pintor Junyu. Le envié lo que pensaba que debería ser la composición, y me mandó un boceto en una semana. Terminó enviándome la pintura terminada en tres días.

IR!: Antes del lanzamiento del álbum, soltaron el primer sencillo "Love Story" con un video musical. Me parece la perfección de la vida en pareja. Cuéntame la historia detrás del video, el proceso de grabación y por qué elegiste esta canción como primer sencillo.

MNBB: Creo que parecía la opción obvia para el primer sencillo, quizá esa y "Target Practice”, pero fue la que recibí mejor retroalimentación en presentaciones en vivo. La gente parece tener una buena reacción emocional con la canción. Sobre el video, la narrativa es separada de la narrativa de la canción, pero sí, Parker de Injury Reserve slash Bite Storm lo hizo y lo hizo genial.

IR!: Hablando del álbum, ¿cuál es tu canción favorita en este momento?

MNBB: No estoy seguro. Digo, me gusta como un todo completo, todo el álbum. Creo que una canción no se destaca necesariamente sobre las otras. Es un álbum pop-out, pero lo que me alegra es la forma en que fluye y la idea de que todo contribuye a un ambiente completo que se sostiene en todo el disco.

IR!: Bien, pues mi favorita es la primera porque me encanta el final.

MNBB: Sí, sí. Me encanta eso. Genial.

IR!: Gracias. No hay problema. Mi siguiente pregunta es sobre esa publicación en Instagram. Tuviste un lanzamiento exclusivo del álbum en Nueva York, y dijiste que solo vives en Nueva York, tienes un tocadiscos y un parlante. ¿Cómo fue esa experiencia?

MNBB: Fue muy divertida. No pude hacerlo tanto como quería, solo tres veces, porque terminé muy ocupado en Nueva York. Me hubiera gustado hacerlo más. Intenté hacerlo en Londres esta semana, pero no se dio porque estaba ocupado.

IR!: Ahora tenemos el álbum en vinilo. ¿Tienes una recomendación para la primera escucha? ¿Solo en una habitación, con audífonos o en una reunión con amigos?

MNBB: Bien fuerte, bien fuerte, bien fuerte. No con volumen bajo.

IR!: Bien, eso es bueno. Sí, nada de volumen bajo. Ahora tienen fechas próximas en Norteamérica, Reino Unido y Europa. ¿Cómo es llevar la experiencia del álbum a un show en vivo?

MNBB: Es bastante emocionante porque en vivo lo estamos tocando con guitarras eléctricas en lugar de acústicas, así que es divertido traducir la energía a instrumentos bastante diferentes.

IR!: ¿Hay un venue especial donde te encante tocar el disco completo de principio a fin?

MNBB: Estoy emocionado por el primer show luego de lanzar el álbum, en Rewire, porque siempre he querido ir al festival. Será genial tocar ahí.

IR!: Genial. ¿Y qué podemos esperar de My New Band Believe este año?

MNBB: Más música, ojalá tanta como sea posible.

IR!: Como última pregunta: define My New Band Believe en tres palabras.

MNBB: Abierto, divertido y abierto.

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Suki Waterhouse da detalles de su nuevo disco

La británica comparte el segundo adelanto de su siguiente álbum. 

Suki Waterhouse continúa revelando adelantos de lo que será su próximo material de estudio, Loveland, a través de Island Records, el cual se estrenará el 10 de julio de 2026 y contará con 14 canciones. De estas, ya presentó “Back in Love” y ahora lanza “Tiny Raisin”. Este álbum llega después de Memoir of a Sparklemuffin (2024) y confirma su crecimiento artístico dentro del indie pop.

Loveland será un disco que explora conflictos personales, de identidad y de relaciones, manteniendo ese estilo melancólico que la ha caracterizado, pero con una producción más expansiva y una propuesta más íntima y emocional. El primer adelanto de este proyecto fue “Back in Love”, sencillo cuya narrativa gira en torno a los cambios emocionales recientes en la vida personal y profesional de la artista.

Con “Tiny Raisin”, Suki presenta un tema que retrata la intensidad de una relación amorosa marcada por un ciclo constante de peleas y reconciliaciones; una dinámica que refleja vulnerabilidad y desgaste emocional, pero que, conforme avanza, se convierte en una confesión sobre el caos de amar y odiar al mismo tiempo.

En entrevistas recientes, Waterhouse ha señalado que este proyecto está influenciado por su experiencia personal, incluyendo su vida familiar y su evolución como artista, lo que convierte a Loveland en su trabajo más honesto hasta ahora. Con “Tiny Raisin”, deja ver que apuesta por una narrativa más vulnerable y directa, consolidando una identidad que continúa evolucionando.

