Aldous Harding anuncia ‘Train On The Island’, su nuevo disco

El lanzamiento del sencillo se ha complementado con un cautivador videoclip que ha sido dirigido por Michelle Henning.

La cantautora neozelandesa Aldous Harding ha anunciado los detalles de su esperado nuevo álbum, Train On The Island. Este trabajo discográfico, que marca su primer material de estudio desde el aclamado Warm Chrisde 2022, se lanzará el próximo 8 de mayo a través del sello 4AD.

Harding, conocida por su estilo inconfundiblemente enigmático y su habilidad para crear atmósferas musicales cautivadoras, grabó este conjunto de 10 nuevas canciones en los históricos estudios Rockfield, ubicados en Monmouth, Gales. Para este proyecto, la artista volvió a colaborar con su socio creativo de larga data, John Parish.

Como primer adelanto, Aldous Harding ha compartido el fascinante sencillo "One Stop". Esta pista se destaca por mantener el característico minimalismo juguetón que define gran parte de su obra, pero sorprendiendo con una inmediatez y una estructura que la acercan (casi) al terreno del "pop", aunque siempre filtrado por su lente altamente personal y vanguardista. La canción brilla por su maravillosa y singular lírica, elementos que culminan con una fuerza inesperada.

Dale play:

Esta es la portada y el tracklist:

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1. "I Ate The Most"
2. "One Stop"
3. "Train On The Island"
4. "Worms"
5. "Venus In The Zinnia"
6. "If Lady Does It"
7. "San Francisco"
8. "What Am I Gonna Do?"
9. "Riding That Symbol"
10. "Coats"

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Mira el tráiler del documental 'Dead City Punx'

Una voz disidente y combativa dentro de la ciudad.

El esperado documental Dead City Punx, que se adentra en la tumultuosa trayectoria de la banda homónima de Los Ángeles, ha revelado su tráiler y el anuncio de su inminente estreno mundial. La producción cinematográfica cuenta con un equipo de alto calibre: Zack de la Rocha, miembro de la icónica banda Rage Against the Machine, figura como productor ejecutivo junto a Roger Gastman y Joseph Pattisall, y recibe el respaldo de la plataforma cultural Beyond the Streets.

El debut deDead City Punx está programado para el 16 de abril en el emblemático Teatro Regent de Los Ángeles. Para celebrar la ocasión, se han anunciado dos funciones exclusivas que prometen ser un evento cultural significativo en la escena de la ciudad.

La banda, compuesta por Meka, Grumpy, Mike y Adrian, se ha forjado una reputación de culto gracias a la naturaleza visceral y anárquica de sus presentaciones. Dead City Punx se distingue por sus caóticos espectáculos ilegales al aire libre, que han redefinido el concepto de concierto punk en la era moderna.

La película promete ofrecer una inmersión profunda en este fenómeno a través de entrevistas exclusivas con los miembros de la banda y figuras cercanas al movimiento, complementadas con grabaciones crudas de conciertos capturadas por los propios fans, ofreciendo una perspectiva auténtica y sin filtros de la energía que Dead City Punx desató en las calles de Los Ángeles.

Mira el tráiler aquí:

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Mon Laferte y GRTSCH presentan “STREETFIGHTER”

Alianza y reconocimiento.

Mon Laferte ha sido una guía fundamental y aliada crucial para GRTSCH desde sus inicios, reconociendo su potencial disruptivo y su visión vanguardista que entrelaza el merengue experimental, el pop alternativo y los sonidos urbanos.

La sinergia en "STREETFIGHTER" se basa en el respeto mutuo y trayectorias paralelas que priorizan la expresión libre. Ambas artistas comparten una libertad creativa indomable y han hecho de la experimentación un manifiesto, ignorando restricciones de la industria. Mon ha sido testigo del desarrollo orgánico, la estética inconfundible y el sonido híbrido de GRTSCH.

