Entrevista con Nothing But Thieves

Para los fans reales, todo el corazón.

¿Show gratis de Nothing But Thieves en el House of Vans? ¡Sí, por favor! Aunque por supuesto sabríamos que se necesitarían verdaderos rituales para lograr conseguir un boleto. ¿Te quedaste fuera? Desde Colombia en entrevista, el guitarrista de la banda, Joe Langridge-Brown, nos dice que no temas, hay más por venir.

Nothing But Thieves Poster

Hace poco más de una semana, escuchamos la versión deluxe de Dead Club City, el cuarto álbum de la banda británica. Con nuevas canciones, refrescaron su presencia y se pusieron en el radar de nuevo. “Las grabamos en la misma sesión que el disco, en el estudio que armamos y en el que grabamos por cinco meses. Fue una decisión consciente no ponerlas en el disco original. En especial 'Oh No:: He Said What?', conceptualmente dentro del álbum, sentimos que tenía que venir después como parte de la historia. Además, sentíamos que tenía el potencial de ser un sencillo y queríamos que tuviera su momento estrella. Las otras canciones no entran dentro de la narrativa del disco y un EP de tres canciones no tenía sentido para nosotros, de ahí la versión deluxe.” 

Este lanzamiento resultó una excelente estrategia para anunciar su show en CDMX, gratis. “La cosa es que no habíamos venido a México en como seis años y no teníamos idea de si aún tendríamos muchos fans. Nuestro tren de pensamiento fue: 'hagamos shows pequeños para que la gente que no nos ha visto en mucho tiempo tenga una experiencia íntima'”. 

[Los shows pequeños] nos permitieron ver nuestra magnitud en México, lo que también significa que vamos a regresar a tocar un show más grande. Estamos muy agradecidos que la gente quiera vernos, nos llena el corazón y entendemos la frustración de los que no podrán asistir. Creeme, vimos todos los comentarios y sabemos que quieren que regresemos. Ya estamos en pláticas para ello.” 

El impacto suena legítimo en la voz de Joe, realmente no lo esperaban, me dice que es algo muy inglés, ser pesimista y pensar que los habíamos olvidado. “Sabemos que quienes irán son fans reales y eso nos llena de emoción. Y por eso lo vamos a dar todo.” Incluso ya tienen un setlist más o menos preparado. 

Tenemos que tocar de este nuevo álbum y no hemos tocado Moral Panic en México, por lo que hemos ajustado el setlist para asegurarnos de darle un buen balance. Intentaremos tocar tantas canciones como podamos.” Le dije que por nosotros, podría ser un evento de dos horas o más, sin problema, “haha lo intentaremos”, contestó.

Placebo en el Teatro Metropólitan

Los aplausos aumentan sin celulares entre las manos.

Placebo hizo un regreso triunfal a la Ciudad de México en el icónico Teatro Metropólitan y, pese a que nos visitó el año pasado, sus fans ansiaban experimentar su electrizante actuación una vez más, ahora en un espacio mucho más íntimo.

La noche comenzó con la banda telonera "Big Special", cuya energía era contagiosa. La presencia dinámica del baterista, moviéndose desde el escenario para interactuar con la multitud, añadió emoción a su actuación. Además, el uso del cable del micrófono por parte del vocalista como látigo creó un momento visualmente impactante y memorable.

Antes de que Placebo subiera al escenario, hicieron una petición al público: que se abstuvieran de grabar el concierto con sus celulares. Esta petición tenía como objetivo fomentar la interacción genuina y permitir la transmisión de las emociones crudas incrustadas en sus canciones. Tras unos momentos más Placebo se hacía presente abriendo el concierto con “Forever Chemicals”.

Placebo Metropolitan (1)

Un momento conmovedor durante el concierto fue cuando Placebo interpretó "Happy Birthday in the Sky", lo que llevó al público a encender velas LED en honor al hermano de Brian. Este gesto conmovedor creó un profundo sentido de unidad y emoción compartida entre los asistentes al concierto.

Sin embargo, el concierto dio un giro serio brevemente cuando Brian detuvo la actuación al notar que un fan grababa el concierto. Su petición de que el público estuviera presente en el momento y se abstuviera de filmar fue recibida con una mezcla de comprensión y decepción. Sin embargo, la postura firme de Brian sobre este tema subrayó el deseo de la banda de una experiencia de concierto auténtica e inmersiva.

