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El inesperado regreso de Owens nos deja llorando con esta producción. Llena de altibajos emocionales e himnos favorecidos por acordes marcados de guitarras y ritmos felices que engloban sentimientos de amor, libertad y música. Tal como lo podemos recordar en el himno de la música indie rock que marcó la década pasada “Lust For Life”.
Desde su Nuevo Testamento como solista, Owens ha arraigado la vibra de Girls en producciones más enigmáticas pero divertidas ondas saturadas de letras tan intelectuales como cursis y sencillas sincrónicamente.
Para los que creemos que vivimos en 1969, la música inicia el tour por el eufórico “Intro” hacia el segundo track: “Another Loser Fuck Up” donde justifica los desaciertos amorosos paralelamente a la libertad de cometerlos una y otra vez al ritmo de los acordes; al igual que “Music Of My Heart”, una canción que nos afirma que no hay fórmula o misterio para cantar en coro las estrofas de esta melodía.
“Coffee and Tea” nos lleva a la Luna en una nave espacial con una pluma y un papel. “Me oh My” sólo rompe la rutina hablando de desamor, corazones fracturados. Y la búsqueda de una nueva “heroína” continúa en la favorita del álbum “Heroin (Got Nothing on You)”. Positivismo y más amor sesentero en “What About Love” que podría pasar por el “All You Need Is Love” de esta época.
Para “Selfish Feelings” Christopher escribe sus sentimientos más egoístas hacia la necesidad de una compañía que reúne sus particulares cualidades. Posteriormente nos provoca lágrimas con un pequeño pero significativo deleite instrumental “Sussana” y el cantante va adentrándose en letras cada vez más cursis ambientando con un sonido más acústico, acompañado de niños cantando “When You Say I Love You” y “I Love You Like I Do”.
“Inside Out” y “To Take Care Of Myself Again” simplemente son un par de derroches depresivos que cierran el álbum bajando de tono y ritmo dejándonos con un par de pañuelos para limpiar las lágrimas de la comedia romántica-musical-hippie que acabamos de escuchar.
Desde tiempos remotos, el concepto de mujer se relaciona con la naturaleza, ya que el hombre las consideraba inferiores a él, un tanto sumisas, pero para Camila Moreno esto fue la inspiración de su cuarto álbum, Mala Madre.
“Es un disco súper colorido, donde el proceso de construcción fue distinto, hay un crecimiento a tal grado de causar una conexión provocando magnas emociones”. Así es como Camila Moreno describe su nuevo CD que se estrenó el 4 de junio.
Un álbum al que el orden de sus canciones le da mayor fluidez, estableciendo claramente la conexión que Moreno intenta crear entre las mujeres, la música y la naturaleza.
Este nuevo material presenta un toque más violento que los anteriores, y para todas aquellas personas que aún no lo han escuchado, la chilena nos comenta, “es un disco con muchos colores, arte, reflexión y poesía, se pueden escuchar canciones muy emotivas, que te llevan desde el rock melancólico hasta el general, donde encuentras gran emotividad y agresividad al mismo tiempo sin perder el toque femenino”.
Cada minuto y sonido que compone este álbum fueron inspirados por una interesante historia, la cual relata el trato de la Santa Inquisición hacia las mujeres por un proceso natural. Durante luna llena eran desterradas de las tribus, pues tenían menos posibilidades de ser madres, y estas mujeres fueron las que posteriormente desarrollaron la brujería, formando entre las sociedades adjetivos negativos donde eran vistas como villanas, madrastras o hechiceras, lo que se entiende en un concepto de brujería a la Mala Madre.
Comprendiendo este cuento, Camila nos explica: “Decidí lanzarlo con el nombre de Mala Madre porque sé que estamos en un momento muy importante, en un período de punto de quiebra para las mujeres en el mundo.”
Complementando la parte sonora del álbum con la visual, ella creó un personaje que se está mostrando existir en un estado de compenetración con la naturaleza, en un estado salvaje, visto como bruja, virgen o como un andrógino, formando un extraño trance con la naturaleza.
La música de forma natural tiene la facilidad de incluir en nuestros sentimientos, y es lo que se busca en este proyecto. Las emociones hacen una comunicación más efectiva y por esta razón la autora explica: “Cuando un cantante es honesto o vulnerable van dejando toda su humanidad en la canción, provocando una simpatía humana por ejemplo Bjork, Florence and The Machine, John Lennon, entre otros".