La canción se desarrolla con la elegancia urbana de GRTSCH y la presencia vocal ineludible de Mon que navega entre el erotismo, la teatralidad y el descaro. Lejos de ser un dueto armónico, es un vibrante choque de sensualidad y ritmo desbordante donde: el merengue clásico se distorsiona con electricidad experimental, el pop se expande y el entorno urbano es un campo de batalla musical.

Dale play:

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Nuevos Discos del 28 de febrero al 6 de marzo

Las novedades musicales de esta semana ya están aquí. ¿Listo para seguir expandiendo tu playlist?

Artista: Andrew Nolan
Disco: Sacrifice
Label: Closed Casket Activities

Artista: Bad Gyal
Disco: Más Cara
Label: Interscope

Artista: Bitter Branches
Disco: Let's Give The Land Back To The Animals
Label: Equal Vision Records

Artista: clust.r
Disco: autumn break down
Label: dawk26

Artista: Daniela Andrade
Disco: Oda
Label: Crooked Lid Records

Artista: Denzel Curry & The Scythe
Disco: Strictly 4 The Scythe
Label: PH Recordings

Artista: ELIZA
Disco: The Darkening Green
Label: Log Off Records

Artista: Flying Lotus
Disco: BIG MAMA
Label: Brainfeeder

Artista: Gnarls Barkley
Disco: Atlanta
Label: Atlantic

Artista: GUM
Disco: Blue Gum Way
Label: p(doom) records

Artista: Harry Styles
Disco: Kiss All the Time. Disco, Occasionally.
Label: Columbia

Artista: Kim Petras
Disco: Pretour
Label: Virgin Records

Artista: Margaritas Podridas
Disco: Metales Pesados
Label: Hopeless Records

Artista: Mecánica Clásica
Disco: Una Teoría Del Ritmo
Label: Abstrakce Records

Artista: Mute Swan
Disco: Skin Slip
Label: Hit the North Records

Artista: Osees
Disco: Cara Maluco
Label: Deathgod Corp

Artista: Presser
Disco: Voluntary Grief
Label: PresserNoise

Artista: Unsafe Space Garden
Disco: O Melhor e o Pior da Música Biológica
Label: gig.ROCKS! Records

Artista: War Child Records
Disco: HELP(2)
Label: War Child

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A Place To Bury Strangers comparte “Acid Rain”

El sencillo formará parte de su próximo álbum, Rare And Deadly.

La banda neoyorquina liderada por Oliver Ackermann, A Place To Bury Strangers, presenta "Acid Rain", su nuevo sencillo y segundo adelanto del álbum Rare And Deadly; material que verá la luz este próximo 3 de abril de 2026. El estreno llega acompañado de un videoclip grabado de manera improvisada en el metro de Nueva York.

Tras el impacto de "Everyone’s the Same", el conjunto de shoegaze y noise rock lanzó una pieza con una fuerte carga sociopolítica. Esta canción plasma la frustración de una comunidad agobiada; surgió durante el primer mandato de Donald Trump y se nutrió de momentos como las protestas por George Floyd en Manhattan y Brooklyn. De hecho, los cantos iniciales que se escuchan en el tema fueron grabados durante aquellas movilizaciones.

El video que acompaña al sencillo fue filmado el 16 de enero de 2026. En él, los integrantes se embarcaron en un viaje en metro a través del puente de Williamsburg hacia el Lower East Side. El resultado es un clip que refleja la estética cruda que define al grupo, capturando la sensación de ver cómo ciertos conflictos históricos continúan repitiéndose bajo distintos nombres.

"Acid Rain" forma parte de Rare And Deadly, un disco que reúne demos, lados B, experimentos y grabaciones rescatadas del archivo personal de Ackermann. El material abarca sesiones realizadas entre 2015 y 2025, exponiendo una década de conceptos que quedaron fuera de producciones anteriores. A la par del lanzamiento, A Place To Bury Strangers confirmó su gira por Europa, la cual arrancará en abril y visitará ciudades como Hamburgo, Praga, Atenas y Milán, cerrando con una serie de fechas en los Países Bajos.

