Entrevista con Marduk

35 años de blasfemia sin concesiones.

Negra, temible, sombría y poderosa. La división Panzer Marduk avanza sobre territorio enemigo. Golpea fuerte, golpea rápido contra tus líneas. Tornamos tu fortaleza en arena. La victoria es de Satanás, pero la batalla es nuestra. Tu humanidad es inútil.

Marduk, la icónica banda sueca de black metal bautizada en honor al dios babilónico que reinaba sobre la tempestad y la oscuridad, retorna a México para conmemorar 35 años de blasfemias interpretando en su totalidad su clásico Panzer Division Marduk (1999), junto a los himnos que han definido su legado.

Una invitación de Talent Nation y Chamuco.

La última vez que Marduk pisó la capital fue hace dos años, en el Foro Indie Rocks! Ahora, el grupo liderado por Morgan Håkansson regresa con una gira que promete ser histórica: un recorrido por la guerra, la oscuridad y la resistencia artística en un mundo donde los ecos del conflicto resuenan cada vez más fuerte.

Producido por Peter Tägtgren (Hypocrisy, Pain), Panzer Division Marduk es un manifiesto bélico de riffs afilados e intensidad arrolladora que consolidó a la banda como pilar del black metal.

Su carátula original mostraba un Stridsvagn 104, la versión sueca del tanque Centurión británico; en su reedición de 2008 apareció un Panzer VI E “Tiger”, desatando polémica por su vínculo con la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, la agrupación ha dejado claro en repetidas ocasiones que su visión no está anclada a ideologías políticas o religiosas: lo suyo es la guerra sonora.

En entrevista, Morgan Håkansson, guitarrista y fundador, reflexiona sobre el vínculo con México, la independencia creativa y los 35 años de fuego inextinguible.

Indie Rocks!: ¿Qué significa este regreso? ¿Qué representa México en la historia de Marduk?

Marduk: México marcó nuestra historia. Apreciamos mucho este país y volvemos cada vez que podemos. Nunca decimos que no a México. La primera visita, a finales de los 90, fue irrepetible. El público mexicano no se discute. Es de los mejores, y nunca debemos olvidarlo.

IR!: 35 años… ¿te pesa?

M: No. Seguimos obsesionados con lo mismo: discos que pongan sobre todas las cosas la lírica, el arte de las portadas y un mensaje que corte. Las plataformas nuevas no nos mueven, aunque la industria sienta que manda a los creadores. Nosotros seguimos siendo nosotros, aunque les repugne.

IR!: ¿Te obligan a vender el alma?

Marduk: Sí, presionan para que cambies. Nosotros no negociamos: libertad total o nada. Saltamos de disquera en disquera; importa poco si es independiente o grande. Si te dejan en paz, trabajas con ellos; si no, te vas. Sin mayores preguntas. Ese ha sido el acuerdo desde el principio.
Nunca nos hemos quedado en un mismo lugar. El resultado es tuyo. Si las disqueras suben el material a plataformas, que ellos resuelvan. Yo sigo comprando vinilo, casete, CD. Así descubro bandas que nadie recomienda, redescubro música vieja y encuentro nueva. No escucho música en el teléfono, no navego redes; la música me llega en caja, con olor a tinta y plástico, y ahí me quedo.

IR!: 35 años después, ¿quedan sueños pendientes?

M: Ninguno. Trabajo para que los sueños sean realidades. Lo que quiero ya entra en Marduk. Apostaré hasta mi cadáver aquí, no hay escapes. Este tour trae Panzer Division Marduk entero, de punta a punta. Y seguiremos pensando y trabajando cada álbum con la misma intensidad.

IR!: ¿Siguen los religiosos intentando vetar sus presentaciones?

Marduk: Desde el primer día. No los detengo, no me interesan. Su miedo no toca nuestro proceso ni nuestro mensaje. Si su ignorancia se parece más al miedo, ¿qué podemos hacer? No nos importa la postura de esa gente. No tenemos nada que ver con temas políticos o religiosos. Nos malinterpretan, pero no tenemos por qué explicarles.

