Sen Senra estrena el álbum, ‘PO2054AZ VOL. II’

Una extensión innovadora y llena de fantasías. 

El prolífico artista gallego, Sen Senra, es una de las principales figuras artísticas que nos ha regalado la combinación de géneros y exploración de nuevos sonidos. Hoy nos presenta PO2054AZ Vol. II, la esperada continuación y versión extendida de PO2054AZ Vol. I. 

Este material amplía el concepto onírico introducido en el primer volumen, pero para demostrar la evolución, profundiza la exploración de sonidos orgánicos y digitales. En PO2054AZ Vol. I. navegamos por la combinación de ritmos románticos y nostálgicos, hasta llegar a los más urbanos y electrónicos; PO2054AZ Vol. II llega para renacer el romanticismo en sus diferentes facetas y armonías. Las capas de instrumentación abundan, desde pianos y ritmos sensibles en “Un Cielo Azul”, donde Christian nos lleva por la analogía de hundirnos en un cielo nublado y solitario cada que dejamos atrás la cordura al dejar un amor lleno de ilusiones. 

Empezando con un mensaje de audio de lo que parece ser la madre del intérprete, nos introduce al sentimiento de lejanía y extrañar a alguien que se mantiene en distancia y muchas veces, está fuera de nuestro alcance. Dentro del álbum podemos encontrar el single “Hermosa Casualidad” Ft. Aitana, una canción que describe los encuentros fortuitos y la magia de las conexiones inesperadas. 

Cada pista integrada se entrelazan entre sí, comparten la esencia emocional y destaca la voz e interpretación de Sen Senra; en “Para Los Que Llegan Tarde”, podemos encontrar un interludio provocador que nos lleva a los ritmos urbanos destacados, hasta llegar a “Ataúd” sin que te des cuenta del cambio. 

El álbum se caracteriza por un balance perfecto entre sonidos orgánicos y sintetizadores, lo que transmite una transición emocional y rítmica, el claro ejemplo es el remix de “Llorando x1” feat MC Drika;  una renovación audaz.  A lo largo del álbum podemos encontrar tres mensajes de audio que marcan el inicio de un bloque de canciones de acuerdo al sentimiento transmitido en cada uno de los mensajes. 

Cuando te das la oportunidad de indagar y sumergir tu atención en cada una de las letras, te podrías dar cuenta de la cantidad de emociones que transmite este Vol. II; aunque se presente como la continuación del primer volumen, la autenticidad fresca del artista nos lleva por la reflexión, el baile, el amor ingenuo y hasta el amor por uno mismo. 

Para darle un cierre perfecto al álbum “No Se Preocupe” visibiliza el bienestar emocional, las buenas intenciones y el beneficio de afrontar los malos momentos y convertirlos en nuevas experiencias y miradas hacia la alegría. En los coros resalta la esperanza, “El que no salte se va pal’ hoyo”. Este material tiene la capacidad de mostrar nuevos horizontes musicales, mostrarnos posibilidades infinitas y emocionales. 

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A 50 años de 'Country Life' de Roxy Music

Histrionismo provocador que se decantó en una portada controversial y una elegante rareza lírica.

Country Life de Roxy Music salió a la luz el 15 de noviembre de 1974 a través de la firma discográfica de Island Records. Este álbum fue uno de los más controversiales, pero también de los más olvidados en la historia de la agrupación británica, esta paradoja nos lleva a la pregunta irremediable del por qué y el cómo pueden coexistir ambos planteamientos, pero la respuesta es sencilla; su portada elaborada por el fotógrafo Eric Boman representó un parteaguas en el tipo de consumo visual y en el softporn al que la sociedad no estaba tan acostumbrada. Exponer dos cuerpos de mujeres semidesnudas y con ropa interior transparente llevó a países como Estados Unidos, España y Australia censurar por completo la fotografía y rehacer una cobertura alternativa.

El hecho de que una portada no cumpliera con los requisitos conservadores de la época, representó una negativa en sus distribución inicial y, aunque Roxy Music desde su inicio mostró portadas de mujeres modelo, el juego gráfico se potenció hasta este LP y eso fue motivo de la baja promoción en otros países. Sin embargo, tampoco fue tan significativo, ya que posteriormente logró por primera vez estar uno de sus materiales en el Top 40 de Estados Unidos.

Este álbum fue el cuarto de la banda e implicó también una nueva propuesta en la composición musical, principalmente tras la salida de Brian Eno en 1973, quien tenía mayores influencias en la escena alternativa y en los rasgos psicodélicos. Si bien, el glam era considerado el estandarte del momento, para esta etapa de la agrupación no fue precisamente su código, aunque muchas veces se les ha catalogado como parte de este nicho, en esencia, no figuraban ya dentro de él.

