Otoboke Beaver regresa con “I Don’t Need To Be In Your Strike Zone”

La banda japonesa comparte un adelanto de su próximo material.

El punk japonés de Otoboke Beaver está de regreso con el maxi-single Is the New Album Out Yet?, que promete mantener la energía y el estilo caótico y explosivo que las caracteriza. Como primer adelanto de este material, el grupo estrenó este ocho de abril el sencillo “I Don’t Need To Be In Your Strike Zone”.

El lanzamiento marca el regreso del cuarteto desde su álbum Super Champon (2022), reafirmando su lugar dentro de la escena punk contemporánea. Este nuevo tema reúne la intensidad característica de la banda, con guitarras aceleradas y cambios abruptos que conectan de forma inmediata con su identidad sonora.

Además, el sencillo llega acompañado de un video dirigido por Haruko Tajima, donde la agrupación canaliza su energía en una pieza visual que refuerza el caos y la intensidad de la canción. La letra, por su parte, desafía de forma directa las expectativas masculinas y los estándares de atracción impuestos por comunidades digitales conocidas como la “manósfera”.

Más allá de lo musical, este material tiene un significado especial dentro del grupo, ya que será el último lanzamiento en el que participa la baterista Kahokiss, y cuyo lugar será ocupado por Leo (Emi), conocida por su trabajo con Shonen Knife. Con este nuevo material, la banda inicia una nueva etapa que, al igual que el título del proyecto, deja abierta la expectativa sobre la posible llegada de un nuevo álbum.

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Entrevista con Geese

Crecer entre el caos, Internet y el impulso de tocar.

La banda neoyorquina habla sobre su más reciente álbum, su relación con Internet y lo que significa construir una trayectoria de 10 años en la música.

Con un ascenso impulsado tanto por la crítica como por la conversación digital, Geese se ha convertido en una de las propuestas más interesantes del rock contemporáneo. Desde Nueva York hacia escenarios en todo el mundo, la banda ha sabido navegar entre el hype de Internet y la experiencia real de tocar en vivo. En esta conversación con Dominic Digesu, Emily Green y Max Bassin, reflexionan sobre su último disco, su crecimiento como proyecto y lo que implica conectar con audiencias globales.

Indie Rocks!: Han estado de gira constantemente y lanzaron un álbum el año pasado que fue muy bien recibido por la crítica. Me gustaría empezar por ahí: ¿cómo fue el proceso de hacer este disco y cómo vivieron la parte de estudio?

Geese: Fue la primera vez que grabamos un álbum fuera de Nueva York, y eso lo hizo diferente. Nos ayudó a concentrarnos más y no distraernos tanto con amigos o familia. Es muy fácil no terminar un disco si lo grabas en tu ciudad. Ir a Los Ángeles ayudó mucho en ese sentido. Sí, fue una muy buena experiencia.

IR!: Ustedes son de Nueva York, y muchas veces la ciudad influye en la música. ¿Creen que eso aplica en su caso?

G: La verdad no tanto. Creo que estamos mucho más influenciados por Internet que por la ciudad en la que crecimos.

IR!: Justo hablando de Internet, en los últimos años ha sido clave para ustedes. Hay muchos creadores, críticos e influencers hablando de su música. ¿Cómo viven esa exposición? ¿Ven memes, reseñas o prefieren no hacerlo?

G: Sí vemos algunos. Algunos son bastante graciosos. Algunos son muy divertidos, pero no vemos demasiados. Aunque los memes sí nos parecen muy buenos.

A veces veo algunos y luego el algoritmo piensa que soy fan de Geese… y empieza a enseñarme más cosas. Entonces me quedo scrolleando y de repente me veo a mí mismo en un reel, y eso es raro.

IR!: También está esta figura de los influencers musicales, como Anthony Fantano. ¿Qué tanto están pendientes de lo que se dice de ustedes?

G: Estamos al tanto, pero no es como que lo estemos buscando activamente para ver qué piensa la gente. Sabemos que nos gusta lo que hacemos y eso está bien.

IR!: Este año también marca alrededor de 10 años como banda. ¿Qué significa para ustedes llegar a ese punto?

G: Es bonito que hayamos logrado mantenernos juntos. Estoy muy agradecido. Es la primera banda en la que estuve y sigue siendo en la que estoy.

