Te Vi En Un Planetario estrena “J”

Nostalgia y vulnerabilidad en una balada que ahonda en las emociones más profundas de una relación.

Te Vi En Un Planetario retrata un incendio rockero y una súplica romántica en su nuevo sencillo “J”. Con este tema, Alexis Ramos e Ilka Serna logran plasmar en su música la dualidad entre lo tangible y lo etéreo, adentrándose sin miedo en la vulnerabilidad emocional.

Con un aire de nostalgia shoegaze, el sonido inmersivo de la balada es un desahogo desde lo más profundo de las emociones, donde la incertidumbre envuelve cada distorsión íntima y frágil, reflejando el miedo y la ansiedad que pueden surgir en una relación.

“J” fue grabada en los Estudios El Diamante de la CDMX y perfeccionada en Buenos Aires por el equipo de Pablo Barros. Con este sencillo, el dúo apunta a canciones más reflexivas, saturadas de la esencia que los ha caracterizado desde sus primeros lanzamientos.

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“+57”, lo nuevo de Karol G

La cantante se une a grandes estrellas del reggaetón colombiano.

Karol G, una de las artistas más exitosas de la escena del reggaetón, acaba de sorprender a sus seguidores con el lanzamiento de su nueva canción "+57". Esta colaboración, que rinde homenaje a Colombia, cuenta con la participación de Feid, Maluma, J Balvin, Blessd, Ryan Castro, DFZM y Ovy On The Drums. El tema lleva el nombre del código de área de Colombia, simbolizando una fuerte conexión con las raíces culturales del país.

"+57" no solo resalta el talento colombiano, sino que celebra el reggaetón como un movimiento global que se ha convertido en un estilo de vida. La letra de la canción captura la esencia de noches inolvidables llenas de energía, libertad y autenticidad, invitando a la audiencia a disfrutar del momento y bailar sin preocupaciones.

El video musical de la canción ofrece una mirada exclusiva al proceso creativo detrás de este proyecto, mostrando a los artistas trabajando juntos en un estudio, creando una atmósfera íntima que destaca la magia de esta colaboración única. Para Karol G, esta canción marca una nueva etapa en su carrera, especialmente al reunirse nuevamente con Feid, su pareja, con quien no colaboraba en una canción desde que comenzaron su relación hace dos años.

Con "+57", Karol G reafirma su lugar como una de las figuras más influyentes del reggaetón actual.

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Escucha 'Nada', el nuevo disco de We Are Wolves

El caos ordenado de la banda canadiense en su sexto material de estudio.

We Are Wolves, la emblemática banda de Montreal formada en el año 2000, regresa con su sexto álbum de estudio titulado Nada. Con miembros fundadores Alexander Ortiz y Vincent Levesque, el grupo ha construido a lo largo de los años una sólida carrera marcada por su fusión de indie rock, dance punk y otros géneros experimentales. 

En Nada, la banda sigue explorando nuevas sonoridades, creando un caos musical que, como su nombre lo indica, se ordena a través de su inconfundible estilo. El álbum se caracteriza por una amalgama de géneros que incluyen synth rock, garage rock, cold wave, post punk, y hasta cumbia, logrando una atmósfera experimental que viaja entre distintas décadas y continentes. 

Con colaboraciones destacadas de Oliver Ackermann de A Place To Bury Strangers y Joseph Yarmush de SUUNS, We Are Wolves ofrece una obra ecléctica que no pierde la esencia de su identidad. El disco también explora temáticas líricas como la confusión y la alienación, aspectos que se reflejan en las letras y el sonido de las canciones. A pesar de que Nada es su último álbum bajo este formato, la banda asegura que continuarán haciendo música y tocando en vivo.

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El disco fue producido por el grupo y grabado en múltiples lugares, incluyendo Nueva York, México y Montreal. Fue mezclado por Adrian Popovich (SUUNS, DFA1979, Duchess Says), lo que garantiza una calidad sonora impecable.

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Entrevista con Alfie Templeman

Aprovechando su visita a México, tuvimos la oportunidad de platicar con Alfie Templeman, y los integrantes de su banda, Adam Philip y Cam Owden, donde nos compartieron lo que más disfrutaron de su paso por CDMX, qué los inspira y de su nuevo disco, Radiosoul.