El liderazgo de Bryan Ferry implicó una imagen visual y un sonido más sobrio y elegante. Por ello, lo que podemos escuchar a lo largo de Country Life es, sin duda, una proeza musical de la época y la introducción de juegos vocales e instrumentales que, posteriormente, serían de referencia para otras agrupaciones. Uno de los temas que más puedo resaltar en su composición es “Bitter Sweet”, ya que evoca al melodrama con una entrada sutil, pero con picos enérgicos que destacan y se desvanecen con la toma del tempo en notas de piano. Asimismo, los tracks que más dan vida a este LP sin duda son “All I Want Is You”, “If It Takes All Night” por el juego de R&B temprano o “Triptych” con la emulación a una obra teatral y un clavecín de fondo.

En 1974, Roxy Music estaba rehaciendo la música popular desde sus cimientos, y cambió evidentemente a los que estaban a su alcance con sus letras minimalistas y sonidos cuidados a detalle.

¿Cuál es tu track favorito? Te leemos en redes.

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Busty and the Bass comparte “Lucky (Song 7)”

La banda nos invita a transformar las dificultades de la vida a través de la música.

Luego del lanzamiento de Forever Never Cares (el álbum que presentaron en el Corona Capital 2023)Busty and the Bass comparte “Lucky (Song 7)”, un nuevo single con un mensaje positivo. En este track, el colectivo de Montreal nos invita a dejar atrás las cargas emocionales y cambiar nuestra perspectiva sobre las adversidades de la vida.

De acuerdo con Busty and the Bass: “El amor siempre está en tu mente y los días de suerte son difíciles de encontrar”. La canción aborda la idea de dejar que el amor y la positividad despejen la oscuridad de la duda y el estrés. 

“Lucky (Song 7)”, es un recordatorio de que la actitud con la que enfrentamos las cosas puede hacerlas más llevaderas, donde Busty and the Bass nos contagia y lleva por este camino cargado de buena vibra con su sonido sofisticado y un groove impecable e irresistible soul jazz.

Dale play, a continuación, al video oficial dirigido por Guillaume Landry:

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The Last Dinner Party abandona X/Twitter

La banda británica de indie rock deja la plataforma en protesta contra el sesgo político.

Con éxitos como “Nothing Matters” y su álbum debut Prelude to Ecstasy, The Last Dinner Party se mantiene fiel a sus valores en un entorno digital cada vez más polarizado y abandona X/Twitter argumentando que la plataforma se ha convertido en un espacio tóxico, lleno de desinformación y de tendencia política de derecha, situación que se intensifica tras la reelección de Donald Trump como presidente de Estados Unidos. Esta acción se alinea con la ética de la banda y se suman a una serie de artistas que han abandonado la red social.

Durante su actuación en Glastonbury este verano, Abigail Morris, vocalista de la banda, expresó su preocupación, instando a "Protegerse mutuamente y mostrar empatía". Este tipo de declaraciones políticas ha caracterizado a The Last Dinner Party, que, desde su formación en 2021 en Londres, ha utilizado su voz no solo para la música, sino también para el activismo.

A pesar de haber cancelado parte de su reciente gira europea debido a agotamiento emocional y físico, la banda sigue cosechando éxitos. Han sido confirmadas como teloneras de Olivia Rodrigo en el esperado concierto en el BST Hyde Park de Reino Unido en 2025, lo que consolida su lugar en la escena musical actual con una voz crítica ante temas sociales.

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FKA twigs estrena “Drums of Death”

El camino hacia su esperado álbum, EUSEXUA, continúa.

FKA twigs, la artista británica conocida por su enfoque experimental y vanguardista, acaba de lanzar su nuevo single titulado "Drums of Death". Este tema es parte de su cuarto álbum de estudio, EUSEXUA, que se lanzará oficialmente el 24 de enero de 2025 a través de Young Recordings. El álbum ya está disponible para reservar, y con "Drums of Death", la cantante promete seguir sorprendiendo a su audiencia con su inconfundible estilo.

En sus redes sociales, FKA twigs describió la canción como un "hard metal, stiletto plateado", un adelanto de lo que será su próxima propuesta musical: "Un festival de fallas servido ON DEMAND para las divas de las cartas con figuras", refiriéndose a un concepto visual y sonoro altamente innovador. "Drums of Death" sigue a los sencillos "EUSEXUA" y "Perfect Stranger", los cuales también formarán parte de este esperado trabajo discográfico.

