Chicano Batman – Freedom is Free

Un refugio para los desterrados.

Este material representa la tercera placa de la banda oriunda de Los Ángeles, ¿qué podemos encontrar de nuevo?, se cambió la dinámica a nivel producción, el disco se grabó en el Diamond Mine Recording en Nueva York, un estudio analógico, factor que retrata de manera perfecta la melancolía que caracteriza en su sonido al cuarteto.

Freedom is Free es un manto para el alma, un cuerpo maleable a tus sentidos, disfrutable de principio a fin; tal vez represente la consagración de una identidad incitada a través de los discos. Hay elementos de hip hop, algo de soul, las teclas de Los Ángeles Negros, un coro de chicas, pero definitivamente, el funk es el hilo conductor.

“Passed you by” es el track con el que comienza el viaje. Hay canciones que sobresalen como “Freedom is Free”, “Friendship”, “The Taker Story”, y un par de piezas en español que están a la altura, “La jura” y “Flecha al sol”.

La placa contiene algunas canciones instrumentales, que dan la sensación de redondear la obra de la que estuvo a cargo de producir Leon Michels. El trabajo se registró en vivo y en cinta, además Chicano Batman se dio el lujo de grabar una canción por día dedicándole toda su energía a cada pieza, el resultado les da la razón.

Bardo Martínez (vocalista) se encargó de las letras. Es un disco que habla de la libertad en todas sus formas, un alarido de la necesidad de ser, Freedom is Free es un llamado a la fiesta de la rebeldía, un refugio para los desterrados.

El nombre del disco es una sátira a la frase que usó el gobierno de EU durante la guerra en Iraq, Freedom isn’t Free; por lo que, para lo obra con el discurso más arriesgado del grupo, es un título que completa de gran manera el concepto.

Nos encontramos tal vez ante el mejor trabajo de la banda hasta ahora, si bien sus antecesores no son despreciables, este disco suena a consolidación, a un paso firme, la recompensa al trabajo.

Freedom is Free pone la vara más alta para el futuro, pero es muy pronto para pensar en ello, ahora solo queda agregar este disco a la colección.

Entrevista con Sepultura

Stop the machines, prepare to die.

El metal no deja de ser y sigue dando frutos auditivos para los que profesamos dicha religión. Este 2017, Sepultura nos recibió con un nuevo álbum titulado Machine Messiah y las críticas no esperaron para verterse en los confines del mundo y llegar a todos los rincones. Algunos opinan que en muchos sentidos es el mejor material que ha presentado desde la salida de los hermanos Cavalera; otros, que no posee la esencia ni la fuerza que tendría si Max e Igor siguieran en la banda, pero entre opiniones encontradas y discusiones fervorosas, tuvimos la oportunidad de entrevistar a Andreas Kisser, guitarrista de la banda brasileña de thrash metal, y nos platicó todo acerca de su nueva producción.

Machine Messiah tiene su principal influencia en cómo se vive hoy en el mundo. Tenemos el privilegio de viajar, de visitar muchos países diferentes, pero la tecnología ha influenciado la vida de las personas alrededor del mundo. No es ciencia ficción o una idea futurística, es la realidad”, nos dijo el guitarrista. Y es que la lírica del álbum nos habla de cómo, en la actualidad, los humanos somos poseídos por las máquinas, la deshumanización, la violencia y el mundo digital. “(Debemos) de mantener nuestras habilidades y tratar de ayudarnos (…), conectar más con la naturaleza, estar en una frecuencia y energía diferentes con el mundo y el universo (…) Al final Machine Messiah habla acerca de encontrar ese balance”, afirmó Andreas.

Hoy en día no es extraño encontrar bandas de metal que hablen acerca de estos temas; tenemos a Ayreon, proyecto conceptual del holandés Arjen Lucassen, que a través de su cosmogonía nos deja ver el mundo en el que vivimos y al que podemos llegar si no hacemos nada para cambiarlo, pero lo interesante es presenciar la evolución del género y cómo es que los temas “demoniacos” y el “desmadre” dejaron de ser el foco principal.