Lo que sí ha cambiado es que ahora jugamos mucho menos Mario Kart en los ensayos. Ahora nos concentramos mucho más. Eso es lo que más ha cambiado.

IR!: ¿Hace 10 años imaginaban que llegarían a este punto?

G: Para nada, fue totalmente inesperado. Lo hacíamos con la esperanza de que creciera, pero ni siquiera sabíamos bien qué significaba eso. Era simplemente lo que nos gustaba hacer. Y sigue siéndolo.

IR!: ¿Hubo un momento en el que dijeron: “esto ya es algo real”?

G: Durante la pandemia, creo. Cuando empezamos a hablar con sellos y todo ese proceso, justo cuando empezó el COVID.

IR!: Han tocado en Asia, Europa, Norteamérica y pronto en festivales como Coachella y Primavera Sound. ¿Cómo ha sido conectar con audiencias de todo el mundo?

G: Hay muchos más fans de Geese en el mundo de los que esperábamos. Eso es muy cool. Somos una banda de rock, y parte del punto es tocar en muchos lugares. Poder ir a Japón, Australia, Hawái, Nueva Zelanda… lugares en los que nunca habíamos estado, fue increíble.

IR!: También debe ser fuerte ver gente de distintos países escuchando su música.

G: Sí, especialmente porque muchas personas ni siquiera hablan inglés como primer idioma y aún así cantan todas las canciones. La música rompe una barrera. Puedes comunicar cosas que no podrías en una conversación normal con alguien que no habla tu idioma. Y al final, todos sienten de manera bastante similar. Es algo muy especial.

IR!: ¿Cómo consumen música ustedes? ¿Escuchan discos completos, playlists, formatos físicos?

G: Últimamente estoy intentando coleccionar CDs. Me ayuda a escuchar discos completos de forma más intencional. Con lo digital es muy fácil saltar de canción en canción, escuchar solo la mitad… no es un buen hábito.

G: Yo escucho de todo. Me gustan los discos completos, pero también hago playlists. Me gusta tener canciones que se conectan entre sí en un mismo lugar.

También colecciono vinilos y escucho música prácticamente todo el tiempo.

IR!: Su último álbum parece funcionar muy bien como obra completa. ¿Han notado si la gente lo escucha así o más como sencillos?

G: En los shows es evidente que la gente se sabe todas las canciones. Hay quienes solo escuchan los sencillos, pero quienes van a los conciertos suelen ser oyentes de álbum completo.

Y es interesante porque cuando preguntas por canciones favoritas, las respuestas son muy variadas.

IR!: ¿Hay planes de venir a México pronto?

G: Esperamos que sí, lo antes posible.

Tal vez dentro del próximo año. Hay planes preliminares, pero nada concreto aún. Es algo para lo que definitivamente queremos hacer espacio.

IR!: Para alguien que no los ha escuchado, ¿qué canción recomendarían para entrar en su discografía?

G: “Trinidad”.

G: Sí, “Trinidad”. Es una buena entrada.

IR!: Para alguien que los verá en vivo por primera vez, ¿en qué mood debería ir?

G: Listo para hacer mosh.

G: Sí, listo para moverse.

IR!: Para cerrar, describan a Geese en tres palabras.

G: Banda de rock americana. (American Rock Band).

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Buenas Nuevas del 27 de marzo al 9 de abril

Selección de primavera.

Buenas Nuevas regresa con la cosecha quincenal de los nuevos lanzamientos musicales de iberoamérica y el mundo. En esta ocasión, te traemos desde grandes grupos y artistas consolidados hasta debuts imperdibles que refrescarán tu soundtrack de vida.

1 aiko

Aiko El Grupo 

Lugar de origen: España

Géneros afines: indie pop

El trío madrileño Aiko el Grupo regresa con “modo sigilo”, el primer adelanto de su próximo disco. Esta canción fue producida por Santi García en Ultramarinos Costa Brava y se lanzó acompañado de un videoclip dirigido por Fissura que contrapone lo íntimo y lo extraño. 

Dale play a “modo sigilo” aquí:

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2 anagrxma

Anagrxma 

Lugar de origen: Chile

Géneros afines: soul

Desde el cono sur de América, Anagrxma presenta una propuesta soul fresca que se suma a la ola de vanguardias chilenas. Tras el lanzamiento del EP Saga Tech de 2023, el guitarrista Mariano Solanes y el baterista Benjamín Plaza preparan su álbum debut, Suit, para el próximo 20 de abril y “Tipos de Azul” es uno de los adelantos que vendrá en este material. 