Si les arde la cruz, que se queden en casa. Nosotros tocamos para quienes aguantan. Por eso no podemos esperar para estar de vuelta en México y arrancar nuestra gira por Latinoamérica.

En un mundo donde los conflictos se extienden desde Asia hasta Europa y las pantallas retransmiten la guerra en tiempo real, Morgan reafirma que la libertad de Marduk prevalece sobre cualquier algoritmo.

Con su sonido visceral y letras cargadas de furia bélica, la banda recorrerá cuatro ciudades mexicanas: Guadalajara (16 de octubre), Monterrey (17), Tijuana (18) y Ciudad de México (19), donde el Circo Volador se estremecerá con himnos como “Panzer Division Marduk”, “Baptism by Fire”, “502” y “The Blond Beast”.

El tour —que inicia en nuestro país y se extenderá por Latinoamérica— promete una descarga de caos y disciplina sonora. Y como si fuera poco, Impalement, agrupación de black y death metal, abrirá cada fecha con su ferocidad quirúrgica, marcando su primera presentación tanto en México como en el continente americano.

35 años de carrera, cuatro fechas en México y un dios muerto liderando su propio funeral.

Prepárense para el caos.
Impalement parte el cuerpo; Marduk lo escupe al cielo.
Chamuco y Talent Nation invitan.

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Gorillaz estrena “The Manifesto (feat. Trueno and Proof)”

El ciclo de la vida y el más allá.

Gorillaz, la banda británica, lanza "The Manifesto (feat. Trueno and Proof)", el segundo sencillo de su próximo álbum, The Mountain. Este nuevo material estará disponible a partir del 20 de marzo de 2026, bajo su propio sello discográfico, Kong.

Esta canción fue creada en colaboración con el ganador del Grammy Latino, Trueno y cuenta con una grabación del fallecido MC estadounidense, Proof, quien perteneció a D12 y sigue siendo una de las voces más importantes y auténticas del hip hop. Su inspiración surgió de un momento de freestyle, grabado minutos antes de entrar a la cabina durante una de las primeras sesiones de grabación.

Dale play a continuación:

El noveno álbum de estudio de Gorillaz, The Mountain, es una colección de 15 canciones que captura el espíritu colaborativo de la banda. Este material promete ser un extenso paisaje sonoro, rico en instrumentación, con voces, melodías y ritmos adictivos.

El The Mountain Tour dará inicio en Manchester el 20 de marzo de 2026, abarcando diversas arenas del Reino Unido e Irlanda. Incluirá presentaciones en Birmingham, Leeds, Nottingham, Liverpool, Belfast y Dublín. Las fechas en Glasgow y Cardiff ya están agotadas.

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El soundtrack de ‘Amores Perros’ por primera vez en vinilo

Una joya que reúne a artistas como Titán, Zurdok, Moenia, Illya Kuryaki & The Valderramas, Nacha Pop, Celia Cruz y The Hollies.

Prepárate para celebrar los 25 años de Amores Perros a lo grande. Por primera vez, la aclamada banda sonora de la película de Alejandro González Iñárritu se lanzará en formato vinilo. Además, habrá ediciones digitales especiales y otras sorpresas para conmemorar este aniversario tan especial.

La música, creada por el genio de Gustavo Santaolalla y con la curaduría de Lynn Fainchtein, está inspirada en una de las historias más impactantes del cine en español. La edición fue remasterizada y supervisada por el mismísimo productor argentino y Anibal Kerpel, el dúo detrás de grandes canciones del rock latino de los 90.

