Del rock e ideologías políticas en Día de la Independencia. 

Para celebrar el 70 aniversario de haberse liberado del yugo que el imperio japonés ejerció sobre ellos, Corea del Norte lleva a cabo una serie de actividades, las cuales incluyen por vez primera –y de forma insólita– la presentación de un grupo de rock occidental en su territorio. Y de manera aún más asombrosa los elegidos para llevar a cabo el simbólico recital son los eslovenos de electro-industrial Laibach.

Las autoridades de esta nación tomaron tal sorprendente decisión –considerando que viven bajo un estricto régimen comunista el cual rechaza categóricamente toda influencia “negativa” proveniente del exterior–, fue necesaria la intercesión del cineasta y embajador cultural Morten Traavik, quien despertó polémica años antes por desarrollar proyectos con artistas y entidades culturales norcoreanas, y por las cuales se le acusó de apoyar a una dictadura inhumana y represiva.

Y esa polémica en torno a este concierto es retratada en el documental (dirigido por el propio Traavik) y nace desde la misma banda, ya que una de sus principales características es el empleo de iconografía, indumentaria y elementos estéticos inspirados en la propagandística nazi y de otras dictaduras militares similares. Esto les ha acarreado –en no pocas ocasiones– acusaciones de promover el nazismo, el fascismo, el pro-militarismo y la ultraderecha principalmente. Y ellos –también reiteradas veces– lo han desmentido, argumentando que el uso de dichos elementos obedece meramente a una cuestión de gusto estético, y es además un modo de satirizar justamente a todo estado totalitario que se vale de esas herramientas para fomentar el culto a la personalidad y la alienación. Los mismos Laibach provienen de una nación anteriormente sometida por un duro régimen socialista.

Por ello Traavik los propone para presentarse en Corea del Norte, pensando que su concepto puede resultar atractivo y “correcto” de cierta forma para ese gobierno, esgrimiendo (en una mezcla de ingenuidad y osadía) similitudes en cuanto a acusaciones y perjuicios sufridos por la banda y por el régimen, dado lo cual tienen mucho en común y por eso entre ellos puede producirse una sinergía especial.

El filme registra los acontecimientos desde que la agrupación arriba a Pyongyang (la capital norcoreana) y mientras hacen los preparativos de su show con un setlist conformado no solo por sus composiciones, sino además por covers –en su muy particular estilo– de temas como “Across the Universe” de The Beatles; “Live Is Life” de Opus; “The Final Countdown” de Europe; “The Sound of Music” –canción original de la película homónima dirigida por Robert Wise– y temas tradicionales de Corea del Norte como “We Will Go to Mount Paektu”.

Sin embargo, los preparativos se tornarán en todo un calvario, porque deberán lidiar con varias adversidades, siendo las principales la desorganización e incompetencia de sus asistentes locales, y quienes nunca han montado un espectáculo de tales características. Pero también, son constantemente vigilados por las autoridades, quienes tratan de evitar que su espectáculo contenga detalles inapropiados para la audiencia coreana. Así, los músicos batallan con una permanente censura y constantes “sugerencias” de imágenes y canciones que deben suprimirse del show, el cual logran, tras sortear estos obstáculos, sacar adelante y llevar a buen término.

Día de la Independencia da fe de uno de los momentos más bizarros en la historia del rock. Y no tanto por la presencia de una banda en un país con una cultura ajena a la suya o porque ese país esté gobernado por un gobierno comunista (ya que de hecho no son la primera agrupación occidental en realizar tal proeza), sino por el registro de una experiencia de niveles kafkianos, cuyo desenlace –contra todo pronóstico–, sienta un alentador precedente, y porque siempre gravita la duda -y ni el director ni nadie más la resuelve- de si realmente, las autoridades culturales norcoreanas jamás se percataron de que la sátira y la ridiculización enarboladas por Laibach también alcanzaba a su gobierno, o si simplemente, lo dejaron pasar por alto en un inaudito alarde de apertura política.

Vimos T2 Trainspotting e hicimos un análisis sobre la importancia del soundtrack en la película.

Pocos cineastas logran conjuntar imágenes y música de tal modo que produzcan asociaciones audiovisuales tan poderosas que pasen a formar parte del imaginario colectivo. Uno de ellos es Danny Boyle, quien al musicalizar las secuencias de sus diversos trabajos va más allá del mero acompañamiento o complemento, llegando en ocasiones a hacerla fungir como otro protagonista, como un relator omnipresente cuyo propósito es llenar espacios de la narración muy definidos.