Pocos artistas pueden considerarse verdaderamente multidisciplinarios a una edad tan temprana, pero Alfie Templeman es una excepción. Desde su infancia, exploró la música y comenzó a componer y producir canciones como pasatiempo, hasta que a los 15 años fue firmado por Chess Club Records tras ser descubierto en la sección "Descubrimiento Semanal" de Spotify.

Ahora, con 21 años, un EP, dos álbumes y una banda que lo acompaña en sus giras, Alfie, junto a Cam y Adam, hacen una pausa después de un fin de semana intenso para conversar y reflexionar sobre su reciente presentación del 19 de octubre en el Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes.

“El público fue increíble porque muchos de nuestros fans asistieron, lo cual fue muy emocionante. Así que vimos muchas caras conocidas y la gente fue realmente encantadora. Fue genial ver a algunas personas, desde el Corona Capital, que fue como en 2021 cuando tocamos, pero sí, fue un show muy lindo. Desearíamos que hubiera durado para siempre. Fue un set muy, muy corto.”

Debido a la logística del evento, solo pudieron tocar un set breve, compuesto en su mayoría por canciones de su más reciente álbum, Radiosoul. Por ello, esperan regresar pronto para ofrecer un set más extenso y complacer a los fans. Aún así, su estadía en la CDMX no fue tan corta, y tuvieron la oportunidad de conocer un poco más de lo que ofrece la capital.

Comimos muchísima comida. Sí, la comida es increíble. Hemos estado en tres taquerías y en otros lugares en estos últimos días. Sí, incluso caminando por las calles, sientes que absorbes mucho de la cultura.”

“No necesitas ir a un lugar específico para ver la Ciudad de México; todo el mundo es especial aquí. Cada lugar se siente tan intenso, pero increíble.”

Durante la charla, les pregunté si algo del público mexicano les había sorprendido, y respondieron que sí, especialmente por los detalles que recibieron de sus seguidores. Fue entonces cuando mencioné los famosos Simi, pero ellos no sabían de qué se trataba y me pidieron que les explicara. Al conocer la historia detrás de los muñecos Simi, comentaron que les encantaría recibir uno en su próxima presentación.

“Debimos haber sido muy malos (bromean entre risas), pero recibimos algunas obras de arte de los fans, también nos dieron flores, así que no nos vamos con las manos vacías. Pero sí, nos encantaría recibir uno en el futuro”, dijo Cam.

“A mí me regalaron un vaso de tequila con motivo del Día de Muertos, como una calavera. Es increíble. También me dieron dos pulseras. Estoy feliz, no recibes eso en ningún otro lugar del mundo”, completo Alfie.

Su visita a México fue parte de la gira por Norteamérica que emprendió para promocionar su más reciente producción, Radiosoul, la cual concluirá en Europa en diciembre de este año. Este nuevo álbum, lanzado en junio, contó con la colaboración de Dan Carey, Karma Kid, Oscar Scheller, Will Bloomfield, Justin Young, Josh Scarbrow, Charlie J Perry y el legendario Nile Rodgers, quien en el pasado ha trabajado con artistas como Michael Jackson, David Bowie y Duran Duran.

Esta última colaboración lo llevó a crear su sencillo “Just a Dance”, cuyo título se inspiró en las anécdotas de Rodgers con Bowie y en el coro de la icónica canción “Let’s Dance” del fallecido artista.

El proceso fue entrar al estudio con diferentes productores a quienes admiro. No tenía una idea clara de lo que quería, solo improvisamos y la música surgía de esa energía. Nile Rodgers llegó porque mencioné en una entrevista que me encantaba su estilo de guitarra, y él escuchó la entrevista. Eventualmente volé a Miami para trabajar con él y creamos la canción 'Just a Dance' juntos.”

Influenciado por diversos artistas desde temprana edad, el artista londinense ha logrado adaptar de manera orgánica en su música todos los estilos que lo han marcado a lo largo de su vida.

