Geologist comparte “Government Job”

Brian Weitz adelanta su debut solista con una pieza íntima y reflexiva.

Geologist, alias de Brian Weitz de Animal Collective, presenta “Government Job”, un nuevo adelanto de su esperado álbum debut como solista, Can I Get a Pack of Camel Lights?, que llegará el 30 de enero vía Drag City. Se trata de una pieza instrumental de pulso relajado, construida alrededor de una guitarra acústica interpretada por su hijo Merrick Weitz, y que se mueve entre el psych-folk y la experimentación sutil.

El tema llega acompañado por un video dirigido por Michael R. Bernstein y funciona también como un ejercicio de memoria personal. Weitz explica que el título remite a su decisión, hace dos décadas, de dejar un empleo gubernamental para dedicarse de lleno a Animal Collective. Lejos de plantearlo como una elección simple, el músico reflexiona sobre la dignidad del trabajo público y sobre cómo hoy, viviendo en Washington D.C., observa la eliminación de muchos de esos puestos por motivos que describe como crueldad y codicia.

En lo musical, “Government Job” se desprende de elementos más densos de sus presentaciones en vivo para dejar espacio a una base electrónica mínima sobre la que colaboran Adam McDaniel, Emma y Merrick, este último tocando una guitarra medio rota rescatada de una tienda de segunda mano. El resultado es una pieza cálida, imperfecta y profundamente humana, donde el proceso importa tanto como el sonido final.

Can I Get a Pack of Camel Lights? contará además con colaboraciones de Avey Tare, Alianna Kalaba (FACS), Shane McCord y Adam Lion, y fue presentado originalmente en octubre con el sencillo “Tonic”. Con este nuevo lanzamiento, Geologist confirma que su proyecto solista se construye desde la introspección, la familia y una sensibilidad sonora que sigue expandiendo el universo creativo que lo ha definido por años.

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Robyn anuncia álbum y estrena dos singles

Ritmos liberadores y melodías eufóricas, manteniendo el característico toque melancólico que ha definido su arte.

Robyn, la indiscutible ícono sueca, amada por su singular mezcla de synth pop bailable y vulnerabilidad emocional, acaba de anunciar su noveno álbum de estudio, Sexistential, que verá la luz globalmente el 27 de marzo de 2026, bajo el sello Young.

Este nuevo proyecto se siente como una bienvenida de vuelta al sonido más efervescente y juguetón de Robyn, el cual la catapultó a la fama. Sexistential está compuesto por nueve temas pop súper infecciosos y complejos que, según la crítica especializada, establecen un diálogo directo y nostálgico con su aclamadísima trilogía Body Talk (2010-2011). Aquella serie de lanzamientos redefinió el pop de la década pasada y solidificó a Robyn como una de las artistas más influyentes y respetadas de la música contemporánea. El álbum se presenta no solo como un nuevo material, sino como una consolidación de su legado, explorando la intersección del existencialismo y la sexualidad a través de un prisma de pop bailable.

Es una vibración sensible bellísima que requiere muchísimo trabajo para mantenerse a flote. Siento que el propósito de mi vida es mantenerme excitada —y no necesariamente tiene que ver con sexo—, sino con sentirme sensual y atraída por las cosas que disfruto, y no dejar que nada se apodere de eso”, explicó la cantante en un comunicado de prensa.

Para continuar con el hype, Robyn ha sacado dos temas nuevos que ya están pegando fuerte: "Talk To Me" y "Sexistential", siendo esta última la que le da nombre al álbum.

Te dejamos con la portada y el tracklist:

Robyn sexistential

1. "Really Real"
2. "Dopamine"
3. "Blow My Mind"
4. "Sucker For Love"
5. "It Don’t Mean A Thing"
6. "Talk To Me"
7. "Sexistential"
8. "Light Up"
9. "into The Sun"

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Tigers Jaw anuncia el álbum 'Lost On You' y comparte el sencillo “Ghost”

La banda de Pensilvania adelanta su regreso con una canción sobre el paso del tiempo y los vínculos que se transforman.

Bajo el sello Hopeless Records, Tigers Jaw continúa calentando motores rumbo al lanzamiento de su nuevo álbum Lost On You, que verá la luz el 26 de marzo, y lo hace con “Ghost”, el segundo sencillo del disco. Junto con el estreno, la banda anunció una gira como acto principal que se extenderá de marzo a junio, marcando una nueva etapa para uno de los nombres más respetados del indie emo contemporáneo.