Escucha “Tipos de Azul” aquí:

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3 circus

Circus’ End 

Lugar de origen: México 

Géneros afines: rock alternativo

Circus’ End, banda originaria de Monterrey, lanzó su álbum debut titulado Por si no nos volvemos a ver, un viaje de siete canciones que se describió como el resultado de meses de esfuerzo. En palabras de la banda: “esperamos desde el fondo de nuestros corazones que este álbum logre significar algo para ustedes así como significa tantísimo para nosotros”.

Dale play a “al final”, la canción que abre este debut:

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4 getdown

Getdown Services 

Lugar de origen: Reino Unido

Géneros afines: dance

El dúo británico Getdown Services regresa con “The Radiator”, un sencillo que reafirma su identidad irreverente al convertir lo cotidiano en música imperdible con tintes de rock alternativo y electrónico. La canción se lanzó acompañada por un videoclip dirigido por JJ Jarman y protagonizado por Daisy Kennedy y Hannah Mullen

Dale play a “The Radiator” aquí:

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5 jack white

Jack White 

Lugar de origen: Estados Unidos

Géneros afines: rock alternativo

El regreso de Jack White se materializa en “G.O.D. and the Broken Ribs” y “Derecho Demonico”, dos sencillos después del lanzamiento de No Name (2024), publicadas a través de Third Man Records. Ambas canciones, producidas por el propio Jack White, se encuentran en un vinilo de 7 pulgadas de edición limitada. La primera presentación en vivo de estas nuevas canciones sucedió en Saturday Night Live

Dale play a “Derecho Demonico” aquí:

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6 melt

Meltt 

Lugar de origen: Canadá

Géneros afines: rock psicodélico 

La psicodelia y el indie rock están en buenas manos con Meltt y su nuevo lanzamiento “Never Let Go”, canción que abre su más reciente álbum de estudio que lleva el mismo nombre. Sostenida por guitarras distorsionadas que se diluyen en melodías claras, sintetizadores atmosféricos y una base rítmica firme, la canción destaca por su equilibrio entre densidad y claridad, logrando una producción precisa donde cada elemento encuentra su lugar.

Dale play a “Never Let Go” aquí:

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7 oas

Oas 

Lugar de origen: México

Géneros afines: shoegaze

Este mes la banda mexicana Oas llamó la atención de nuestro radar de Buenas Nuevas con su nuevo sencillo “Inviernos Grises”. Esta banda se caracteriza por su estilo indie y shoegaze. El proyecto cuenta con integrantes de Ciudad de México y el área metropolitana. Dentro de sus influencias destacan a Austin Tv y Def Leppard. 

Dale play a “Inviernos Grises” aquí:

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8 rplk

RPLK 

Lugar de origen: México 

Géneros afines: R&B

La productora mexicana Verónica González está de regreso en su proyecto solista, RPLK, con un nuevo lanzamiento: “Motorizado (dime así)”. Esta canción con tintes dreampop viene después de “Distinto”, el sencillo publicado en febrero. Tras esta canción, se espera que la cantante tapatía libere más música para el resto del año.

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9 teodioteodio

teodioteodio

Lugar de origen: Chile

Géneros afines: spoken word

Este 27 de marzo fue publicado el álbum debut de la banda chilena teodioteodio, titulado Echaremos el Cielo Abajo a Patadas. Este lanzamiento muestra que el spoken word está más vivo que nunca en la escena chilena. En palabras de la banda sobre este debut: “El disco ya es de ustedes. Un abrazo a todos nuestros amigos y gente que ha sido parte de este proyecto, gracias por el apoyo incondicional”.

Dale play a “Lejos de México”, la canción que abre este disco:

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PNAU se une a The Warning en “Tu Corazón (Your Heart)”

Alegría y pasión.

PNAU, reconocido por sus eclécticas colaboraciones con artistas de la talla de Elton John, Dua Lipa y Coldplay, vuelve a sorprender al anunciar su más reciente alianza con la banda mexicana de rock The Warning para el sencillo "Tu Corazón (Your Heart)".