Hasta ahora, y después del Against de 1998, Sepultura se dio el permiso de experimentar y entregar algo diferente. Es muy interesante escuchar “Iceberg Dances”, track influenciado por un progresivo majestuoso que viaja a través de un sinfín de estilos, o los ritmos tribales de “Phantom Self”. “Tratamos de hacer algo diferente, de usar nuevos elementos. Después de dos años de viajar alrededor del mundo con el tour del último álbum, celebrando 30 años de Sepultura y con tantos cambios, había muchas posibilidades para la banda (…) Queríamos crear la atmósfera de un viaje con el hecho de tener canciones como ‘Machine Messiah’, las percusiones de ‘Phantom Self’, una canción instrumental (etc.), lo cual invitaba a crear un sentimiento, un ambiente, y el productor (Jens Bogren) nos ayudó a crearlo”.

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La llamada desde Brasil continúo y Andreas nos platicó más detalles acerca del mesías: “Encontré la portada en internet, estaba buscando algo que simbolizara todo y descubrí a Camille Della Rosa, artista Filipina (…) Creo que [la portada] realmente representa la diversidad musical que hay en el álbum; es un material muy diferente al último”. Su respuesta nos dio pie a hacer una de las preguntas obligadas en todas y cada una de las entrevistas a Sepultura:

– Después de todas las buenas críticas que ha tenido, ¿crees que este disco es su mejor producción desde la partida de Max e Igor Cavalera?

El guitarrista soltó una carcajada natural, despreocupada. “Es mejor que eso, de hecho. Es obvio que Max creó su propio estilo: gritos guturales, voces agresivas; pero no creo que sea capaz de interpretar una canción del Machine Messiah, él no es el mismo, al igual que nosotros”.

Sabemos los problemas en los que estuvieron inmersos los ex integrantes y fundadores de Sepultura, con el actual guitarrista, y este era un tema álgido para los involucrados, pero pude percibir a un Andreas calmo. “Yo creo que este es uno de los mejores álbumes, es una oportunidad para que podamos brindar un gran show, estamos muy felices y confiados. La respuesta que ha tenido ha sido muy positiva”, comentó Kisser, y con alegría también agregó que estuvieron en un tour por Europa con Kreator y tuvieron una respuesta increíble por parte del público.

El tiempo se agotaba (sí, la vida apesta cuando tienes que cortar una entrevista en la que puedes preguntar mil cosas más), y soltamos la última pregunta con la intención de que ese momento se hiciera eterno.

“¿Qué cambiarías de la historia de Sepultura?” La respuesta divertida y segura que recibimos a través de ese teléfono dejó huella: ¡NADA! Nunca he pensado acerca de eso. Las cosas no se pueden cambiar, debemos de aceptar los buenos y malos momentos que fueron parte de la vida y eso te ayuda a aprender. Conoces tus límites, aprendes acerca de diferentes situaciones; de cómo seguir. No cambiaría nada, aprendimos de esas elecciones, todo forma parte de crecer y eso es algo positivo al final. Sepultura vive el presente, respeta mucho el pasado, la historia, pero vive el ahora”, dijo Andreas para cerrar con la entrevista.

Vaya Futuro estrena el video "Aunares"

Mira el tranquilizante nuevo video de Vaya Futuro.

La agrupación mexicana Vaya Futuro estrena el video musical para su más reciente canción “Aunares” dirigido por Ana Blanco y con maquillaje por Daniella Morbid.

En este visual vemos una serie de tomas de plantas y flores, y a cada uno de los miembros acostados en el pasto con coloridas pinturas en sus rostros, mientras la imagen se desenfoca casi como estuviéramos en un sueño.

“Ha llegado el tiempo de disgregar partículas de vuelta a su origen // tu alma evaporándose va de vuelta a su origen”, canta Vaya Futuro mientras el cuarteto es rodeado por burbujas.

anuares vaya futuro

Esta melodía es uno de los temas incluidos en V-Sides, una compilación que une distintos remixes, b-sides y algunas rarezas que, sin duda, vale la pena escuchar de este proyecto musical. Este material fue lanzado a finales de 2016 y sirve como un cierre de promoción para su último álbum de estudio Perro Verde y Triste.