Actualmente vivimos en un mundo donde crear, vivir y hacer sonar música se complica cada día más, y sobre este tema Camila Moreno nos cuenta: “Cuando uno es solista es muy complicado, porque la gente cree que sólo soy yo, pero cuento con un grupo de 15 personas que trabajan conmigo los cuales necesitan un sueldo digno, es arduo porque hago música que no está a la moda y eso es como nadar contra la corriente.”
Con gran variedad de temas como: desamor, reflexión, existencia humana, sociedad intima explican el papel de la mujer en nuestras sociedades, pero de una forma más alegre y positiva, aceptable para todos como es la música.
Foto: Óscar Villanueva
Ahora, Alabama Shakes estrenó el video de “Don’t Wanna Fight”, por los sonidos que se escuchan en este nuevo disco, podemos decir que quizá uno de los sencillos más potentes de su disco.
Este clip fue grabado en los estudios Capitor de Hollywood por el director Danny Clinch, quien muestra a la banda haciendo lo que mejor saben hacer: tocar.
De entrañas mexiquenses, o sea originarios del Estado de México, llega a #BuenasNuevas una banda de rock nacida en 2012 e integrada por Iván Herrera, Dante Draim y Gibran Pérez, a cargo de bajo, guitarra y batería respectivamente.
Estos jóvenes forman la agrupación llamada Los Discorde, misma que se desenvuelve dentro de los géneros del indie, pop, rock y hasta math rock. "La idea de la banda al componer no es fijarnos en si parece rock o pop o lo que sea, simplemente tocamos como nos gusta y así suena", compartieron.
Con todas las ganas que merece un nuevo proyecto, Los Discorde afirman que no sólo quieren emitir un mensaje con su música, sino transmitir todos los sentimientos que ponen en sus canciones y la energía que los posee cuando tocan en un escenario.
Han recorrido ya gran parte de la República Mexicana, e incluso tuvieron una exitosa presentación en el Festival Cervantino de Guanajuato. Muy pronto podrás verlos en acción en lugares representativos del rock independiente capitalino, por ejemplo el Caradura, donde el próximo 10 de junio a las 21 H presentarán el primer sencillo homónimo de su EP, Todo Puede Pasar.
Dicho material se espera para septiembre vía Casete, se grabó en Madriguera Studio y fue producido por Ivan Almaza de Apolo.
Síguelos en sus redes Facebook / YouTube / Vine / Twitter / Soundcloud y manténte atento porque desde el 9 de junio podrás escuchar Todo Puede Pasar en diferentes plataformas de streaming como Deezer, Spotify, y Soundcloud, entre otras.
El quinteto está compuesto por Daniel Armbruster en las vocales, Sean Donnelly en el bajo, Joseph Morinelli en la guitarra, Paul Brenner en la batería y Benjamin Bailey en los teclados. "Nuestras influencias son aquellos que hacen lo que quieren hacer, como Kanye West y Damon Albarn", comentó el vocalista al explicar su sonido.
La voz dice indie, la guitarra dice punk, los teclados dicen alternativo y la batería y el bajo dice rock; en conclusión, el género de Joywave radica en la capacidad de los integrantes de fusionar distintos ritmos y hacerlos únicos. "No definimos el género a propósito, tratamos de mantenerlo lo más abierto posible, hacemos lo que queremos en ese momento, no nos ponemos límites", agregó Daniel.
Tienen 3 materiales hasta el momento. Dos EPs de títulos Koda Vista y How Do You Feel? y un material de larga duración llamado How Do You Feel Now? "Los primeros EPs los hicimos en la laptop, no teníamos dinero y eso era lo único que teníamos de equipo. Después, en este disco ya con una disquera pudimos gastar dinero en equipo más profesional, lo que ayudó a las canciones", explicó el líder de la banda.
Para el grupo, los temas "Destruction" y "Nice House" son los que resumen mejor al disco y a la esencia de la banda. "Estamos muy felices con el resultado, expresa las cosas que queríamos. Queremos que se diviertan con él, es un trabajo que nos tomó 9 meses realizar", finalizó Daniel.
Escucha aquí a Joywave:
Se formaron hace 5 años con sólo el bajista y los hermanos, después con la introducción de los otros dos integrantes empezaron a construir una identidad propia que los ha hecho lanzar su primer álbum La Playa de los 90 Vol.1.
El disco es un viaje en español y en inglés que captura lo mejor de la costa de su tierra natal para mezclarla con ese sonido indie que yace en el sintetizador. Los temas radican en el amor, el baile, la melancolía y hasta la muerte. Escucha aquí su primer sencillo "Steven" y espera con ansias el Vol.2 de este material.