 

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Mira, a continuación, el video dirigido por Jordan Hemingway:

Con este álbum, FKA twigs continúa su evolución artística, luego de sus aclamados Caprisongs, MAGDALENE y LP1. Los fans de la cantante y quienes disfrutan de su fusión de géneros como el R&B, el electropop y el avant garde, sin duda encontrarán en EUSEXUA una propuesta única que desafía las convenciones del pop contemporáneo.

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Julia Holter nos sumerge en “The Laugh Is in the Eyes”

La calma, la tempestad y la tranquilidad reflejadas en una canción. 

Desde el lanzamiento del álbum, Something in the Room She Moves, la artista californiana está de regreso con una obra musical llena de tempestad y transformación. “The Laught Is in the Eyes” es un track emocional que demuestra el característico enfoque experimental de Julia Holter; la percepción de la felicidad y la complejidad emocional en la era moderna.

“The Laught Is in the Eyes” surgió de las maquetas del single “Spinning”, que forma parte de su reciente LP Something in the Room She Moves. Esta transformación onírica demuestra un despertar sobre la noche, el sentimiento de estancarse sobre la anticipación y el sentimiento. 

'The Laugh Is in the Eyes' salió de las sesiones de composición de Something in the Room She Moves y comparte la devoción de ese álbum por la transformación y los sentidos corporales. Hay una inquietud en loop, un cinco rítmico junto a un cuatro, un círculo y un cuadrado. Como en la canción 'Spinning', un despertar sorprendente aguarda en el estado de noche: del estancamiento a la anticipación de las flores, las flautas, el sentimiento”, reveló Julia a través de un comunicado de prensa.

No podemos dejar atrás el sentimiento que “The Laught Is in the Eyes” transmite; la tempestad y calma que Julia demuestra en la interpretación, las flautas sonando de fondo y los ecos retumbando por el fondo.  A través de esta nueva entrega, Holter crea una atmósfera profunda. 

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Ichiko Aoba anuncia disco y estrena “Luciférine”

La artista japonesa explora el mar y la bioluminiscencia en su nuevo álbum.

Ichiko Aoba está lista para lanzar su esperado nuevo álbum Luminescent Creatures el 28 de febrero de 2025 vía hermine / Psychic Hotline. Este disco, continuación de su aclamado Windswept Adan (2020), promete llevar a los oyentes a un viaje introspectivo por los orígenes de la vida, inspirado en la bioluminiscencia y las profundidades del mar.

Aoba, quien ha sido aclamada tanto en Japón como internacionalmente, expande su universo musical con paisajes sonoros de ensueño, conectando las experiencias personales con la naturaleza a través de su guitarra y su delicada voz.

El primer sencillo, “Luciférine” introduce la temática central del álbum: la luz en la oscuridad, como un medio primitivo de comunicación. En su letra, Ichiko Aoba invita a imaginar un mundo donde criaturas bioluminiscentes iluminan el camino, conectando galaxias a través de la luz. Además, Ichiko ha anunciado una gira mundial para 2025, que incluirá fechas en Norteamérica, acompañada por el Wordless Music Quintet en algunas presentaciones.

Mira la portada y el tracklist a continuación:

Ichiko Aoba Albúm

Tracklist de Luminescent Creatures

  1. "COLORATURA"
  2. "24° 3' 27.0" N 123° 47' 07.5" E"
  3. "mazamun"
  4. "tower"
  5. "aurora"
  6. "FLAG"  
  7. "Cochlea"
  8. "Luciférine"
  9. "prisomnia"  
  10. "SONAR"
  11. "惑星の泪 (Wakusei no Namida)"

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“Amor Psicodélico”, el nuevo sencillo de Mexican Dubwiser 

El dueto regiomontano revoluciona la cumbia con tintes electrónicos y colaboraciones de alto nivel.

Mexican Dubwiser ha lanzado su nuevo tema llamado "Amor Psicodélico". Este adelanto forma parte de su próximo álbum Champion Sound, que saldrá en marzo de 2025 de la mano de Kin Kon Records. En esta ocasión, Marcelo Tijerina y Ulises Lozano, integrantes del proyecto, se unieron a La Favi, ganadora del Grammy Latino como compositora, para crear un tema que fusiona la cumbia psicodélica con matices de trap y reguetón.

