Liam Gallagher — C' Mon You Know

Renovación evolutiva.

Tras el lanzamiento de su segundo álbum de estudio Why Me? Why not. (2019) y la grabación de un Mtv unplugged en el 2020, el músico británico Liam Gallagher regresa para dejar atrás todos aquellos prejuicios del pasado, logrando redimirse mientras se embarca en una nueva búsqueda musical en la que encuentra renovarse creando quizá uno de los mejores álbumes de su carrera como solista. C’ Mon You Know es el resultado de un cambio y un salto bastante grande en donde converge toda una evolución sonora muy notable con una dirección mucho más solida y concreta.

Para este LP Gallagher trabajó de cerca con músicos como Ezra Koenig de Vampire Weekend, Nick Zinner de Yeah Yeah Yeahs y Dave Grohl de Foo Fighters con quien co-escribió el tema “Everything’s Electric”, dándole una atmósfera completamente diferente a todo el álbum. Con C’ Mon You Know el músico de Manchester construye nuevos horizontes sonoros siendo fiel y sin dejar atrás su particular estilo.

Liam Gallagher_2022

El álbum abre con “More Power”, un tema emotivo que retrata la inconformidad y la aspiración al poder, acompañado por un coro de niños que impulsan y llevan a la canción a un punto en donde explota todo en conjunto. Cambiando completamente a un mood más ruidoso continua “Diamond In The Dark”, un track muy al estilo de los Arctic Monkeys, lleno de baterías saturadas y guitarras ruidosas.

Con un sonido similar al de Kasabian continua toda la euforia de las guitarras con “Don’t Go Halfway”. Con un trip más electrónico y tenues sintetizadores llega el tema principal del disco “C’mon You Know”, cuyos sutiles coros gospel le dan un empuje parcial a la canción transportándola a un punto donde el equilibrio de las guitarras y la voz son totalmente perfectas

“Too Good For Giving Up” es uno de los temas más pasivos del disco, con un tono melancólico la canción cuenta con la estructura de la vieja escuela del rock alternativo de inicios de la década de los 2000. “It Was Not Meant To Be” nos muestra esa evidente influencia de The Beatles.

Para la mitad del disco tenemos uno de los hits de este LP, co-escrita con Dave Grohl, “Everything’s Electric” arranca con un poderoso bajo distorsionado rematado por un groove de batería preciso y consistente, los matices de esta canción están bien marcados por una sublime guitarra acústica. Cortadas por la misma tijera “World’s In Need” y “Moscow Rules” tienen ese dinamismo muy apegado a las influencias de Gallagher, ambos temas quiza son de los más hipnotizantes del disco.

El tema más equilibrado es “I’m Free”, en el se mezclan diferentes texturas de sonido que van desde lo energético hasta lo suave de una especie de reggae marcado por el piano. Uno de los puntos más altos del disco llega con “Better Days”, un tema optimista y potente cuya magia del productor Andrew Wyatt es simplemente sublime.

La recta final del disco es marcada por “Oh Sweet Children”, una balada bastante pegadiza que se distingue por su sencillo arreglo de guitarra, perfecto cierre para este LP. Como temas extras se encuentra “The Joker” y “Wave” los cuales están incluidos en la versión deluxe del disco.

Entrevista con Beach Fossils

Música hecha con pasión y emociones genuinas.

A pocas semanas de su esperado regreso a México, tuve el placer de conversar con Dustin Payseur de Beach Fossils acerca de la forma en la que hace y conecta con su música, el cariño que tiene la agrupación con México y el convertirse en padre hace poco más de un año.

A pesar de que su último material de larga duración data del 2017, el año pasado Beach Fossils publicó un álbum especial de sus más grandes éxitos reimaginados como baladas de jazz.

La idea salió estando de gira. Nuestro baterista, Tommy Gardner, es un increíble músico de jazz, lo estudió en Juilliard, y es un chico muy talentoso. Cada que estábamos en una habitación con un piano se sentaba a tocar canciones de Beach Fossils y solía decirle ‘hey, tócala al estilo country o jazz’ y es tan bueno en eso que cero que cualquier cosa que toque en ése estilo suena muy bello. Me dije ‘algún día tenemos que hacer un disco así’ y al fin lo hicimos”.

Sobre si le gustaría probar algún otro género, comentó lo siguiente:

"Sí, definitivamente me gustaría intentar varios géneros más. Usualmente cuando estoy haciendo algo no lo hago de forma tan directa, sino que a veces estoy jugando con seis o siete géneros para una sola canción, en diferentes formas o instrumentos. Cada instrumento toca un estilo diferente pero con este disco fue la única vez en la que dije ‘sólo hagamos este estilo, directamente jazz’”.

Han pasado más de tres años desde el lanzamiento de Somersault, último LP de Beach Fossils, sin embargo, Dustin siempre está creando música nueva y me platicó acerca del proceso que sigue para mantenerse activo.

Solía pensar que sólo podía hacer música cuando estaba inspirado, pero después me daba cuenta que llevaba mucho tiempo sin trabajar y me preguntaba ‘¿dónde quedó la inspiración?’, ¿sabes? Así que después de un tiempo decidí hacer más rutinario el sentarme a trabajar en algo y descubrí que la inspiración llegará cuando haces eso y, si trabajo en eso regularmente, estaré haciendo cosas que me gustan con más frecuencia. (…) He tenido bloqueos creativos bastante serios muchas veces a lo largo de los años y creo que seguir una rutina estructura todo”.