Mira la portada a continuación:

Suki waterhouse loveland

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Death Cab for Cutie estrena “Punching The Flowers”

La banda presenta el segundo adelanto de I Built You A Tower

Death Cab for Cutie continúa presentando adelantos de lo que será I Built You A Tower, su próximo álbum de estudio que llegará el 5 de junio a través de ANTI- Records. En esta ocasión, la agrupación comparte Punching The Flowers, el segundo sencillo del disco en el que la banda opta por reconectar con aquello que los convirtió en referentes del indie rock

“Punching The Flowers” llega después deRiptides y se presenta como una pieza de rock donde el sonido de las guitarras funciona como eje principal. La inspiración detrás de la letra surge de una escena cotidiana observada por Ben Gibbard: un niño pequeño haciendo un berrinche mientras golpea flores frente a una tienda. Esta imagen se transforma en una metáfora sobre el estancamiento, la sensación de estar atrapado incluso dentro de lo que alguna vez fue bello y cómo esa frustración puede terminar por romperlo todo. 

De acuerdo con Gibbard, el tema explora el daño que ocurre cuando intentamos adentrarnos en lo desconocido mientras nos sentimos encarcelados por nuestra propia realidad. Esta tensión deja ver el tono general del disco, que nace de un momento complejo para el músico, quien, mientras se encontraba de gira, enfrentaba situaciones complicadas en su vida personal. 

Esa dualidad entre el éxito en los escenarios y el colapso privado da como resultado un material que gira en torno a la pérdida, el duelo y la urgencia de construir espacios emocionales para poder seguir adelante. Con este estreno, el quinteto reafirma su capacidad para transformar experiencias personales en composiciones que conectan con una realidad colectiva. 

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Architects: Sam Carter y la memoria de una noche en México

Entre tequila, caos y película análoga: cuando el recuerdo se vuelve imagen.

A veces, lo que queda de una gira no es el escenario ni el setlist. Es lo que pasa después. Lo que no estaba planeado. Lo que se siente más que se documenta. En una visita pasada en nuestro país, Sam Carter, frontman de Architects, dejó ver una faceta distinta de la experiencia: una más íntima, más caótica, más humana.

Lejos del peso del escenario, Carter encontró en la noche mexicana un espacio para soltarse.

"That night of tequila shots turned into one of the best nights out we’ve had… one of the last times I was properly drunk, and still worth it." La frase no romantiza el exceso, sino el momento: una noche compartida con su círculo cercano: su manager Miles y su agente Adam, donde el jet lag, el cansancio y la emoción se mezclaron en una especie de celebración espontánea. Sin filtros. Sin estructura. Solo dejándose llevar.

Pero no todo fue ruido.

Entre recorridos, caminatas y pausas, Carter comenzó a mirar el entorno desde otro lugar. La cámara, una de rollo expirado, se convirtió en una extensión de esa experiencia. “My other memories are lots of walking around and taking as much film photos as I could. This was one of my first ventures into film.” No hay perfección en ese gesto, sino exploración: capturar sin saber exactamente qué saldrá, confiar en el accidente, en el error, en lo que se escapa.

Y ahí es donde la visita toma otra dimensión.

Porque esas imágenes imperfectas, granuladas e impredecibles, dialogan con la propia naturaleza de la memoria. No documentan con precisión, sino que evocan. Son fragmentos de una ciudad que no se intenta explicar, sino sentir.

"Fun looking back and seeing what I managed to get with old expired film." Hay algo revelador en esa idea: mirar hacia atrás y descubrir que, incluso en lo caótico, algo permanece. Algo se guarda.

México, en ese sentido, no fue solo una parada más en la gira de Architects. Fue un espacio para recordar noches pasadas de experiencia compartida, de desorden emocional y de descubrimiento personal. Un lugar que se vive desde lo colectivo, pero también desde lo profundamente individual.

"We love Mexico."

Una frase simple, directa, pero que en este contexto carga con todo lo anterior: noches largas, calles recorridas, fotos inesperadas y momentos que no buscan ser perfectos, solo reales.

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Entrevista con PNAU

Energía, colaboración y el pulso global de la pista de baile.

De Australia a la Ciudad de México, el dúo llega al Foro Indie Rocks! con nueva música, colaboraciones inesperadas —incluida una con The Warning— y un show pensado para llevar la euforia electrónica al límite.

Con más de dos décadas explorando los bordes del dance, PNAU ha hecho de la colaboración un lenguaje propio. En los últimos años, han ampliado su universo sonoro trabajando con artistas de distintos géneros, geografías y procesos creativos. En esta conversación con Peter Mayes, nos cuenta cómo nacen esas conexiones, el detrás de su nuevo sencillo “Tu Corazón (Your Heart)” junto a The Warning y lo que podemos esperar de su primer show en México, este 1 de mayo en el Foro Indie Rocks!.