El setlist incluía predominantemente temas de su último álbum Never Let Me Go, que muestra la evolución del sonido y la profundidad temática de la banda. Las canciones destacadas incluyeron "Slave to the Wage", "Song to Say Goodbye" y "The Bitter End", cada una de ellas entregada con pasión y precisión seguidas del ensordecedor cántico del público.

Placebo Metropolitan (3)

Después de una pausa, Placebo regresa al escenario deleitando a la audiencia con "Taste in Men", un favorito de los fanáticos que encendió a la multitud una vez más. Cerrando la noche con una fascinante versión de "Running Up That Hill (A Deal With God)" de Kate Bush, Placebo finalizó solemnemente su set, combinando su estilo característico con un clásico atemporal.

La conversación sobre el uso de teléfonos durante los conciertos está dividida, pues pese a que algunos fans reclaman su derecho de guardar un recuerdo digital en su teléfono tras haber pagado un boleto, otros fans prefieren la conexión directa con el artista y con los asistentes para involucrarse en la experiencia de la música en vivo. Personalmente prefiero la experiencia completa sin tantas pantallas frente a mí, pero el parar un concierto solo por que una persona rompió las reglas y exhibirlo públicamente me parece un acto extremo, que incluso puede llegar a tener desagradables consecuencias para aquél que se atreva a grabar su canción favorita.

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Entrevista con BoomBox

El paso del tiempo es inevitable, para BoomBox eso solo significa seguir explorando formas de crear música para conversar con el público en sus conciertos.

El tiempo puede ser algo relativo; recuerdos que se tenían como memorias frescas resultan algo distantes y lo novedoso en realidad perdió su brillo hace mucho. Frente a esa relatividad, algunos símbolos prevalecen; uno de ellos es la radiocasetera (coloquialmente conocida como boombox), aparato utilizado para reproducir audio por diferentes canales, desde señales radiofónicas hasta cassettes o CDs en modelos más avanzados.

Estos dispositivos son retratados como una forma de expresión o hasta de resistencia, a través del cual se puede compartir la música con un sinfín de comunidades.

BoomBox también es el nombre de un dueto norteamericano que retoma los sonidos que pasaron por esos aparatos para darles un aire nuevo, diferente al famoso sample. BoomBox genera sus propias bases desde cero, juntando ritmos de diferentes lugares para mezclarlos en vivo, creando algo único en cada concierto que hacen.

Lo primero es hacer música que nos gustaría escuchar a mi hermano y a mí (...) no tener un setlist nos da la libertad de poder tocar lo que queramos en ese momento, lo que sintamos pueda ser lo correcto en la ocasión”, menciona Kinsman MacKay, integrante de la agrupación.

Cada concierto de esta agrupación es único ya que no depende de una lista, si bien hay cierta planeación, la banda busca encontrar sonidos con los que el público pueda emocionarse para crear una relación con ellos.

Esta interacción hace que los discos de BoomBox y su música en vivo sean distintos. “En el estudio es un poco diferente, estamos escribiendo cosas que pensamos le gustarán a la gente, en vivo tenemos experiencia tocando pero encontrar la canción correcta en el momento correcto es la llave”, menciona MacKay respecto a su proceso creativo en el escenario.

Amamos las audiencias mexicanas para las que hemos tocado”, expresa MacKay, recordando sus experiencias previas en festivales de nuestro país. Sin buscar comparar entre diferentes países, la banda muestra una emoción legítima sobre su concierto en el Foro Indie Rocks!

Subirnos al escenario se trata de cómo nos sentimos en ese momento, pero algo siempre pasa en una canción o a la mitad del show, mi mente se despeja (...) buscamos estar en el momento para encontrar una sorpresa, aunque esta no sea intencional”.

BoomBox se presentará junto a Tayrell, que trae un DJ set al Foro Indie Rocks! este 29 de marzo de 2024. Puedes conseguir tus entradas aquí.

Boombox

 

“Is This What Love Is?”, lo nuevo de Wasia Project

Explorando las complejidades del amor y las emociones incontrolables.

El dúo, Wasia Project, ha lanzado su nuevo sencillo, “Is This What Love Is?”. Esta canción, que sigue a sus éxitos anteriores como “Remember When” y “ur so pretty” así como a su EP debut how can I pretend? lanzado en mayo de 2022, ofrece una reflexión profunda sobre el amor y sus dudas.

