Entrevista con Tunacola

El juego y la música juntos.

Tunacola es el proyecto del compositor chileno Ricardo Luna. Desde hace más de una década este es un referente dentro de la escena chilena. No es para menos, Ricardo Luna se ha encargado de mover sonidos aquí y allá, de cuestionar las fórmulas clásicas y de arriesgarse creativamente. En entrevista, descubrimos más sobre la persona detrás de Tunacola, aprovechando su paso por México y en medio de una gira promocional donde un juego de mesa incita a crear música desde cero.

Indie Rocks! Magazine: Vamos a empezar de un debut hace mucho tiempo atrás en el 2011, sin embargo, no queremos hablar de los orígenes que ya conocemos, más bien del presente… ¿En dónde se encuentra Tunacola actualmente?

T: El proyecto se encuentra en un quinto álbum, en un quinto proceso creativo. Y cada uno de esos procesos ha sido súper distinto del otro, tanto en ambiciones como en falta de ambiciones y en formato.

El primer disco era completamente desinteresado, sin ninguna pretensión. Hecho electrónicamente en un computador y defendido en vivo por un trío, básicamente por mi vergüenza de cantar y de recibir todas las miradas al subirme solo al escenario. Ese disco fue un trío por cobardía… y funcionó de esa forma.

Tres años después llegó el segundo. Ya era una banda, y eso es lo que se dio a conocer aquí en México como Tunacola: la banda de ese segundo álbum. Luego esa banda cambia; se mantienen algunos integrantes, pero hay un giro radical hacia un tercer disco más rockero y más cercano al indie.

El cuarto disco nos agarra en pandemia. Vuelvo al estudio, vuelvo a hacerlo todo súper electrónico y solo. Dejamos de tocar en vivo, así que el regreso a los escenarios fue con un formato nuevo: Matías Tigre en guitarra, que además me ayuda a las composiciones.

Y el quinto álbum también es un proceso distinto. Me di cuenta de que tenía que reenamorarme de la forma de hacer música, porque todo se estaba volviendo un poco formulaico. Me iba solo a las ideas que sabía que funcionaban. Se sentía como trabajo… y yo no quiero trabajar.

Entonces me pregunté: ¿qué pasa si hago un sistema de tarjetas? Anotar todas las cosas que tengo en el estudio y que sé hacer, y que una tarjeta me vaya sugiriendo paso a paso lo que tengo que hacer. Pensé en las Oblique Strategies de Brian Eno y en otros sistemas similares, pero quise llevarlo más allá.

Un día llegué a casa, tiré arroz sobre un bloc —porque había visto que al tirar arroz se forman islas— y dibujé la silueta que salió. Le hice casilleros y dije: ya, vamos a hacerlo con cartas y con un tablero.

Los casilleros serían cuatro: Agregar cosas, inventar cosas sin restricciones, borrar, usar efectos.

Empecé a jugar y rápidamente empezó a salir material muy bacán. De ahí nacieron las primeras rolas de esta camada. Ya hay seis publicadas y se pueden identificar porque cada una tiene un día asociado: “Día 64”, por ejemplo. El día cero fue cuando empecé a jugar. Funciona como una bitácora.

Luego pensé: esto no puede quedarse solo como proceso interno. Hagámoslo un viaje de cinco años. Serán 1,800 días. Llevo unos 500, más o menos un año y medio. Ahora va a salir el primer LP, pero en realidad no es el álbum completo. El álbum será el corpus total cuando se cierren los 1,800 días.

Y entonces se me ocurrió que el álbum como objeto sea el juego mismo: una caja con el tablero, las cartas y la música dentro.

Hablé con Edu Leblanc, diseñador e ilustrador, y le dije: “Mira este mamarracho y ayúdame a convertirlo en algo jugable”. Creamos cinco islas, cada una con personalidad distinta. Se juega con un dado: según el número que salga, es el mundo en el que trabajas.

Por ejemplo, si sale el dos, te vas al “cielo”. El cielo no tiene ritmo, es más ambiente. Si te toca la ciudad, es más pulsos, más arpegiadores, BPM más rápido. Sacas una tarjeta y la resuelves según el mundo en el que estés.

Una tarjeta puede decir: “Samplea un instrumento acústico”. ¿Qué tienes? Una guitarra, cualquier cosa no electrónica. La gracia no está en el problema, sino en cómo lo resuelves.

También hay tarjetas de inicio: “Haz todo con un solo instrumento”, “Hazlo en 15 minutos”, “Hazlo con un solo acorde”. Es una colección ordenada de restricciones que, más que dificultarte la vida, te ayudan a terminar música más rápido y a ponerte en aprietos creativos.

Y lo más curioso es que, aunque podría parecer experimental, suena mucho a Tunacola. Pero me devolvió el amor por hacer música.

IR!: Es increíble. Esto no es solo colección o merch; literalmente invita a crear.