Indie Rocks!: Hay muchas cosas que me interesan de su proyecto, especialmente estos nuevos sencillos y colaboraciones que han estado lanzando, además de su próxima visita a México. Me gustaría empezar por ahí: ¿cómo trabajan las colaboraciones y cómo terminan conectando con otros artistas?

PNAU: Siempre hemos sido muy fans de colaborar, especialmente en los últimos diez años. A veces escribes una canción con alguien, como en el caso de Meduza, que hicimos con un gran cantante o compositor. En otras ocasiones decides dejar esa voz porque funciona perfecto, como pasó con Nami, una amiga nuestra de Los Ángeles, que es increíble cantante y compositora.

También hay veces en las que haces una canción y piensas: “esto sería perfecto para tal artista”, se la mandas y le preguntas si quiere participar. O incluso tienes solo un verso o un coro y decides invitar a alguien para que lo desarrolle. Pasa de muchas maneras.

La mejor forma suele ser cuando estás en el mismo cuarto con el artista, creando en el momento. Pero hoy en día, después de la Pandemia y con la forma en que la gente trabaja, muchas veces todo se hace enviando archivos por el mundo. Así que sí, la colaboración es muy importante para nosotros, pero nunca sabes exactamente cómo va a suceder.

IR!: ¿Y cómo terminan en una sesión con alguien como Meduza? ¿Se conocen en festivales, en sesiones organizadas?

P: Tuvimos un contrato con Sony en Alemania por un tiempo y nuestro A&R estaba muy involucrado en nuestro proceso creativo. Él organizaba muchas sesiones y una de ellas fue con Meduza. En ese caso, estaban en la ciudad, tenían unas horas libres y fuimos al estudio.

A veces pasa en tour, en festivales, o incluso por Instagram: simplemente contactas a alguien y le dices que te gusta su música. Pero con Meduza fue algo organizado por nuestro A&R y ni siquiera los conocíamos antes. Son muy talentosos y fue una gran experiencia.

IR!: La música es algo muy personal. ¿Qué tan complicado es trabajar con alguien que acabas de conocer?

P: A veces no funciona, claro. Pero incluso cuando no funciona para ese proyecto, puede salir algo bueno que después puedes ofrecer a otro artista.

La mayoría de las veces es una gran experiencia. La gente talentosa suele ser muy agradable, así que siempre encuentras un punto medio creativo. Entras al estudio con la idea de hacer algo en cuatro o seis horas, y luego, con el tiempo, decides si vale la pena desarrollarlo más.

El impulso creativo inicial suele ser rápido, pero luego viene todo el trabajo de producción, mezcla y ajustes. En el caso de Meduza, estuvimos enviando ideas de ida y vuelta hasta que la canción tomó forma.

IR!: Hablando de colaboraciones, ¿hay alguna soñada? ¿O algo que quieran hacer ahora que vienen a México?

P: Seguro hay muchos artistas mexicanos con los que nos gustaría trabajar, pero este es un buen momento para anunciar nuestro próximo sencillo: “Tu Corazón (Your Heart)". Es una colaboración con una banda mexicana llamada The Warning.

IR!: ¿La van a tocar en el show?

P: Sí, definitivamente. Estamos muy emocionados de compartirla. Es mitad en inglés, mitad en español, y justo ahora está sonando en un comercial de Jumex, creo que relacionado con el Mundial. Todo se alineó perfecto para venir a México con esta canción.

Nos encanta colaborar con artistas de otros géneros, traerlos a nuestro mundo y ver qué pasa. En este caso funcionó increíble.

IR!: ¿Hay posibilidad de que The Warning se unan al show en México?

P: No estoy seguro si estarán en la ciudad, pero es una gran idea.

IR!: Hablando del show en la Ciudad de México, ¿qué puede esperar el público?

P: Tenemos mucha música nueva y un álbum en camino, así que habrá material nuevo y también canciones clásicas. Nuestro show en vivo lleva la energía a otro nivel: es intenso, lleno de visuales, color y mucha vibra de fiesta.

Queremos que el público sienta nuestra nueva música y nos devuelva esa energía. Es nuestro primer show en México, así que es algo muy importante para nosotros.

IR!: Para alguien que nunca los ha visto en vivo, ¿en qué mood debería llegar?

P: El tequila ayuda (risas). Pero sobre todo venir con ganas de fiesta, con energía. Es un show sin pausas, muy arriba todo el tiempo. Hay que llegar con buena vibra y listo para bailar.