Este lanzamiento, que precede una gira australiana de 12 fechas y la presentación de PNAU el 1 de mayo en el Foro Indie Rocks! de la Ciudad de México, es un hito nacido en tierras mexicanas. La conexión se forjó hace más de una década en México, durante la filmación de un video de Empire of the Sun, y se profundizó con sesiones de grabación en el estudio de PNAU en Los Ángeles.

El videoclip oficial, lleno de energía y celebración de la cultura latina, se grabó en el centro histórico de Monterrey, México. Este trabajo audiovisual, que captura la pasión y la vitalidad de la canción, fue dirigido por Alberto "AJ" Gomez y contó con producción y talento local. La canción, por su parte, es un himno al optimismo, invitando a la audiencia a abrir su corazón y mente en este mundo en constante cambio.

Esta canción trata sobre abrir tu corazón a cada cosa hermosa que este mundo tiene para ofrecer a través de la comunidad y de las personas que amamos. ¡La pasamos increíble trabajando con PNAU creando algo tan único y divertido! Fue un proceso muy nostálgico para nosotras y nos encantó reconectar con nuestras versiones pasadas a través de esta canción. ¡Estamos agradecidas de haber sido parte de este tema y queremos muchísimo a Pete y Nick!”, expresó The Warning.

Dale play aquí:

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The Limiñanas anuncia álbum en vivo

Este anuncio de gira y álbum en vivo llega tras el lanzamiento de su aclamado trabajo de estudio más reciente, Faded, publicado en 2025.

The Limiñanas ha emocionado a sus fans con el anuncio de su nuevo álbum en vivo, Live at Beaubourg. Este material, que será lanzado el 19 de junio a través del sello Because Music, documenta una actuación memorable grabada el 24 de octubre de 2025 en el prestigioso Centro Pompidou de París, un concierto que se realizó como parte de las celebraciones por el 20.º aniversario de Because Music, un sello que ha sido fundamental en la trayectoria de la banda.

Para ofrecer un adelanto de lo que será esta producción en directo, la banda ya ha compartido el tema "One Blood Conversation", una pieza que promete capturar la energía visceral de sus presentaciones. Dale play a continuación:

Además, la dupla de rock psicodélico y garage francesa ha confirmado su esperado regreso a Norteamérica este otoño. Marcando su primera visita a esta parte del continente desde 2011, esta gira es un evento imperdible para los fanáticos del sonido crudo y cinematográfico del dúo. 

Mira la portada y el tracklist a continuación:

The liminanas live at beaubourg

Side A
1. "Intro Drone"
2. "Spirale"
3. "Je rentrais par le bois…BB"

Side B
1. "Salvation"
2. "One Blood Circle"

Side C
1. "Autour de chez moi"
2. "Je m’en vais"

Side D
1. "Rocket USA"

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Lykke Li comparte “Sick of Love”

Un tema que retrata el desgaste emocional tras la euforia de la fiesta.

Lykke Li presenta un nuevo adelanto de su próximo álbum The Afterparty, el cual será estrenado el próximo 8 de mayo vía Neon Gold Records/Futures.. El reciente sencillo lleva por nombre “Sick of Love” y profundiza en una narrativa emocional, mostrando un lado más vulnerable y reflexivo tras la euforia inicial de su entrega previa, “Lucky Again”.

A diferencia de su antecesor, “Sick of Love” aborda el desgaste afectivo y la sensación de vacío. La canción juega con la idea del amor como un exceso que termina agotando; a pesar de que se sabe y se siente que ha llegado a su fin, aún se insiste en permanecer ahí aunque ya no se disfrute la experiencia. La propia artista ha descrito esta pieza como un instante de “humillación total”, en el que se intenta mantener la fortaleza mientras todo alrededor se desmorona.

The Afterparty contará con nueve canciones que fueron grabados en Los Ángeles y Estocolmo junto a una orquesta de cuerdas de 17 músicos, lo que aporta una dimensión casi cinematográfica al sonido del disco. El resultado promete ser una obra concisa, pero expansiva, en la que conviven distintos elementos musicales sin perder la cohesión.

Con este nuevo material, la artista presenta un trabajo cuyo eje gira en torno a emociones como la vergüenza, el deseo y la incertidumbre existencial, dando como resultado un disco que explora lo que queda después de que todo termina. Además, la cantante se presentará junto a Robyn este 19 de septiembre en el Palacio de los Deportes, donde llevará este nuevo material al escenario.

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HEALTH anuncia EP y estrena “A.L.O.N.E.”

