Cuco comparte el video de “Dreamin’”

Un video que destaca su compromiso no solo con la música, sino también con la conciencia social.

Cuco, el artista multiplatino que sigue conquistando escenarios globales con su dream pop y bedroom pop, acaba de lanzar el espectacular video musical de su sencillo "Dreamin'". Este track melancólico y lo-fi forma parte de la edición de lujo de su aclamado álbum Ridin', que está disponible para todos los fans bajo el sello de Interscope Records.

El videoclip, dirigido por AG Rojas, va más allá de un simple acompañamiento visual; es una declaración profundamente emotiva y con una clara postura sociopolítica. Este critica con firmeza el ambiente actual de autoritarismo y represión. La narrativa sigue a una versión joven de Cuco envuelta en un conflicto al interceder por alguien que está siendo maltratado.

Este acto de resistencia y valentía juvenil sirve como una metáfora potente y, lamentablemente, muy actual de las situaciones de abuso de poder e injusticia que se han vuelto tristemente habituales en la esfera pública y mediática reciente.

Dale play a continuación:

Recuerda que Cuco, llegará a la Ciudad de México para ofrecer un inolvidable show el 27 de noviembre en el Foro Puebla, como parte de su Ridin' Tour. Los boletos ya están agotados. 

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Entrevista con Jordan Rakei

“Estoy listo para dejar que la música hable por sí sola”.

Después de más de una década construyendo una de las carreras más sólidas en la escena del soul contemporáneo, Jordan Rakei finalmente llega a la Ciudad de México. Con una propuesta que fluye entre el jazz, el R&B, la electrónica y la introspección, el músico, productor y multiinstrumentista neozelandés se presentará por primera vez en el país como parte del Corona Capital 2025, en una actuación que promete ser tan íntima como expansiva.

En entrevista con Indie Rocks!, Rakei habla sobre su esperado debut en México, la experiencia de tocar en el Royal Albert Hall, su proceso creativo y lo que podemos esperar de su presentación.

Indie Rocks!: ¿Estás listo para tocar en la Ciudad de México? ¿Qué tan emocionado estás?

Jordan Rakei: ¡Muchísimo! Es mi primera vez y estoy emocionado por todo: por estar ahí, por la comida, por caminar por la ciudad… En general, por conocer su país por primera vez.

Indie Rocks!: Llevas años haciendo música y nunca habías venido. ¿Hay alguna razón?

Jordan Rakei: Lamentablemente, todo ha sido por cuestiones financieras. Mi banda es grande y siempre quise traer mi show completo, pero no podía costearlo. Por suerte, este año puedo venir, aunque sea con una versión más ligera.

Indie Rocks!: Entonces, ¿vienes solo o con banda al Corona Capital?

Jordan Rakei: Vendremos cuatro músicos en escena. Usualmente somos seis, así que será una especie de “banda modular”: no la formación completa, pero sí un show en vivo real.

Indie Rocks!: ¿Éste será tu único show en México?

Jordan Rakei: Sí, por ahora solo ese.

Indie Rocks!: Felicidades por tus últimos lanzamientos. El año pasado publicaste The Loop y ahora Live from the Royal Albert Hall. ¡Qué experiencia debe haber sido!

Jordan Rakei: Increíble. Tocar mi música con una orquesta y un coro detrás, en un recinto como ese, fue surreal. En realidad, compuse el álbum pensando en ese concierto; sabía que mi próxima presentación en Londres sería ahí, así que quería crear algo grande, ambicioso, con cuerdas y arreglos corales. Fue un momento de cierre perfecto.

Indie Rocks!: Después de algo tan majestuoso, ¿no es difícil volver a un formato más reducido como un festival?

Jordan Rakei: Es completamente diferente, pero me gusta esa variedad. En el Royal Albert Hall todo debía salir exactamente igual, con los tiempos justos para cada instrumento. En cambio, en un festival puedo reaccionar al público, extender secciones, cantar con ellos. Es un tipo de libertad distinta, más espontánea.

Indie Rocks!: Hay colaboraciones tuyas que la gente quizá no sabe que existen, como con Disclosure. ¿Sueles incluirlas en tu set?