La letra de la canción se sumerge en una contemplación sobre el significado del amor, utilizando metáforas para expresar la confusión y la ambigüedad que a menudo acompañan a este sentimiento. Desde comparaciones como el amor siendo una mina de oro interminable hasta una sensación abrumadora de soledad, la canción invita a los oyentes a cuestionar sus propias percepciones del amor.

La canción, con sus sonidos vocales expresivos, refuerza esta incertidumbre emocional y tiene una capa de vulnerabilidad al mencionar la necesidad de seguridad y conexión emocional.

El dúo, formado en 2019, fusiona estilos e influencias de manera dinámica, creando un enfoque global del pop que atraviesa líneas de género y tradiciones musicales.

Con influencias que van desde el jazz hasta el pop, y con la voz resonante de Olivia Hardy comparable a la de artistas como Rickie Lee Jones y Joni Mitchell, Wasia Project continúa cautivando a su audiencia con su profundo conocimiento musical y su enfoque innovador.

Santa Salut conquista con “Real OG”

"Real OG" es una celebración del empoderamiento y la autenticidad.

Santa Salut, una figura destacada en el universo del rap en español, ha lanzado "Real OG", una canción que nos transporta a la época dorada del hip hop underground californiano. Con una trayectoria marcada por letras potentes y un estilo inconfundible, esta artista española continúa desafiando convenciones y dejando una huella imborrable en la escena musical.

"Real OG" no solo es una canción, es un viaje en el tiempo hacia la esencia cruda y auténtica del rap de los 90, es un recordatorio del poder de la música para narrar historias y mantenerse fiel a uno mismo en un mundo dominado por lo comercial. Santa Salut inunda la pista con una autoridad que refleja años de dedicación al arte del rap. Su habilidad para capturar la esencia del rap más puro es innegable, recordándonos la importancia de la autenticidad y el respeto en este género musical.

La producción de "Real OG" corre a cargo de PMP, donde se fusiona los ritmos del West Coast hip hop con elementos del trap, creando una experiencia auditiva única. El videoclip, dirigido por Istar Gutiérrez y producido por 4free, captura la esencia del tema con escenas que reflejan la vida cotidiana en el barrio.

2024 promete ser un año emocionante para Santa Salut, con nuevos lanzamientos y giras planeadas en diversas partes del mundo. Después de éxitos como "No Fallaré" y colaboraciones con artistas destacados, Santa Salut continúa consolidándose como una fuerza imparable en la escena musical internacional. 

Crumb anuncia disco y estrena “AMAMA”

Explorando el vínculo generacional a través de la música psicodélica moderna.

El aclamado grupo, Crumb, ha dado a conocer detalles de su tan esperado tercer álbum de estudio, AMAMA, que verá la luz el 17 de mayo vía CRUMB RECORDS. Conformado por Lila Ramani, Bri Aronow, Jesse Brotter y Jonathan Gilad, Crumb ha forjado un trabajo que fusiona de manera única la psicodelia, el pop, el jazz y el rock, mostrando una faceta desenfadada y sincera que promete cautivar a sus seguidores.

El tema homónimo del álbum, “AMAMA”, sirve como un emotivo homenaje a la abuela de Lila Ramani, cuya voz se encuentra sampleada a lo largo de la canción. Inspirada por un video de WhatsApp en el que su abuela cantaba, Ramani construyó sobre esta base una melodía vibrante y envolvente. El videoclip, dirigido por Abraham El Makawy, combina imágenes familiares con animaciones creadas por los fanáticos del grupo, agregando una capa adicional de conexión con su audiencia.

AMAMA promete consolidar el distintivo sonido de Crumb, reflejando su evolución artística y su compromiso con la experimentación.

Además del tema principal, el álbum incluirá una selección de canciones que abarcan diversos temas y emociones, desde la melancolía hasta la euforia, ofreciendo una experiencia auditiva completa y envolvente.

Con su participación confirmada en el Festival de Música Pitchfork en Chicago para julio, Crumb se prepara para llevar su enérgico espectáculo en vivo a un público aún más amplio, consolidando su posición como una fuerza a tener en cuenta en la escena musical contemporánea.