Mexican Dubwiser Amor Psicodélico Sencillo

"Amor Psicodélico" es una experimentación sonora que explora nuevas dimensiones dentro de la cumbia, integrando elementos de música electrónica para darle un toque actual, lleno de frescura. La canción trae a la memoria paisajes latinoamericanos con su ritmo, presentando una letra que muestra el amor en su estado más libre y salvaje.

Además de la canción, Mexican Dubwiser ha lanzado un lyric video que acompaña a la perfección el tema. En este visual, muestran elementos naturales como plantas, colibríes y gotas de agua que son intervenidos para crear un viaje visual lleno de colores y texturas que hipnotizan, reforzando la atmósfera psicodélica de la canción.

Con este lanzamiento, Mexican Dubwiser no solo rinde un homenaje al género de la cumbia, sino que la lleva a otro nivel, conectando con el público joven y reafirmando su lugar en la vanguardia de la música latina.

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Entrevista con Air

Redescubriendo el mundo, 25 años después, con Moon Safari.

La Ciudad de México se transforma en un mosaico de luces mientras la noche desciende sobre el Estadio Fray Nano. El público, entretenido con los demás actos, también permanece impaciente por el momento de escuchar el álbum debut de Air de pies a cabeza y celebrar juntos los 25 años del disco. 

Jean-Benoît y Nicolas, a pesar de los años y los kilómetros recorridos gira tras gira, mantienen su entusiasmo por descubrir el mundo, un mundo que como ellos va evolucionando. Viajar para ellos es más que una parte de su agenda: es una oportunidad para redescubrir lo que su música significa en cada cultura, en cada rincón del planeta. 

“Es emocionante viajar tanto porque vemos el mundo, recientemente fuimos a Estados Unidos y, bueno, cuando uno sale de gira puedes ver cambios positivos y darte cuenta de los cambios de un país. Es algo muy interesante. (...) Siempre es un placer para nosotros estar en México, somos de Francia pero ambos son países latinos y la comida y el lenguaje nos hacen sentir cercanos y más cómodos que en Estados Unidos". 

En cuanto a México, podemos notar que hay algo en el calor de esta tierra que resuena con ellos, una conexión que va más allá de lo evidente, un sentimiento de familiaridad y misticismo que los envuelve cada vez que pisan suelo mexicano. 

“La audiencia mexicana nos sorprendió desde la primera vez porque, aunque es algo parecido a Sudamérica, la gente es muy diferente aquí. Las personas son muy románticas, pueden tener pensamientos obscuros o pueden ser muy profundos. Es una vibra que nos sorprende mucho porque también podemos sentir el pasado de los aztecas. Por ejemplo en Argentina escuchas casi solo español pero aquí es diferente porque las civilizaciones y costumbres del pasado siguen vivas. Para nosotros es muy emocionante, no hay nada parecido a los aztecas o a los mayas en París.” 

El viaje musical de Air no ha sido fácil, pero ha estado guiado por una constante búsqueda de autenticidad y honestidad en su arte. Para ellos, la incertidumbre es parte del proceso, y después de más de dos décadas, la banda ha aprendido a abrazarla. 

Cuando uno hace música uno nunca sabe qué es lo que la gente va a pensar o qué es lo que esperan de ti. Lo único que puedes hacer es dar lo mejor de ti y prepararte lo mejor posible. No sabes lo que les va a gustar o lo que no les va a gustar. Tratamos de evitar errores así que en una gira es muy importante estar en buena forma, comer bien y dormir bien, porque la música también es un reto. Se requiere disciplina, luego de 21 años necesitas mucha disciplina.”

Air Ernesto Pareja

Sobre Moon Safari, el disco que tuvo al público de esa noche expectante, el grupo menciona sobre la atemporalidad del disco y cómo han dirigido sus decisiones creativas. 

“Es imposible hablar de Air sin mencionar su obra maestra, Moon Safari. Han pasado casi tres décadas desde su lanzamiento y, sin embargo, su sonido sigue siendo atemporal, como si el tiempo no hubiera pasado. Moon Safari, nuestro primer disco, es muy conocido y probablemente es el disco que funciona mejor. Lo hicimos hace 27 años y no entendemos por qué este álbum, llegó a ser más que los demás y es que mientras hacíamos más música también estábamos logrando un sonido más sofisticado. No sé si a la gente no le gusta la música más sofisticada, creo que prefieren algo más simple y con emociones, y este álbum es muy emotivo que nunca dejó de hablarle a la gente. Creo que esa es la definición de un clásico”. 