T: Exacto. Te saca de la zona de confort y se abre a otros. Ya no es Tunacola, es tu proyecto.

También redefine las colaboraciones. Yo llego con el juego a tu casa, tiro el dado, hago un fragmento según la restricción. Luego tiras tú y lo resuelves a tu manera. Así vamos construyendo juntos.

IR!: Esta idea increíble solo puede venir de una mente ludópata, ¿cuáles juegos de mesa son tus favoritos?

T: Soy muy fan de Catán —sí o sí—, del que en Chile se llama La Gran Capital, algo así como Monopoly. También me gustan mucho los juegos de rol japoneses, los juegos de las primeras consolas. No tienen relación directa, pero sí te restringen decisiones y expanden el imaginario. Son juegos abiertamente nerd y vienen de ahí.

IR!: Además, Tunacola siempre ha avanzado junto a los videojuegos. Haz musicalizado incluso algunos.

Tunacola: Totalmente. Los videojuegos fueron el germen sonoro del proyecto. Al principio sonábamos como banda de 8 bits. Ahora tomé el motor del juego y lo llevé a otro plano creativo.

IR!: Y ahora, para el proyecto en vivo, ¿cómo decides quién entra, quién no y quién te acompaña en gira?

T: Lo primero es lo musical. Este es un proyecto de estudio, no de jam tradicional. Pero cuando la música empezó a moverse hacia lo indie o funk, necesité banda.

Busco afinidad humana primero. Gente con la que haría un asado. Luego vienen las consideraciones prácticas: giras, logística. Aprendí a la mala que siete músicos con bronces es una pesadilla financiera.

Hoy el proyecto se sostiene con cuatro buenos músicos que no solo reproduzcan los discos, sino que los desarmen en vivo. Prefiero compositores antes que ejecutantes perfectos. Si no, mejor tiro secuencias y luces.

El riesgo en vivo es entretenido. La música cambia concierto a concierto.

IR!: Tú vienes de escuela, estudiaste para ser músico ¿Qué encontraste en la academia?

T: Entré para entender la música. Pero estudiar composición es una deformación más que una formación. Uno entra libre y sale normado.

He tenido que hacer esfuerzos reales para desarmar esos cinco años de reglas armónicas. La música de escuela no es excitante; los artistas que más admiro vienen de otras ramas.

Ser músico no es lo mismo que ser artista. En la escuela te forman músico, no artista. Y ser artista implica dimensión visual, relato, identidad. Eso no te lo enseñan.

IR!: Para cerrar, con tantos años de trayectoria musical, ¿cuál dirías que es tu mayor logro?

T: Yo creo que lo que más me ha hecho sentir orgulloso ha sido poder limpiarme de las drogas y del alcohol hace 6 años. Ahí recién empezó un proceso real y transparente con la música. Se disiparon ambiciones falsas: fama, cifras, “romperla”. Cuando eso se va, te conectas con algo más sustancial.

Ahora me voy a Toluca en una van con fans mexicanos de toda la vida. Esa sustancia es mucho más rica.

Ese es mi gran triunfo. Este quinto trabajo es retomar el camino, volver a la esencia del primer disco: sin ambiciones, solo fascinado por lo que estaba produciendo.

Esa energía pura, solo amor por hacerlo, es lo que necesitaba recuperar.

Ese es el gran logro.

Tunacola presentará su juego de mesa próximamente ya que al momento de esta nota aún se encuentra en pruebas. Síguelo en Instagram para estar al pendiente de este lanzamiento y la nueva música que completará el quinto material de estudio.

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The Scythe llega con “Mutt That Bih”

El último adelanto de Strictly 4 The Scythe junto a 1900Rugrat y Key Nyata.

A pocas horas del lanzamiento de Strictly 4 The Scythe, material que verá la luz este 6 de marzo, el rapero de Florida, Denzel Curry, ofrece un último adelanto con el estreno de Mutt That Bih. Este nuevo sencillo, en colaboración junto a 1900Rugrat y Key Nyata, ya se encuentra disponible en plataformas digitales y llega acompañado de un video que refuerza la energía de su etapa actual.

“Mutt That Bih” mantiene el ritmo explosivo que Curry ha pulido en canciones previas como “The Scythe” y “Lit Effect”, piezas que también forman parte de su siguiente producción. En este sencillo, la química entre el trío de raperos se percibe natural, logrando una mezcla perfecta con una base rítmica que apuesta por atmósferas directas, en donde la letra aborda la superación de la escasez y el alcance del éxito financiero.

Con este material, el músico retoma sonidos clásicos del hip hop de regiones como Memphis, Houston y Miami. Para ello, presenta formalmente a The Scythe, un colectivo integrado por el propio Denzel, Bktherula, TiaCorine, Ferg y Key Nyata. Dicha unión nace como una extensión del espíritu colaborativo que marcó los inicios del artista en el sur de Estados Unidos; el intérprete explicó que, aunque cada miembro mantiene su trayectoria en solitario, al reunirse funcionan bajo una identidad grupal única.

