King Gizzard and The Lizard Wizard estrena “Ice V”

La banda australiana presenta el primer sencillo que se incluye en uno de los tres discos que están por lanzar.

Como se había anunciado hace algunos días, King Gizzard & the Lizard Wizard presentará tres nuevos álbumes el próximo mes. El primero de sus próximos discos es Ice, Death, Planets, Lungs, Mushrooms and Lava que saldrá el 7 de octubre. El siguiente álbum por salir será  Lapressed Denim el 12 de octubre y por último, Changes el 28 de octubre. Los tres álbumes se lanzarán bajo su propio sello discográfico KGLW.

Como adelanto, compartieron una canción del primer LP llamada “Ice V”. Esta canción aparece en el álbum Ice, Death, Planets, Lungs, Mushrooms and Lava y es el producto de una serie de improvisaciones que la banda realizó en el estudio.

Entrábamos en el estudio, arreglábamos todo, poníamos un tempo aproximado y simplemente tocábamos. Nada de ideas preconcebidas, nada de conceptos, nada de canciones. Tocábamos durante unos 45 minutos, y luego todos intercambiábamos instrumentos y comenzábamos de nuevo”, mencionó Stu Mackenzie, líder de la banda, en un comunicado.

“Ice V” fue presentada con un video dirigido por Danny Cohen, en este audiovisual se muestra a el guitarrista de King Gizzard and The Lizard Wizard, Joey Walker, deambular junto al mar con una toalla, en un escenario paradisíaco, antes de iniciar algunos movimientos de baile un tanto escandalosos.

Mira el video a continuación:

 

 

Tom Skinner anuncia su álbum debut, ‘Voices of Bishara’

El ex baterista de Sons of Kemet, también compartió el primer adelanto de su disco.

El baterista de Reino Unido, Tom Skinner, conocido por su trabajo en Sons of Kemet y The Smile (el grupo compuesto por los miembros de Radiohead, Thom Yorke y Jonny Greenwood) ha anunciado su álbum debut titulado, Voices of Bishara, que verá la luz el 4 de noviembre a través de Nonesuch / International Anthem / Brownswood.

Skinner inspira el título de su nuevo álbum, gracias al disco en solitario de 1978, By Myself, del violonchelista Abdul Wadud, que fue lanzado bajo su propio sello llamado Bishara, que es un término árabe relacionado con las “buenas noticias”.

TomSkinner-VoicesOfBishara

El músico también compartió el primer adelanto de su álbum con el tema “Bishara”, explicando más sobre este lanzamiento en un comunicado en el que profundizó acerca del propósito que trae consigo su nuevo material discográfico:

Este disco es un intento de poner algo veraz en el mundo, a través de la colaboración y la comunidad, en un momento de creciente deshonestidad y desinformación. “Bishara” es el portador de buenas noticias, y al reunir a los músicos de este álbum que son muy queridos para mí, rendimos homenaje a esa idea al difundir colectivamente la luz donde hay una oscuridad cada vez mayor”, declaró Tom Skinner en un comunicado.

Conoce el tracklist de Voices of Bishara:

  1. “Bishara”
  2. “Red 2”
  3. “The Journey”
  4. “The Day After Tomorrow”
  5. “Voices (of the Past)”
  6. “Quiet as it’s Kept”

El bajista de Greta Van Fleet cuestiona la música de hoy

De acuerdo a lo expresado por el músico, muchas de las tendencias carecen de sustancia para la mente y resultan casi un insulto hacia la inteligencia de las personas.

Si alguien merece ser galardonado por la reimaginación inmersiva del rock, ese es Greta Van Fleet, grupo estadounidense que, desde su formación en 2012 y el lanzamiento de su álbum debut, ha hipnotizado a una variedad de generaciones a lo largo del planeta. A pesar de la popularidad exorbitante que los ha llevado a llenar estadios enteros, la banda ha procurado proporcionar un espacio para el cuestionamiento y la pluralidad de interpretaciones en torno a sus creaciones, esperando incentivar el músculo pensante y creativo de sus escuchas. 