Jordan Rakei: A veces. Depende del lugar. Si los fans me lo piden, las toco. Tengo, por ejemplo, una canción con un rapero británico que rara vez interpreto, porque él no está en el escenario, pero a veces dejo que el público cante las partes del rap y yo hago los coros o improviso algo.

Indie Rocks!: Eres originario de Nueva Zelanda, pero llevas 11 años viviendo en Reino Unido. ¿Hubo una razón musical detrás de ese cambio?

Jordan Rakei: Totalmente. Me fui buscando hacer carrera en la “gran ciudad”. No tenía un plan; tomé un avión para quedarme tres meses y terminé quedándome 11 años. Me enamoré de Londres y de su energía.

Indie Rocks!: ¿Crees que tu música habría sido distinta si te hubieras quedado en Nueva Zelanda?

Jordan Rakei: Sin duda. En Londres hay una mentalidad de trabajo y perseverancia muy intensa. La ciudad es fría, la gente va del tren al estudio, siempre creando. Además, la música electrónica es enorme, y eso influyó mucho en mí. En Nueva Zelanda mi vida era tranquila: surf, deporte, familia… Supongo que habría hecho música más feliz. En Londres todo se volvió más oscuro y emocional, y eso fue bueno; aprendí a escribir desde la vulnerabilidad.

Indie Rocks!: En este momento, ¿qué tipo de música escuchas? ¿Más triste, más alegre?

Jordan Rakei: Busco cosas pacíficas, con calma y belleza, o al contrario, algo muy fresco y único. Me encanta escuchar bandas como Young Fathers; su música es tan rara e interesante que me inspira, aunque no sea algo que yo haría. Generalmente escucho songwriting con mucho espacio, canciones que respiran.

Indie Rocks!: ¿Te pasa que hay música que amas escuchar, pero nunca harías tú mismo?

Jordan Rakei: Definitivamente. Me pasa, por ejemplo, con Radiohead. Mi etapa favorita de ellos es la de Kid A, Idioteque y esas piezas electrónicas oscuras. Amo eso, pero no me sale naturalmente al componer. Lo mismo con James Blake: sus temas más densos me fascinan, pero en mi proceso creativo no fluyen igual.

Indie Rocks!: ¿Tú produces toda tu música?

Jordan Rakei: Sí, todo lo hago yo. De hecho, esta entrevista la estoy dando desde mi estudio en casa.

Indie Rocks!: ¿Eres de esos productores que se encierran toda la noche?

Jordan Rakei: (ríe) En realidad soy más de la mañana. A veces empiezo a las ocho. Siempre invito a otros músicos a venir temprano y se ríen porque dicen que no se despiertan antes de las once. Pero para mí, las primeras horas del día son las más productivas. Estoy lleno de energía y todo fluye.

Indie Rocks!: Vas a tocar el domingo en Corona Capital, ¿sabes a qué hora será tu show?

Jordan Rakei: Creo que a las nueve de la noche. No suelo tocar tan tarde, pero me emociona. Puede ser genial si la gente llega con energía, o un desastre si todos están en el escenario principal (risas). De cualquier forma, estoy muy agradecido por poder presentarme.

Indie Rocks!: ¿Con quién no te gustaría competir en horario ese día?

Jordan Rakei: Creo que Linkin Park, solo porque también quiero verlos (risas). O lo que queda de ellos, tristemente. Pero sí, ojalá no coincida con su set.

Indie Rocks!: ¿Conoces música mexicana?

Jordan Rakei: No, la verdad no. Pero espero hacerlo. Si alguien tiene buenas recomendaciones, ¡por favor mándenmelas!

Indie Rocks!: Para cerrar, ¿algún mensaje para tus fans en México?

Jordan Rakei: Sí. Lamento que haya tomado tanto tiempo llegar. No puedo esperar para tocar allá. Escucharán mucha música vieja, así que no se preocupen, y prometo que será una noche muy especial.

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Crumb anuncia su primer álbum en vivo, 'Live!'

Un álbum que representa una reinvención.