El álbum promete ser un recorrido por la esencia del género sureño, mezclando el rap más tradicional con sonidos actuales. Entre las colaboraciones destacan nombres como Juicy J, Smino, Rich the Kid y Luh Tyler, asegurando que este nuevo álbum sea una de las propuestas más diversas del año dentro del género.

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Touché Amoré revive 'Stage Four'

A 10 años de su lanzamiento, la banda presenta una reedición especial del álbum.

La agrupación californiana Touché Amoré, referente indiscutible del post-hardcore estadounidense, se prepara para conmemorar una década del lanzamiento de su cuarto álbum de estudio: Stage Four. Esta celebración vendrá acompañada de una edición deluxe que saldrá el 10 de abril de 2026. 

En septiembre de 2016, el quinteto liderado por Jeremy Bolm presentó este material discográfico, el cual profundiza en su duelo tras el fallecimiento de su madre a causa del cáncer. A 10 años de aquel suceso, la banda expande este universo sonoro con 11 temas adicionales que incluyen demos inéditos, grabaciones en vivo y remezclas de los temas originales, creadas por figuras como Kerry McCoy de Deafheaven, Cody Votolato de The Blood Brothers y el proyecto Youth Code.

Una de las joyas del material, que ya se encuentra disponible en plataformas, es la reinterpretación de "Rapture" bajo el título "Gloom Version". Se trata de una colaboración junto a Wisp, la nueva sensación del nu-gaze, que se desprende de la furia ruidosa del material original para transformarse en una balada acústica. En ella, la voz de Natalie (Wisp) se entrelaza con la de Bolm en una atmósfera de guitarras melancólicas.

La celebración alrededor de Stage Four no se limita al estudio; la banda confirmó una gira de aniversario donde interpretarán el álbum en su totalidad por diversos puntos de Estados Unidos y Europa, contando además con invitados especiales. Esta reedición surge como la oportunidad perfecta para reencontrarse con uno de los trabajos más profundos de Touché Amoré que guarda un mensaje poderoso detrás de cada nota. 

Mira la portada y el tracklist:

Touche amore stage four 2026

  1. "Flowers and You"
    2. "New Halloween"
    3. "Rapture"
    4. "Displacement"
    5. "Benediction"
    6. "Eight Seconds"
    7. "Palm Dreams"
    8. "Softer Spoken"
    9. "Posing Holy"
    10. "Water Damage"
    11. "Skyscraper"
    12. "Flowers and You (Demo)"
    13. "New Halloween (Demo)"
    14. "Rapture (Gloom Version) feat Wisp"
    15. "Displacement (Alternate Demo)"
    16. "Benediction (Remix) Cody Votolato"
    17. "Eight Seconds (Live From the Venue Formerly Known As Eight Seconds At The Fest 2024)"
    18. "Palm Dreams (Remix) Youth Code"
    19. "Softer Spoken (Demo)"
    20. "Posing Holy (Demo)"
    21. "Water Damage (Demo)"
    22. "Skyscraper (Remix) Kerry McCoy"

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“Trickle Down”, lo nuevo de SPRINTS

Un sencillo político que retrata la frustración generacional.

SPRINTS está de regreso con “Trickle Down”, un sencillo que aborda temas políticos de forma abierta. El grupo irlandés de garage punk lanzó esta canción en la cual retrata la frustración de una juventud que sobrevive en medio de la crisis social y económica que atraviesa el mundo; en donde pese a los intentos por mejorar el entorno, el panorama se percibe incierto y solo queda observar cómo todo empeora.

“Trickle Down” funciona como una crítica hacia los gobiernos y las economías que solo perpetúan la desigualdad. Entre estas problemáticas destaca la precariedad laboral que provoca una inestabilidad brutal debido a la inflación, así como la crisis de vivienda, el colapso ambiental y, sobre todo, el racismo disfrazado de nacionalismo; temas que hoy son más relevantes y comunes de lo que deberían.

Con esta entrega, la agrupación deja clara su visión ideológica. A través de esa energía cruda que tanto los distingue, crearon una pieza que refleja su oposición a la inequidad y expone la falsa promesa de que el sistema financiero actual beneficia a todos. Bajo la voz de Karla Chubb, el track busca canalizar la rabia colectiva en una composición que pone sobre la mesa el hartazgo social.

Este lanzamiento llega tras el éxito de All That Is Over, su segundo material discográfico en el que mostraron con mayor claridad esa dualidad que los define: un sonido rudo con tintes de post punk y garage.  Con “Trickle Down”, la banda no solo reafirma su posición frente al contexto contemporáneo, sino que también demuestra la evolución de su estilo sin perder ese toque que los caracteriza.