AMAMA no solo representa un nuevo hito en la carrera de Crumb, sino también un tributo conmovedor y una expresión auténtica de su arte y creatividad. Este álbum promete cautivar a los oyentes con su mezcla única de sonidos y su mensaje sincero y emotivo.

Te dejamos el artwork y el tracklist a continuación:

Crumb Amama Artwork

Tracklist:

1. "From Outside a Window Sill"

2. "Side By Side"

3. "The Bug"

4. "AMAMA"

5. "Genie"

6. "Crushxd"

7. "Nightly News"

8. "(Alone in) Brussels"

9. "Sleep Talk"

10. "Dust Bunny"

11. "Swarmed"

12. "XXX"

Perfiles: Penny Lane 

El trabajo como principal herramienta para derribar barreras.

Siguiendo el ejemplo de sus padres, Penny Lane, fundadora y directora de Penny MGMT, empresa por la que han pasado proyectos como Odisseo, Kaiser Chiefs, Allison, y festivales como Estéreo Picnic y Festival Marvin, se describe a sí misma como toda una trabajadora, y su trayectoria dentro de la industria musical latinoamericana no hace más que reforzar esa afirmación. 

Nacida en Nicaragua y habitante mexicana desde hace 14 años, Penny se desarrolló en un ambiente en el que los límites no existen para las personas que trabajan por alcanzar sus metas, y desde muy joven demostró que el mundo de la música no sería uno que se resistiría a su empuje. 

Yo crecí con padres muy trabajadores, tenían negocios y siempre veía como hacían hasta lo imposible por que nos fuera bien, por eso nunca creí en las barreras que muchos construyen solos. Siempre fui amante de la música, y a pesar de que me gusta mucho el bajo y la batería, no soy muy buena tocando, así que tuve que pensar en otras maneras de hacer de la música mi vida”. 

Dar los primeros pasos en cualquier profesión es difícil, el camino a seguir nunca aparece con plena claridad frente a tí y el panorama de la incertidumbre se presenta de manera continua en la mente del valeroso que busca el éxito por su cuenta, pero hay que admitir que está etapa es una oportunidad perfecta para explotar la creatividad y audacia que establecerá la línea a recorrer con el paso de los años. 

“Desde los 17, cuando estaba en el colegio, supe que lo que me hacía feliz era escuchar música. Yo escuchaba mucho rock, lo que ya era interesante, porque en esa época no recibimos mucha música de este tipo en Nicaragua, debido a los bloqueos de Estados Unidos por la guerra. Era una señora quien nos conseguía la música, y yo quedaba sorprendida de lo que decían las bandas. Fue entonces cuando mi papá me apoyó para sacar playeras de las bandas y busqué por dónde comenzar a venderlas. Así comenzó todo”. 

 

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El camino de una vida no suele ser lineal, pero Penny estaba segura de que su misión estaba focalizada en promover lo que a ella le movía el corazón, lo que ella sabía que valdría la pena apoyar. 

Sin darme cuenta, yo ya estaba haciendo un especial de radio, trabajando en TV, o escribiendo en un periodico. Recuerdo que muchas personas me decían que cómo era mujer, mi enfoque debía estar en crear un club de fans, pero creo eso nunca fue para mi. Sin duda, amo la música, pero nunca me vi como alguien que solo va a gritar a los conciertos, yo quería estar atrás para ver cómo se hacía todo. Fue tanto mi trabajo y esfuerzo, que cuando PolyGram (ahora Universal Music) llegó a Nicaragua, me buscaron para trabajar en sus nuevas oficinas”.

Ya con una larga trayectoria dentro del mundo de las relaciones públicas en la industria musical, Penny mantiene sus ideales muy claros: cualquiera puede tener éxito, solamente hace falta ser fiel a ti mismo. 

“Yo siempre me fijaré en la autenticidad y cómo una banda defiende su concepto. A mi me tocó esquivar piedras en varias presentaciones porque el público no se abría ante la diversidad de sonidos, pero la manera de detener eso siempre es mantener el enfoque y entregar el mejor show que puedas, así tu audiencia crece y se crean nuevos espacios, solo hace falta paciencia”. 