Después de su etérea y emocional presentación en el festival Hipnosis, la banda neoyorquina Crumb anunció el lanzamiento de su primer álbum en vivo, titulado Live!, que llegará el próximo 5 de diciembre a través de Crumb Records.

El anuncio llega acompañado de un doble sencillo, “Cracking – Live” / “Balloon – Live”, donde el grupo captura la energía hipnótica y la sensibilidad psicodélica que los caracteriza en el escenario. Más que un repaso de su trayectoria, Live! representa una reinvención, un registro de lo que sus canciones se han convertido “en estado salvaje”, como ellos mismos describen.

Estamos felices de lanzar nuestro primer álbum en vivo —Live!— una colección de canciones de nuestros últimos diez años como banda, grabadas durante las tres últimas fechas de la gira AMAMA 2024. El arte del álbum recrea el paisaje visual de esa etapa, con un collage de fotos y momentos del tour”, compartió el grupo.

El álbum compila 14 temas grabados en distintos shows del sur de California e incluye piezas esenciales de su repertorio como “Ghostride”, “BNR”, “Nina” y “Trophy”. El arte fue diseñado por Abraham El Makawy, con fotografías de Melissa Lunar tomadas durante la gira de AMAMA.

Live! sigue la línea marcada por su aclamado disco de estudio AMAMA (2024), descrito por Pitchfork como “su álbum más grande y mejor hasta la fecha”. También retoma ecos de trabajos anteriores como Ice Melt (2021) y Jinx (2019), reafirmando la evolución constante de una banda que ha sabido transformar lo íntimo y lo surrealista en una experiencia colectiva.

Crumb live! album artwork

"AMAMA"
"Cracking"
"The Bug"
"Balloon"
"From Outside A Window Sill"
"BNR"
"Genie"
"Ice Melt"
"Ghostride"
"Retreat!"
"Crushxd"
"Nina"
"XXX"
"Trophy"

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“Cruise Ship Designer”, lo nuevo de Dry Cleaning

Ironía y dinamismo.

Dry Cleaning ha lanzado "Cruise Ship Designer", el segundo sencillo de su anticipado álbum de estudio, Secret Love. El lanzamiento del álbum completo está programado para el 9 de enero de 2026 a través del sello 4AD.

Este nuevo tema, que llega después de "Hit My Head All Day", viene acompañado de un flamante video musical en el que la banda explora una faceta visual inusual y cautivadora: el bajista Lewis Maynard se convierte en el protagonista de una rutina de baile meticulosamente coreografiada por la firma BULLYACHE. Este giro inesperado añade una capa de ironía y dinamismo a la ya distintiva estética de Dry Cleaning.

La canción trata sobre un diseñador de cruceros y hoteles, alguien hábil y bien pagado, pero que no cree que su rol tenga un verdadero valor. Intenta disfrutarlo e invertir su energía en superar los retos del trabajo”, explicó Florence Shaw en un comunicado de prensa.

Dale play a continuación:

Secret Love será la máxima expresión de la profunda amistad que dio origen a Dry Cleaning. Este material promete ser fiel a la esencia del grupo, manteniendo ese sonido minimalista, clásico del post punk y el art pop que los distingue.

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HEALTH lanza su nuevo sencillo “YOU DIED”

Brutalismo emocional en su forma más pura.

La banda angelina HEALTH vuelve a encender la maquinaria con “YOU DIED”, un tema abrasador y profundamente humano que anticipa su próximo álbum CONFLICT DLC, disponible el 11 de diciembre de 2025 a través de Loma Vista Recordings.

En este nuevo corte, el trío lleva su característico sonido al límite: sintetizadores que colisionan con guitarras distorsionadas, una percusión implacable y una voz que parece surgir desde un lugar entre la desesperación y la serenidad. “YOU DIED” se presenta como una declaración existencial sin adornos, donde el dolor se convierte en aceptación y la vulnerabilidad en fuerza.

Los años son cortos. Las noches son largas”, HEALTH.

El sencillo llega acompañado de una serie de remixes exclusivos disponibles en el SoundCloud de la banda, con reinterpretaciones de BROOKS ALEXSANDER y LIL TEXAS, quienes llevan el caos sonoro de HEALTH hacia los territorios del club y el techno extremo.