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Jehnny Beth se une a Mike Patton en “Look At Me”

El lado oscuro de la humanidad a través de la mirada de estos artistas.

La artista francesa Jehnny Beth estrenó su potente sencillo "Look At Me", una inesperada colaboración con Mike Patton (Faith No More). La influencia del cantante y compositor estadounidense, específicamente su técnica vocal de canto agudo y susurro, inspiró el paisaje sonoro de Beth durante la grabación de su último álbum. 

Líricamente, la canción es una crítica incisiva a los "vendedores de verdades modernos" y a los impostores que difunden dogmas de optimismo forzado y superación personal en plataformas digitales, buscando pura atención. El tema cuestiona la autenticidad y el poder de influencia de estos "gurús" sobre personas susceptibles.

El videoclip, dirigido por Beth y Johnny Hostile, se inspira en Taxi Driver de Martin Scorsese, usando la iconografía del aislamiento. Jehnny Beth representa al marginado solitario, mientras que Mike Patton encarna al predicador. El clímax visual muestra a ambos personajes fusionándose, simbolizando la dualidad o la asimilación del dogma. La estética mezcla el hiperrealismo fotográfico de Martin Parr con la sensibilidad de Gregg Araki, confrontando la falsedad y la obsesión por la imagen en la cultura contemporánea.

Dale play aquí:

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Entrevista con Daniela Andrade

Reconciliar a través de la música.

Daniela Andrade, música y compositora hondureña-canadiense, anunció el lanzamiento de su álbum debut, Oda. Ella ha estado en el ojo público desde que se volvió viral en YouTube al subir covers de algunas de sus canciones favoritas. Sin embargo, aunque logró consolidar una audiencia sólida, siempre mantuvo la inquietud de lanzar su propia música. Ahora, en 2026, ese sueño se convierte en realidad con su primer larga duración, dedicado a su madre. A propósito del lanzamiento, platicamos con la artista sobre su vínculo materno, la estética del álbum y la importancia de concebir su composición en dos idiomas.

Indie Rocks! Magazine: Conocemos tu pasado en YouTube pero, en realidad, ¿De dónde nace la inquietud de empezar a hacer un proyecto musical?

Daniela Andrade: La música para mí siempre tuvo un significado muy especial; ha sido como una medicina, un lugar donde puedo unir diferentes sentimientos. Esa inquietud la he tenido desde niña. Empecé a escribir mis propias canciones a los 12 años. La música siempre ha estado ahí, nunca se fue. YouTube me dio una audiencia, pero la vida me dio este camino en la música.

Indie Rocks! Magazine: ¿La voz siempre fue tu instrumento principal?

Daniela Andrade: Sí, exactamente. Comencé a cantar a los seis años. En mi familia siempre han cantado; mi papi fue director de un coro y nos enseñó a mis hermanos y a mí cómo armonizar. De ahí nació la idea de que mi cuerpo, mi voz, era mi primer instrumento. Pero cuando descubrí la guitarra fue algo muy emocionante. Me tomó mucha práctica poder cantar y tocar la guitarra al mismo tiempo.

Indie Rocks! Magazine: Vienes de sencillos que a veces fueron agrupados en EPs. ¿Cómo fue pasar de eso a tu primer larga duración?

Daniela Andrade: Con mis últimos dos EPs estaba tratando de encontrar dentro de mí qué era lo que quería decir. Eso me dio un deseo muy fuerte de seguir escribiendo en español e inglés. Siempre he llevado en mi música ese legado de mi familia. Oda representa para mí el próximo capítulo. Tiene que ver con el vínculo entre mi madre y yo, con crecer, hacerme mujer, con mi experiencia como mujer.

Indie Rocks! Magazine: Oda es un material que nos emociona porque tiene toda una historia detrás. Este disco toma el vínculo con tu mamá como eje principal, ¿qué nos puedes contar sobre esto?

Daniela Andrade: Cuando estaba explorando qué quería decir en este álbum —que nunca es claro desde el comienzo, porque el proyecto mismo te va enseñando lo que quiere salir—, me di cuenta de que eran mucho las emociones. Como cuando te guardas una emoción: suprimir, contener… muchas emociones contenidas.