La paciencia es uno de los conceptos que más se pasan por alto dentro de esta industria, debido a que muchos buscan el éxito instantáneo, aunque esto no siempre ocurre. Al hablar con Penny nos quedó claro que no existen objetivos imposibles, pero todo es el reflejo del esfuerzo que cada quien le otorga a sus proyectos, y el éxito está reservado para quienes nunca sueltan su meta. 

No sabes lo bien que se sintió pasar de lugares en dónde solo cantaban tres personas, a un escenario frente a 10 mil personas listas para escuchar a la propuesta que tanto defendiste. Yo no usaría la palabra increíble para describir ese momento, debido a que siempre creímos que llegaríamos a ese punto, pero sin duda fue un gran logro”. 

 

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Penny Lane se establece como una de las relacionistas públicas más consolidadas en latinoamérica, y para cerrar esta plática nos compartió algunos consejos que pueden guíar a cualquiera que busque dedicar su vida a la industria del entretenimiento musical. 

“La música tiene muchos campos, y yo siempre recomiendo experimentar un poco de todos, así puedes descubrir qué camino es el que llama más tu atención. Hay muchos espacios en los que uno puede aprender, aunque se comience sin recibir nada a cambio además de la experiencia, pero es esa misma experiencia la que te hará destacar después. Yo espero que muchas mujeres se sigan sumando a este camino, que aunque parezca difícil, nada realmente es imposible y sabemos que las barreras u obstáculos, no surgen de nosotras”. 

De esta manera cerramos la conversación con una mujer dedicada a conquistar cimas, rompiendo barreras y estableciendo precedentes para que cualquiera que se sume a su misión, no tenga la palabra imposible dentro de su vocabulario.

Entrevista con Warpaint

La metamorfosis de una banda, cómo construir una relación de 20 años y celebrar el sonido de Warpaint.

La banda californiana celebró 20 años de trayectoria este febrero, dándonos la excusa perfecta para redescubrir la discografía de Warpaint. No solo eso, este año festeja el décimo aniversario de su emblemático álbum homónimo y el lanzamiento de su más reciente sencillo “Common Blue”. Para adentrarnos más en el pasado, presente y futuro de la banda, platicamos con Jenny Lee Lindberg y esto fue lo que nos contó.

Formar una relación como agrupación, que esté llena de creación y que funcione con plenitud, es un gran desafío. Así, Emily, Theresa, Jenny y Stella se reunieron al inicio de este siglo, para darnos el Warpaint que conocemos. Este no es un proceso sencillo, implica crecer y evolucionar como personas y como artistas, dejando espacio para seguir transformándose.

“El cambio más grande, al menos el que más significa para mí, es que siento que somos más eficientes cuando escribimos música, el elemento de la paciencia permanece, aunque ahora seamos más eficientes. Hemos sido una banda por 20 años, somos mejores músicos, con esa eficiencia ya no nos toma tanto tiempo escribir música. Antes nos tomábamos nuestro tiempo, la música cambiaba y creo que no estábamos muy seguras de qué queríamos decir, cómo queríamos que sonara y qué queríamos dejar en el mundo. Realmente nos tomábamos nuestro tiempo en el inicio, y amo eso, ahora llegamos al punto mucho más rápido”, explicó Jenny.

Crecer como artistas también abría la oportunidad para que la música encontrara la voz de Warpaint, así cuando escuchamos The Fool, su álbum debut, podemos expandir el sonido de la banda hasta Radiate Like This, de 2022. La evolución de Warpaint está en la libertad de crear, puliendo cada una su instrumento y mejorando la colaboración en grupo.

No diría que nuestra forma de componer es mejor, creo que es diferente, ahora tenemos muchas más opciones, siendo más eficientes y mejores en nuestro instrumento, ahora podemos grabar en nuestras casas, enviarnos cosas de ida y vuelta, sobretodo somos mejores”, afirmó Jenny.

Con su segundo álbum, Warpaint, la banda estadounidense dejó una marca significativa en la música independiente. Es un disco creativo y ambicioso, como ellas mismas, que nos trajo algunos de sus más grandes éxitos como “Love Is To Die” y “Feeling Alright”. 