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TOMORA estrena “SOMEWHERE ELSE”

El dúo de AURORA y Tom Rowlands presenta un nuevo adelanto de su álbum debut.

Una de las colaboraciones más emocionantes del 2026 está a punto de ver la luz de la mano de TOMORA, dúo conformado por la cantante noruega AURORA y el productor británico Tom Rowlands, quien forma parte de The Chemical Brothers. El dueto acaba de lanzar "SOMEWHERE ELSE", tercer sencillo que adelanta la atmósfera de su álbum debut, COME CLOSER.

TOMORA representa una fusión creativa construida gracias a la química que ambos artistas han perfeccionado con el paso del tiempo. La dupla se conoció cuando ella participó en el álbum No Geography (2019) de The Chemical Brothers, mientras que él devolvió el gesto colaborando en la producción de la intérprete durante 2024. Esa relación cimentó la confianza necesaria para embarcarse en un proyecto conjunto que se siente orgánico y genuino.

"SOMEWHERE ELSE" se suma a los temas previamente lanzados, "RING THE ALARM" y "COME CLOSER". Esta entrega posee una dimensión más emocional y cálida, donde la voz de la noruega aporta un matiz celestial, mientras que los toques electrónicos de Rowlands le dan un carácter distintivo a la composición. Además, el track llega acompañado de un videoclip dirigido por Adam Smith, colaborador recurrente de The Chemical Brothers, quien logra capturar la esencia de la melodía bajo una estética auténtica.

COME CLOSER contará con 12 canciones producidas en su totalidad por AURORA y Tom, las cuales transitan por paisajes sonoros expansivos. Asimismo, el conjunto ya cuenta con presentaciones confirmadas en Estados Unidos y Europa para promocionar este primer material discográfico, cuyo estreno oficial está programado para el próximo 17 de abril de 2026.

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Entrevista con Gloory Hole

Putilatex, moretones y amor.

El nuevo álbum de Gloory Hole está por lanzarse. Hasta ahora hay sencillos como “ERES INCREIBLE”, “MAS GRACIOSA QUE BONITA” y también “HYPER POSPONK MEXA”. El próximo 06 de marzo será la presentación oficial en vivo de QUE SE JODAN SI NO PUEDEN ASUMIR UNA BROMA. En entrevista platicamos con Efraín y Gloria sobre sus colaboraciones, el crear música como pareja, la integración de nuevos públicos a su música y su regreso a Foro Indie Rocks!.

Indie Rocks! Magazine: Han pasado por muchas etapas a lo largo de su proyecto pero, en este momento, ¿cómo definen a Gloory Hole?

Gloory Hole: Es un hobby muy caro. Sí, es un hobby muy caro, bastante caro económicamente; también la salud mental lo ha resentido un poco, pero pues no sé, creo que al menos yo creo que en este punto ya disfruto más esto. Creo que en el inicio tenía mucho miedo; era todo muy nuevo, me sentía como muy pequeña.

Y pues sí, creo que en este momento sí me siento como que lo disfruto más. Yo disfruto más pararme en un escenario y echar gritos, y ponerle chistosa y estar rara. Y disfruto como, o sea, por ejemplo, el proceso de este disco; creo que estuvo difícil, o sea, fue un proceso como difícil emocionalmente, difícil también como, pues no sé; en medio del caos de repente está difícil poder hacer las cosas y tenerlas.

No sé, siento que en este momento sí podemos como definir como en algo; siento que ahorita sí estamos tratando de hacerlo bien. O sea, bueno, me refiero a, pues sí, creo que le estamos poniendo como el empeño y como el interés y un chingo de ganas como por querer sorprendernos, creo que a nosotros mismos, para hacer algo como, pues sí, retarnos para hacer algo como mucho más chido de lo que ya habíamos hecho anteriormente. 

Desde septiembre o un poquito antes, no me acuerdo, como que todo empezó a ser un caos como muy denso de nuestras existencias. Y creo que fue como así, un poco, un “date quieto, espérate un momentito”, y ver las cosas como desde fuera; y ahorita creo que, no sé, ya lo vemos más, de manera más responsable, por así decirlo; nos sentimos como más, pues sí, eso, como una responsabilidad ante el proyecto.

IR!: Hemos visto que su proyecto pasó por ser un trío a un dúo y viene un nuevo show, ¿cómo han coincidido en las alineaciones y los cambios?

GH: Pues ha sido muy difícil, o sea, el proyecto realmente empezó como un dúo, o sea, éramos Glory y yo, y después fue que se unió este Óscar; y fue cuando toda esta primera etapa del primer disco pues sí era como presentarnos como un trío. Por septiembre Óscar deja la banda, y de hecho pues teníamos como fechas ya bookeadas y demás, y fue como ¡Ah! ¿Qué mierda hacemos? Lo chido es que, por ejemplo, para el Bandemia, que no sucedió, ya teníamos una full band como muy bien armada con varios amigos; y estas fechas después las hicimos solo Glory y yo, y el baterista y secuencias. 