“Creo que es algo subconsciente. Cuando grabo canciones, agrego capas. A veces uso un sonido de batería de los 80 y luego agrego algo más folk en la guitarra, algo que suene más a los 60 o 70. Es algo que simplemente sucede; mi subconsciente toma cosas de diferentes eras y bandas que admiro, y todo se mezcla, creando una amalgama de sonidos.”

El proceso de composición y producción es algo exclusivo de Templeman; sin embargo, Adam (baterista) y Cam (bajista) están de acuerdo en que Alfie tenga el control creativo, mientras ellos se enfocan en dar vida a las canciones en las giras y presentaciones en vivo. 

“Dejamos que Alfie lleve el control en esa parte. Para nosotros es importante tomar las canciones y transformarlas en un gran show en vivo. Es casi la siguiente fase del proceso después de la escritura y producción”, comentó Cam.

La sinergia que han logrado como banda se refleja en su camaradería y en su afinidad por una amplia variedad de géneros musicales, que van desde el rock clásico y el funk hasta las bandas de jazz japonesas. No se limitan a mencionar ejemplos, después de todo, el nombrar a Rodgers en una entrevista, fue el inicio de su colaboración.

“Bueno, puedo nombrar un par. Al principio era el rock progresivo, como King Crimson, Yes, Genesis, Jethro Tull, y luego como Can y Neu, pero nunca hice ese tipo de música. Conforme crecí, empecé a escuchar a Mac DeMarco, Tame Impala, Clairo, Boy Pablo, cosas así del indie. Recientemente he estado escuchando a Neu y Talking Heads, y cuando hago cosas más raras, vienen de ahí. También Nile Rodgers, claro, el funk y cosas como James Brown. Hay muchas capas, como The Beatles, Pink Floyd, Nick Drake, Frank Zappa”, explicó Alfie

“Estoy de acuerdo. Para mí, el acumulado de distintos gustos musicales es lo que nos hace funcionar bien. Mi papá escuchaba mucho rock clásico. Como baterista, probablemente Chad Smith de Red Hot Chili Peppers fue una influencia. Red Hot Chili Peppers tienen su propio estilo en la industria, y el funk y poder que trae a las canciones me inspiran. También me gusta Keith Moon”, dijo Adam.

Como bajista, Tetsuo Sakurai de Casiopea y Les Claypool de Primus son mis más grandes inspiraciones”, mencionó Cam.

Al preguntar a Templeman cuál es la parte que más disfruta como artista, él responde.

“Grabar. Crecí grabando y siempre ha sido mi pasión. Desde que tenía ocho años, ha sido lo que más amo en la vida. Es mi estado de flujo, algo que hago sin esfuerzo, es mi todo. Grabar es lo que siempre haré.”

La carrera del músico nacido en Bedfordshire es admirable considerando el poco tiempo transcurrido, y se vislumbra un futuro lleno de éxitos. Por ello, ofrece una recomendación para aquellos que, como él, están comenzando y desean dedicarse a esto.

“Diría, honestamente, que empiecen a escuchar discos. Cuando yo tenía como siete u ocho, comencé a escuchar discos y me sorprendía, siendo tan joven, sin comprender del todo lo que estaba pasando, pero eso fue lo que me ayudó. La música entra en tu cabeza y crece rápidamente. Así de rápido es. Así que sigan escuchando música, que prueben instrumentos, que experimenten. Yo aprendí a tocar la guitarra solo, nunca tomé clases de guitarra, comencé a los siete u ocho años y escuchaba discos todo el tiempo. Eso fue lo que me trajo hasta aquí, ser apasionado e inspirado.”

Radiosoul ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y en formato físico a través de la página del artista. Además, puedes anticipar más música de Templeman en el futuro, que promete explorar diferentes sonoridades y estilos.

“Quiero seguir agregando álbumes a mi discografía, hacer una especie de pintura con ella. En unos años quiero mirar atrás y sentirme satisfecho con un recorrido de 10 o 15 años en la música, desafiándome constantemente y sin dejar muchos vacíos en mi carrera.”

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Bat For Lashes anuncia el EP, 'The Dream Of Delphi (Harp Visions)'

Un material acompañado por arreglos de arpa que ofrece una visión alternativa y emocionante.