Un material que marca el final de una etapa sonora para la banda.

HEALTH cierra una etapa con Addendum, un EP que verá la luz el próximo 30 de abril y que llega tras el lanzamiento de CONFLICT DLC en diciembre del año pasado. Como adelanto, el grupo compartió “A.L.O.N.E.”, un sencillo que introduce la narrativa de su próximo material y reafirma su identidad dentro de lo industrial y lo electrónico, sin dejar de lado su carga emocional.

El trío originario de Los Ángeles presenta este nuevo material, el cual funciona como un cierre conceptual dentro de la narrativa que la banda, conformada por Jake Duzsik, John Famiglietti y B.J. Miller, ha construido en los últimos años. Esta etapa inició con RAT WARS (2023) y continuó con CONFLICT DLC (2025); siendo este EP una especie de conclusión a ese ciclo creativo, donde el grupo ha explorado temas como la ansiedad, el colapso social y la desconexión emocional en la era tecnológica.

“A.L.O.N.E.” llega como el primer adelanto de HEALTH, un track que se presenta como una pieza atmosférica, construida a partir de sintetizadores que generan una sensación introspectiva y etérea. De acuerdo con el vocalista Jake Duzsik, este tema surgió tras la muerte de David Lynch; sin embargo, con el paso del tiempo su significado cambió, dando lugar a una reflexión más abierta sobre las experiencias personales.

Addendum funciona como un lanzamiento que amplía el universo creativo de HEALTH. Además, el grupo demuestra que, tras casi dos décadas de trayectoria, continúa explorando y fusionando géneros como el metal y la electrónica experimental, sin perder la intensidad que los caracteriza.

Mira la portada y el tracklist:

Health addendum ep

1. "Free To Die feat. Richard Patrick of Filter"
2. "Trials"
3. "BE QUIET AND DRIVE (FAR AWAY) Deftones cover"
4. "MEAN feat. Chelsea Wolfe"
5. "A.L.O.N.E"
6. "Ruin"
7. "The Drain feat. Bad Omens & Swarm"

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'Philadelphia’s been good to me', el nuevo álbum de Kurt Vile

El artista presenta un adelanto del disco inspirado en Filadelfia.

El regreso de Kurt Vile ya es una realidad. Tras el lanzamiento de su EP Classic Love en 2025, el músico originario de Filadelfia lanzará su nuevo álbum titulado Philadelphia’s been good to me este próximo 29 de mayo, bajo el sello Verve Records.

El anuncio llega acompañado del estreno de “Chance to Bleed”, sencillo lanzado este siete de abril, el cual presenta una esencia sonora repleta de guitarras envolventes y un ritmo relajado que remite a su estilo folk-rock, con un aire melancólico que también se hace presente en la letra, la cual hace referencia a aceptar el dolor como parte de la vida, a exponerse a sentir e incluso a sufrir.

El video oficial de este tema fue grabado en Kung Fu Necktie, un recinto emblemático dentro de la escena musical en Filadelfia, reforzando la idea del disco, que funciona como una especie de declaración de amor a su ciudad natal, presentando ese sentimiento de pertenencia que atraviesa todo el álbum.

Philadelphia’s been good to me contará con 11 tracks, en donde además del lanzamiento, Kurt Vile confirmó una extensa gira para 2026 que recorrerá Norteamérica y Europa, comenzando el 16 de junio en Toronto.

Mira la portada y el tracklist:

Kurt vil philadelphias been goo to me

01. "Zoom 97"
02. "99 BPM"
03. "Rock ‘o Stone"
04. "You don’t know cuz it’s my life"
05. "Chance to Bleed"
06. "Philly’s been good to me"
07. "99th song"
08. "Red Room Dub"
09. "Every time I look at you"
10. "Piano for Sarah"
11. "Avalanches of Snow"

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Entrevista con Alex G

Entre lo intangible y lo cotidiano.

El músico estadounidense habla sobre la construcción sonora de su más reciente álbum, la naturaleza emocional de su música y el extraño lugar que ocupa en la conversación actual del indie.

En un momento donde los discursos alrededor de la música buscan constantemente definir, clasificar y explicar, Alex G parece moverse en dirección contraria. Con Headlights, su décimo álbum, el músico de Filadelfia reafirma una forma de crear que parte de la intuición, el ensayo y el error, y una relación profundamente personal con el sonido. A días de su regreso a México para presentarse en el Auditorio BB, conversamos con él sobre procesos, percepciones y todo aquello que no siempre se puede poner en palabras.