O sea, como que lo cagado es que creo que Gloory Hole ha tenido muchas alineaciones distintas, pero como que la única cosa que no ha cambiado creo que es Gloria. Ha sido prueba y error en torno a alineaciones, y al menos para este show en el Indie Rocks!, como por el espacio y por el querer presentar el álbum, sí traemos una full band como muy, muy full band; o sea, traemos bajo, dos guitarras, batería, percusionista, saxofón, sínte; o sea, yo toco un sinte, traemos otro sinte, y Gloria se ha quedado con un sinte y está aprendiendo a tocar el sinte para tocar en esta fecha y para el futuro.

IR!: Toda la bandota y los invitados… Algo que también es interesante de este proyecto es que, al mismo tiempo que son un dúo, son una pareja, ¿cómo es llevar esas dos relaciones simultáneamente?

GH: Pues, la verdad es que creo que, o sea, por ejemplo, con Efra no solamente somos como pareja; también tenemos una banda, también trabajamos juntos, ¿no? O sea, tenemos proyectos como aparte de Gloory Hole, como ya sea ayudándole, por ejemplo, al proyecto de otros amigos y proyectos que andamos chambeando en nuestro trabajo.Pero pues ahí andamos. 

Creo que, pues no sé, yo personalmente como que nunca me ha costado tanto trabajo como, o no he visto tan necesario separar las cosas. No sé, creo que Efra y yo, antes de ser como esposos, ¿no?, como que somos buenos amigos.

Y creo que… sí, somos buenos amigos, me cae muy chido. Pero siento que, por ejemplo, justo toda esta ola de caca que nadamos el año pasado sí fue algo en el que, pues sí, la terapia nos ayudó demasiado a decir: ok, ahí está la tormenta, pero no tienes que dejar que la tormenta como que le pegue al núcleo más importante, que es nuestra relación. O sea, creo que nuestra relación sí es como el núcleo de todo lo demás. Entonces es como de, pues sí, al final sí surge como, aunque sea muy cursi, pero surge de nuestro amor.

IR!: Es increíble que el amor sea la base de un dúo que al mismo tiempo se ve tan catártico en vivo. Esto desliga la idea de que el amor siempre es uno meloso, cursi y lento en la música. ¿Qué relación tiene el amor con la espiritualidad? Ya que Gloory Hole incluso creó su propia iglesia.

GH: Creo que, por ejemplo, a la hora de componer este disco en particular estábamos en otro momento y nació y se construyó desde otro tipo de amor, ¿no? Creo que cuando estábamos construyendo este disco fue de un amor que no solamente era con Efraín, ¿no? Pues éramos tres personas. Y lo construimos como desde ese tipo de amor. 

Y como estar ahí como, pues los dos, los dos empujándonos, porque de repente, por ejemplo, a mí personalmente, pues me gana el síndrome del impostor así durísimo, y digo como “no, está horrible, no hay ningún poema que funcione, soy pésima y nada servirá como para otra rola”. Y es desde el amor yo veo también desde el acercamiento, por ejemplo, de Efraín, de “no, vamos a buscarlo, seguro sirve algo, ay, ya, Gloria, cálmate un chingo”, y ponernos a leer y “ah, ok, esto funciona”, y pelotearlo, y “no, esto no me gusta”, “bueno, ¿qué tal?”, “ah, esta palabra creo que la podemos cambiar”, como desde construirlo desde ahí, desde la paciencia, ¿no?, desde también el empujarnos a que, pues, podamos hacerlo bien.

Y creo que eso se relaciona con la espiritualidad porque algo que está como loco es que yo vengo de una familia cristiana ortodoxa muy loca; o sea, de parte de mi abuelita, o sea, mi mamá y mi papá; pero mi abuelita sí es así como muy ortodoxa en el cristianismo; pues a mí me hicieron un exorcismo.

IR!: ¿te hicieron un exorcismo?

GH: Pues sí, me hicieron un exorcismo, o sea, que mis papás se enteraran así, como que hice una pregunta y al pastor no le gustó y le dijo a mi abuelita que yo tenía el demonio y se organizaron para que después de un culto me hicieran como un exorcismo, estuvo rarísimo, pero bueno, el chiste de que yo tenía como todo este bagaje como de la espiritualidad desde ahí, la Gloria como que no tenía ni idea de nada, o sea, como que nunca le enseñaron ni quién era Dios, ni qué onda con Jesús.

IR!: Hay mucha expectativa para el show que viene, ¿qué es lo que más les emociona de presentar esto en vivo?