La artista multidisciplinaria y música, Natasha Khan, conocida como Bat For Lashes, ha anunciado un nuevo EP titulado The Dream Of Delphi (Harp Visions), derivado de su sexto álbum de estudio, The Dream Of Delphi

Como primer adelanto ya podemos escuchar "Christmas Day (Harp Version)", un viaje melódico marcado por un arpa eclipsante, parte de una entrega de dos discos, con cinco temas y sus correspondientes versiones instrumentales.

En este proyecto Natasha Khan, inspirada por la idea de incorporar el arpa en arreglos alternativos de su nuevo álbum, trabajó junto a la reconocida arpista Lara Somogyi. Khan compartió que colaborar con Somogyi en la creación de esta colección de canciones fue una experiencia muy divertida, logrando recrear algo musicalmente improvisado, divertido y lleno de vulnerabilidad.

El dúo se reunió en el estudio de Somogyi en Joshua Tree durante el verano para arreglar el EP completo.  The Dream Of Delphi (Harp Visions) estará disponible a partir del 6 de diciembre a través de Mercury KX.

Bat For Lashes Ep

Tracklist:

Disc 1

1. "Christmas Day – Harp Visions"

2. "Letter To My Daughter – Harp Visions"

3. "The Dream Of Delphi – Harp Visions"

4. "Kissing Dragons – Harp Visions"

5. "If You Be The Universe – Harp Visions"

Disc 2

1. "Christmas Day – Harp Visions Instrumental"

2. "Letter To My Daughter – Harp Visions Instrumental"

3. "The Dream Of Delphi – Harp Visions Instrumental"

4. "Kissing Dragons – Harp Visions Instrumental"

5. "If You Be The Universe – Harp Visions Instrumental"

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Belafonte Sensacional estrena “Suaves Son Los Días” con Julieta Venegas

Una melodía de duelo y celebración.

Cargada de melancolía y calidez sonora, Belafonte Sensacional llega junto a la extraordinaria cantante mexicana Julieta Venegas. Esta colaboración marca el regreso de la banda a la música, tras cinco años de ausencia y sirve como adelanto de su próximo álbum, LLAMAS LLAMAS LLAMAS, un proyecto introspectivo que explora la pérdida, la muerte y la ternura a través de una mezcla de sonidos afrocaribeños, folk y ambient.

Suaves Son Los Días Single

La canción, según cuenta Israel Ramírez, líder de la banda, nació del dolor personal tras el fallecimiento de su abuela. Durante un tiempo, habitó la casa que ella dejó, donde las paredes aún conservaban los rastros de los objetos que una vez colgaron de sus clavos: fotos, utensilios y recuerdos. La experiencia de duelo y amor se transformó en "Suaves Son Los Días", una melodía que Ramírez describe como “un abrazo convertido en carnaval”.

De alguna manera, el camino nos ha traído a este momento en donde podemos hacer una colaboración con una de nuestras heroínas de la música mexicana. Poder compartir con Julieta Venegas, la misma artista que nos inspiró hace muchos años, es un sueño cumplido y un motivo más para celebrar que estamos vivos, haciendo la música que queremos, a nuestra manera”, menciona Israel en un comunicado de prensa.

Con "Suaves Son Los Días", Belafonte Sensacional no solo regresa a la música, sino que abre una puerta a una experiencia de duelo y celebración, junto a una leyenda de la música mexicana.

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Slipknot en el Parque Bicentenario

Un ritual de furia y devoción entre explosiones de energía y conexión con sus seguidores.

La noche era joven y el cielo despejado, de un oscuro profundo que prometía en el Parque Bicentenario de la Ciudad de México vibrar, con una expectativa que podías tocar, el ambiente de los asistentes mostraba entusiasmo y garantía de un espectáculo sin igual. A lo lejos, las luces de la ciudad parecían fundirse con el resplandor de los reflectores que iluminaban el escenario. Entre fanáticos, espectadores, familias y amigos, miles de almas vestidas de negro, se movían por el parque buscando el mejor lugar para presenciar una noche inolvidable, una noche en la que Slipknot, la leyenda del nu metal, estaba a punto de desatar con una tormenta de energía y caos.