“Siento que hacer ese álbum [Warpaint] fue muy divertido, estábamos en Echo Park, en casa de nuestro amigo, el estudio es, de hecho, casa de Conor Oberst, hicimos el álbum ahí, trabajando con Flood [productor del álbum]. De hecho, es el primer álbum en que trabajamos con Stella, todas las canciones que habíamos lanzado ya estaban escritas, por lo que fue la primera vez que hicimos un proyecto por completo con ella. Siento que cada momento haciendo el disco y en gira de su promoción se sintió como dejar una marca, se sentía que por primera vez estábamos dejando algo, se sentía que finalmente estábamos unificadas como banda, todo ese ciclo es muy especial para mí. Y amé completamente trabajar con Flood”, comentó Jenny.

Una marca fue exactamente lo que dejó Warpaint, convirtiéndose en una influencia fundamental para muchas bandas contemporáneas y proyectos que recién surgen. Justo el día de su 20 aniversario, la banda lanzó “Common Blue”, un sencillo que nos regresa a las raíces de Warpaint. Además de tratar el amor propio, la libertad de ser todo lo posible y la inevitable metamorfosis. 

“No teníamos la intención de que 'Common Blue' fuera una celebración de los 20 años de Warpaint, pero pasa mucho que nuestra música está muy abierta a la interpretación, lo que significa para mí puede ser todo lo contrario de lo que significa para alguien más, esta canción es un gran ejemplo de ello. Theresa escribió la letra de esta canción y lo que ella quería decir es desconocido para mí, creo que cuando lanzamos esta canción el 14 de febrero, en el 20 aniversario, esta canción empezó a tomar un significado diferente. Siento que al principio es como una carta de amor, debes amarte a ti mismo, encontrar la felicidad para vivir y hacer lo máximo de nuestra vida, ahora parece una carta de amor a la banda. Cuando la escucho y veo el video con todas las experiencias de nuestra carrera, las palabras empiezan a tomar un significado diferente y se convierte en una carta de amor para la banda”, explicó Jenny.

“Common Blue” es un himno nostálgico que juega con lo positivo, con la adición de la voz hipnótica de Emily y una buena dosis de sintetizadores. Nos cuenta cómo es renacer de las cenizas, tomarnos tiempo para nuestro propio proceso, como una mariposa esperando a poder volar. El deseo de amarse a sí misma, ahora desde la perspectiva de amar lo que la banda ha vivido y hacia donde podrá llegar.

Con respecto al sonido que caracteriza a la banda desde sus inicios, Jenny nos explicó un poco sobre su proceso, específicamente cómo ha llegado hasta estas fusiones que encantan a primera escucha. Tener influencias variadas, además de una larga trayectoria de cada miembro, que se unifica y nutre, son algunas de las cosas que constituyen a Warpaint.

“Siento que tenemos un sonido muy ecléctico, creo que todos los sonidos que alguna vez alguien nos escuchó hacer, seguiremos regresando a ellos en algún momento de nuestras vidas. Tenemos un gusto muy ecléctico, nos gustan todos los tipos de música, nunca hemos sido una banda que quiera hacer lo mismo todo el tiempo, incluso sería imposible para nosotras hacerlo, todas escuchamos música diferente y traemos eso a la mesa, se mezcla para hacer este sonido ecléctico. Además de mencionar que hacer lo mismo siempre sería aburrido, sería aburrido para mí y para las chicas, así que el plan para nuestra banda es siempre mantener la mente abierta para honrar lo que sentimos, que siempre está cambiando. El sonido de nuestra música cambiará por siempre”, compartió Jenny.

Como la mariposa que pinta la portada de “Common Blue”, la banda está en constante metamorfosis, abriendo su música a nuevas dimensiones. Ahora, tenemos la certeza de que, mientras las cuatro integrantes sigan descubriendo nueva música, sus propias canciones descubrirán nuevos colores, como lo es la naturaleza caleidoscópica de su sonido.

El futuro es una de las cosas que más incertidumbre nos da cuando hablamos de una banda con una trayectoria tan grande, pero sabemos que las raíces de Warpaint están sanas y a gran profundidad. Jenny mencionó el trabajo individual de las integrantes y, también, una noticia que nos emociona.

Creo que estaré trabajando en música propia, la mayoría de las chicas también, también será el lanzamiento de la siguiente canción que acompaña a 'Common Blue' en el sencillo de 7”, siempre estaremos escribiendo música, pero, por ahora, no hay fecha. Aunque, tenemos algunas cosas cocinándose con otras personas, dejándolo así, algunas colaboraciones que vendrán en el futuro próximo”.