Dicho lo anterior, recientemente el bajista de la banda, Sam Kiszka, cuestionó el contenido que ofrece actualmente la música en tendencia. La plática al respecto surgió durante un episodio del podcast de Consequence en el que los miembros de la agrupación conversaron acerca de su más reciente confección discográfica, The Battle at Garden’s Gate. Respecto a lo relacionado con la música popular, Kiszka expresó:

Escuchamos mucha música, no por elección, en ciertas estaciones de radio, que es considerada como ‘música popular’, y no hay sustancia. Te dicen exactamente qué pensar y por qué, y no dejan espacio para el misterio. Y es casi como un insulto a la inteligencia de las personas. Y no te da la habilidad de apagar tu cerebro y empezar a disparar creativamente”. 

Aunado a esto, Sam también reveló que están en una fase muy adentrada de la composición de su próximo LP, el cual, por supuesto, estaremos esperando con ansias. Después de la mezcla entre la celestialidad y efervescencia rock apreciada en su última entrega, dicha noticia llega como una palmada de emoción para quienes seguimos su carrera desde cerca. Sin dar mucho detalle, Sam describió el cuarto disco de la banda con estas palabras:

Es como el concepto entero de casi volver a las raíces de lo que solíamos hacer, llevando a nuestras cabezas de vuelta a nuestro tiempo en el garage y no invirtiendo tanto tiempo en hacerlo perfecto. Solo capturando lo que está pasando y… volviéndolo emocionante y descarnado y energético”.

Actualmente, la banda se encuentra sumergida por las aguas de un tour masivo a lo largo de América del Norte que se extenderá hasta noviembre de este año. Aún puedes adquirir tus entradas para sus próximos shows a través de Ticketmaster

Escucha "Tears of Rain" a continuación:

Placebo versiona “Shout” de Tears For Fears

Teletranspórtate a los 80 con este cover galáctico.

Resulta una especie de acto celestial cuando un artista decide posar su mirada en la música de otros compositores y moldear a partir de ella una versión bendecida por su propia esencia creativa. A ratos, es casi imposible de asimilar la multitud de posibilidades de recreación existentes alrededor de una misma obra, lo que evidencia el poder del ejercicio artístico en la sociedad y su infinidad. Placebo, la banda londinense de rock alternativo, ha decidido precisamente insertarse en la divina tarea que implica reversionar la música de otros, reviviendo el éxito ochentero “Shout” perteneciente al dúo británico Tears For Fears

Si bien gran parte de la canción emula, casi como un espejo, la versión original de esta pieza, Placebo ha logrado esculpir parte de su estética a través de una especie de interludio espacial delineado por sintetizadores ultraterrenales y una sección rítmica con influencias industriales. Ciertamente, la música de Tears For Fears estuvo caracterizada por el uso de sintetizadores, de ahí que la banda fuera considerada como parte de los géneros new wave y synth pop. Por lo tanto, es de reconocer que Placebo ha logrado crear un verdadero tributo hacia el grupo de los 80 y, al unísono, ha inyectado la canción de su propia cosmovisión conservando el escenario sonoro inicial.

 

Este cover es precedido por el álbum más reciente de la banda, titulado Never Let Me Go, el cual fue estrenado a inicios del presente año y recibido positivamente por la crítica. Sumada a la noticia de este lanzamiento, la audiencia mexicana se encuentra con el corazón roto a raíz de la posposición de su show que estaba programado para este 12 de septiembre en la Ciudad de México. Debido a problemas de visa y logística, el grupo se vio orillado a no solo a reagendar este concierto, sino su gira entera por Norteamérica. Esperemos que para 2023 no se presente ningún contratiempo que impida que Placebo regrese a los escenarios. Por lo pronto, te invitamos a seguir sintonizando este cover intergaláctico a través de tu plataforma favorita de música.

Thee Sacred Souls — Thee Sacred Souls

El debut de Thee Sacred Souls es un híbrido atemporal impregnado de romance.