Tigersjaw lostonyou artwork hires

Sobre el origen de la canción, Ben Walsh explica que “Ghost” nació a partir de un encuentro fortuito con alguien de su pasado. Un momento que, en otro punto de su vida, habría sido cercano y significativo, pero que ahora se sintió distante, casi irrelevante. Esa sensación —ver a alguien que alguna vez fue importante y sentirlo como un recuerdo borroso— es el corazón emocional del tema: una reflexión honesta sobre cómo algunas personas no permanecen para siempre, y cómo ciertos recuerdos resurgen cuando menos lo esperas.

Musicalmente, “Ghost” mantiene el ADN clásico de Tigers Jaw: riffs directos, energía melódica y un pulso emotivo que conecta de inmediato, pero con una frescura renovada. Es una canción expansiva y anthemic que subraya la evolución compositiva del quinteto tras más de 15 años de carrera, demostrando que siguen encontrando nuevas formas de hablar sobre nostalgia, crecimiento y desapego sin perder identidad.

Con Lost On You, Tigers Jaw reafirma su lugar dentro de la escena como una banda capaz de mirar al pasado sin quedarse atrapada en él. “Ghost” funciona como un recordatorio poderoso de que crecer también implica aprender a convivir con lo que ya no está —y seguir avanzando con eso a cuestas.

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Matt Berninger versiona “Blue Monday” de New Order

Una versión hipnótica y misteriosa.

Matt Berninger, la voz inconfundible de The National, se aventuró a reinterpretar el mismísimo "Blue Monday" de New Order (ese himno de 1983 que marcó una época) y el resultado es una versión totalmente nueva y superpotente. Pero no es un cover cualquiera; esta versión es un éxito instantáneo que se ha colado como el momento estelar e imperdible de su actual gira.

Esta movida audaz de retomar el clásico post punk con sintes, que primero salió en exclusiva por Amazon Music y que ya está disponible en todas las plataformas, destaca por varias razones. Primero, la voz barítono de Berninger, profunda y melancólica, le mete un dramatismo introspectivo brutal a la letra. Y segundo, la banda en vivo tiene una energía que te vuela la cabeza, manteniendo la onda rítmica del original, pero dándole un refresh con sonidos superactuales.

Buscando esa magia sonora que hizo de Get Sunk, el disco de 2025, Matt Berninger se juntó con el mismo equipo de lujo que lo acompañó en ese proyecto: Sean O’Brien (guitarras eléctricas), Garret Lang (bajo), Julia Laws (sintetizador, coros) y Sterling Laws (batería y percusiones).

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¿Qué esperamos de la próxima presentación de River Tiber en el Foro Indie Rocks!?

El productor y multiinstrumentista canadiense arranca el 2026 con un show íntimo en la Ciudad de México.

Antes de cerrar el 2025, River Tiber compartió Spirals, un EP de tres canciones que funciona como una ventana clara hacia la nueva etapa creativa que está por venir. Escritas, producidas y grabadas por él mismo junto a Govi, estas piezas muestran su rango musical y sensibilidad sonora, moviéndose entre groove, introspección y arreglos orgánicos que destacan su carácter de músico total. El EP fue mezclado por Jack Emblem y Spencer “Moose” Muscio, con Braeden Suder en la ingeniería de baterías y masterización de João Carvalho, y ya se encuentra disponible en plataformas digitales.

El lanzamiento de Spirals llegó acompañado de una intensa actividad en vivo que ha llevado a River Tiber por escenarios de Chicago, Atlanta, Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Londres, Toronto y Ciudad de México, reafirmando la fuerza emocional de su propuesta cuando se experimenta en directo. Canciones como “Not The Same”, “Spirals” y “Blues” funcionan como paisajes sonoros abiertos, donde la instrumentación y la emoción conviven con naturalidad.

Este gran momento creativo también se refleja en su presencia como portada de la playlist Indie All Stars de Spotify, una de las curadurías más relevantes de la plataforma, que incluye “Not The Same” como uno de los tracks destacados del EP. A esto se suma uno de los hitos más importantes de su carrera reciente: su sesión de Tiny Desk, estrenada en agosto de 2025, donde River Tiber despliega su talento alternando piano, batería, bajo y trombón, acompañado por Justin Nozuka, Dan Only y John Mavro, en un formato que resalta su versatilidad y conexión musical.

Para comenzar el 2026, River Tiber tendrá su primer show del año en la CDMX el próximo jueves 15 de enero en el Foro Indie Rocks!, con Govi como invitado especial. Será una oportunidad ideal para vivir de cerca este nuevo capítulo sonoro y reconectar con un artista que ha sabido moverse entre la experimentación, el pop alternativo y la composición de alto nivel. Los boletos ya están disponibles a través de Fever y en la taquilla del Foro.