GH: Lo primero que se me viene a la cabeza y que creo que si lo pensamos los dos es todo el trabajo y toda la chinga que ha habido con este disco. O sea, no solamente la chamba de componer las canciones, de escribirlas, de grabarlas, de la producción, la coproducción, o sea, todo eso, que ha sido una chambota, también la parte emocional.

Pero creo que también le apostamos muy cabrón en querer sacar un disco con rolas muy chidas y con un trabajo diferente al que vimos en las anteriores rolas que tenemos. Creo que eso es lo que a mí me emocionó. Y que escuchen esta evolución musical que tenemos en sonido y que sigue siendo un poco lo mismo y sigue siendo como también muy ecléctico porque pues no es como que tengamos un sonido como muy definido en todo el disco ni nada. Creo que también eso es lo interesante y pues nada, le hemos puesto mucho empeño a tratar de crear nuestro propio lore, para nuestra iglesia y para todo eso y creo que eso es lo que nos emociona, ¿no? Como que ya todo el mundo vea como todo el trabajo de este último año y medio.

IR!: Algo que no podemos dejar pasar es la colaboración con Tito, que además llega en un contexto donde él públicamente ha hablado de rehabilitación y ustedes vienen de un material que utiliza la misma palabra y temas…

GH: Sí, nosotros trabajamos con Diego Suárez de Bengala, trabajamos en su estudio y, por ejemplo, en su sello está nuestro proyecto. Y, pues, el primer disco de Bengala fue producido por los Molotov en su estudio. No sé quién lo produjo, pero fue parte del estudio de esos weyes. El primer disco de Bengala cumple 20 años. 

Y, pues, nada, como que es su amigo, es su compa el Tito. Pero nunca lo habíamos visto, ni cotorreado, ni nada. Y de repente de que, ah, wey, estaría chido que le mostraran nuestras rolas, estaría chido hacer algo. Pero, pues, no se veía tampoco como que fuera a suceder realmente.

Hasta que justo el año pasado Efraín estaba maqueteando esta rola de “ERES INCREIBLE” y le escuchó Diego y le mamó. Y fue como, wey, estaría cabrón que en esta rola estuviera la guitarra de Tito y los bajos de Tito. Y fue como, wey, la voy a mandar y esperamos si le late. Y si le late y eso, pues, hay que hacerlo. Y le gustó. Y, pues, nada, al final lo vimos, platicamos no solamente de qué trataba esta rola. Sino también todo nuestro trip con el proyecto y con este disco. 

Me parece muy cabrón. O sea, yo viví como un momento muy fuerte grabando este tema. Y como que ha pasado un chingo de tiempo y para ellos era volverse a reunir, después de 20 años, en un estudio. Para ahora trabajar la música de sus chavos, o sea, de nosotros.

Gloria y yo, cuando nos juntamos, así de que ya vivir juntos, hay una cosa muy romántica que es juntar tus discos y ambos teníamos ¿Dónde jugarán las niñas? de Molotov. Entonces es una referencia que ya desde ahorita la puedes ver a distancia y decir como: “esto está muy mal, lo que está diciendo esta canción está muy mal”. Pero no quita en el momento todo lo que representó y lo que representó también como para nosotros. O sea, como que, no sé, siento que luego la banda es muy crítica y niegan la cruz de su parroquia. Nosotros crecimos con este pedo. Y era como también para nosotros muy bonito poder colaborar con Tito

Este trabajo con Tito sí fue una conexión muy humana. De eso trata la canción, como el pedo del moretón, como que también ahorita estamos intentando hacer una transición entre lo blanco, que todo estaba muy blanco en nuestras portadas, como este pedo que yo ya tenía, a empezar a manchar el blanco con moretón, con golpes. 

O sea, fue como somos personas que han pasado cosas, traemos nuestros pedos y nos juntamos a hacer música porque es lo único que hemos aprendido a hacer bien.

IR!: Es como la canción clásica de rock mexicano que dice “junta tu monstruo dolido con el mío”...y desde ahí crear. 

GH: Sí, para mí, o sea, para mí ha sido muy fuerte.

IR!: Recientemente también hemos visto la integración de públicos más jóvenes a la música de la escena independiente, por ejemplo con Malcriada. Incluso, en redes sociales también hay un nicho importante de adolescentes a los que se les habla a través de la música. Parece que estas juventudes demandan bandas diferentes y alternativas a la opción mainstream, ¿cómo les ha ido con esta integración de públicos?

GH: Bueno, creo que es raro que lo hable esto, porque una vez tuve una experiencia muy chistosa en la cual una amiga de nosotros nos mandó un video de una amiga de ella que tenía una hija que estaba haciendo su tarea. O sea, la niña como de 10 años, yo creo que estaba en la primaria.

Estaba en su tarea y escuchando así de que alguna canción de nosotros. Y nos preguntaba ahí así como de, “no, es que ella nos descubrió solita” y que le gusta mucho, pero que ella le preguntó a su mamá que qué es el suicidio.