Por si fuera poco, la portada de este lanzamiento es obra de la legendaria Dawn Baillie, la artista gráfica detrás de los pósters de películas como El Silencio de los Inocentes, Dirty Dancing, Zoolander, Once Upon a Time in Hollywood y The Truman Show

La primera edición en vinilo de Amores Perros estará disponible en diciembre en tres versiones: Deluxe 3LP red vinyl gatefold edition + inserto exclusivo de uDiscover, 3LP black vinyl standard jacket edition y 3LP crystal vinyl standard jacket edition (selected retailer) y en plataformas de streaming a partir del 28 de noviembre.

Amores perros vinilo

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Entrevista con John Maus

Entre lo espiritual, lo político y el desbordante deseo de crear.

El músico estadounidense habla sobre su nuevo álbum Later Than You Think, sus letras cargadas de simbolismo, la importancia de los discos como obras completas y su deseo de tocar por fin en México.

Indie Rocks!: John, muchas gracias por hablar con nosotros. ¿Cómo estás?

John Maus: Bien, bien. Gracias a ustedes por el interés. He estado haciendo muchos shows, así que estoy un poco agotado, pero todo va bien. Tengo unos días libres antes de comenzar la parte estadounidense de la gira, que durará hasta diciembre.

IR!: Suena intenso. Y tengo entendido que nunca has tocado en México, ¿cierto?

JM: Fui una vez a la Ciudad de México, pero no a tocar. Es una vergüenza que no haya sucedido todavía. Creo que ha sido un tema de logística, de los bookers y esas cosas, pero te lo aseguro: en 2026 voy a ir, sí o sí. Ya es algo que tengo que cumplir.

IR!: Más de una década de discos y nunca un show aquí… ya te lo debemos.

JM: [Ríe] Sí, ya va siendo hora.

IR!: Tu primer álbum salió en 2006, y ahora llega Later Than You Think, casi 20 años después. ¿Todavía te pone nervioso lanzar un disco nuevo?

JM: Sí, totalmente. Me sigue dando nervios, sobre todo por la espera. Me gustaría que ya estuviera fuera, pero hacer vinilos toma muchísimo tiempo. Lo que me pasa es que me impaciento. Solo quiero que la gente lo escuche.

IR!: Ya compartiste varios sencillos: "Because We Built It", "Pick It Up" y "I Hate Antichrist". Este último tiene una letra muy provocadora. ¿Existe una idea común que conecte las canciones del disco?

JM: No hay un concepto unificador, al menos no de manera consciente. Cada canción trata sobre algo distinto: reconstruir tu vida, la espiritualidad, la muerte, la pérdida de la razón. Son temas amplios, que se entrecruzan sin que lo planees.

IR!: Hay una canción en francés, "Tous Les Gens Qui Sont Ici Sont D’ici". ¿De dónde surge?

JM: Es un eslogan político que usaba Alain Badiou en su Organisation Politique. Se traduce como “Si vives aquí, eres de aquí”, y se refería a los sans papiers, las personas migrantes sin documentos. Me pareció una frase poderosa, sobre todo en este contexto donde los movimientos reaccionarios y la xenofobia vuelven a tomar fuerza. Es una forma de decir: "el mundo es de quien lo habita".

IR!: Es curioso, porque mientras la mayoría escribe sobre el amor, tú abordas ideas mucho más filosóficas o políticas.

JM: Creo que algunas consignas políticas pueden transformarse en buenas letras de rock. Tienen algo directo, crudo, sin adornos, que me atrae mucho. A veces lo más simple es lo más honesto.

IR!: En este álbum has lanzado más videos que nunca. ¿Te interesa más la parte visual ahora

JM: Sí, creo que finalmente me dejé llevar por eso. Antes no me involucraba tanto, pero ahora lo veo como parte del todo. El video de "I Hate Antichrist" lo hizo Norm Wilson y me gusta mucho. "Because We Built It" está armado con material en vivo, y "Pick It Up" tuvo un video de James Blake, algo muy especial. Antes de que salga el disco habrá otro más, uno en el que participé más directamente.

IR!: Hablando del vivo, ¿cómo se están adaptando las nuevas canciones al escenario?

