Sir Chloe anuncia su nuevo álbum, 'Swallow The Knife'

Un sonido oscuro y misterioso.

Sir Chloe, la aclamada cantante y compositora, ha anunciado el lanzamiento de su segundo álbum de larga duración, Swallow The Knife, que estará disponible el 22 de agosto a través de ONErpm. Junto con esta emocionante noticia, también ha compartido "The Hole", una canción inspirada en la exposición The Cold Hole de Taryn Simon en el MASS MoCA (Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts).

Era una sala cubierta de nieve con un profundo agujero circular de hielo negro en el centro. Los visitantes del museo podían ofrecerse como voluntarios para sumergirse mientras los espectadores observaban como si fuera una exhibición de zoológico. Después de ver The Cold Hole, llamé a los inviernos profundos y oscuros de nuestras vidas 'The Hole’”, compartió Sir Chloe en un comunicado de prensa.

Escucha el track:

El esperado álbum de Dana Foote, compuesto por 11 canciones, promete una experiencia sonora alternativa y atmosférica. Sir Chloe explora una narrativa oscura y enigmática, cautivando con su voz y vibras hechizantes.

Te compartimos la portada y el tracklist: 

Sir Chloe Announces New Album 'Swallow The Knife' | News | Clash Magazine Music News, Reviews & Interviews

  • "Forgiven"
  • "The Hole"
  • "Kiss"
  • "Passenger"
  • "Forget It"
  • "Holy"
  • "Complicated"
  • "Take It"
  • "Eyes"
  • "Too Much (Not Enough)"
  • "Candy"

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GoGo Penguin — Necessary Fictions

El arte de desarmar sin destruir.

GoGo Penguin no es una banda, es un experimento en movimiento, y Necessary Fictions es su declaración más audaz. La banda no abandona su melancolía característica, pero esta vez la mezcla con una energía más lúdica y, sobre todo, más atrevida. El trío de Manchester sigue siendo ese proyecto de jazz con ADN electrónico y ritmos acelerados, pero aquí apuesta por algo nuevo: colaboraciones, voces y sintetizadores que se adhieren inherentemente a su estilo.

Por primera vez incorporan voces en “Forgive The Damages”, donde Daudi Matsiko aporta una gran interpretación, mientras que el violín de Rakhi Singh en “Luminous Giants” teje texturas inéditas para la agrupación. El resultado fluye con tal naturalidad que resulta sorprendente que no exploraran antes estas colaboraciones. Los sintetizadores, presentes pero no invasivos, se funden en el conjunto creando atmósferas liminales donde lo acústico y lo digital dialogan sin fronteras.

¿Es Necessary Fictions un disco revolucionario? No. Pero tampoco lo necesita ser. GoGo Penguin nunca ha buscado romper esquemas, sino perfeccionar dentro de sus propias líneas. Y en este álbum lo hacen con una fluidez envidiable: las bases rítmicas siguen siendo hipnóticas, las líneas de bajo fluyen con precisión y las nuevas texturas añaden una nueva capa de profundidad.

El verdadero logro no está en crear un sonido radicalmente nuevo, sino en demostrar que pueden evolucionar sin perder identidad. No es un contendiente para disco del año, pero sí el más arriesgado de su carrera. Y, sobre todo, una promesa de que lo mejor podría estar por venir.

Este es el camino correcto, sin ninguna duda. Ahora solo falta ver qué tan lejos están dispuestos a llegar a partir de aquí.

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YUNGBLUD — Idols

YUNGBLUD frente al espejo: lo que sigue después del caos.

Con el primer sencillo sabíamos que algo iba a pasar, no sabíamos si era bueno o malo, así que tiramos las cartas: el ángel, el santo, el payaso, el luchador y una más, inesperada: la del ícono de una generación. 

Desde hace años, YUNGBLUD ha construido su propio universo, tomando lo más entrañable de artistas que admira para convertirse en un ídolo para quienes hoy lo escuchan. De ahí el nombre de su nuevo álbum: Idols.  

Este comienza con "Hello Heaven, Hello", una bienvenida enérgica al club. Con esencia de la vieja escuela, rock de los 70 y 80 y elementos simples que nos desatan mil emociones. "Idols Pt.I", el interludio, un grito en el vacío para implorar por compañía tras el daño. "Lovesick Lullaby" es irónica y juguetona, con ecos de Dominic que conocimos con 21st Century Liability.  