Slipknot celebra 25 años de trayectoria, ante ello, se esperaba una asistencia adulta; sin embargo, había pequeños con sus padres y grupos de familia disfrutando la velada. El negro fue el color que predominó en la indumentaria de cada persona. Las máscaras, que representaban a cada miembro de la banda, también se hicieron presentes, con ello los fans mostraron devoción y estima absoluto. Slipknot ha penetrado en el imaginario colectivo cuando del género metal se habla.

Antes del plato fuerte, el escenario perteneció a las bandas que calentaron los motores y el ambiente, preparando el terreno para la brutalidad salvaje que estaba por llegar. Orbit Culture fue la primera banda en salir. La agrupación sueca, conocida por su metal melódico con tintes de death metal, trajo consigo un sonido potente que resonaba en los rincones del parque. Los asistentes reaccionaron de inmediato al escuchar las guitarras pesadas y los riffs estruendosos que parecían anticipar lo que el público estaba por experimentar. Con temas que caracterizan a Orbit Culture, la banda cumplió su misión de despertar los instintos más primitivos de la gente alrededor, quienes recibieron el show con entusiasmo. 

Luego vino el turno de BabyMetal, y el ambiente se transformó. Las tres integrantes del grupo japonés se presentaron en el escenario con una energía que desbordaba los límites convencionales del metal, fusionando el J-pop con la brutalidad del heavy metal de una manera que solo ellas pueden lograr. Canciones como “BxMxC” y “METAL!!” desataron la locura en el público, preparando a cada asistente en el Parque bicentenario para un éxtasis total. La propuesta de BabyMetal es única: su espectáculo combina coreografías precisas, vestuarios bien cuidados y una ejecución musical impecable. Lo que demostró BabyMetal en el escenario fue disciplina y entrega total con los escuchas, además se esforzaron en comunicarse en español con los asistentes, agradecimiento y elevando la energía. Con una experiencia visual y sonora hipnótica, se entregaron al público mexicano y fue recíproco en el momento preciso donde la asistencia levantó los teléfonos celulares y encendieron sus luces, creando una atmósfera íntima. La banda se movía en el escenario como si fuera su propia casa, y la audiencia respondía a cada uno de sus movimientos y gritos, aumentando la expectativa para lo que estaba por venir. BabyMetal dio una presentación increíble.

Babymetal Cdmx 2

Para entonces, la urgencia por ver a Slipknot era incontenible. A las 21:35 H, el público ya empezaba a mostrar signos de impaciencia, pero el ambiente permitió ir por una bebida antes de que los gritos y el coro del nombre de la banda resonaran en el Parque Bicentenario. La tensión se hacía evidente en los rostros de las personas que esperaban ansiosas y la sensación casi materializada flotaba en el aire mientras los minutos parecían estirarse de forma indefinida. Cuando el reloj marcó las 21:50 H. y Slipknot aún no salía al escenario, la desesperación era indudable. Cada segundo de espera solo se incrementó la desesperación de los fans, hasta que finalmente, en punto de las 22:00 H., el estruendo de los primeros acordes de “(sic)” rompió la tensión y desató la euforia contenida. Los fanáticos por fin, desataron su furia y energía que elevó al éxtasis total el comienzo de la presentación.

Uno a uno, los miembros de Slipknot aparecieron en el escenario con sus icónicas máscaras, y el Parque Bicentenario explotó en una ovación ensordecedora. Corey Taylor, el carismático vocalista de la banda, lideró en todo momento a su “familia” en lo que sería una noche de catarsis colectiva. Un slam intenso se formó entre el público, desatando el ánimo de cada participante. La banda continuó con “Eyeless”, y el público se entregó sin reservas, gritando cada palabra y saltando al ritmo de la percusión violenta y las guitarras afiladas. La intensidad no disminuía; la energía en el lugar estaba en su punto máximo y los asistentes no parecían querer nada menos que una noche de entrega absoluta.

La cercanía que Corey Taylor mostró con el público fue uno de los momentos más memorables de la noche. En un intento de conectar aún más con sus seguidores mexicanos, el vocalista prometió mejorar su español para su próxima visita, un gesto que fue recibido con aplausos y ovaciones y que asegura otra visita a tierra Azteca. La banda, que celebra 25 años de trayectoria, se mostró agradecida por completo con sus fanáticos, a quienes Taylor llamó “familia”, haciendo énfasis en el vínculo que Slipknot ha cultivado y cuidado con su audiencia a lo largo de su carrera.