JM: He tocado las que ya salieron, pero conforme avance la gira incluiré más del nuevo álbum. Me gusta equilibrar lo nuevo con lo viejo, porque sé que la gente quiere escuchar sus favoritas, y yo disfruto tocarlas.

IR!: Entonces eres de los artistas que no se aburren de tocar sus clásicos.

JM: Exacto. Me gusta cuando la gente escucha lo que vino a escuchar. No tengo ningún problema con eso.

IR!: "Hey Moon" es, probablemente, tu canción más conocida, pero tengo entendido que no la tocas en vivo.

JM: No, no la toco. Es una colaboración con Molly Nilsson, y en realidad ella escribió la canción. Es un tema muy suyo. Siento que a veces se pierde el crédito y no me parece justo. Me encanta, pero es de ella, no mía.

IR!: En Spotify aparece como escrita por ti.

JM: [Ríe] ¡Eso está mal! No debería decir eso. Pero bueno, es una gran canción de cualquier forma.

IR!: En cambio, "Bennington" sí la tocas.

JM: Sí, esa siempre. Es curioso: uno nunca sabe qué canción se va a volver importante para la gente. A veces escribes algo y no imaginas que será el tema que todos recuerden. Pero cuando pasa, simplemente lo abrazas.

IR!: Later Than You Think ya está disponible para preordenar, incluso con ediciones limitadas y firmadas.

JM: Sí, hay una edición en vinilo negro, un CD especial y una versión firmada. Es para la gente que disfruta tener algo único, físico. Me gusta cuidar esos detalles, tanto en la música como en el objeto.

IR!: Los sencillos funcionan muy bien, pero da la sensación de que este disco debe escucharse completo, de principio a fin.

JM: Exactamente. Es un álbum que funciona como un todo, más que como una colección de canciones. Por eso tengo sentimientos encontrados con los sencillos. Creo que Later Than You Think es de esos discos que requieren sentarte y escucharlo entero.

IR!: Hoy todo se consume en piezas sueltas, pero antes vivíamos con un solo disco por meses.

JM: Así crecí yo. Antes comprabas un CD por una canción y, con el tiempo, terminabas enamorándote de otras. Era una relación más profunda. Las nuevas generaciones crecieron con el streaming, con todo disponible al instante. Antes tenías que convivir con un álbum, dejar que creciera en ti. Creo que eso se ha perdido un poco, y es una pena.

IR!: Totalmente. Para cerrar, hay una historia curiosa: ¿es cierto que una de las primeras canciones que recuerdas haber escuchado fue "Chariots of Fire", de Vangelis?

JM: [Sonríe] Sí, es verdad. Mi padre tenía ese disco. Vangelis era increíble, descanse en paz. Esa canción está muy usada, se ha convertido en cliché, pero sigue siendo buena. Es una de las primeras melodías que recuerdo en mi vida.

IR!: Gracias por esta conversación, John. ¿Te tomamos la palabra sobre tu visita a México en 2026?

JM: Por supuesto. México y Sudamérica están en mis planes. Ya es algo que se debe, y quiero hacerlo bien.

IR!: Perfecto. Estaremos esperando Later Than You Think este septiembre.

JM: Gracias a ustedes. ¡Nos vemos pronto!

 

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Megadeth estrena “Tipping Point”, primer adelanto de su último álbum

La legendaria banda de thrash metal inicia su despedida con un tema que mezcla furia, reflexión y potencia clásica.

Megadeth ha lanzado “Tipping Point”, el primer sencillo de lo que será su álbum final, marcando el comienzo del cierre de una de las trayectorias más influyentes en la historia del metal.

Luego de anunciar el verano pasado que se despedirán con un nuevo disco y una gira mundial, Dave Mustaine y compañía presentan este nuevo tema cargado de riffs feroces, solos incendiarios y la voz inconfundible de Mustaine, que ahora se entrelaza con matices más sombríos en la producción.