Claro ejemplo de ello lo constituye su película más emblemática: Trainspotting (1996). Después de haberla visto, es difícil escuchar el tema “Lust for Life” de Iggy Pop sin imaginar a un Mark Renton corriendo frenéticamente por las calles de Edimburgo; o recordar sus viajes –y malviajes– y los de sus compañeros intoxicados con heroína, al compás de “Perfect Day” de Lou Reed o de “Born Slippy (NUXX)” de Underworld.

Tras poco más dos décadas Boyle decidió realizar una secuela, y era de esperarse que la música volviese a jugar un papel fundamental dentro de la narrativa. Y así ocurre, siendo en algunos casos impresionante la forma en que el director destaca a la música como un personaje importante.

Tomando como punto de partida Porno y nuevamente Trainspotting, novelas escritas por el escocés Irvine Welsh –quien por cierto hace un cameo en este y el anterior filme–; el argumento tiene lugar 20 años después de los hechos ocurridos en la primera entrega. Tras haber robado el dinero de una jugosa venta de droga y ocultarse en Holanda, Renton regresa a su barrio para reencontrarse (o enfrentarse según sea el caso) con sus excompañeros: “Spud” (ahora un adicto sin remedio y al borde del suicidio); “Sick Boy” (que se dedica a la extorsión y a mantener un decadente bar) y “Franco” Begbie (quien escapa de su encarcelamiento y se dedica al robo de casas y a enseñar a su hijo dicho oficio).

El pasado, la nostalgia por el mismo y los ajustes de cuentas que cada personaje debe encarar como consecuencia de sus acciones en esos divertidos, desmadrosos y no pocas veces desastrosos días es el hilo conductor de la trama, y aunque todo transcurre en tiempo presente, los flashbacks y evocaciones de una “mejor” época que ya no esta ahí son muy recurrentes. Para este propósito, Boyle echa mano de escenas de la primera parte, y adicionalmente filma otras relacionadas con la infancia de los protagonistas e inclusive, llega a reversionar algunas situaciones conocidas para perpetuar esa sensación de añoranza.

Es aquí donde el tema “Born Slippy” es explotado como recurso sonoro para reforzar ese sentimiento, y lo hace sutil pero contundentemente: se limita a incluir en ciertas escenas solo algunas notas significativas ejecutadas tenuemente que sirven para identificar el tema en cuestión, para luego hacerlas desaparecer y dejar flotando en el ambiente ese efecto de permanente melancolía y pérdida.

El elemento musical también es fundamental en el aspecto diegético de la cinta. Por ejemplo, cuando Renton vuelve a su antigua habitación, intenta poner un vinil donde el primer corte es “Lust for life”, pero al escuchar el primer acorde, retira la aguja rápidamente, como indicativo de que no desea escuchar esta canción por temor a remover sus recuerdos y no desea confrontar a sus propios demonios.

El cineasta vuelve a reunir una ecléctica selección donde incluye temas que abarcan desde clásicos de los setenta y ochenta, pasando por remixes de otras canciones rockeras y raperas de esos años, hasta música de bandas alternativas, post-punk, hip-hop y pop surgidas en este nuevo milenio como Wolf Alice, Young Fathers, The Rubberbandits o Fat White Family.

Y una vez más, dicha selección no solo acompaña sino ayuda a contar la historia, creando momentos memorables como cuando “Sick Boy” y Renton intentan –fugazmente y sin éxito– revivir su vida nocturna de antaño (con heroína en su organismo) en un antro donde suena “Radio Ga Ga” de Queen; o cuando este último es blanco de una frenética persecución por parte de “Franco” quien descubre que ha vuelto de su autoexilio y desea vengarse, todo esto al ritmo de “Relax” de Frankie Goes to Hollywood; o cuando Renton se enamora y se acuesta con Veronika, la novia y cómplice de “Sick Boy” mientras se escucha “Dreaming” de Blondie, siendo este el preludio a una nueva traición que se avecina. Y en la última y un tanto desoladora escena final, por fin se escucha a Iggy Pop y su “Lust for Life”, pero a través de un remix cortesía de The Prodigy. Mención aparte merece el tema “Shotgun Mouthwash” de High Contrast cuya función y persistente uso dentro de la película la erige como la equivalente y sucesora de “Born Slippy (NUXX)”.

Así, aunque el tono y la dinámica de la narración es distinto al de su predecesora y es poco probable que alcance la resonancia de su antecesora, T2 Trainspotting logra recrear con fortuna la experiencia audiovisual que contribuyó a convertir a la primera entrega en venerada obra de culto. Y de paso contagiar cierta nostalgia desencantada.