“No tenemos temas favoritos, porque cada canción trata sobre nuestras vidas y cada canción cuenta una historia diferente. También ambos tenemos un punto de vista muy diferente sobre cada una de esas historias y canciones. Para mí (Jean-Benoît) sería 'New Star In The Sky' porque es una canción que escribí sobre el nacimiento de mi hijo y un momento para mi familia que fue único. Cuando tocamos este disco es como abrir un álbum de fotos en el que cada canción es un recuerdo. La música tiene la habilidad de capturar momentos e interpretarlos en un escenario es volverlos a vivir y compartirlos”. 

El dúo vuelve a remarcar sus motivaciones por los aplausos o los reflectores. En lugar de eso, hay un genuino deseo de conectar, sin importar el tamaño del escenario o la magnitud del público. 

“Para el siguiente año esperamos dar más conciertos, este es un muy buen tour, ha sido un éxito y hay mucha gente que quiere vernos así que tenemos que hacer todo lo posible para ir. No importa si es un festival o concierto en solitario, cuando uno viaja a diferentes partes del mundo y hace giras así se debe acostumbrar a que en algunos países vas a ser un acto grande y en otros países será todo lo contrario. No sabemos nunca qué será hasta que llegamos al país y por supuesto nunca nos ponemos a pensar si vamos a ser importantes aquí o allá porque son expectativas sin sentido.” 

Esa necesidad de crear algo significativo es palpable en cada uno de sus álbumes, especialmente en su debut Moon Safari, que sigue siendo un clásico por derecho propio. Para Air, lo más importante en su música es la exploración de lo que se siente, de lo que puede conectar, en lugar de un medio para alcanzar la fama. 

Nunca tuvimos esa expectativa de ser estrellas de rock, para nosotros era más como una fantasía de replicar lo que era entrar al cuarto de tu hermano mayor y ver sus discos de The Police y The Clash y saber dentro de ti que algún día harías un disco así. Nunca se trató sobre la fama o ser grande, sino de crear algo significativo.”

Air Ernesto

Jean-Benoît lo resume con una sinceridad que deja ver su amor genuino por tocar en vivo. “Solo queremos que la gente sea muy feliz escuchando este disco en vivo, sabemos que hay muchas bandas que se reúnen solo por el negocio y para nosotros no es así. A nosotros nos tomó mucho tiempo entender la bendición que fue crear este álbum y es un placer tocar para ustedes.” 

Es este deseo de hacer feliz a su audiencia lo que distingue a Air de tantas bandas que se embarcan en giras por razones puramente comerciales. Para ellos, tocar en vivo es un privilegio, una oportunidad de compartir un momento especial con quienes los han seguido durante años. 

La noche cayó y las primeras notas de Moon Safari empezaron a resonar, abrazando al público con una experiencia que solo Air puede ofrecer.

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CARLIÁN: El poder de la música queer

La voz caribeña que redefine el pop electrónico.

Con raíces puertorriqueñas y un estilo único que mezcla pop, electrónica y reggaetón, CARLIÁN ha emergido como una voz cautivadora y honesta en la escena musical. Nacida y criada en Ponce, Puerto Rico, su pasión por el canto y la guitarra comenzó en la iglesia. Pero fue la cultura pop, descubierta a través de internet, la que encendió su pasión por la música y la llevó a experimentar con sonidos poco convencionales. A sus 22 años, Carliane Santiago continuó su formación en el prestigioso Clive Davis Institute of Recorded Music en la Universidad de Nueva York, donde pulió un estilo propio que es a la vez poderoso y liberador.

Establecida en Brooklyn, la artista ha creado un espacio en su música que invita a abrazar la vulnerabilidad y celebrar el orgullo. Su sonido no solo explora temas de amor y desamor, sino que también se convierte en un manifiesto de autoaceptación y libertad. Con sencillos como “VIENES?”, CARLIÁN ha comenzado a construir un proyecto más amplio que examina temas de sexualidad, autocrítica y una utopía queer terrenal, una visión donde la identidad es motivo de poder y alegría.

Su más reciente sencillo, “NUNCA ME AMASTE”, lanzado a través de Fashionably Early Records y ya disponible en todas las plataformas, captura la esencia de esa decepción amorosa. Producido por Frankie Scoca, quien ha trabajado con artistas de renombre como NewJeans, el tema transforma la experiencia de amar a alguien que no supo valorar a uno en un acto de empoderamiento. Acompañado de un videoclip, el single explora tanto el dolor como la fortaleza, mientras CARLIÁN elige el camino de la autoaceptación y el amor propio.

Este lanzamiento promete consolidarla como una artista imprescindible, una creadora que, a través de su música y su identidad, no teme desvelar las complejidades de amar a alguien y la autenticidad en la vida queer.

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