El tema, acompañado por un video lleno de energía visual y simbolismo —con Vic Rattlehead inclinando las balanzas de la justicia— combina lo político y lo personal, una constante en la narrativa de Megadeth. “You try to stop the voices and stop the heart that beats / You will pay for silence, you will pray for peace”, canta Mustaine, en una de las líneas más potentes del corte.

Todos tenemos distintos puntos de quiebre, y pueden cambiar día a día. Creo que todos estamos siendo empujados al límite en este momento, y es fácil caer en esa sensación. Pero lo importante es no dejar que eso te derrumbe", expresó Mustaine.

El nuevo disco, Megadeth, será un álbum homónimo y llegará el 23 de enero a través de BLKIIBLK, marcando el último capítulo de la banda tras más de cuatro décadas redefiniendo el metal.

Actualmente, Megadeth se encuentra de gira por Europa y ha confirmado que este tour se extenderá durante los próximos años como parte de su despedida. “He viajado por el mundo, he hecho millones de fans, y lo más difícil es decir adiós”, compartió Mustaine. “No estén tristes, celebren con nosotros estos próximos años.”

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Austra comparte “Siren Song”

Un viaje entre el trance, el desamor y la vulnerabilidad emocional.

Katie Stelmanis, mente y voz detrás de Austra, vuelve a escena con el anuncio de su quinto álbum Chin Up Buttercup, disponible el 14 de noviembre a través de Domino Records. Como adelanto, la artista canadiense comparte su nuevo sencillo “Siren Song”, una pieza luminosa y melancólica que combina elementos de trance, pop electrónico y referencias mitológicas.

Coescrita junto al productor y DJ Patrick Holland, “Siren Song” es, en palabras de Stelmanis, una fusión que habita “entre ABBA, Ray of Light, The X-Files y la mitología griega.” Inspirada por la figura de la sirena y la historia de Orfeo, la canción refleja una súplica por conexión envuelta en paisajes electrónicos que evocan tanto lo etéreo como lo emocional. El tema llega acompañado de un video dirigido por Vanessa Magic, donde la narrativa visual amplifica la intensidad de la pérdida y el deseo.

Chin Up Buttercup continúa la evolución sonora de Austra tras Hirudin (2020), mostrando una faceta más íntima y emocionalmente expuesta. El álbum abre con “Amnesia”, donde Stelmanis canta “Soy tan caótica en el amor”, marcando el tono de un trabajo que transforma el duelo y la vulnerabilidad en energía de pista de baile.

Entre beats inspirados en el euro-dance y letras que exploran la ansiedad, la obsesión y la resiliencia, el disco traza un mapa emocional donde el dolor se convierte en movimiento. Lejos de ofrecer una narrativa de superación, Stelmanis abraza la contradicción y la intensidad del desamor con un enfoque casi teatral, dando vida a una protagonista que oscila entre la fragilidad y la locura liberadora.

Chin Up Buttercup incluirá también el sencillo previamente lanzado “Math Equation”, que medios como Stereogum celebraron por su capacidad de capturar la soledad dentro de la multitud.

Con Chin Up Buttercup, Austra reafirma su lugar como una de las voces más singulares del pop contemporáneo: una sirena moderna que transforma el dolor en sonido y el desamor en un baile compartido.

Austra regresa a la Ciudad de México para presentar un inolvidable show el 6 de febrero de 2026 en el Foro Indie Rocks!. Compra aquí tus boletos.

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Tori Amos anuncia 'In Times of Dragons'

Un viaje sobre el despertar.

La aclamada cantautora estadounidense Tori Amos ha anunciado su decimoctavo álbum de estudio, In Times of Dragons, cuyo lanzamiento está previsto para la primavera de 2026 bajo el sello Universal Music. Este nuevo trabajo promete ser una exploración profunda de la resiliencia y el despertar, narrando la lucha por la libertad frente a las fuerzas que buscan el control y el silenciamiento.