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Ryan Adams le hace un cover a Bruce Springsteen

Ryan Adams compartió una versión del tema “Streets Of Philadelphia” de Bruce Springsteen.

Hace poco más de una semana, el cantautor estadounidense publicó Prisioner, su álbum de estudio número 16, un disco con el que fue comparado con Bruce Springsteen por diversos medios, por lo que no fue una sorpresa que el músico compartiera un video donde hace un emotivo cover a una de las canciones de The Boss.

Ryan Adams, tal vez aprovechando la entrega de los premios Oscar, tocó frente a la cámara “Streets Of Philadelphia”, tema con el que Springsteen obtuvo el reconocimiento de la academia en 1994 en la categoría de mejor canción original.

Este pertenece a la banda sonora de la película Philadelphia, protagonizada por Tom Hanks y Denzel Washington.

La versión de Adams, fue grabada por la BBC Radio 6 como parte de un programa especial que celebrará los grandes acontecimientos musicales del año 1994, el cual saldrá al aire el viernes 3 de marzo.

Mientras tanto, Bruce Springsteen hace poco publicó en el periódico Observer, una carta donde se disculpaba por no haber hecho todo lo posible para detener al empresario Donald Trump en su campaña por la presidencia de Estados Unidos. Considerando que pudo seguir al republicano por todo el país para quitarle la atención de la gente y los medios. Además agregó que, aunque artistas como Meryl Streep dan discursos en televisión, si eso no hace una diferencia en los números no sirven para nada.

Puedes escuchar "Streets Of Philadelphia", tanto la versión de Ryan Adams como la original justo aquí:

Lorde comparte otro adelanto de música

Lorde insinúa estreno para el viernes.

Lorde ha compartido un nuevo y misterioso adelanto de música, pero ahora en forma de un posible video.

La cantante tuiteó imwaitingforit.com, al hacer clic te direcciona a un video en el cual vemos a la neozelandesa caminando al lado de una reja y en el fondo se escucha una melodía muy parecida a la que escuchamos en el comercial del domingo, solo que esta vez, a la armonía del piano se le agregó un beat. Al final, aparecen otra vez las fechas “3.2.17 NYC” y “3.3.17 NZ”.


En el clip anterior, pudimos ver a Lorde en el asiento trasero de un auto mientras está comiendo una botana y tomando una bebida, pero este fue transmitido solo en Nueva Zelanda.

Recientemente, Lorde ha estado trabajando duro en el sucesor de su debut Pure Heroine de 2013, así que esperamos que en sus próximas presentaciones en festivales como Coachella, Bonnaroo y Governors Ball interprete algo de música nueva.

lorde pure heroine

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Brett Anderson estrena tema inédito

Por su primer álbum compilatorio, Brett Anderson reveló un tema nunca antes escuchado de su etapa como solista.

El año pasado, la banda londinense entregó su séptimo álbum de estudio; uno de sus mejores materiales y para algunos medios uno de los mejores discos del 2016, pero ahora, su líder da una sorpresa de su antigua etapa como solista.

A principios del nuevo siglo, el cantante Brett Anderson pasó unos cinco años trabajando en solitario, publicando su álbum debut en 2007, el disco Wilderness en 2008, Slow Attack en 2009 y finalmente Black Rainbows en 2011. Sin embargo, hoy el músico inglés ha anunciado su primer álbum compilatorio que llegará el 17 de marzo bajo el nombre de Collected Solo Work.

Este material contará con cuatro LPs de vinilo, cinco cds y un dvd con metraje de algunas de sus presentaciones. Además, el cantante reveló una canción inédita titulada "Forest Lullaby".

Esto fue lo que dijo Brett Anderson de este material: “Fue un momento emocionante para mí como artista; perdí el amor de estar en una banda y quería explorar cosas nuevas, probarme a mí mismo y crecer más allá de esos parámetros. Creo que esto se podrá ver el desarrollo en el trabajo. Desde los torpes errores del debut hasta el minimalismo autoconsciente de Wilderness y finalmente desde el apogeo con Slow Attack a los gruñidos de Black Rainbows, espero que haya una sensación de que estaba aprendiendo a través de mis errores.