El color rojo fue un norte para mí, porque siento muchas cosas cuando lo veo: pasión, rabia, vulnerabilidad.

Eso me llevó a explorar diferentes tópicos. Seguía escuchando en mi mente historias que estaban conectadas con mi madre: cosas que ella me había dicho, cosas que yo había observado. Quería revisitar nuestra relación, pero viéndola no solo como mi madre, sino como una mujer que también fue hija, niña, que creció en Honduras, en un pueblo, y preguntarme cómo llegó a ser mi madre.

Comencé a hacer muchas preguntas y a tener conversaciones para conocerla otra vez. En ese proceso conocí partes de mí misma. Hay una nota de voz donde ella explica cómo siente el enojo, y me di cuenta de que lo sentimos de la misma forma: como emociones acumuladas, con un deseo de salir y expresarse. Me impresionó mucho cómo la vida corre en paralelo. Aunque somos de lugares distintos —ella nació en Honduras y yo en Canadá—, me ha enseñado tanto. Hay un legado muy fuerte en mí gracias a ella.

Este álbum me ha enseñado mucho. Es un proceso que continúa, pero me ha transformado profundamente.

Indie Rocks! Magazine: Mientras escuchaba tu disco pensaba en la película Lady Bird. Hay un momento en la vida en el que podemos ver a nuestra mamá como una mujer independiente, con su propio contexto, que hace lo que puede con las herramientas que tiene para ejercer su maternidad.

Daniela Andrade: Me encanta ese ejemplo de Lady Bird. Cuando vi esa película también lloré mucho, especialmente en la llamada del final. Dice tanto… Sí, me encanta esa referencia.

Indie Rocks! Magazine: ¿Es también un proceso de reconciliación? ¿El disco va por ese lado?

Daniela Andrade: Claro que sí, es reconciliación al cien por ciento. Reconciliar partes de mí, pero también una relación tan importante. Amo mucho a mi madre y hemos tenido etapas distintas en nuestra relación. Al final, elegir el amor, la paciencia y el entendimiento entre nosotras me ha dado mucha paz, de verdad.

Indie Rocks! Magazine: Sobre el proceso de Oda, ¿qué tanto te involucraste en las decisiones artísticas?

Daniela Andrade: Muchísimo. Estoy muy involucrada en todas las decisiones porque soy una artista independiente y trabajo bajo mi propio sello, junto con mi manager, Jeff. El tracklist es muy intencional, de principio a fin. Quería abrir con la voz de mi madre. También incluí detalles como pasos y puertas, porque quería integrar esta idea de que las conversaciones son portales: abrir una puerta y cerrar otra. Nunca entramos a un cuarto de la misma forma en que salimos.

Produje gran parte del álbum y fui productora ejecutiva. Trabajé con colaboradores muy generosos y talentosos en Toronto y Montreal, pero llevé muchas ideas hasta el final. Incluso estuve involucrada en la dirección creativa de la portada. Con este disco, por ser tan personal, sentí que tenía que tomar yo todas las decisiones.

Indie Rocks! Magazine: Regresando al color rojo en la portada, es un color que puede representar sangre, dolor y también amor. ¿Existe esa dualidad en el disco?

Daniela Andrade: Sí, está incluso en las letras. En la segunda canción digo: “Ahora crecida, ahora el amor, con tinta de rojo resalta, corre en mis labios, risa y dolor, flor en primavera que canta”.

El rojo lleva esa dualidad: pasión y dolor. Conecto mucho con eso y quería plasmarlo en el álbum.

Indie Rocks! Magazine: Las letras en español tienen un peso importante. ¿Hay algo político detrás de esa decisión?

Daniela Andrade: Todo está teñido de algo político, incluso el idioma. Mis padres me enseñaron el español con mucha intención. Tengo un acento que no sé bien cómo describir, porque me enseñaron un español neutral. Cuando voy a Honduras, mis primos hablan distinto; en Canadá, mis amigos salvadoreños, colombianos o argentinos también. Siempre me preguntaban de dónde era.