Pocas bandas logran sorprender de la manera en que lo ha logrado Thee Secred Souls con su álbum debut. Con forme más nos adentramos en los sonidos del LP homónimo, se vuelve inevitable la sensación de unidad y fluidez, y es que el sonido de Thee Sacred Souls es tan orgánico que parece que sus integrantes, Alex García, Sal Samano y Josh Lane, hubieran tocado juntos toda la vida: “Las cosas parecen suceder naturalmente cuando los tres nos juntamos”, comenta García sobre la banda.

El romance, la pasión y el encanto, son los tres ejes que guían el disco que, recargado principalmente en el soul de los 60 y el R&B de principios de los 70, crea atmósferas sublimes potenciadas por la abrazadora voz de Lane y los etéreos coros que lo acompañan. De principio a fin, el álbum nos regala un cocktail que va del soul latino hasta el neo-soul. La propuesta de Thee Sacred Bones nos transporta al pasado al mismo tiempo que trae ese pasado al presente y lo expande.

Así, el álbum empieza con el tema “Can I Call You Rose?” donde la voz de Josh protagoniza dulcemente mientras una suave batería lo acompaña, a la vez que potentes alientos y una ocasional guitarra terminan de hacer de este un tema memorable. Enseguida tenemos “Lady Love” y “Easier Said Than Done”, el primero de ellos llega con una energía mucho más tranquila y una lirica en la que habla sobre el dolor de perder al verdadero amor.

Después llega “Overflowing” una balada absolutamente romántica que plantea una declaración desbordada de amor. Durante menos de 3 minutos, nos impacta con una sensación de infinidad y plenitud. “Trade of Hearts” y “Weak for Your Love” continúan con las sentencias amorosas. En la segunda de ellas, la banda se encarga de crear una atmósfera que oscila entre lo celestial y la locura, donde se representa la sensación central del tema: el delirio y la vulnerabilidad a causa del enamoramiento.

Future Lover” nos cuenta la historia de dos amantes que se acaban de conocer y están por vivir juntos una nueva historia. Este tema cuenta con una presencia más fuerte de coros femeninos y con un violín justo a la mitad de la pieza que le da un toque de encanto. Luego tenemos “Sorrow For Tomorrow” y “For Now”, el primero de ellos inicia con la intensa voz de Josh evocando un lamento para hablarnos sobre la pérdida y las emociones que la acompañan.

Ones You Know” es posiblemente uno de los temas más icónicos del álbum. Con una melodía dulce, que nos transporta inmediatamente a las baladas románticas del soul de los 60, se instala en nuestros corazones con embriagadores sonidos resultado de las cuerdas y percusiones. “Happy and Well” y “Love Comes Easy” finalizan el álbum con audacia y entusiasmo, dejando dos temas de confort y gozo para el cierre.

Thee Sacred Souls es un álbum que celebra el amor y las sensaciones del enamoramiento, a la vez que demuestra cómo sin esfuerzos la banda es capaz de crear un sonido incomparable desde su debut y lograr unificar casi a la perfección su LP canción con canción. Thee Sacred Souls logró cautivar y demostrar su potencial con su primera entrega, estamos ansiosos por atestiguar el crecimiento de la prometedora banda.

Franc Moody — Into The Ether

Un disco optimista que se evapora con su estilo funk.

La agrupación londinense Franc Moody nos deja atrapado con su disco Into The Ether, mismo que se encargaron de resurgir a la música disco de los setenta. El dúo integrado por Ned Franc y Jon Moody, abrazan el disco funk en brillantes producciones dance-pop, recreación del disco contemporáneo marinado con optimismo, es la combinación perfecta para combatir la sequía emocional al final de un verano largo y seco.

Si bien la musa para estos jóvenes que recobran fuerza con su talento retro, en el que dejan asomarse a sus musas como Daft Punk, James Brown y Jamiroquai. Con tres producciones almacenadas Dance Moves (2018), Dream In Color (2020) y un tercer disco corto House of FM (2021), han sido los reyes del baile del dance pop.