Es una historia metafórica sobre la lucha de la democracia contra la tiranía, que refleja el aberrante y no accidental incendio actual de la democracia en tiempo real por parte de los 'Demonios Lagarto creyentes en dictadores' en su usurpación de Estados Unidos”, explicó Amos en un comunicado de prensa.

Myra Ellen Amos, nombre real de la cantante, también ha anunciado su gira europea más extensa en 10 años, la cual abarcará 17 países durante abril y mayo de 2026.

Mira la portada a continuación:

Tori amos in times of dragons

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Entrevista con Geese

Reinventarse sin buscar la perfección.

La banda de Brooklyn habla sobre su nuevo álbum Getting Killed, la importancia del caos y cómo mantener viva la energía de sus canciones dentro y fuera del estudio.

A dos años de lanzar 3D Country, Geese regresa con un nuevo capítulo en su sonido. Getting Killed representa un salto hacia lo impredecible: un disco menos pulido, más humano, donde la banda neoyorquina decide romper sus propias estructuras para reencontrarse con la emoción de tocar. En entrevista con Indie Rocks!, Dominic DiGesu y Emily Green de Geese hablan sobre el proceso detrás del álbum, la libertad de equivocarse y el constante deseo de transformación que los impulsa.

IR!: ¿Qué cambia entre 3D Country y Getting Killed?

G: En 3D Country queríamos hacer un disco perfecto, muy estructurado y pensado al detalle. Pero ese nivel de control terminó siendo agotador. Para Getting Killed decidimos trabajar con menos tiempo, menos preparación… y dejar que las imperfecciones hicieran lo suyo. Queríamos algo más espontáneo. Es difícil encontrar personalidad en una grabación perfecta.

IR!: La banda siempre ha estado en evolución, desde Projector hasta ahora. ¿Cómo deciden cuándo una canción debe ser más intensa o más calmada?

G: No lo planeamos. Simplemente escribimos y trabajamos en muchas canciones hasta que algunas destacan por sí solas. De ahí surge el balance entre lo ruidoso y lo tranquilo, entre lo rápido y lo lento.

IR!: “Taxes” fue elegida como primer sencillo. ¿Por qué esa canción?

G: Es una de las más bellas del disco, con letras muy sólidas. Sentimos que era una buena forma de abrir esta etapa. Además, conecta los dos polos del álbum: las canciones más suaves, con percusiones ligeras, y las más grandes y expansivas. Y bueno, empezar un disco con la frase “I should burn in hell” nos pareció una manera bastante interesante de lanzar una campaña (risas).

IR!: En la secuencia del álbum hay contrastes fuertes, como entre “Trinidad” y “Cobra”. ¿Cómo fue decidir el orden del tracklist?

G: Fue de las últimas cosas que resolvimos y nos tomó tiempo. Hay cierta lógica que termina saliendo sola: sabíamos que “Trinidad” debía ir primero y “Long Island City” al final. Luego tienes que cuidar que cada lado dure lo mismo, que ciertas canciones vayan juntas o que otras no se empalmen. Al final es como resolver una ecuación. Me cuesta mucho decidir el orden, pero estoy feliz con cómo quedó.

IR!: Dejando de lado la parte instrumental, ¿de dónde viene la inspiración para las letras?

G: De lo que vemos todos los días, de ser humanos. Si escribes canciones con frecuencia, acabas volviendo a los mismos temas de distintas maneras. Es como ese truco de Wikipedia en el que, si das clic al primer enlace azul de cada artículo, siempre terminas en la página de “Filosofía”. Cameron podría escribir sobre cualquier cosa —una taza, una lámpara— y de alguna forma acabaría hablando de la ansiedad y del caos que se siente al estar vivo.

IR!: ¿Cómo cambia Geese del estudio al escenario?