Mi papi se integró más al inglés porque buscaba trabajo y quería sonar profesional en llamadas; es emprendedor y tiene su negocio. Mi mami se mantuvo más dentro de la comunidad latina y siempre me habló en español. Así nació esa dualidad en mí: en casa era español, en la escuela era inglés.

Me tomó años entender cuán importante era el español para mí, porque intentaba asimilarme más en Canadá. Cuando escribí mi primera canción en español, salió muy rápido y se sintió natural. Ahí entendí que tenía muchas emociones que necesitaban ese idioma. Ahora acepto completamente que soy bilingüe. A veces la primera palabra que surge es en inglés, a veces en español. Y está bien.

Indie Rocks! Magazine: El álbum saldrá el 6 de marzo. ¿Hay alguna canción que te emocione más?

Daniela Andrade: Me emociona muchísimo que la gente escuche “Oda”. Cuando la escucho siento muchas cosas. Cuando la escuché con mi madre, también se emocionó, y me sorprendió que a las dos nos gustara tanto la misma canción.

Y si puedo elegir otra, sería À volonté”, la última. La escribí sintiendo mucho amor, y eso se transmite.

Indie Rocks! Magazine: ¿Cómo reaccionó tu mamá cuando le mostraste el disco?

Daniela Andrade: Fue muy especial. Durante años hubo cierta distancia porque yo escribía más en inglés y ella no lo entiende del todo. Cuando escuchamos el álbum juntas, comenzando con su voz y luego la canción “Madre”, sentimos muchísimas emociones. Si algo no entendía, paraba la canción y me preguntaba. Lloramos, nos abrazamos. Fue el único listening party que necesitaba. Después de eso, todo es un plus.

Indie Rocks! Magazine: ¿Cómo presentarás este disco en vivo?

Daniela Andrade: Ya se anunciaron las primeras fechas de la gira. El show será muy especial porque la banda está formada por amigos y colaboradores muy cercanos. Estoy trabajando mucho en los detalles del escenario para integrar elementos simbólicos de Oda. No quiero adelantar mucho, pero estoy muy emocionada.

Indie Rocks! Magazine: ¿Con qué mensaje invitas a escuchar el álbum?

Daniela Andrade: Creo que las conversaciones son fundamentales. Son una oportunidad para entendernos con paciencia y amor. Esa es la intención de este proyecto.

Y si pudiera pedir algo, sería que lo escuchen de principio a fin. Lo diseñé así, con mucho amor. Estoy muy agradecida de que lo escuchen.Dale play a “steer” parte del álbum debut Oda de Daniela Andrade aquí.

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Basement anuncia disco y estrena dos tracks

La banda británica regresa con su primer álbum en ocho años.

Basement regresa tras ocho años del lanzamiento de Beside Myself (2018), su último material discográfico, presentando dos canciones inéditas que funcionan como el primer vistazo a su próximo material. Este 2026 marca el retorno oficial de la agrupación británica con Wired, producción que verá la luz el próximo 8 de mayo y que estará integrada por 12 canciones.

La banda liderada por Andrew Fisher compartió un estreno doble con el tema homónimo, "Wired", el cual destaca por su energía gracias al uso de guitarras y una ejecución vocal melódica. En esta pista, se retrata la determinación y ansiedad de encontrarse al límite, pero manteniendo las ganas de seguir vivo. Como segundo adelanto aparece "Broken By Design", una entrega que explora una faceta más dinámica cuyo tema invita a aceptar la fragilidad humana.

Ambos singles muestran contrastes interesantes entre sí. Mientras el primero destaca por su potencia, el segundo apuesta por una atmósfera más oscura y rítmica. Estos sencillos forman parte del quinto álbum del grupo, el cual además promete proyectar una faceta mucho más madura y completa del quinteto.