Indie Rocks!: Tengo muchas cosas de las que quiero hablar contigo. Lanzaste un álbum hace unos meses antes de esta entrevista y ahora tienes una fecha importante en México. Me gustaría empezar hablando de este último disco, tu décimo álbum, ¿cierto? ¿Puedes contarme un poco sobre la producción de Headlights?

Alex G: Sí. La mayor parte de la grabación se hizo en Filadelfia, que es donde vivo. Mucho fue en un estudio llamado Spice House, algo en MilkBoy Studios, y también grabé en mi casa y en un estudio en el norte del estado de Nueva York llamado The Clubhouse. Toqué todos los instrumentos, excepto en la canción “Logan Hotel” y en las que llevan cuerdas. La mezcla la hice junto a Jacob Portrait y el mastering fue de Heba Kadry. Estoy tratando de pensar si hay algo más específico… pero bueno, si tienes alguna pregunta más puntual sobre la producción.

IR!: Para mí es muy interesante porque, al escuchar tu música y este álbum en particular, siento que tienes un sonido muy específico. Es como lo-fi pero al mismo tiempo con guitarras muy grandes. ¿Cómo llegaste a ese sonido y cómo ha evolucionado a lo largo de estos 10 discos?

AG: Sí, creo que entiendo lo que dices. Ese sonido lo-fi, como más DIY, probablemente viene —al menos en este disco— de tocar yo mismo los instrumentos. No soy experto en ninguno, entonces eso le da una sensación más casera. Y creo que me siento cómodo con eso porque pasé muchos años grabándome solo, al inicio era por necesidad. Entonces ha sido una progresión muy natural. Nunca hice un salto grande de grabar en casa a hacerlo en estudio. También tiene que ver con que sigo produciendo mucho por mi cuenta: tomo los stems y sigo experimentando en Logic, como antes lo hacía en GarageBand. Es el mismo proceso de prueba y error, y eso probablemente le da esa sensación lo-fi.

IR!: Es interesante porque incluso hay gente que ve tu música como algo muy relevante dentro de una nueva forma de hacer rock o folk, más casero, más íntimo. ¿Tú percibes eso? ¿Cómo vives toda esta narrativa de que eres “lo siguiente” en la música?

AG: Es curioso porque yo no me veo así. No es falsa modestia, simplemente no lo siento de esa forma. Creo que muchas publicaciones tienden a hablar de los artistas como si fueran “lo siguiente”, comparándolos con figuras como Bob Dylan o Neil Young. Pero no sé… yo solo intento hacer música que conecte con la gente. Y no siento necesariamente que haya logrado eso a gran escala.

O sea, claro que soy exitoso en el sentido de que hago lo que quiero hacer, pero no siento que esté haciendo algo extraordinario. Sigo viviendo en Filadelfia, haciendo lo mío. Entonces eso de “lo siguiente” siento que se lo dicen a todos hoy en día.

IR!: Pero también estás girando por todo el mundo: Estados Unidos, Australia, Japón, México… ¿no es eso ya conectar con mucha gente?

AG: Sí, claro. No debería darlo por sentado. Pero supongo que es algo muy humano: siempre quieres más de lo que tienes.

IR!: ¿Y cuáles son tus metas o inspiraciones como artista?

AG: No tengo una respuesta muy concreta. No pienso tanto en metas materiales. Hace poco escuché Art Angels de Grimes y me voló la cabeza la producción. Me interesa explorar algo así, hacer música que sea igual de envolvente. Pero más allá de eso, solo quiero poder seguir haciendo música y sostenerme de esto por muchos años.

IR!: Más allá de la música, ¿qué te interesa? ¿Qué consume Alex G fuera de este mundo?

AG: Es difícil decirlo ahora porque estoy muy ocupado. Pero me gusta leer. Y hay un podcast que me gusta mucho, se llama Otherworld. Es sobre gente que ha tenido experiencias paranormales.

IR!: No lo conozco, cuéntame un poco.

AG: El host entrevista a personas que han vivido cosas como ver fantasmas, experiencias cercanas a la muerte o incluso encuentros con extraterrestres. Más allá de si crees o no, lo interesante es escuchar cómo lo cuentan, la honestidad con la que lo hacen. Me interesa eso, lo que está fuera de nuestra percepción.