G: Cuando terminamos un disco nos convertimos en una especie de banda tributo a nosotros mismos. Tenemos que averiguar cómo hacer justicia a las grabaciones. En vivo todo se acelera, la adrenalina se dispara y terminamos tocando más fuerte o más rápido. A veces nos pasa lo contrario y decidimos hacerlo más suave. Las canciones evolucionan, cambian con el tiempo. Apenas empezamos a tocarlas en vivo, y sabemos que en seis meses ya sonarán distinto.

IR!: Para quien nunca ha escuchado a Geese, ¿por dónde recomendarían empezar?

G: Que escuchen “Trinidad”, luego “Cobra”, después “Husbands” y “Getting Killed”. Y si ya llegaron ahí, “Islands of Men”. En realidad, creo que lo mejor es empezar con el nuevo disco completo. Si alguien quisiera entender quién soy, no le mostraría una foto mía de hace cuatro años, le mostraría lo que soy ahora.

IR!: Descríbanme a Geese en tres palabras.

G: Really good music. (Risas)

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Nuevos Discos del 27 de septiembre al 3 de octubre

Las novedades musicales de esta semana ya están aquí. ¿Listo para seguir expandiendo tu playlist?

Artista: AFI
Disco: Silver Bleeds the Black Sun...
Label: Run for Cover

Artista: Arthur Buck
Disco: Arthur Buck 2
Label: Lonely Astronaut

Artista: Mayday Parade
Disco: Sad
Label: Self-Released

Artista: Orbit Culture
Disco: Death Above Life
Label: Century Media

Artista: Peel Dream Magazine
Disco: Taurus
Label: Topshelf

Artista: Richard Ashcroft
Disco: Lovin' You
Label: Virgin

Artista: Rocket
Disco: R Is For Rocket
Label: Self-Released

Artista: Say She She
Disco: Cut & Rewind
Label: Colemine Records

Artista: Sparks
Disco: Madder!
Label: Transgressive

Artista: The Red Jumpsuit Apparatus
Disco: X's For Eyes
Label: Better Noise

Artista: Thrice
Disco: Horizons/West
Label: Epitaph

Artista: Totorro
Disco: Sofa So Good
Label: Recreation Center

Artista: Upchuck
Disco: I'm Nice Now
Label: Domino

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Entrevista con Zimmer90

Música para crear refugios emocionales.

El dúo alemán Zimmer90 se ha consolidado como una de las propuestas más frescas del pop alternativo europeo. Con un sonido que combina paisajes electrónicos, sensibilidad melódica y una marcada inspiración en espacios visuales y arquitectónicos, la banda regresa a México para presentar Interior, su álbum debut, y compartir la intimidad de canciones como "What a Life" o "Summer Rain". Después de un paso memorable por el Corona Capital, Zimmer90 se prepara para reencontrarse con su público en la Ciudad de México el próximo 4 de octubre.

Indie Rocks!: Este año lanzaron el sencillo "What a Life", inspirado en un momento de calma en la playa después de varios shows. ¿Cómo fue ese instante que los llevó a escribir la canción y por qué decidieron lanzarla ahora?

Zimmer90: Estábamos en Barcelona tocando en un festival. Al día siguiente fuimos al mar con nuestros amigos a nadar, y una de ellas dijo “what a life”. Esa pequeña frase se nos quedó grabada; a Josh le gustó mucho y la anotó en su libreta de letras. Cuando volvimos al estudio en nuestra ciudad natal, la frase apareció de nuevo. Yo había preparado un beat y lo juntamos todo. Así nació la canción: de una manera muy natural. Para nosotros es muy importante que las canciones tengan esa sensación orgánica al escucharlas, y en ese momento supimos que estaba lista para salir.

IR!: ¿De dónde suele venir la inspiración para Zimmer90? ¿Surge de los paisajes o de ideas concretas que luego transforman en música?