Con Spirals y este show en puerta, River Tiber confirma que su música sigue creciendo desde la honestidad creativa, el oficio y una curiosidad constante por explorar nuevos caminos.

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Iron & Wine anuncia ‘Hen’s Teeth’ y estrena “In Your Ocean”

Explorando la fusión íntima y sonora.

Iron & Wine, el aclamado proyecto liderado por el multiinstrumentista, compositor y productor Sam Beam, está de vuelta con un anuncio que promete deleitar a sus seguidores: el lanzamiento de su octavo álbum de estudio. Este material, titulado Hen's Teeth, y el sexto bajo el sello de la prestigiosa discográfica Sub Pop, tiene su fecha de estreno mundial fijada para el próximo 27 de febrero.

Hen's Teeth ha sido concebido como un "disco hermano" de Light Verse, el trabajo anterior que cosechó el reconocimiento de la crítica y le valió una codiciada nominación al Grammy en 2024. Esta conexión sugiere una exploración continua de las texturas sonoras y narrativas que definieron su material más reciente, pero con una evolución o una perspectiva complementaria.

Para empezar a calentar motores y ofrecer un adelanto de lo que será Hen's Teeth, Iron & Wine ya ha compartido el video oficial de la emotiva canción "In Your Ocean". Este tema en particular es representativo de una de las exploraciones líricas centrales del álbum: la profunda conexión e interdependencia física y emocional entre dos amantes, una unión tan intensa que Beam describe poéticamente como una fusión casi corporal. Esta balada íntima no solo sirve como un gancho musical, sino también como una ventana a los temas de intimidad y compenetración que permean el nuevo proyecto.

Dale play aquí:

Te dejamos con la portada y el tracklist:

Iron and wine hens teeth

 

1. "Roses"
2. "Paper and Stone"
3. "Robin’s Egg (feat. I’m With Her)"
4. "Singing Saw"
5. "In Your Ocean"
6. "Defiance, Ohio"
7. "Wait Up (feat. I’m With Her)"
8. "Grace Notes"
9. "Dates and Dead People"
10. "Half Measures"

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The Twilight Sad anuncia su nuevo álbum, 'It’s the Long Goodbye'

Un regreso marcado por la pérdida, la memoria y la vulnerabilidad.

La banda escocesa The Twilight Sad anuncia It’s the Long Goodbye, su esperado sexto álbum de estudio y el primero en siete años, que verá la luz el próximo 27 de marzo vía Rock Action Records. Junto con el anuncio, el grupo comparte “Designed to Lose”, un nuevo sencillo que profundiza en los temas centrales del disco.

“Designed to Lose” continúa el camino iniciado por “Waiting for the Phone Call”, lanzado el otoño pasado y que contó con la participación de Robert Smith de The Cure en la guitarra. El nuevo tema se presenta como una reflexión intensa y contenida sobre la condición humana, explorando esa sensación persistente de estar destinados a perder —no solo en nuestros intentos, sino también en nuestra capacidad de enfrentar la pérdida misma—. Es una canción meditativa, pero firme, que equilibra fragilidad emocional con una fuerza sonora palpable.

Sobre el álbum, James Graham, vocalista y letrista, explica: “Tenía que contener cada elemento de la emoción que estaba sintiendo.” It’s the Long Goodbye es el relato más directo y personal de The Twilight Sad hasta ahora: una historia de duelo, crisis personal y salud mental, anclada en experiencias concretas pero expresada con una intensidad emocional que resulta universal. Musicalmente, el disco se sostiene en los arreglos urgentes y cargados de guitarras de Andy MacFarlane, acompañando una narrativa que aborda la enfermedad y muerte de la madre de Graham, así como su propio proceso interno.

A diferencia de trabajos anteriores, Graham reduce el uso de metáforas y apuesta por una escritura más frontal. “El disco está profundamente influenciado por mi salud mental, el duelo y la necesidad de ser fuerte cuando no te sientes así,” señala. “Es una historia muy humana. Todo el mundo pierde a alguien. Todo el mundo se cuestiona la vida.”

El álbum comenzó a tomar forma en 2016, tras una gira con The Cure, cuando la madre de Graham fue diagnosticada con demencia frontotemporal de inicio temprano. Gran parte del material fue escrito mientras el músico lidiaba con el contraste entre los momentos luminosos de su vida —como el matrimonio y la paternidad— y el avance implacable de la enfermedad. En 2023, otra gira con The Cure tuvo que ser interrumpida debido al deterioro de su salud mental, y poco después su madre falleció.