La agrupación continúa su gira junto a Pierce The Veil, con fechas en México y Sudamérica, presentando un show que mezcla el impacto físico del metal con la intensidad sensorial de la electrónica industrial. En vivo, HEALTH canaliza el ruido, la angustia y la belleza de lo distorsionado en una experiencia que se siente más cercana a un ritual que a un concierto.

Además, la banda confirmó una gira coestelar en 2026 junto a Carpenter Brut, consolidando así una alianza explosiva entre dos de las fuerzas más potentes del sonido oscuro contemporáneo.

Health you died

“YOU DIED” reafirma el lugar de HEALTH como una de las propuestas más audaces e indispensables del panorama alternativo actual. Su música sigue diseccionando la decadencia emocional de la era digital con precisión quirúrgica, entre riffs que hieren y sintetizadores que curan.

Para HEALTH, CONFLICT DLC no solo es un álbum: es una conversación directa con su comunidad, una coalición de outsiders y subculturas que encuentran en el ruido una forma de celebración. Porque, aunque todo se derrumbe, lo importante —según la banda— sigue siendo disfrutarlo.

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Robyn regresa con “Dopamine”

Siete años después, la espera termina.

La estrella sueca del pop Robyn está de vuelta. Tras una larga ausencia discográfica, la artista compartió su nuevo sencillo “Dopamine”, marcando su primer material original en siete años.

El anuncio llegó después de una serie de mensajes crípticos en sus redes sociales, donde Robyn invitó a sus seguidores a “mantener los ojos abiertos”, anticipando su esperado regreso. “Dopamine” retomará esa mezcla de melancolía, euforia y vulnerabilidad que ha definido su carrera desde Body Talk (2010) hasta su último álbum, Honey (2018).

El lanzamiento del sencillo llega con un videoclip de performance sencillamente espectacular. Este metraje, que ya está generando gran expectación, tiene como protagonista absoluta a Robyn, quien irradia carisma y una energía inigualable en cada escena. La dirección del video estuvo a cargo de la aclamada fotógrafa Marili Andre, una artista con una visión estética distintiva y que ya tiene un historial de colaboración exitosa con el equipo.

Todo el mundo tiene un teléfono donde puede ver su ritmo cardíaco, y estamos aprendiendo a descifrar nuestras emociones a través de las hormonas y las sustancias químicas de nuestros cuerpos. Es casi como si ya no aceptáramos que somos humanos, como si intentáramos salir de eso y explicar absolutamente todo—lo cual me parece genial, pero también es por eso que el mundo está jodido, esta idea de que puedes descifrar y ganar en la vida o algo así. La dualidad de 'Dopamine' es tener una emoción que es súper real, súper fuerte, intensa, placentera o dolorosa, y al mismo tiempo saber que esto es solo un proceso biológico en mi cuerpo—y luego no elegir entre religión o ciencia. Simplemente aceptar que ambas están ahí juntas y poder moverse entre ellas”, explicó la artista en un comunicado de prensa.

Durante los últimos años, Robyn se ha mantenido presente a través de colaboraciones con SG Lewis, Jónsi de Sigur Rós, Neneh Cherry, Jamie xx y Yung Lean, reafirmando su posición como una de las figuras más influyentes del pop alternativo contemporáneo.

Con “Dopamine”, Robyn abre un nuevo capítulo en su historia: uno que promete volver a conectar la emoción y la pista de baile con la intensidad que solo ella sabe transmitir.

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Leon Bridges y Norah Jones se unen en “This Christmas I’m Coming Home”

Un encuentro cálido para las fiestas decembrinas.

Los ganadores del Grammy Leon Bridges y Norah Jones se unen por primera vez en un dueto festivo titulado "This Christmas I’m Coming Home”. La canción, publicada a través de Columbia Records, captura el espíritu de la Navidad con un tono íntimo y atemporal que refleja la elegancia y el soul característico de ambos artistas.