IR!: Para alguien que quiere empezar a escuchar su música, ¿por dónde recomiendan?

P: “Chameleon” es un gran punto de partida. Fue un momento clave para nosotros. Pero también el nuevo material va muy arriba, muy enfocado en la pista de baile.

Tenemos muchos estilos porque hacemos álbumes completos, así que vale la pena explorar más allá de los sencillos.

IR!: Y para cerrar: si tuvieran que describir su proyecto en tres palabras, ¿cuáles serían?

P: Positividad, energía… y rave.

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“¿Cuál Es La Razón?”, lo nuevo de David Byrne con Natalia Lafourcade

Una colaboración con sabor a Ciudad de México.

David Byrne, ex líder de Talking Heads, lanzó su nuevo sencillo, "¿Cuál Es La Razón?", una reinvención de su tema "What Is The Reason For It?" de su álbum Who Is The Sky?. Esta versión destaca por el cambio de idioma y la colaboración de la cantautora mexicana Natalia Lafourcade, ganadora del Grammy, quien reemplaza a la vocalista original, Hayley Williams de Paramore, aportando un distintivo toque latino.

El remix pop con influencias latinas fue producido por Camilo Lara del Instituto Mexicano del Sonido (IMS). Bajo su dirección, la canción se volvió un tema energético y pulsante que destaca las armonías vocales de Byrne y Lafourcade, y una poderosa sección de metales con resonancias de orquesta tropical y big band.

Esta exitosa colaboración se inspira en la fascinación de David Byrne por la Ciudad de México. El músico se basó en sus vivencias en la capital para la letra, que indaga sobre el amor y sus misterios. El resultado es un sencillo que fusiona culturas y rinde homenaje a la CDMX, prometiendo impactar al público angloparlante y al latino.

Dale play aquí:

Recuerda que David Byrne llevará su aclamada gira Who Is The Sky? Tour a la Ciudad de México. El esperado evento, que promete ser una experiencia visual y sonora única, se llevará a cabo el 4 de septiembre en el Teatro Metropólitan. Conoce todos los detalles aquí.

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Editors regresa con “Call It In”

Un track que mantiene su esencia melancólica y épica.

Después de un silencio de cuatro años tras su LP EBM, oscuro y con toques de synth pop, la influyente banda alternativa europea Editors anuncia su regreso con el potente sencillo "Call It In".

Esta nueva canción explora el tema de encontrar refugio y consuelo en la intimidad de alguien cercano, marcando un retorno a las raíces emocionales de la banda sin perder su característica sofisticación sonora.

Dale play aquí:

Editors celebrará su nuevo lanzamiento con una breve pero intensa gira por España a principios de 2027. Las fechas confirmadas son: 29 de enero en La Riviera (Madrid), 30 de enero en el Auditorio Roig Arena (Valencia) y 31 de enero en la Sala Razzmatazz (Barcelona).

Desde su debut en 2005 con The Back Room, Editors ha mostrado una constante evolución, destacando su habilidad para fusionar el rock crudo con la electrónica, ejemplificado en álbumes como In This Light and on This Evening.

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Laurie Vincent presenta Big Truck, su nuevo proyecto musical

“Central Reservation Blues” es el sencillo que marca el inicio de esta etapa. 

Laurie Vincent inicia una nueva etapa lejos de Soft Play (anteriormente conocidos como Slaves). El músico británico presentó a Big Truck, su nuevo proyecto, el cual explora sonidos más introspectivos. Este anuncio también llega acompañado del lanzamiento de su sencillo debut, “Central Reservation Blues”, una canción que adelanta el tono de su próximo material discográfico.

Big Truck está conformado por Sam Coppins en la batería, Asa Thallon en la guitarra y Justin Myles en los teclados, quienes aportan una mezcla sonora que remite al indie británico de los años 80 y al heartland rock estadounidense. Con esta nueva propuesta, Laurie apuesta por una sensibilidad distinta, más melancólica y reflexiva.

Con “Central Reservation Blues”, Big Truck presenta un tema que nace de un sentimiento de culpa. De acuerdo con Vincent, la canción hace referencia a haberse perdido momentos importantes con su familia debido a las exigencias de las giras, convirtiéndose en una reflexión sobre el costo de priorizar la vida laboral por encima de la personal dentro de la industria musical.

El sencillo también llega acompañado por un video dirigido por Jude Harrison, en el que se muestra al grupo en un campo junto con sus instrumentos. Además, este lanzamiento funciona como el primer adelanto de un álbum debut grabado en apenas cuatro días en Marshall Studio. Con este primer sencillo, la banda deja claro que no busca repetir fórmulas, sino presentar una propuesta más introspectiva, pero igual de honesta.

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