El set continuó con canciones como “Me Inside”, “Purity” y “No Life”, temas emblemáticos que el público recibió como himnos. Acompañaron cada uno de los temas con precisión, manteniendo la energía y agitando sus cabezas con fuerza en una entrega total. La dedicación que mostró Slipknot en el escenario era absoluta; cada miembro de la banda parecía estar poseído por la música, moviéndose y tocando con una intensidad que pocas bandas pueden igualar. A las 22:54 H., tras un aniquilante recorrido por su repertorio, Slipknot se despidió del escenario, dejando a sus seguidores y fanáticos anhelando más. Sin embargo, la multitud no estaba dispuesta a aceptar el final. Los fans coreaban “¡Slipknot! ¡Slipknot!” con una fuerza que resonaba por todo el parque, acompañados de aplausos que pedían un regreso. La energía permaneció así por algunos minutos.

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Después de un momento breve, Corey Taylor volvió al escenario, y el estruendo del público alcanzó un nuevo aire. El vocalista, con un español esforzado pero que resultó efectivo, se dirigió nuevamente a sus seguidores, arrancando sonrisas y gritos de aprobación. Sin más rodeos, la banda lanzó “Spit It Out”, una de las canciones más agresivas y queridas por los fans. El público respondió con una energía renovada, como si este último tramo del concierto fuera una segunda explosión de adrenalina.

Slipknot cerró su show con “Surfacing” y “Scissors”, dos temas que son un reflejo de la furia y oscuridad que caracteriza a la banda. Cuando los últimos acordes resonaron y las luces se apagaron, la sensación de satisfacción y éxtasis era evidente en cada rostro. El público, exhausto pero extasiado, se despidió de la banda entre aplausos y emociones intensas, agradeciendo por una noche que de forma difícil olvidarán.

La organización del evento parecía impecable y así lo fue, lo que permitió a cada uno de los asistentes disfrutar del concierto en un ambiente seguro y bien controlado. La seguridad fue precisa y suficiente. Un punto que pudo ser mejor fue el escenario que se encontraba hasta el fondo del Parque, la caminata fue larga y se podía sentir la eternidad. La vibración de la música indicó que el escenario estaba cerca y así fue después de varios minutos de caminata.

El parque contó con food trucks de alimentos que iban desde la pizza y hamburguesa tradicional, hasta burritos y botana que los asistentes pudieron disfrutar en bancas suficientes para todos los congregados, antes y durante todo el espectáculo. También hay que puntualizar la limpieza del lugar; aunque hablamos de un parque, la asistencia era suficiente para desbordarse en cúmulos de restos y desperdicios. Sin embargo, eso nunca pasó y los jardines eran cómodos para recostarse y deleitarse del concierto.

La energía se mantuvo al máximo durante toda la noche, y el esfuerzo de Corey Taylor por dirigirse en español a los espectadores fue un detalle que los fanáticos apreciaron de manera amplia. Slipknot no solo cumplió con las expectativas, sino que dejó claro por qué, después de más de dos décadas, sigue siendo una de las bandas más queridas y respetadas del metal.

La presentación de Slipknot en el Parque Bicentenario fue mucho más que un concierto; fue un ritual de comunión entre la banda y sus fans más fieles, un encuentro de furia, energía y agradecimiento mutuo. Cada canción, cada grito y cada acorde fue una celebración de la música que une a esta comunidad de seguidores fieles. La promesa de Corey Taylor de mejorar su español y volver a México es una declaración de la profunda conexión que Slipknot tiene con su audiencia mexicana, y que seguro los fans esperan con ansias. En una industria donde la originalidad, autenticidad y la intensidad son antepuestas por lo comercial, Slipknot demostró que sigue siendo una fuerza imparable, capaz de ofrecer a su público de forma puntual lo que necesita: una experiencia de catarsis total.

Mira la galería completa en Instagram.