Con dichos lanzamientos, Basement abre oficialmente un nuevo capítulo en su historia. Ahora, con esta entrega, los músicos parecen listos para reafirmar su lugar dentro del rock alternativo actual, trayendo de vuelta esa mezcla de intensidad emocional junto a sonoridades capaces de conectar con las nuevas generaciones.

Te dejamos con la portada y el tracklist:

Basement wired

01. "Time Waster"
02. "WIRED"
03. "Deadweight"
04. "Broken By Design"
05. "Pick Up The Pieces"
06. "Embrace"
07. "Sever"
08. "The Way I Feel"
09. "Satisfy"
10. "Head Alight"
11. "Longshot"
12. "Summer’s End"

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La exposición de Ozzy Osbourne dará un tour internacional

Un viaje auténtico por la psique de este ícono.

Ozzy Osbourne forjó un legado musical que lo posiciona como una de las figuras primordiales dentro del heavy metal. Junto a Black Sabbath, su influencia permanece intacta a pesar de su fallecimiento; prueba de ello es la exposición Ozzy Osbourne: Working Class Hero, una muestra que reúne algunos de los objetos personales más significativos del artista y que actualmente se alista para una gira internacional.

Esta exhibición del “Príncipe de las Tinieblas” debutó en el Birmingham Museum & Art Gallery durante junio de 2025 en Birmingham, Reino Unido. La elección de la sede no fue casualidad, pues buscaba honrar el lugar de nacimiento de Ozzy y coincidir con el concierto de despedida Back to the Beginning. Cabe destacar que la curaduría se realizó en colaboración con Sharon Osbourne, garantizando que el recorrido sea un viaje auténtico por la psique de este ícono.

Entre las piezas que integran la colección, destacan sus premios Grammy, sus ingresos al Rock and Roll Hall of Fame y la placa de la Birmingham Walk of Stars. Asimismo, se exhiben diversos discos de oro y platino que dan fe de sus millones de ventas a nivel global, además de material audiovisual y fotografías que documentan una evolución artística capaz de redefinir el sonido de toda una generación.

Debido a la demanda masiva, la estancia en Birmingham se extendió hasta septiembre de 2026; sin embargo, Sharon ya confirmó que el plan principal es llevar este santuario del metal a diferentes países. Aunque todavía no existen fechas confirmadas para Latinoamérica o la CDMX, queda la esperanza de que el legado de Osbourne aterrice pronto en nuestro país.

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Interpol revela planes para 2026

La banda trabaja en música nueva y confirma cambios en su alineación.

Interpol ya se encuentra trabajando en nueva música; sin embargo, esta noticia llega acompañada de ajustes en su alineación para los próximos conciertos. El conjunto formado por Paul Banks, Daniel Kessler y Sam Fogarino adelantó que pronto lanzarán material inédito, lo cual marca el inicio de una nueva fase tras varios años de actividad centrada, principalmente, en giras y celebraciones de aniversario de su discografía.

Aunque todavía no se han revelado mayores detalles sobre un álbum o algún sencillo individual, el retorno de la agrupación es inminente. Tras el lanzamiento de The Other Side of Make-Believe (2022), material en donde la banda mostró un lado más introspectivo y melódico, el trío no había presentado composiciones recientes, dedicándose a recorrer distintos países para festejar su trayectoria.

A través de sus redes sociales, los neoyorquinos revelaron que Fogarino, quien participó activamente en la creación y grabación de las nuevas canciones, no podrá acompañarlos, al menos en las fechas iniciales de su tour. Esta gira, que arranca el próximo 7 de marzo en Miami, contará con la presencia de Urian Hackney quien es conocido por su trabajo en proyectos como The Armed y Rough Francis, se encargará de cumplir con los compromisos programados.

Esta no es la primera vez que Sam se ausenta de una presentación por motivos personales. En 2023, el músico fue sometido a una cirugía de columna y actualmente continúa en proceso de recuperación. Por ahora, su prioridad es enfocarse en su salud para poder regresar a la banda en el futuro y continuar expandiendo el legado de Interpol.

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