Desarrollado a lo largo de siete años, It’s the Long Goodbye se construyó a distancia durante el confinamiento, con MacFarlane acumulando ideas musicales en Londres mientras intercambiaba sonidos y letras con Graham. Robert Smith, ya cercano a la banda, colaboró activamente en el disco, aportando guitarras y otros arreglos en varias canciones. El álbum fue producido por MacFarlane en Battery Studios —un espacio cargado de historia para The Cure—, con producción adicional de Andy Savours y mezcla de Chris Coady.

El resultado es un punto culminante en la trayectoria de The Twilight Sad: un disco que transforma la experiencia vivida en música profundamente sentida. “Decir cosas que conectan con otras personas es algo muy poderoso,” concluye Graham. “Quiero que quien escuche este álbum sepa que no está solo. Que sienta que viene de un lugar de emoción cruda y honesta.”

Mira la portada y el tracklist a continuación:

It’s the long goodbye


1 "GET AWAY FROM IT ALL"
2 "DESIGNED TO LOSE"
3 "ATTEMPT A CRASH LANDING - THEME"
4 "WAITING FOR THE PHONE CALL"
5 "THE CEILING UNDERGROUND"
6 "DEAD FLOWERS"
7 "INHOSPITABLE/HOSPITAL"
8 "CHEST WOUND TO THE CHEST"
9 "BACK TO FOURTEEN"
10 "TV PEOPLE STILL THROWING TVS AT PEOPLE"

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Joyce Manor mira al pasado en su nuevo sencillo: “I Know Where Mark Chen Lives”

Nostalgia, humor oscuro y memorias borrosas rumbo a su próximo álbum.

Joyce Manor sigue alimentando la nostalgia con el lanzamiento de “I Know Where Mark Chen Lives”, un tema directo y abrasivo que funciona como el segundo adelanto de su próximo disco, I Used to Go to This Bar. Fieles a su esencia, los californianos combinan velocidad, melodía y recuerdos personales en una canción que suena tan urgente como entrañable.

El largo título del track no es casualidad: además de evocar la tradición emo de los dosmiles, rinde homenaje a Mark Chen, compositor y vocalista de las bandas Summer Vacation y Winter Break. “Siempre he amado la forma en que escribe y su voz”, explicó Barry Johnson, subrayando la influencia silenciosa de proyectos que quizá no tuvieron el reconocimiento masivo, pero dejaron huella.

Joyce manor i used to go to this bar

En lo lírico, la canción se construye desde una lógica casi de flujo de conciencia. Johnson relata que nació de una charla casual entre amigos, entre risas, alcohol y marihuana, recordando los primeros días de los clubes de cannabis en California. La imagen central —tan absurda como brutal— retrata ese momento de transición en el que nada era completamente legal y todo se sentía un poco como el Viejo Oeste. Oscura, incómoda y graciosa al mismo tiempo, la canción encapsula ese espíritu.

El video de “I Know Where Mark Chen Lives” refuerza esta mirada al pasado. Dirigido por Jason Link y Rowan Daly, el clip en blanco y negro muestra a la banda tocando en un espacio reducido, evocando los ensayos y shows de sus primeros años, cuando Joyce Manor aún se formaba desde la urgencia y la cercanía.

Aunque el imaginario del sencillo está anclado en la memoria, el presente de la banda es igual de sólido. I Used to Go to This Bar será el séptimo álbum de estudio de Joyce Manor y el primero desde 40 Oz. to Fresno (2022). Además, el grupo llevará el disco de gira por Estados Unidos en primavera y ya tiene asegurada su participación en Coachella 2026, confirmando que, aunque miren hacia atrás, siguen avanzando con la misma intensidad de siempre.

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Mandy, Indiana estrena “Cursive”

Una nueva era.

El cuarteto de Manchester, Inglaterra, Mandy, Indiana, ha dado a conocer los detalles de su esperado nuevo álbum, que llevará por título URGH y se lanzará el próximo 6 de febrero. Este trabajo marca un hito importante para la banda, ya que será su primer disco publicado bajo el prestigioso sello neoyorquino Sacred Bones, conocido por su eclecticismo y la calidad de sus artistas.

Junto con este anuncio, Mandy, Indiana ha estrenado el videoclip de su segundo sencillo, "Cursive". El visual, dirigido por Stephen Agnew, captura la atmósfera densa y rítmica característica de la banda y ofrece un adelanto de la dirección sonora que explorará el cuarteto en su nuevo material, combinando elementos de noise rock, electrónica industrial y post punk con una intensidad palpable.