"Zombie", el último de los sencillo y un parteaguas. Este tema es la firma del cantante británico pues, aunque el video nos muestre una narrativa, sabemos que podemos adueñarnos de sus versos para contextualizarlo y hacerla personal. "The Greatest Parade" se transforma en un guiño a aquella banda emo que acompañó a toda una generación y llegó el momento de rendirle un pequeño tributo.  

Una vez que el tema anterior llega a su fin, Idols se convierte en una balada infinita con riffs  setenteros, homenajes escondidos y referencias a íconos del pasado.  

Una guitarra acústica y el piano nos dejan flotando esperando despertar de lo que, tal vez sea, un mal sueño con "Change". Un solo de guitarra nos sorprende al final. Las narrativas ya no las encontramos tanto en las letras, sino en los instrumentos que nos van guiando de un lado a otro, hasta que simplemente se esfuman.  

"Monday Murder"… ¿Ese riff ya lo habíamos escuchado? Tal vez aquí no sea viernes, pero hasta que el pandero toma protagonismo, no podemos evitar pensar en The Cure. Y para hacerlo más claro, la melodía es alegre para palabras realistas. Por otra parte, "Ghosts" nos hunde en una profunda melancolía, de la que podemos sobrevivir mientras la batería sigue elevándose.  

"Fire" y "War" nos transportan a un lugar desértico, con melodías que por momentos se sienten planas y que han perdido el brillo. "Idols Pt. II" es una carta que habíamos dejado en el fondo de un cajón, pero nos tomó 5 minutos de valentía para aceptarlo y afrontarlo.  

Finalmente, con "Supermoon", nos damos cuenta que nos quedamos en frente de un espejo sin saber a donde movernos. Y aunque repetidamente YUNGBLUD suplica que no estemos tristes, el piano y los coros— al estilo Elton John— nos llenan de sabiduría y superación, porque tal vez, un día seamos capaces de dar el siguiente paso y enfrentarnos a eso que nos aterra.  

Sí, la canción es una eterna balada de la que no podemos escapar, pero de la que queremos saber más. Tal vez no sea el álbum más sólido de YUNGBLUD, pero sí, el más personal, el que por fin pudo compartir con el mundo sin miedo al ‘¿Qué dirán?’ y siendo un portavoz importante para esta generación. 

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Joy Orbison y Overmono unen fuerzas en “Lippy (feat. Skiifall)”

Melodía, energía y ritmo: la electrónica encuentra un nuevo punto de fuga.

Joy Orbison y Overmono regresan con una potente colaboración titulada "Lippy", en la que se unen al talento emergente del rapero canadiense Skiifall, reconocido por su singular voz y estilo fresco. Lanzado a través del sello XL Recordings, el sencillo ha sido recibido con gran entusiasmo, destacando inmediatamente como uno de los temas más prometedores para la temporada de festivales.

"Lippy" nace de una exploración sonora que se dio en los estudios de XL Recordings, donde ambos productores británicos buscaron ir más allá de sus colaboraciones anteriores enfocadas principalmente en la pista de baile. En esta ocasión, decidieron apostar por melodías más elaboradas, dando como resultado una pieza más dinámica y emocionalmente cargada.

Lippy joy overmono

Desde los primeros compases, "Lippy" sumerge al oyente en una atmósfera envolvente y dinámica. La base electrónica, producida con gran destreza técnica, se caracteriza por un ritmo intenso y pegajoso, que inevitablemente invita al movimiento. Esta producción se complementa magistralmente con la participación vocal de Skiifall, cuya voz añade una dimensión profunda y contundente al track.

La letra interpretada por Skiifall introduce elementos narrativos intrigantes y un flujo energético que logra captar la atención desde la primera escucha. Su interpretación destaca por su originalidad y fuerza expresiva, dando como resultado una colaboración que rompe con lo convencional y apuesta por la innovación sonora.

Escucha por aquí "Lippy" y recuerda que ya se encuentra disponible en plataformas de streaming.

En directo, la canción ya ha demostrado ser un éxito instantáneo, generando una conexión inmediata con el público en diversos festivales internacionales. Las audiencias responden al ritmo hipnótico y al poder vocal del sencillo, convirtiéndolo rápidamente en un favorito de la temporada festivalera.

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Vicente Jáuregui sorprende con el video de “Ternura Radical”

Amor y resistencia.

El músico y compositor, Vicente Jáuregui, presenta el video oficial del tema que le dio nombre a su último EP, Ternura Radical, estrenado el 7 de febrero de manera independiente. El track es una introspección que nos invita a reflexionar sobre la radicalización de los sentimientos y el interés. En una sociedad donde el egoísmo condena lo colectivo y la unión, el cantautor propone que expresarse libremente con afecto, amor y ternura es un acto de resistencia y valor.