Compuesta por Norah Jones junto al escritor y productor Leon Michels —conocido por su trabajo junto a Clairo, The Black Keys y Sharon Jones & The Dap-Kings—, la pieza combina sutileza, calidez y una producción orgánica que remite a los clásicos navideños con un toque contemporáneo.

“This Christmas I’m Coming Home” no solo es una celebración del reencuentro y la nostalgia, sino también una muestra de la química natural entre dos voces que evocan elegancia y emotividad. La colaboración llega como preludio al próximo lanzamiento de Bridges, “A Merry Black Christmas”, que promete continuar expandiendo su visión del soul moderno con un aire festivo.

Con esta unión, Leon Bridges y Norah Jones entregan un regalo musical perfecto para cerrar el año, donde la tradición se encuentra con la sensibilidad actual.

This christmas i'm coming home

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Charli xcx une fuerzas con John Cale para su nuevo sencillo “House”

Un encuentro entre la elegancia y la brutalidad sonora.

La artista británica Charli xcx ha lanzado “House”, un tema en colaboración con John Cale, legendario miembro de The Velvet Underground, que formará parte del nuevo álbum de la cantante para la próxima adaptación de Wuthering Heights, dirigida por Emerald Fennell.

Charli xcx house

Inspirada por el documental de Todd Haynes sobre la icónica banda neoyorquina, Charli compartió que una frase de Cale se convirtió en el punto de partida para este trabajo: que toda canción debía ser “elegante y brutal”. Aquellas palabras —anotadas y revisitadas a lo largo de los años— marcaron el tono de su proceso creativo.

Cuando empecé a trabajar en la música para la película, esa idea se volvió una guía constante. Finalmente decidí contactarlo para compartirle las canciones que su frase había inspirado”, explicó Charli. De esa conversación nació “House”, una pieza cargada de emoción y atmósfera, en la que Cale aporta una lectura poética con su inconfundible voz, “tan elegante como brutal”, según describe la cantante.

Este lanzamiento también marca el inicio de un año clave para Charli, quien protagonizará The Moment, una producción de A24 basada en una idea original suya y dirigida por Aidan Zamiri. Además, participará en múltiples proyectos cinematográficos, incluyendo Faces of Death, I Want Your Sex y The Gallerist.

“House” ya está disponible en plataformas digitales. Wuthering Heights llegará a los cines el 11 de febrero de 2026 a través de Warner Bros. Pictures.

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Entrevista con Andrea Vanzo

El compositor italiano llega por primera vez a México con su espectáculo Settlerite, inspirado en su espacio personal y su universo sonoro más íntimo.

Desde Italia hasta México, Andrea Vanzo se ha convertido en una de las voces más singulares dentro de la música instrumental contemporánea. Con un estilo que mezcla el minimalismo, la nostalgia y la introspección, el pianista y compositor aterriza en el país para presentar Settlerite, un espectáculo inspirado en su propio hogar, donde se gestaron los temas de su serie discográfica Intimacy. Conversamos con él sobre su conexión con el público mexicano, el proceso detrás de su música y lo que significa trasladar su mundo interior al escenario.

Indie Rocks!: Antes que nada, muchas gracias por este momento. ¿Qué nos puedes contar sobre tu origen y cómo surge Intimacy Volume 1, tu álbum más importante hasta ahora?

Andrea Vanzo: Intimacy Volume 1 es, en gran parte, un álbum autobiográfico. Representa un viaje hacia mis orígenes y mi historia personal. Cada pieza es una pequeña parte de mí, un retrato de lo que soy y de lo que he vivido.

Indie Rocks!: En los últimos años has construido una conexión muy fuerte con tu público, sobre todo a través de redes sociales. ¿Cómo nació ese vínculo?

Andrea Vanzo: Cuando empecé, no usaba mucho las redes. Todo cambió durante la pandemia: comencé a grabar música y a subir algunos videos a Instagram. Uno de ellos tuvo muy buena respuesta, y ahí entendí que podía conectar con la gente de una manera distinta. Desde entonces, he construido mi presencia poco a poco.

Indie Rocks!: Esta será tu primera visita a México. ¿Qué significa para ti venir a tocar aquí?