Era solitario y duro a veces, pero estoy orgulloso de que tuve el coraje de encontrarme en un lugar diferente. Las lecciones más importantes que aprendí, tanto en el arte como en la vida, se alimentaron directamente de donde me encuentro actualmente y en mi viaje con Suede".

Puedes escuchar “Forest Lullaby” justo aquí:

Franz Ferdinand anuncia su primera gira

Franz Ferdinand no solo regresa a los escenarios, sino que además anunció toda una gira por Estados Unidos y Canadá.

La banda escocesa se tomó un descanso tras la salida del guitarrista Nick McCarthy, y su regreso ha sido de forma gradual, pues el año pasado volvieron con la canción “Demagogue” para el proyecto 30Days/30Songs, y hace poco fueron confirmados para el festival Governors Ball de Nueva York. Ahora, la banda da otro paso con el anuncio de su primer gira, la cua, será por diferentes ciudades de Estados Unidos y Canadá.

La última vez que los integrantes de Franz Ferdinand hicieron un tour fue en 2015 como FFS, grupo que formaron con Ron y Rusell Mael de Sparks y en 2013, gracias a su último álbum de estudio, Right Thoughts, Right Words, Right Action.

Por su parte, Alex Kapranos, vocalista de la agrupación, fue noticia recientemente por BNQT, banda que hace poco reveló y que cuenta con la participación de Ben Bridwell de Band Of Horses y Fran Healy de Travis.

Puedes ver todas las fechas de la gira de Franz Ferdinand justo aquí:

05-21 Gulf Shores, AL - Hangout Music Festival

05-22 Nashville, TN - Exit/In

05-23 Charlotte, NC - The Underground

05-25 Raleigh, NC - Lincoln Theatre

05-26 Asheville, NC - Orange Peel

05-27 Pittsburgh, PA - Stage AE

05-28 Columbus, OH - Newport Music Hall

05-30 Louisville, KY - Mercury Ballroom

05-31 Cleveland, OH - House of Blues

06-02 Toronto, Ontario - Danforth Music Hall

06-03 Montreal, Quebec - Metropolis

06-04 New York, NY - Governor's Ball

06-07 New Haven, CT - College Street Music Hall

06-08 Northampton, MA - Pearl Street

06-11 Oceanside, CA - Oceanside Pier Amphitheater

06-12 Los Angeles, CA - The Regent Theater

06-14 Baltimore, MD - Rams Head Live!

06-15 Charlottesville, VA - Jefferson Theater

06-16 Dover, DE - Firefly Music Festival

07-21-23 The Lake District, England - Kendal Calling

07-28-30 Benidorm, Spain - Low Festival

08-03-05 Luhmühlen, Germany - A Summer's Tale

08-05 Inverness-shire, Scotland - Belladrum Tartan Heart Festival

08-26 Charleville Mezieres, France - Cabaret Vert

08-27 Portsmouth, England - Victorious Festival

08-29 Amsterdam, Netherlands – Paradiso

08-30 Antwerp, Belgium – Rivierenhof

Entrevista con Silverio

Silverio es uno de esos personajes dentro de la música, que se dividen entre el odio y el amor del público.

El nuevo tema de Silverio titulado “Tu casa” cierra la trilogía de “Perro” y “Salón de Belleza”. Para realizar el video de este sencillo la locación, fue nada más y nada menos que El Partenón de Zihuatanejo, uno de los complejos más polémicos construido por nuestros servidores públicos.

– ¿Cómo seleccionaste El Partenón para ser el escenario de “Tu casa"?

Silverio: Él me eligió a mi. Primero vi la locación y luego compuse la música. La locación la había visto como hace dos años y medio o tres, ya bastante, y de ahí compuse la canción y conseguí el permiso para poder entrar, que tardó prácticamente un año. No fue fácil llegar a tu casa.

– ¿Qué esconde la composición de "Tu Casa"?

S: Pues para mí es un juego de palabras sobre la conocida hospitalidad mexicana, que para mí es una gran mentira. Me gustó El Partenón para tocar este tema por el tipo de arquitectura que maneja, tan neoclasicista mexicana.  

– Silverio no es el mismo sin mostrar calzones. ¿Qué envuelve este símbolo?