Bajo la dirección de Sergio Nolasco Infante y Andrea Saavedra de la Teja, el video logra capturar las ideas creativas de Vicente Jáuregui. Con una estética lo-fi y una grabación casera que se siente íntima y profunda, nos envuelve en una conexión a través de la música y las imágenes. El metraje aborda una narrativa de resistencia en un mundo individualista, donde el amor debe ser más fuerte que el consumo y la desconexión emocional.

Vivimos en una sociedad que enseña a los hombres a reprimir sus sentimientos. Dentro de ese orden de ideas limitantes, la ternura está prohibida. Esta canción y ahora este video, es una forma de subvertir eso. La ternura no solo nos hace más humanos, es el antídoto contra la crueldad normalizada”, comentó Vicente en un comunicado de prensa.

Vicente Jáuregui continúa consolidando su posición a través de la autenticidad de sus mensajes, explorando narrativas introspectivas que revelan una profunda sensibilidad social y artística. Su obra, “Ternura Radical”, se erige como una misiva cargada de emotividad capaz de desafiar el sistema. 

No dejes de escuchar "Ternura Radical":

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Animal Collective hipnotiza con “Love On The Big Screen”

Una abstracción magnética y sugestiva.

"Love On The Big Screen" es el nuevo sencillo de Animal Collective, lanzado a través de Domino. Este tema, que consolida su posición como pioneros del sonido psicotrópico contemporáneo, marca su primer estreno desde 2023, año en que la banda se consolidó como cuarteto. La producción estuvo a cargo de Avery Tare y Adam McDaniel en el Drop of Sun Studio en Asheville, Carolina del Norte.

En este sencillo, la agrupación explora sonidos vibrantes y diversos, con un enfoque en una narrativa divertida e irónica. Fusiona texturas electrónicas, progresiones impredecibles y una esencia abstracta en sus visualizaciones, creando una atmósfera alegre y romántica donde los beats resuenan con fuerza.

"Love On The Big Screen" viene acompañado de un video conceptual, dirigido por Danny Perez. Este trabajo audiovisual se construye sobre un ritmo hipnótico y envolvente, con capas que se manifiestan visualmente a través de psicodélicas y extrañas imágenes.

Animal Collective incursiona en una propuesta sonora arriesgada y profundamente sensorial. Su rareza única, con un enfoque libre y un sonido ambiental alternativo, es una constante innovación en el género.

Dale play a "Love On The Big Screen":

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Cut Copy da otro adelanto de su nuevo álbum, 'Moments'

Bailar como remedio frente a la incertidumbre y el cambio.

Cut Copy está de regreso con "When This Is Over", segundo adelanto de su esperado séptimo álbum, Moments, programado para lanzarse el próximo 5 de septiembre vía Cutters Records/The Orchard. Este nuevo sencillo captura la esencia emocional y sonora característica de la banda australiana, fusionando electrónica con elementos pop en un ambiente eufórico y psicodélico.

"When This Is Over" es una composición emotiva, enriquecida por la participación especial del coro infantil de la escuela Candlebark de Romsey VIC, Australia. El coro, dirigido por Georgia Brook y grabado por James Cecil aporta una magia particular que transforma la canción desde una simple idea en un poderoso himno sobre la empatía y la reconciliación. Dan Whitford, líder del grupo, destaca cómo esta colaboración, soñada por años, llevó la canción a un nuevo nivel, mostrando la capacidad de la música para sanar y conectar.

Escucha "When This Is Over" por aquí y recuerda que también puedes disfrutarla en tu plataforma de streaming favorita.

Situaciones como la paternidad, cambios de relaciones, una pandemia global y diversas crisis sociales inspiraron profundamente el contenido lírico y sonoro de Moments. Según Whitford, este álbum fue una manera personal de procesar estos intensos acontecimientos, manteniendo la esencia sonora de Cut Copy y llevándola hacia una propuesta más enérgica, ideal para la pista de baile.

Portada y tracklist de Moments.

Cut copy moments

  1. "Solid"
  2. "Belong To You"
  3. "Still See Love"
  4. "When This Is Over"
  5. "Children of Fairlight"
  6. "Moments"
  7. "Gravity"
  8. "More Alive"
  9. "Find A Place Among The Stars"

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OSEES anuncia álbum con “Fight Simulator”

La respuesta musical a una era en caos.