Lo particular de dichas producciones es que están guiadas por sonidos electrónicos que refrescan y le dan sentido a su proyecto; Franc Moody se muestra fresco, cosa que se les agradece. Dejaron llevarse por el sonido soul funk de Nueva Orleans, también por la electrónica francesa de los ochenta. Donde los pantalones negros, con raya blanca al estilo de Michael Jackson y la bola de luces se encienden para animar la fiesta que con sus melodías con coros pegadizos que provocan con su funk-electrónico.

Franc Moody_2022

Into The Ether es la reciente entrega que nos viene bien para momentos nostálgicos; en el que con sus canciones irradian energía cósmica retro-futista. Canciones vibrantes, poderosas, envueltos en sintetizadores y beats que se quedan ahí para hacerlos palpitar. Un LP que despierta tus sentidos, que se quedan atrapados en una noche de desvelo.

El nuevo material de los ingleses se creó después de su LP debut Dream In Colour, con la pandemia desvaneciendo con sus planes de gira. Acabando con un anhelo de tocar en vivo; Into The Ether llega para darnos un aliento esperanzador. Por ello, Franc Moody construyó canciones alimentada por el funk, utilizando un gran conjunto de cuerdas, voces de grupo y sintetizadores y guitarras armoniosas.

Este colectivo que mezcla géneros para hacer que te apropies de ellos en cada de sus canciones, en este disco introspectivo, retratan el estado anímico de estar confinado; pero que la música nunca se guardó, estuvo con nosotros acompañándonos.

Sin duda, Franc Moody creó un álbum interesante, que retrata que la música disco-funky no se ha ido, prevalece. Si bien, hace un viaje a décadas pasadas, su alegría, pese a que el mundo se esté haciendo pedazos.

Con Into The Ether es cambiar el concepto de la música actual; y bajo la temática de crítica social al mundo caótico que vivimos. Un disco existencialista, pero que no raya en lo trágico, nos da una mirada a que todo a nuestro alrededor está en el éter.

Dejando en claro que Franc Moody y su cuarto disco pueden encontrar la mejor playlist de tu vida.

Into the Ether

Canciones para evaporarse:

“Into the Ether" es la carta de presentación del cuarto trabajo de producción de los nacientes de Londres. Inicia con golpes de sintetizadores, suaves y ritmos producidos desde un ordenador. Voz cálida que nos lleva a adentrarnos en un ambiente espacial. Ritmos impulsivos que causa al instante levantarse del sitio donde estés, para agitar el cuerpo.

El tercer tema es "I'm in a Funk" con incipientes coros suaves es la melodía predilecta para dominarte, auditivamente, conquista; en tanto suena el bajo de fondo, y predomina el sintetizador que se adueña del tema en sus breves tres minutos.

Con "Raining in LA" abraza con ritmos funk, aquí, dejan que su musa es Jamiroquai. Es una referencia innegable. Disco, funk para mover la cabeza a todos lados. Sin duda esta pieza atrae, como el imán, aunque no quieras te lleva hacia ella.

El sexto tema del radiante material es "The 7" es la canción más relajada, con distorsiones, guitarra eléctrica, línea de bajo que retumba; así como arreglo orquestal es como se adereza este enigmático track.

“Here Comes The Drop" es el tema con fuerte inspiración en James Brown y en la música negra, con
tintes de electrónica es como Franc Moody rinde tributo, a uno de los cantantes de funk y soul estadounidense.

La suavidad del tema "Suspended Animation" nos remonta a la música experimental de Animal Collective, en la que su neo-psicodelia y pop se fusionan. “Cherry" con una armonía dulce, es la canción ideal para dedicar.

Con sus once pistas Into The Ether es el LP más vanguardista que pudo haber creado la agrupación. Es un disco que en más de una ocasión repites algún tema, sus composiciones son emocionantes y te empujan al exterior. Bienvenido sea esta nueva etapa creativa de los provenientes de Inglaterra, el encapsular canciones tan sonoramente disfrutables, no es sencillo, ellos lo lograron.