Y entonces mi amiga nos preguntó a nosotros como, no sé, buscándonos como de ayuda para su amiga “¿Qué le digo?, ¿Qué le digo?” Y pues nuestra música no es para niños. Eso es lo primero. O sea, como que nosotros no estamos pensando que nuestra música al público sean niños. Pero pues es como todo, ¿no? O sea, a mí el disco de Molotov yo lo escuchaba a escondidas a los 10 años. O sea, en casa de un amiguito que lo tenía y era como pornografía. O sea, eso es como de toda la vida.

Pero creo que es importante ponernos de este lado: nuestra música no es para niños. Por ejemplo, este show en Indie Rocks!, mucha gente nos escribe de que “ay, pero ¿por qué nada más 18?”. Porque no creemos que los temas que hablamos y lo que estamos platicando sea para niños. O sea, si yo tuviera un hijo, no le pondría… “PUM PUM!”. O sea, no le pondría nuestra música.

Que ahí es como que, sin hacer una crítica ni querer hacer o señalar nada, pero ahí es donde me parece como un terreno medio peligroso lo que está pasando con Malcriada. Porque ellos, teniendo una temática que sí no es para niños, sí están haciendo todo lo que gira a su alrededor un poco como hacia los niños, ¿no? Como que Roblox, que conciertos… O sea, pero al final, si el público está haciendo eso, no sé si uno como artista tiene que replantearse qué es lo que hace. Porque no fue su intención que la música llegara a esos públicos. 

O sea, justo es algo que hemos platicado muchas veces respecto a la responsabilidad de hacia dónde llega nuestra música y qué hace al respecto. Pero yo creo que… Una vez Tokisha dijo eso: “Yo no hago música para niños, y no queda en mi responsabilidad hablar de algo o explicar algo”. Los padres tienen que decir: “Oye, esta música no la escuches” o “te explico por qué esta música está diciendo esto”.

Y a lo que voy con esto, un poco, es que creo que nuestra música es para distintos públicos, ¿no? Porque es muy... Nos da mucha risa que en nuestros shows hay como morritos de repente justo y hombres mayores homosexuales. Ajá, rockeros homosexuales que les van a hacer de que puti latex y así.

IR!: Su música tiene la magia de juntar generaciones… 

GH: Sí, señores rockeros homosexuales.

No te pierdas a Gloory Hole en vivo este 07 de marzo en Foro Indie Rocks! en una noche con invitados especiales como Tito Fuentes, María Daniela, Los Banqueteros y Perra Brava. Consigue tus boletos aquí.

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La Changa y Sonido Gallo Negro estrenan “La Cumbia Del Gallo Negro”

Una colaboración que mantiene viva la tradición sonidera.

La cumbia es, sin duda, uno de los géneros que la Ciudad de México sabe gozar de verdad. Bien lo saben Sonido Gallo Negro y Sonido La Changa, dos de los exponentes más reconocidos de la escena, quienes en esta ocasión unen fuerzas en “La Cumbia Del Gallo Negro”. Con dicha colaboración, ambos referentes del ritmo tropical demuestran lo mejor del movimiento sonidero en México.

Ramón Rojo Villa, la voz legendaria detrás de La Changa, aporta ese toque tradicional que cualquier chilango reconoce de inmediato; mientras tanto, Sonido Gallo Negro aporta matices psicodélicos que vuelven a este sencillo una experiencia diferente. El estreno posee esa esencia que, a pesar de alejarse de la cumbia clásica, logra mezclar la herencia del barrio con la vanguardia, dando como resultado una pieza sonora cruda y oscura.

Aunque este representa su primer lanzamiento oficial en conjunto, su conexión se remonta al 2015, año en el que ambos se cruzaron durante el Vive Latino. Posteriormente, se reencontraron a finales de 2024 en la fiesta Infierno Tropical y, de forma más reciente, en el ritual del Día de Muertos 2025. Durante cada presentación, estos representantes de la música popular fueron sentando las bases de lo que hoy presentan.

Con este sencillo, Sonido Gallo Negro adelanta lo que será su próximo material discográfico, una entrega que promete ser más directa y menos complaciente, con el fin de proyectar una faceta musical distinta a lo que han mostrado de forma previa.

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Ringo Starr anuncia 'Long Long Road', su nuevo álbum

El británico lanza “It’s Been Too Long” como primer adelanto del disco.

Ringo Starr regresa con una fase creativa renovada, impregnada por la esencia sonora de Nashville y Los Ángeles. Tras el rotundo éxito de Look Up (2025), su primer material country en cinco décadas, el legendario músico presenta Long Long Road. Esta entrega continúa explorando las raíces del género y saldrá a la luz el 24 de abril de 2026; el disco ya se encuentra disponible para preguardar en plataformas digitales.