La banda californiana, OSEES, regresa con fuerza presentando su más reciente sencillo, "Fight Simulator", un tema que anticipa su próximo álbum, Abomination Revealed at Last, con fecha de lanzamiento programada para el 8 de agosto bajo su propio sello, Deathgod Records.

Esta canción, enérgica y visceral, retoma la esencia cruda y contundente que ha caracterizado al grupo en trabajos anteriores, mostrando guitarras afiladas, ritmos veloces y una vibra frenética que remite directamente al espíritu de su reconocido álbum Mutilator Defeated at Last de 2015.

En "Fight Simulator", OSEES vuelve a demostrar su habilidad para fusionar elementos de garage rock y punk psicodélico, creando un sonido incendiario y adictivo. La letra, llena de matices oscuros y crítica social, captura perfectamente la tensión actual en la que vivimos, tocando temas como la vigilancia digital, la pérdida de libertades individuales y la crisis ética provocada por la tecnología.

Dale play a "Fight Simulator" y no olvides añadirla a tu playlist en tu plataforma de streaming favorita.

Sobre el nuevo álbum, el líder de la banda, John Dwyer, afirma que Abomination Revealed at Last nació de una reflexión profunda sobre los desafíos contemporáneos. El disco promete ser un recorrido por las preocupaciones sociales y políticas más urgentes, canalizadas a través de una propuesta sonora intensa y directa.

Después de experimentar en discos recientes con sintetizadores y sonidos electrónicos, este nuevo trabajo marca el regreso al estilo más característico del grupo, asegurando que los fans antiguos y nuevos encontrarán en Abomination Revealed at Last un álbum esencial y explosivo dentro del catálogo de OSEES.

Portada y tracklist de Abomination Revealed at Last.

Osees cover

  1. "ABOMINATION"
  2. "SNEAKER"
  3. "GOD'S GUTS"
  4. "INFECTED CHROME"
  5. "GLUE"
  6. "ASHES 2"
  7. "COFFIN WAX"
  8. "ASHES 1"
  9. "FIGHT SIMULATOR"
  10. "PROTECTION"
  11. "GLASS WINDOW"
  12. "GLITTER"

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“Falling On My Sword”, lo nuevo de TOPS

Una atmósfera intensa y misteriosa.

La icónica banda canadiense, TOPS, comparte su nuevo sencillo, “Falling On My Sword”, el tercer adelanto de su próximo álbum, Bury the Key, que estará disponible a partir del 22 de agosto a través de Ghostly International.

Como una expresión más intensa y con matices de sombras oscuras, la canción, articula las ideas que yacen tras la mente misteriosa y atrevida de David Carriere y su amor por el hardcore punk. La narrativa lírica, contundente y nostálgica, se escribe con furia, proyectando palabras directas para confrontar sentimientos muy profundos.

Está escrita desde la perspectiva de una adolescente que piensa que todo el mundo es un desastre y que la norma social del compromiso monógamo es patética.Intentamos darle un toque de hardcore punk/beatdown, con potentes acordes de tritono y un breakdown", explicó Carriere en un comunicado de prensa.

Dirigido por JJ Stratford, el video es un viaje inmersivo con una estética psicodélica y colores nítidos que evocan una energía vintage y surrealista. Se caracteriza por su ambientación retro y arte sublime, explorando la música desde una abstracción distintiva.

Desde Montreal, Quebec, la banda de indie rock, con una trayectoria atemporal que fusiona la inmediatez y la profundidad, se aventura en la exploración de nuevos ritmos y capas sonoras. Su primer álbum desde 2020, Bury the Key, revela un arte melódico cautivador y una notable evolución.

Dale play a "Falling On My Sword":

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Entrevista con Myd

Mydnight: un mapa emocional que llegará a los clubs del mundo.

El verano llegó y si hay algo que tenemos claro es que Myd, el productor y músico francés, está listo para entregarnos el soundtrack que nos hará olvidar de cualquier conflicto y dejarnos llevar por el ritmo en la pista de los clubs.  

Con Mydnight, su tercer álbum de estudio, programado para estrenarse el 29 de agosto vía Ed Banger Records & Because Music, Myd promete una experiencia musical que rompe las barreras culturales para adentrarnos a una mezcla única. Aunque aún faltan unos meses para escucharlo por completo, ya conocemos el tracklist del cual destacan algunas colaboraciones. Por eso, en Indie Rocks! platicamos con Quentin sobre este nuevo capítulo en su carrera y —literal—el viaje creativo que lo hizo real.  