S: El calzón es algo indispensable en mi existir, en mi persona y en mi carrera. Me gustó hacer una bandera que pusiera muy en claro cuál es mi nación. La nación del calzón. Es prácticamente una nación neofascista como se puede ver en los colores de la bandera. Entonces es un neofascismo en calzones. Creo que estamos rodeados por el neofascismo.

– Tus shows pueden ser tachados de grotescos por algunos, ¿siempre tuviste esta idea de provocar al público?

S: Nunca lo pensé y yo creo que por eso funciona. Silverio no es una idea, es un acto, es un hecho. Realmente todas mis acciones nunca fueron pensadas, tomo acciones y ya. Yo creo que está bien despojarse de la mente, creo que es bastante saludable. Si la gente piensa que eso puede ser grotesco, pues les invito a ver sus vidas. Ver la televisión es un acto grotesco. Me sigue sorprendiendo cómo las personas se espantan, de que pueda escupirles o mostrarles los huevos y toleren que maten al vecino.

– Tú público es bastante joven. ¿A qué piensas que se deba?

S: Gracias a Dios yo creo. Todo en Silverio apunta, a la parte en vivo. Los errores son bienvenidos, la audiencia está invitada a formar parte del espectáculo y en ese sentido para la gente joven que tiene energía de sobra, pues yo los veo salir relajados y felices de mi show.

– ¿Hay algún acto de tu público que te haya marcado?

S: Hasta el momento ninguno, no lo han logrado. Se tienen que esforzar más o me voy a retirar en muy poco.

silverio tu casa

– ¿Cómo selecciona Silverio sus trajes brillosos?

S: Cuando yo empecé los trajes brilloso no hacían referencia a las bandas ni a los gruperos. Cuando yo salía, la gente al verme como que no entendía que podía existir una persona como yo. Lo que pasa con la música, me di cuenta, es que todo está muy encasillado. Que si tocas metal o banda o si te gusta el indie te tienes que vestir y comportar de determinada manera y la verdad me parece bastante aburrida esa situación. Lo que significa eso es que la sorpresa ya no existe. Entonces quise romper con esas cosas y se pudiera ver como un ranchero de Chilpancingo, tocando música electrónica y además insultando a la audiencia. Eso causa mucha confusión en la gente y a mí me encanta.  

– Tienes presentaciones en lugares como California Dancing Club. ¿Cómo eliges los lugares para presentarte?

S: Siempre me gusta llegar a nuevos espacios, porque significa que hay nuevos públicos y es increíble ver sus caras de sorpresa cuando se topan conmigo. Ahora cuando empecé, fue haciendo mis propias fiestas en Bombay, en La Faena, en el Centro. Entonces yo me creé mi propio circuito, porque no había un espacio para lo que yo hago. Ahorita ya puedo tocar en festivales y en lugares de música electrónica. Pero antes me decían que no, que eso iba a ser imposible.

– ¿Estás pensando tener nuevamente colaboraciones con personajes como La Tesorito?

S: Yo siempre dije que para hacer buen espectáculo solo hace falta una buena persona, y ese soy yo. Lo que pasó con La Tesorito es un paréntesis, Nos encontramos y me di cuenta de que a la señora le gustaba más música guapachosa, pero su actitud es bastante cruel y áspera, entonces eso me atrajo mucho para hacer una colaboración. Yo no estoy a favor de las colaboraciones, pero sucedió y la verdad la pasé muy bien. En vivo estamos pensando en subir una barra de percusionistas.  

– ¿Estás planeando sacar un LP próximamente?

S: Sí, quiero sacar el disco invisible de Silverio. Este disco vendrá en presentación invisible. El primer sencillo se llama “Tu Casa”. Se podrá conseguir físicamente, pero será invisible.

– ¿Cómo es Silverio al momento de producir?

S: Sigue siendo muy elemental la manera cómo hago la música, lo intento manejar lo más sencillo posible. No uso la computadora, no me gusta para hacer música. Para mí no es un instrumento que funcione para hacer música. Entonces trabajo con máquinas que son más simples, tienen menos opciones y eso es un plus. Entre menos cosas tengas, más vas a estructurar el pensamiento. En la música, entre menos elementos tengas es cuando más claro puedes decir algo. Cuando echas bombo, platillos, cohetes y fuego es que realmente hay un vacío muy grande.