En otro sentido, te hace confrontarte e ir a buscar esa tierra prometida, ese sitio que no has encontrado, pero su funk, cae como la lluvia que hace anhelar y extrañar recuerdos perdidos, que quizá se perdieron en el camino durante el confinamiento.

Entrevista con Yellow Days

“Crecí escuchando música de Ray Charles, Sam Cooke; blues y soul de los 50 y 60”.

George Van Den Broek, mejor conocido por su proyecto Yellow Days, describe que las principales influencias musicales se dieron desde su hogar. Parece algo fuera de lo común escuchar a una persona tan joven como George hablar sobre Ray Charles, Sam Cooke y géneros de los años 50 y 60 como principal fuente de inspiración. Su voz al mencionar a estos exponentes del blues y soul tomó un tono alegre, como si pudiera ver su infancia a través de estos.

Para mí fue una introducción a la música. A parte de escuchar a estos grandes, existió una combinación pues tenía yo 14 años cuando comencé también a escuchar a Mac DeMarco, Tame Impala y a toda esa ola de artistas. Entonces toda esta fusión se convirtió en una enorme influencia para mí y así fue como nació Yellow Days, tal vez es confuso esto que digo con la música que hago, pero realmente es una combinación de todo, pero sin duda debo decir que Ray Charles es el número uno en mi influencia musical”.

Platicamos brevemente con el creador del proyecto Yellow Days, un músico totalmente disciplinado en la creación tanto de su música como en la de los videos. Los temas fueron distintos. En primer momento, hablamos sobre su video musical "Apple Pie", sencillo que viene en su nuevo EP con el mismo nombre. Un video que sigue la línea de las otras producciones visuales de George. En pocas palabras describió la creación de este visual como:

“Es un acercamiento a la concepción interna, pensamientos a través de matices de colores cálidos, pese a que la letra de la canción es contraria a lo que se observa, el video es una representación de la conectividad interna de cada humano”.

La letra de su canción "Apple Pie" es “una representación de la sociedad actual; una situación en la que nos encontramos con los excesos, pero no hablando solo de exceso de alcohol o drogas, es algo que va más allá de eso, que inclusive puede ser un exceso de amor. Todos tenemos algún exceso de algún sentimiento, costumbre o cualquier otra cosa”.

"Slow dance and Romance", fue el primer sencillo lanzado en este 2022 por Yellow Days, contrario a "Apple Pie", "Slow dance and Romance", muestra el porqué de las situaciones en la vida, enfocándose en las convivencias amorosas.

Es una reflexión del amor en muchos sentidos, desde el amor que tenemos con nuestra pareja. Reflexión del por qué caminamos juntos, por qué nos amamos, por qué seguimos juntos. Para mí, el amor es el mejor canal de expresión”.

Fue un verdadero deleite platicar con Yellow Days, una joven promesa en la música que sin duda alguna nos traerá muchas sorpresas más tanto en las letras de sus canciones como en la creación de sus videos. Respecto a las dos visitas que tendrá en México; una en Monterrey y otra en la CDMX, comentó:

He esperado esta oportunidad durante mucho tiempo, nunca he tocado en México y es algo que siempre tuve en la mente hacer, ahora será la primera vez que toque en ese país tan cálido. Sólo puedo decir que es absolutamente hermoso”.

Sin duda las presentaciones de Yellow Days en México serán el parteaguas para futuras presentaciones aquí. George hará que muchos puedan volver a esa época del blues, pero con una mezcla de música actual.

The WAEVE presenta “Can I Call You” y anuncia álbum

El video de la canción fue dirigido por David J East.

The WAEVE, un proyecto integrado por Rose Pipette y Graham Coxon, publicó este el sencillo “Can I Call You”, al tiempo que confirmó la próxima llegada de su álbum debut.