Escucha 'Cursi', el nuevo álbum de Zoe Gotusso

Un viaje emocional lleno de sonidos y colaboraciones excepcionales.

La cantante argentina, Zoe Gotusso, presenta su esperado segundo álbum titulado Cursi, una obra que refleja su crecimiento artístico y personal. Este nuevo disco, compuesto por 13 canciones grabadas en Buenos Aires durante 2023, incluye colaboraciones con artistas como Bomba Estéreo y Paulinho Moska, así como la producción del renombrado Cachorro López.  

Cursi es la consecuencia del amor que recibí durante mi primera gira de casi tres años. Este álbum es mi manera de devolver y agradecer todo ese cariño. Es íntimo, cercano, sentimental, un poco melodramático, o sea, Cursi”, comenta Zoe en un comunicado de prensa.

Cursi Albúm

Con un estilo que abarca géneros como la cumbia, indie pop, pop rock y folk-pop, Gotusso continúa explorando su sonido único. Entre los sencillos que ya se han lanzado se encuentran “Pensando en ti”, “No hay nadie como tú” y el reciente “Voy a olvidarme de mí” junto a Bomba Estéreo, que invita a bailar con su contagioso ritmo.  

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Camila Moreno sorprende con “Vapor”

Una canción onírica que desvela nuevos horizontes emocionales.

Camila Moreno, una de las voces más auténticas y talentosas de la música latinoamericana, ha lanzado "Vapor", el segundo adelanto de su esperado nuevo álbum. Tras el éxito de “Fuga”, esta nueva propuesta reafirma su brillante capacidad para mezclar lo experimental con lo poético, llevando su música a un nivel aún más profundo. Producida por Adan Jodorowsky en Ciudad de México, esta es una pieza envolvente que transporta al oyente a un espacio de reflexión y emociones complejas.

"Vapor" es una exploración lírica del amor de pareja, presentado a través de una imagen etérea y nebulosa, como la figura que se dibuja en un espejo empañado por el vapor de una ducha. Según Camila, la canción habla de esa sensación de amor que se torna borroso y efímero, pero profundamente intenso.

'Vapor' habla del amor de pareja cuando se vislumbra como una luz nublada y vaporosa. Es una imagen en la ducha, cuando se despliega la imaginación, y el nombre que se dibuja en el espejo es de tu amor”, expresó la cantante en un comunicado de prensa.

La canción no solo captura la sensación de ensoñación, sino que también refleja un proceso de revelación íntima, como un despertar hacia una verdad emocional que se descubre en la oscuridad. Esta obra es un testimonio más de la madurez artística de Camila Moreno, quien continúa evolucionando y consolidándose como una de las creadoras más sofisticadas de la escena actual, capaz de entregar una experiencia sonora que emociona y provoca reflexión. "Vapor" es una prueba más de su extraordinaria capacidad para transformar la música en poesía pura.

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Rosalía se une al voluntariado en Valencia

La artista pasó una jornada repartiendo comida en uno de los puestos de comida de World Central Kitchen.

Las fuertes lluvias desencadenadas por el fenómeno meteorológico de la DANA provocaron inundaciones repentinas y mortales, arrasando con todo a su paso y dejando a las comunidades de Valencia sin agua, alimentos ni electricidad. Durante una de las jornadas de voluntariado, Rosalia se desplazó a Llocnou de la Corona, una de las zonas más afectadas.

En compañía del equipo del chef José Andrés y su organización World Central Kitchen, y como una voluntaria más, la artista catalana se ha mantenido colaborando en las labores de reconstrucción y reparto de alimentos.

Hasta el momento, Rosalia no ha compartido ninguna fotografía a sus redes sociales, sin embargo se ha tomado el tiempo y la disposición de tomarse selfies con los fans que se le acercan. No han faltado los abrazos y los gestos de agradecimiento a todo el que se acercaba a por su ración de comida. En la mayoría de las imágenes se muestra a la artista catalana cargando cajas llenas de comida, con botas de hule y vestida de negro; siempre con la disposición solidaria de ayudar a los damnificados de Valencia y manteniendo una labor noble hacia los ciudadanos. Este gesto aunque parece ser silencioso, se ha difundido por X durante los últimos días. 

 

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