Andrea Vanzo: Estoy muy feliz. Es la primera vez que cruzo el Atlántico para tocar en América. Además, tengo amigos músicos en México con quienes he colaborado, como Gibran y Hostel, un artista de música ambiental. Así que, de alguna forma, ya siento una conexión especial.

Indie Rocks!: Tus seguidores mexicanos son muy activos en tus redes. ¿Qué esperas de tus conciertos en Ciudad de México y Guadalajara?

Andrea Vanzo: Tengo una conexión fuerte con el público mexicano. Muchas personas me escriben desde hace tiempo pidiéndome que venga. Espero un público cálido y cercano; eso es lo que más deseo.

Indie Rocks!: Cuéntanos sobre Settlerite, el espectáculo que presentarás en esta gira.

Andrea Vanzo: Settlerite es un show completamente nuevo. Quise llevar mi hogar al escenario: mi sala, el piano, los libros, las fotos, la lámpara… todo. En mi Instagram hay un reel donde se puede ver la reconstrucción exacta del espacio. Quiero que el público sienta que está dentro de mi mundo. Además, habrá un nuevo setlist con piezas inéditas de Intimacy Volume 2.

Indie Rocks!: ¿Qué puedes adelantarnos sobre tus próximos proyectos?

Andrea Vanzo: Estoy trabajando en muchas colaboraciones y escribo nuevas piezas todos los días. Habrá varias canciones nuevas muy pronto y una colaboración especial que saldrá el próximo año.

Indie Rocks!: Para quienes aún no conocen tu música, ¿qué canciones recomiendas escuchar antes del concierto?

Andrea Vanzo: Diría "Soulmate", "Balzaldi Inverno" —que será parte de Intimacy Volume 2— y "Dreaming to Fly" o "The Midland", del mismo álbum. Son una buena forma de empezar este viaje sonoro.

Indie Rocks!: ¿Tendrás tiempo para conocer un poco de México durante la gira?

Andrea Vanzo: Me encantaría, pero no creo que sea posible. El viaje será muy corto y tengo otra fecha en Guadalajara, así que será una visita intensa.

Indie Rocks!: Si tuvieras que describir tu música en tres palabras, ¿cuáles elegirías?

Andrea Vanzo: Íntima, nostálgica y para quienes saben escuchar con calma.

Indie Rocks!: ¿Algo que quieras añadir antes de cerrar esta entrevista?

Andrea Vanzo: Estoy muy emocionado con este show, porque es una parte muy personal de mí. Es la primera vez que muestro algo tan íntimo fuera de Europa, y me alegra que sea en México. Espero encontrar gente dispuesta a sentir y escuchar conmigo.

Andrea vanzo

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Noble Savage regresa con “Skeleton Key”, un tributo oscuro a Mark Lanegan

Un homenaje entre sombras y emoción.

Noble Savage vuelve desde las sombras con “Skeleton Key”, un tributo profundamente emotivo al legendario Mark Lanegan. El trío liderado por el cineasta y músico Hari Sama entrega una versión que entrelaza la melancolía del darkwave con la elegancia del synth pop, dando vida a un homenaje que vibra con respeto, oscuridad y belleza.

Después de un año brillante, lleno de presentaciones en festivales de México y Estados Unidos, Noble Savage cierra el 2025 con una pieza que rinde honor a una de las figuras que más ha inspirado su estética y su sonido. “Skeleton Key” es más que un cover: es una carta de amor desde las sombras, una reinterpretación que transforma la tristeza en luz tenue y el eco en emoción pura.

Skeleton key portada

El lanzamiento llega acompañado de un videoclip dirigido por Azael Arroyo, quien junto al grupo construye un universo visual onírico y cargado de simbolismo. A través del uso de inserciones generadas con inteligencia artificial, el video recrea ese mundo de sombras y emociones que Noble Savage imaginó para esta versión: un espacio donde la nostalgia, el duelo y la devoción conviven en una misma frecuencia.

Con “Skeleton Key”, Noble Savage confirma que su arte no solo habita la oscuridad, sino que la transforma en una experiencia poética y profundamente humana.

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