¿Qué sigue? Seguir afrontando los vaivenes de compartir una banda por más tiempo, haciendo frente a todo lo bueno y seguir vislumbrando el futuro de Warpaint. Los desafíos solo crean nuevos aprendizajes y nueva música, como en el caso de la banda.

“Definitivamente es un desafío y un lugar seguro trabajar con las mismas personas por veinte años, somos una familia, también es como si fuera un matrimonio de alguna forma con otras tres o cuatro personas, es mucho trabajo, mucha comunicación, no es sencillo siempre, pero no lo cambiaría por nada”, compartió Jenny.

Después del lanzamiento de nueva música, a Warpaint le espera algunas fechas por Estados Unidos, en las que estará acompañada de Sego, banda de art punk, con la que celebrarán su trayectoria.

Estamos emocionadas por estar de gira, tendremos algunas fechas con Sego, siempre es emocionante compartir el tour con amigos. Estoy emocionada, amo estar en el escenario”, comentó Jenny.

Puedes escuchar el sencillo “Common Blue” y disfrutar del video musical, que ya están disponibles.

 

'Amor Líquido', el nuevo EP de Itzel Noyz

Una inmersión profunda en las emociones de una relación amorosa.

El esperado EP Amor Líquido de Itzel Noyz, en colaboración con Zaque de Sonido Líquido Crew, ha llegado finalmente a nuestros oídos para provocar una inmersión profunda en las emociones de una relación amorosa. Con siete tracks , este proyecto musical te lleva desde la euforia del enamoramiento en "Corazones" hasta la cruda realidad de la indiferencia en "Nada es Para Siempre".

Cada canción es como un capítulo en esta historia de amor y desamor. "Tentación" es una oda al placer prohibido, mientras que "Despacio" nos sumerge en la fase donde todo comienza a salirse de control. "Flash Confessions" revela la vulnerabilidad y el deseo de construir algo genuino con alguien.

Itzelnoyz Amorlíquido Tracklist

Este EP de Itzel Noyz no solo es una colección de canciones, sino un viaje emocional. Cada pista está cuidadosamente diseñada para capturar las complejidades del amor y las relaciones humanas. Desde el ritmo envolvente del R&B hasta los elementos sorprendentes del hip hop, Amor Líquido te invita a explorar diferentes facetas de las emociones humanas.

Este EP no solo es una colección de canciones, sino una narrativa musical que captura las emociones más profundas del amor y la conexión humana. Con Amor Líquido, Itzel Noyz y Zaque nos invitan a sumergirnos en un viaje sonoro inolvidable, donde cada track es una experiencia por sí misma.

Puesdes esuchar el EP, Amor Líquido, en todas las plataformas digitales como Spotify, Deezer y Apple Music.

“¿Qué Tal Un Descanso?”, lo nuevo de Laboratorios Moreno

La canción captura un conflicto emocional universal de manera convincente.

Los originarios de Guadalajara, Jalisco, Laboratorios Moreno, presentan su más reciente sencillo "¿Qué Tal Un Descanso?" como un adelanto de su próximo álbum, JSLF. Fusionando la energía del rock con elementos punk y frescura del funk, la banda ofrece una experiencia sonora única y enérgica.

"¿Qué Tal Un Descanso?" profundiza en la lucha interna entre la voluntad de seguir adelante y el autosabotaje, desde una perspectiva de empatía. Con una letra que explora la idea de continuar a pesar del agotamiento, la canción captura un conflicto emocional universal de manera convincente.

Inspirados por una amplia gama de influencias musicales que van desde The Prodigy hasta Pink Floyd, Laboratorios Moreno se embarca en un viaje psicodélico que invita a los oyentes a reflexionar sobre la importancia de detenerse y respirar en momentos de agotamiento emocional y mental.

Bajo la producción de Will Pyramith, la banda conformada por Carlos García Michel, Diego Orozco, Guillermo Uralde y Martín Villanueva ha creado una canción que captura la esencia de un conflicto emocional universal sin perder su distintiva energía y frescura.

Arte de "¿Qué tal un descanso?":

Laboratoriosmoreno Queta Undescanso

Puedes escuchar “¿Qué tal un Descanso?” de Laboratorios Moreno, en todas las plataformas digitales como Spotify, Deezer y Apple Music.