Como artista, es difícil comenzar un álbum porque tienes que encontrar el inicio. Es como  arrancar un auto viejo; cuando no has hecho música en mucho tiempo tienes que conectarte a  tu fuente de inspiración aún y cuando no sepas de dónde viene”.

Estas palabras fueron el punto de partida de una historia que comenzó en Londres. Pero para encender la chispa definitiva de la creatividad tuvo que desconectarse y dejarse llevar y qué mejor lugar que la playa, acompañado del oleaje y el abrasador sol de Los Ángeles; y después tomar un vuelo de regreso a Francia para enfrentarse a lo íntimo, lo simbólico y lo profundamente humano, eso que solo los franceses pueden experimentar en sus tierras. 

Lo mejor para mí es vivir diferentes países, probar distintos set ups, escuchar nuevos sonidos y ver cuál de todos ellos va a producir ese primer chispazo que me regrese la inspiración”.

Algo que caracteriza a la escena electrónica francesa es esa libertad de mezclar, de experimentar y no seguir las reglas o algoritmos que el mundo dicte. Myd, tiene una idea clara sobre esto y nos cuenta. “A los músicos franceses, incluyéndome, nos gusta mezclar cosas. Cuando pensamos en la electrónica francesa nos llega a la mente Daft Punk que siempre supo mezclar disco y electrónica; Justice es un mix de todo el género electrónico que te puedas imaginar… no sé por qué, pero somos muy buenos en eso”. 

Esa mezcla de mundos, de culturas, también se refleja en la personalidad de Myd, en la que podemos identificar cada una de esas capas que, al final, nos darán un resultado inesperado. “No tuve miedo de mezclar las vibras de París y Los Ángeles. Ya lo hice en Born a Loser y gané”. Y con esas misma filosofía, creó uno de los tracks del nuevo álbum, inspirado en la energía de los clubs y la alegría contagiosa de la música brasileña. “El álbum completo no trata del estilo brasileño y su samba”, dice riendo. “Para este track en particular pensé '¿Qué canción, como DJ, me haría muy feliz poner y que también hiciera felices a los demás?' Quise capturar ese momento en el que todos nos elevamos juntos en una fiesta. Hay algo en Brasil y en su gente que simplemente funciona, y quise poner todo eso en una sola canción”. 

Una de las colaboraciones destacadas en Mydnight es con el rapero argentino Trueno, y Myd nos comparte cómo se dio ese encuentro creativo. “Cuando hago colaboraciones es porque me gusta el trabajo de las personas o porque me gusta trabajar con ellos. En este caso, me volví su fan desde que Bizarrap me introdujo a su música; me gustó mucho su estilo tan personal de rapear. Para este álbum quería conservar la energía festiva —aunque no me gusta etiquetar mi música así, sé que muchos la llaman de esa forma— y Trueno fue la elección perfecta para darle un nuevo ángulo, una oleada de calor y verano que diera otra perspectiva a mi sonido”.

Así, como un caleidoscopio de texturas y nuevas melodías encontramos frescura. “Fluyo. Me dejo influenciar por todo lo que me rodea, pero no por algo que ya está hecho, porque lo que ya existe se vuelve viejo: lo escuchas, lo ves, lo lees… y deja de ser tuyo. Cuando estoy creando música vivo dos fases: la primera es cuando absorbo cosas, escucho otra música, visito museos, conozco nuevas personas. Pero ya en el estudio, trato de no escuchar nada. Puede ser frustrante, porque amo la música, pero también puedes caer en un círculo infinito donde cada cosa nueva que escuchas te hace sentir que tu obra no es suficiente”.  

Para un artista es vital aprender a cerrar, a terminar su arte”.

Myd también es un narrador nato, tanto en la cabina como en el estudio. “Para mí es un proceso diferente, cuando soy DJ, hay mucha gente a mi alrededor y estoy tocando tocando para un público entonces hay un momento en el que estás reproduciendo un tema y tienes que escoger otro que se adapte al ambiente para que puedas contarles una historia, pero al mismo tiempo tienes que improvisar: cuando bajar el ritmo, cuando aumentarlo…”. 

La historia que cuentas en un álbum es más extensa, porque también es la historia que transcurre entre canciones, es más complicado y lento, pero igual de inspirador”.

Toma asiento y prepárate para escuchar lo nuevo que Myd trae para disfrutar el verano y que, seguramente, inundará los clubs del mundo. 

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