El sencillo, como otros lanzamientos que el dúo ha publicado este año, presenta a Coxon tocando el saxofón, primer instrumento que el guitarrista Blur aprendió a tocar. Con influencias del post punk, la pieza ve a ambos artistas armonizar de manera magistral.

Para acompañar su lanzamiento, la banda publicó también su video musical, dirigido por David J East.

El disco debut de The WAEVE, un homónimo, saldrá a la luz el 3 de febrero de 2023 vía Transgressive y será producido por la banda y James Ford, conocido por sus trabajos con Arctic Monkeys, Florence and the Machine, Gorillaz y Depeche Mode, entre otros.

Gracias a los detalles que The WAEVE liberó esta semana sobre dicho material, podemos enterarnos que “Can I Call You” de hecho será el tema de apertura del álbum, que estará compuesto de 10 piezas distintas:

The WAEVE album

1.- “Can I Call You”

2 Kill Me Again

3.- “Over And Over”

4.- “Sleepwalking”

5.- “Drowning”

6.- “Someone Up There”

7.- “All Along”

8.- “Undine”

9.- “Alone And Free”

10.- ”You’re All I Want To Know”

Agrupación Cariño en el soundtrack de 'Soy Tu Fan: La Película'

La banda reaparecerá en Soy Tu Fan con la canción “Espero Que Te Acuerdes De Mi”

El proyecto estrenado en abril del 2010 a través de Canal 11 con nombre Soy Tu Fan y el cual nos cuentan una serie de aventuras protagonizadas por Ana Claudia Talancón (Charly) y Martín Altomaro (Nico), donde el amor es la temática principal de la trama y donde la música siempre fue fundamental para transmitir de una mejor forma este sentimiento.

En una de las escenas más memorables de la serie, se puede escuchar la canción “Espero Que Te Acuerdes De Mi”, obra de la banda Agrupación cariño y que originalmente formó parte de su álbum debut.

Tras 12 años del estreno del primer capítulo de Soy tu Fan podremos saber qué es lo que ha pasado con Charly y Nico (protagonistas), pero ahora en el formato de película, todo esto de la mano, nuevamente, de la canción “Espero Que Te Acuerdes De Mi”, pero en su versión regrabada en los famosos estudios Abbey Road, y la cual nos ofrece una mayor calidad y en cierta forma nos comparte su filosofía de la banda la cual es cumbia, cariño y amor.

La película Soy Tu Fan se estrenará el próximo 8 de septiembre, proyectándose en todas las salas de cine de la República Mexicana. Esta película es de las más esperadas por parte del público mexicano, ya que la trama llego a empatizar con muchas personas, y a su vez las expectativas que se tienen son altas. Así que en lo que esperamos a que nuestras incógnitas sean resueltas o que este largometraje nos brinde sorpresas, hay que seguir disfrutando de “Espero Que Te Acuerdes De Mi”.

Soy tu fan_poster

Escucha “Key To The City”, lo nuevo de Sorry

Su video musical fue dirigido por Asha Lorenz y Flo Webb.

Sorry lanzó  el sencillo “Key To The City”, tercer adelanto de su próximo álbum de estudio, Anywhere but Here.

A modo de balada pop con tintes ácidos, la canción aborda temas como la desesperanza y el arrepentimiento, certero tributo al nombre de la banda británica.

Es sobre cuando no puedes sacar a alguien de tu mente, o las cosas que los demás hacen sin ti. […] Es una reflexión sin sentido, pero una que debes tener”, expresó Louis O’Bryen en un comunicado de prensa.

Para “Key To The City”, que llega poco después del lanzamiento de los sencillos “Let the Lights On” y “There’s So Many People that Want to be Loved”, el grupo publicó un video musical dirigido por Asha Lorenz y Flo Webb, que nos permite ver los fragmentos de las vidas de varias personas mediante un muro con decenas de ventanas abiertas.

Anywhere But Here llegará al mercado el próximo 7 de octubre vía Domino y buscará extender la buena recepción que Sorry tuvo con su álbum debut, 925.