Z90: Nos gusta trabajar en espacios hermosos. Por ejemplo, hemos trabajado mucho en el estudio de arte de la tía abuela de Josh, que es pintora. Esos lugares son especiales porque se sienten reales, llenos de vida. Algunos sitios modernos, como hoteles o cafés, pueden ser bonitos, pero a veces carecen de alma. En cambio, espacios como ese estudio nos inspiran sin límites y siempre podemos regresar a ellos para encontrar creatividad.

IR!: Hace unas semanas lanzaron Interior, su primer álbum, un trabajo más introspectivo en comparación con sus EP previos. ¿Qué cambió en su manera de componer?

Z90: Los últimos dos o tres años fueron una locura. Siempre soñamos con tocar nuestra música en distintas partes del mundo y, poco a poco, ese sueño se hizo realidad. Empezamos a salir de Alemania, después de Europa, hasta llegar a otros continentes. Eso nos hizo muy felices, pero también fue cansado, porque viajar tanto sin experiencia previa puede ser agotador. En ese contexto sentimos la necesidad de crear un espacio propio, un refugio. El disco nació de ahí: lo trabajamos en Francia, México, Nueva York, Freiburg… en muchos lugares, pero siempre con la idea de que fuera un espacio seguro donde pudiéramos calmarnos en tiempos de ansiedad. El título Interior refleja justo eso: nuestro mundo interior.

IR!: ¿Cómo sienten que ha cambiado la relación con el público al tocar estas nuevas canciones en vivo?

Z90: La relación se volvió más profunda. Cuando compartes cosas más personales, la gente lo nota y conecta con esa honestidad. Estamos muy agradecidos de conocer a nuevas personas, y nuestros fans son los más relajados del mundo, especialmente en México. Tocar allá siempre es especial y estamos muy emocionados de volver para hacer una gran fiesta juntos.

IR!: Hablando de México, ¿qué expectativas tienen para el próximo show en Latinoamérica?

Z90: Tratamos de no tener expectativas demasiado altas, porque luego puedes decepcionarte. Pero el año pasado en el Corona Capital fue increíble: la gente era muy apasionada. Esta vez nos quedaremos más días, queremos conocer a los fans, llevar merch, quizá organizar un meet & greet. Lo que esperamos es simplemente pasar un buen momento y conectar con quienes disfrutan nuestra música.

IR!: Su proyecto también tiene un fuerte componente visual. ¿Cómo trabajan el diseño, la presencia escénica y los visuales de sus shows?

Z90: Es algo muy importante para nosotros, porque nos inspiran mucho el arte, la arquitectura y el diseño. En nuestro estudio estamos rodeados de pinturas y nos gusta dibujar también. Creemos que si sólo buscas inspiración en la música, te limitas. Para nosotros, lo más estimulante viene de otros espacios y disciplinas. En los shows grandes en Europa, con 800 o 2000 personas, diseñamos escenarios como si fueran pequeños teatros: creamos un espacio propio que transforma el concierto en una experiencia diferente. Ojalá pronto podamos traer algo así a México.

IR!: ¿Cuál dirían que es el secreto para mantener su música y sus shows frescos sin caer en la monotonía?

Z90: Cambiar de lugar. Si trabajas siempre en el mismo sitio, tiendes a repetir fórmulas. Pero cuando te vas al río, a una cafetería, a la cocina o a otra ciudad, aparecen nuevas ideas. Escuchar conversaciones ajenas, estar en contacto con lo cotidiano, nos mantiene inspirados y evita que caigamos en la rutina.

IR!: Para alguien que no ha escuchado a Zimmer90, ¿qué canción recomendarían como puerta de entrada a su mundo?

Z90: Diríamos "Summer Rain" o "Feel Like We Used To". Tienen letras abiertas a la interpretación, y eso es algo muy importante para nosotros: no queremos decirle al oyente qué sentir, sino darle la libertad de experimentar sus propias emociones. Cada persona puede hacer suya la canción, y eso es lo más interesante.

IR!: Describan a Zimmer90 en tres palabras.

Z90: Groovy, ligero y suave.

Zimmer90 cambio de sala

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