Como primer adelanto, el británico lanzó el tema "It's Been Too Long", una pieza que cuenta con la participación de Sarah Jarosz y Molly Tuttle, figuras destacadas del bluegrass contemporáneo. La canción entrelaza la voz del baterista con una lírica que evoca el anhelo por aquello que se ha dejado de compartir, convirtiéndose en una invitación al recuerdo desde una perspectiva luminosa bajo la producción de T Bone Burnett.

Long Long Road funciona como una expansión del universo que el artista y Burnett crearon previamente en 2025, año en el que lograron su primer Top 10 en ventas de Billboard y el número uno en la lista oficial de country en el Reino Unido. Este nuevo material se conforma por 10 piezas; entre ellas destaca el cover de "I Don't See Me In Your Eyes Anymore", composición original de su ídolo, Carl Perkins.

El álbum también cuenta con la participación de Billy Strings, Sheryl Crow y St. Vincent. No queda más que esperar por este próximo lanzamiento, en donde el músico de 85 años demuestra estar listo para seguir explorando diversos matices en cada producción, consolidando ahora el country como uno de sus géneros favoritos.

Mira la portada y el tracklist:

Ringo starr new album artwork long long road

01. "Returning Without Tears"
02. "Baby Don’t Go"
03. "I Don’t See Me in Your Eyes Anymore"
04. "It’s Been Too Long"
05. "Why"
06. "You and I (Wave of Love)"
07. "My Baby Don’t Want Nothing"
08. "Choose Love"
09. "She’s Gone"
10. "Long Long Road"

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RAYE presenta “Nightingale Lane.”

Una balada emotiva que anticipa su nuevo álbum THIS MUSIC MAY CONTAIN HOPE.

Tras el fenómeno mundial de “WHERE IS MY HUSBAND!", RAYE está de vuelta con "Nightingale Lane.". Este nuevo sencillo es un adelanto de su próximo disco, THIS MUSIC MAY CONTAIN HOPE., el cual verá la luz el próximo 27 de marzo y que ya puedes pre-guardar en tu plataforma de audio favorita.

"Nightingale Lane." es una balada que apuesta por una instrumentación refinada y una interpretación vocal de impacto. La letra entrelaza vivencias personales donde el amor, el desengaño y la batalla interna cobran vida; es un sencillo que proyecta tanto dolor como determinación mediante metáforas que aluden directamente a la libertad y la esperanza.

Tanto este estreno como el álbum completo llegan en un momento importante para la artista, quien recientemente se presentó en los BRIT Awards 2026. En dicha ceremonia, estuvo nominada en las categorías de Canción del Año y Mejor Artista Pop, sumando un logro más a su trayectoria tras haber hecho historia en 2024 al llevarse seis estatuillas, hazaña que consolidó su estatus dentro de la industria musical británica.

Desde su debut en 2014, la cantautora ha logrado posicionar 20 temas en el Top 40 del Reino Unido y ya supera los 10 mil millones de reproducciones acumuladas. Con THIS MUSIC MAY CONTAIN HOPE., la londinense inaugura una nueva etapa sonora y reafirma una visión artística que actualmente presenta en vivo con su gira This Tour May Contain New Music por Europa; espectáculo que llegará a Norteamérica a finales de marzo.

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Vilevo estrena 'Sonidos del Espacio'

Un espacio intermedio entre la reflexión personal y la fuerza que caracteriza al post punk contemporáneo.

El dúo mexicano Vilevo está de regreso y lo hace con la presentación de Sonidos del Espacio en vivo, un material cuya esencia sonora se expande al presentar matices electrónicos, atmosféricos y futuristas. Este estreno marca un hito en su trayectoria, redefiniendo su perfil artístico para incursionar en una propuesta más envolvente.

A través de guitarras expansivas y sintetizadores, el disco construye una narrativa que fusiona la energía bailable con una melancolía introspectiva. En esta etapa, el proyecto apuesta por el anonimato, donde sus integrantes se muestran como personas que parecen provenir de otra dimensión. Dicha elección permite que la obra sea el único canal de transmisión, reforzando la idea de un espacio intermedio entre la reflexión personal y la fuerza que caracteriza al post punk contemporáneo.

Con esta nueva entrega, la electrónica adquiere un rol protagónico, permitiendo que las estructuras sean directas y con un diseño sonoro pensado, específicamente, para ser presentado en vivo. Temas como “Eres Diferente” destacan como momentos clave del material, integrando melodía y potencia en una pieza que sintetiza la mística de esta era.

Para promocionar el lanzamiento, Vilevo ha anunciado el Space Wave Tour 2026, una gira que contempla más de 29 ciudades en el país, incluyendo Guadalajara, Oaxaca, Tlaxcala, Monterrey, Tijuana y Toluca, entre otras. El próximo 11 de abril, el dúo se presentará en el Foro Sangriento de la Ciudad de México, con un show que busca trasladar su universo conceptual al escenario.

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