IR!: Es interesante porque eso también se conecta con la música, ¿no? Es algo intangible.

AG: Totalmente. Justo alguien me mandó algo chistoso: una de mis canciones en Spotify seguida por una descripción hecha por IA explicando de qué trata. Y pensé: eso es exactamente lo contrario de lo que intento hacer.

La música no es una historia concreta, es algo más difuso, emocional. Y llega la IA a decir “esto significa esto y esto”, y es como… arruina la experiencia. No se trata de eso.

IR!: Me encantaría seguir hablando de IA, pero para cerrar: estarás tocando pronto en México, ¿qué podemos esperar del show?

AG: Hacemos un set principal de más o menos una hora y luego un encore de unos 30 minutos. El set principal se enfoca en Headlights, con algunas otras canciones, y en el encore tocamos cosas más viejas o lo que la gente pide.

IR!: Y por último, si tuvieras que describirte en tres palabras…

AG: No sé… (ríe) estoy sin palabras. Podría ser “speechless Alex G”.

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Entrevista con Venemous

El thrash metal que necesitas escuchar.

En medio de una escena metalera que no deja de reinventarse en México, Venemous se posiciona como una de las propuestas imperdibles de la ola thrashera. Con una trayectoria que ha crecido al ritmo de sus propios integrantes, la banda ha construido un proyecto donde la evolución el resultado de la experiencia, los cambios y la búsqueda constante por llevar su música más lejos.

En Indie Rocks! Magazine, platicamos con Tavo y Néstor de Venemous sobre su próximo álbum de estudio, Legacy Unwritten, su manifiesto y la escena trash mexicana. 

IR!: Empecemos hablando del paso del tiempo, cómo han percibido el avance de su música desde sus inicios hasta ahora que presentan un material nuevo.

V: Yo creo que ha sido una evolución como muy natural, en el aspecto de que la banda inició cuando todos éramos muy jóvenes, ¿no? O sea, Andy y Omar iniciaron la banda cuando tenían como 15 años, 14. Entonces, pues obviamente eso se ve reflejado en la música, ¿no? Tanto en la forma de componer, como en el sonido que buscaban. Se notan muchas influencias de otras bandas que escuchaban mucho en ese momento. Y conforme fueron saliendo, pues, los sencillos, los álbumes, como que cada vez hay más aporte de diferentes influencias. Igual, pues ya llego yo después y después llega Néstor. Y obviamente cada uno de nosotros le va metiendo como su toque al sonido. Y así como nosotros crecimos, pues también el sonido crece. Y buscamos dar como una mejor calidad en todo sentido, en composición, en grabación, en profundidad, en trascendencia. Todo eso que ponemos en las canciones, pues dirigida obviamente al público. Entonces yo creo que ha sido un proceso muy natural, pero que sí se refleja en tanto también en el crecimiento que hemos tenido nosotros.

IR!: Como que va un poco avanzando de la mano de un crecimiento personal.

V: Exactamente. Más o menos así, así lo podríamos poner. O sea, yo creo que va muy acompañado de eso y es como lo que ha ido definiendo también. Bueno, nosotros al crecer queremos sonar mejor, queremos hacer más cosas, llegar más lejos, cumplir nuestros sueños, nuestras metas. Y pues es lo que nos lleva a buscar mejores sonidos.

IR!: Además se percibe que hay una escena que se está consolidando muy fuerte dentro del thrash metal en México, ¿qué nos pueden decir al respecto?

V: Pues la escena de thrash, pues desde que somos adolescentes hasta el día presente, siempre ha existido. Quizás antes pues no se tenían como tantas facilidades para la hora de grabar y subir tu proyecto a Internet. Entonces, aunque siempre ha estado, tal vez antes la cantidad de bandas era un poco menor. Sin embargo, hoy en día, pues para los músicos nos es muy accesible subir nuestra música a todos lados. Incluso hay plataformas que pues se rifan esa chamba y pues lanzan las canciones a todas las redes sociales, a todas las plataformas de streaming. Y como que eso también ha globalizado, creo yo, el panorama musical en el thrash. Siempre ha habido bandas, ahora pues también cada vez surgen propuestas nuevas. Y siempre es bien interesante, ¿no? Porque pues todos tienen su toque personal para pues lanzar sus proyectos. Entonces, pues sí es una escena consolidada y que pues sigue creciendo la verdad.