'Cursive' es probablemente nuestro tema más colaborativo hasta la fecha. Si bien Scott y Valentine suelen ser la inspiración inicial de la mayoría de nuestras canciones, 'Cursive' se construyó a partir de varios bocetos rítmicos de Alex y mi secuencia de bajo. Valentine añadió su voz más tarde y Scott trabajó para esculpir estos elementos juntos. Fue emocionante que todos aportaran sus propias ideas desde el principio, las combinaran y vieran qué podía surgir; un paso hacia lo desconocido para nosotros como banda", explicó Catling en un comunicado de prensa.

Dale play a continuación:

URGH llegará tras el álbum debut de la banda, i’ve seen a way, lanzado en 2023 a través de Fire Talk.

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Entrevista con Skloss

Rituales sonoros, oscuridad y volumen desde el escenario.

Cerrando el 2025 tuvimos una conversación con Skloss, proyecto liderado por Karen Skloss y Sandy Carson, cuya música se mueve entre la intensidad ritual, el peso del noise rock y una sensibilidad profundamente atmosférica. En su visita a la Ciudad de México, la banda nos habló de su más reciente álbum The Pattern Speaks, del proceso detrás de su sonido y de lo que viene para el futuro.

Indie Rocks!: Muchas gracias por el tiempo y bienvenidos a México. ¿Cómo se sienten con su paso por la Ciudad de México? ¿Han tenido oportunidad de recorrer la ciudad, descubrir nuevos lugares o encontrar inspiración para la música?

Skloss: Ha sido un tiempo increíble. Ayer estuvimos aquí al mediodía con Jorge, quien nos llevó a recorrer la ciudad. Visitamos una gran tienda de discos en la Roma, llena de radios antiguas, y mañana vamos a Puebla y probablemente a Guadalajara antes de regresar. Todo el mundo ha sido muy amable; me encanta el lugar y no me molesta en absoluto hacer entrevistas aquí.

IR!: ¿Qué nos pueden contar sobre su último álbum The Pattern Speaks? Nos interesa saber cómo fue el proceso de grabación y la historia detrás de la portada.

S: Todo comenzó con un EP en vivo que se agotó muy rápido, así que decidimos grabar esas canciones de una forma más completa y rica. Encontramos a un ingeniero increíble —que además es baterista— y que ha trabajado con bandas como The Sonics y en proyectos en El Paso. Él entiende perfectamente cómo funciona la banda. Usamos un estudio nuevo para poner a prueba sus capacidades; fuimos los primeros en grabar ahí. Capturamos todo en vivo como dúo, con un sonido multilámina pero con muy pocos overdubs, sacando el máximo provecho de las baterías.

S: El ingeniero también colaboró en la portada, casi como un miembro silencioso de la banda. Un amigo mío de toda la vida, quien mezcló el álbum y también hace visuales para videos —además de ser un skater bastante reconocido—, creó esta imagen de un cuervo negro emergiendo del aire, algo que siempre me atrajo mucho. Aún no teníamos título, pero encajó perfectamente. Él ya había hecho la portada de nuestro EP anterior y ha trabajado con Jacob de Converge, así que todo se siente conectado, como si fuera parte de la banda.

IR!: ¿Qué puede esperar el público de un show en vivo de Skloss? ¿Hay alguna sorpresa preparada para el escenario?

S: Siempre es una experiencia reveladora. No olvidamos que estamos tocando arriba de un escenario, pero intentamos crear una zona viva donde todos se unan. Las canciones funcionan como hechizos —inspiradas en ideas de Thomas— y tienen una progresión que se siente como un viaje.

S: Todo el show se construye hacia un clímax, como un baño de sonido oscuro y pesado, nada hippie. Estoy muy emocionado por tocar en vivo; vamos a verlo esta noche.

IR!: Para cerrar, ¿qué podemos esperar de Skloss en el próximo año? Vimos algunos shows anunciados en redes, ¿están trabajando en nueva música?

S: Estamos colaborando con un amigo que hace dub reggae en una de nuestras canciones. Ya tenemos casi medio álbum listo para grabar después de una gira extensa por Europa y el Reino Unido durante todo el verano. Nos divertimos tanto en México que no me sorprendería volver pronto —no está tan lejos—. Esperamos poder hacer más shows aquí.

IR!: Y para terminar, describan a Skloss en tres palabras.

S: Espacio, margen, volumen… oscuridad. Bueno, con dos palabras basta.

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