– ¿Cómo es un día normal en la vida de Silverio?

S: La verdad no se los voy a contar porque me da vergüenza parecerme a todos ustedes. Bueno no, no tan mal, pero sí. Para la pachanga me gusta estar en casa, peinar al gato, cuidar las plantas y andar en calzoncillos sobre todo.

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Fishbach – À Ta Merci

El esperado regreso de la canción francesa.

Abundan las empresas de electropop con canciones atoradas en el tránsito. Los one hit wonder desaparecieron para convertirse en álbumes mediocres que terminarán abandonados en carpetas virtuales. Muchas de ellas sin haberse escuchado en su totalidad. No es regla, pero diariamente escuchamos algo nuevo porque-cada-día-hay-algo-nuevo que pasa desapercibido, como las galletas de animalito que nos daban de niños. Estamos ante una sobreproducción de la canción anclada en la tradición de fácil-escucha embarrada con sonidos electrónicos. Electropop. En Francia Flora Fischbach con su proyecto cuasi-homónimo Fishbach, pone el acento en su debut distanciándose del abaratamiento del género. À Ta Merci es una ráfaga de viento frío golpeando tu rostro mientras desciendes en paracaídas durante el invierno. Es robusto y coherente.

En su país ya comienza a mencionarse el regreso de “la canción francesa” al hablar de Fishbach, la chanson caracterizada por ser en francés combinando lo teatral y el cabaret (Edith Piaf y Serge Gainsbourg) tiene una heredera que también se desliza entre electropop y rock. La voz de Flora es un instrumento transformándose dentro de cada canción, acercándose a los tonos graves y agudos al mismo tiempo, recorriendo las líneas marcadas por el bajo –“Y crois-tu”–, pero también acompañando el deámbulante tránsito de los synths (Alexandre Bourit) en las piezas oscuras –“Invisible désintégration de l'univers“–. La voz vive. Respira. Grita. Se arroja al vacío, se oculta, se impone sobre el resto de los instrumentos para reclamar algo de lo que se tiene certeza. Quizá esté malherida.

El bajo (Michelle Blades) acecha, persigue, espía. Y la guitarra (Nicolas Lockhart) permanece oculta, sin hacerse notar, desde ahí sus cuerdas vibran ocasionalmente. Un álbum peculiar por sus cambios en ritmo y en el tono, dirigidos por la interpretación vocal, el personaje que camina sobre avenidas soleadas, melancólicas o sombrías clavando su mirada sobre su entorno. Es imposible no mirar su rostro, seguir sus pasos o escuchar su canto –“Le meilleur de la fête”– . Si Fishbach en alemán significa pez en el río, este es uno negro nadando entre aguas cristalinas heladas.

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Trentemøller estrena el video "Sinus"

Un inquietante giro para esta canción de Trentemøller.

A finales del año pasado, el productor danés Trentemøller compartió el video musical para  “Complicated”, la parte final de la trilogía compuesta por esta melodía, “River In Me” y “Redefine”, con visuales dirigidos a cargo de la directora Åsa Riton y el artista plástico Andreas Emenius.

Se suponía que ya no habría más videos, sin embargo, Trentemøller decidió que mejor sí, por lo que estrenó el clip para su canción “Sinus” creado por Julie Reindl y Bruno Noaro. En el video exploran la forma en que el cerebro procesa información sensorial.  Puedes verlo a continuación:

“El tema ‘Lo que ves es lo que hueles’ nos cuenta sobre la idea de estandarizar y digitalizar el olor para ayudar a la corteza visual de nuestro cerebro y adaptarnos al creciente panorama que nos rodea”, dice Noaro. “En este escenario imaginario, el instinto humano del olfato desaparecería tal y como lo conocemos. El efecto del olfato es una reacción desencadenada al mirar imágenes”.

“Sinus” es otra de las melodías extraídas de Fixion, el más reciente álbum de estudio de Trentemøller, quien nos platicó más a detalles de este material en una entrevista exclusiva que puedes leer en este enlace.