IR!: En el nuevo material, Legacy Unwritten, incluyen un manifiesto, cuéntenos sobre esto.

V: Si bien siempre consideramos que lo que nosotros ofrezcamos al mundo no lo vamos a sacar hasta que sea de una calidad que a nosotros nos convenza, también hubo ciertos factores externos que hicieron que fuera un proceso bastante complicado. O sea, cuestiones como la pandemia, como que golpeó muchos aspectos de la vida de todos nosotros, cosa que complicó bastante todo el proceso de composición, de producción, lanzamientos. Todo tuvo que cambiar, tuvo que adaptarse. Cambios de integrantes también. Sin embargo, yo creo que lo que hay que resaltar de esto es que a pesar de todo eso que sucedió, nosotros continuamos adelante. Y justo pudimos haber sacado todo el disco en la pandemia, pero lo que queremos es que cada canción sea única, tenga su esencia, sea algo especial. Y que cuando las personas lo escuchen realmente puedan identificarse con lo que decimos, con lo que nosotros les ofrecemos. Entonces, sí es un álbum que viene desde muy nuestros adentros. Y digamos que es un álbum de personas a personas. No es un álbum que busque números, no es un álbum que busque cifras. Realmente queremos llegar a la gente.

IR!: También es un álbum pensado para las presentaciones en vivo, ¿cierto?

V: Pues estas canciones también, como parte de la evolución de la banda, buscamos hacer shows más impresionantes, más dinámicos. Entonces hay canciones del álbum que se prestan muchísimo para generar una dinámica en los shows, tanto en el escenario como los elementos que nosotros subimos, aparte de la música del equipo, como un elemento de espectáculo y también de conexión con el público. Entonces, pues sí, hay partes de las canciones que se prestan muchísimo para shows, tanto para clubes pequeños como para un escenario más grande, con más gente. Eso nos tiene muy emocionados, la verdad.

IR!: Sí, y viene la presentación oficial el 24 de abril, ¿qué esperan de esta fecha?

V: Pues queremos que sea algo inolvidable, tanto para nosotros como para toda la gente que lo escuche. Queremos compartirlo con todas las personas, que llegue a mucha gente. Y obviamente queremos mostrar nuestra esencia y ya con esa esencia diferenciarnos con nuestra personalidad frente a otras bandas. Cada banda tiene una esencia, cada banda tiene su personalidad. Entonces creemos que ya tenemos muy definido quiénes somos, qué es Venemous y queremos mostrarlo al mundo. Cuando hacemos una canción pensamos tanto en cómo se va a oír y cómo se va a ver. Entonces, tanto en videos o shows en vivo, empezamos a visualizar qué queremos que la gente vea, experimente. Queremos que se lleve toda una experiencia cuando nos vea o nos conozcan. Entonces creo que lo que buscamos es llegar al mayor número de personas posible, tocar en muchas ciudades, tanto aquí en México como fuera de México. Queremos que el álbum llegue muy lejos y sea escuchado por todos.

IR!: Dentro de la portada de su álbum, ¿qué artistas o qué inspiraciones formaron parte de este nuevo lanzamiento?

Vs: Pues queremos, bueno, digamos que hay una esencia que tienen nuestras portadas, todas nuestras portadas, que es que tenemos un personaje que es un monje, que se puede ver en las portadas de nuestros otros discos, y este monje representa un poco como al ser humano, pero también como a la maldad inherente en nosotros, ¿no? Como poco a poco va creciendo también este personaje, así como nosotros, así como la banda, y se va desarrollando. Entonces, nos vimos muy influenciados en fotografías de surrealismo para hacer esta portada, y justamente es una fotografía. Cuando la vean, por favor, no piensen que es inteligencia artificial, nos esforzamos mucho para sacar esta portada, que fuera muy original, que tuviera como muchos elementos que somos nosotros, pero justamente tiene esos toques surreales.

IR!: Para cerrar esta charla, ¿con qué mensaje invitan a la gente a escuchar su nuevo disco?

Venemous: Que se den la oportunidad de escuchar el disco y asistir a alguno de nuestros shows. Yo creo que se van a llevar una grata experiencia. Que nunca se rindan en lograr sus objetivos y sus sueños. Y si alguien lo está pasando mal, nosotros le extendemos nuestra mano por siempre, y allá nos vemos.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

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