La primera vez que Beach Fossils visitó México fue hace más de 10 años, no obstante, el amor que le tiene el público mexicano a la banda de Brooklyn ha persistido e incrementado con el paso del tiempo, convirtiéndose en uno de los lugares favoritos de los neoyorquinos para presentarse.

Se siente increíble, incluso desde la primera vez que tocamos ahí sentí una energía especial que no había sentido en Estados Unidos y, aunque sea algo que puedes decir de cualquier lugar porque la gente aporta una energía diferente a cualquier lado que vayas (incluso en cada estado), había esta especie de conexión al tocar en México en las personas eran muy apasionadas por la música de una forma que no ves muy a menudo en Estados Unidos. Casi se sintió como un espejo porque ésa es la pasión que siento por la música. Quizás sólo es que al vivir en Nueva York la gente se vuelve un poco hastiada. Amo la energía y entusiasmo de allá, es asombrosa”.

A poco más de un mes de que regresen para una pequeña gira que los llevará a Tijuana, Zapopan y la Ciudad de México, Dustin me compartió su emoción por volver después de cuatro años sin pisar el país.

Sinceramente no sólo me emociona el concierto como tal, me gusta mucho estar en México, el ambiente, las personas. Nos gusta tomar cervezas y el mezcal, la comida, toda la experiencia. Siempre intentamos tener unos días de descanso cuando vamos allá y también tenemos algunos amigos ahí que nos llevan a tener un poco más de la experiencia local”.


Hace un par de meses, Payseur confesó vía Twitter que contaba con 183 demos para el siguiente disco de Beach Fossils. Al preguntarle sobre cómo selecciona qué ideas desarrollar y cuántos demos han sobrevivido durante este tiempo, respondió:

Usualmente me baso en la respuesta emocional, ésa es la forma en la que escucho toda mi música. Siento que es como cuando estás comiendo, no muerdes algo y te preguntas ‘hmm ¿me gusta esto? ¿Cómo lo siento?’, sino que de inmediato decides si te gusta o no y así es como soy con la música. No elijo la música que me gusta, sólo me llega ése sentimiento y lo mismo sucede con mis propias canciones. A veces trabajas en algo y te adentras tanto que no puedes ver el panorama completo, así que normalmente cuando termino de hacer una canción tengo que alejarme por un tiempo, olvidar cómo suena y regresar para saber si me está dando ésa sensación inmediata y saber si es algo en lo que quiero trabajar más o que sí usaré. (…) Por ahora ya lo limité a unas 30 o 40 canciones y estoy terminando bien alrededor de 13”.


Al plantearle la posibilidad de que nos sorprenda con algún tema nuevo en sus conciertos en México, contestó:

No lo sé aún, no hemos empezado a ensayar para los shows aún. Sería divertido, de hecho pero no lo sé aún. ¡Supongo que ya lo veremos!”

Además de su gira en nuestro país, Beach Fossils se presentará en el festival Viva! L.A., en el que comparten cartel con actos como Daddy Yankee, Los Tucanes de Tijuana, Caballo Dorado y hasta Paquita la del Barrio. Sobre la variedad de géneros y artistas en los que se encuentra su proyecto, mencionó lo siguiente:

“¡Me encanta eso! Eso es algo que realmente me gusta de los festivales, que obtienes una bolsa variada de estilos de música. Me gustaría que más shows fueran así en general. La cosa que menos me gusta es ir a un concierto y que sólo obtengas un género. Es como, vas a un concierto de punk y sólo ves punk, vas a uno indie y sólo escuchas indie, no quiero eso. Me hace muy feliz ir a un show en el que haya cuatro bandas tocando estilos completamente distintos porque de eso se trata la vida”.

Dustin aprovechó para compartir lo mucho que disfruta tocar, tanto en conciertos en solitario, como en grandes festivales.

Creo que ambos son igual de especiales por distintas razones, Cuando estás en clubes pequeños y sólo son personas realmente apasionadas por lo que haces, esos son los shows que te erizan la piel, pero cuando tocas festivales grandes, puede que haya mucha gente que no sepa quién eres, pero eso también es especial porque puede que hagas de nuevo ése concierto en el club pequeño y tengas nuevos fans que no te habrían descubierto de otro modo y eso me emociona mucho. (…) Cada vez que toco en un show me siento muy agradecido de que esté sucediendo y que esta sea mi vida, esa es la mejor experiencia, el estar ahí arriba haciendo lo que amo es hermoso.”

Sin embargo, el estar arriba del escenario conlleva una responsabilidad con la audiencia y eso también significa tener que vivir algunos momentos no tan gratos.

Lo peor es cuando la gente se enfrasca en peleas durante el show y tengo que pausarlo para detenerlas. Realmente odio cuando eso sucede. Tenemos muchos fans a los que les gusta el moshing, pero también hay gente que va quizás por primera vez a vernos y no lo saben, entonces la gente se molesta y las personas que quieren estar quietas y las que quieren estar empujándose suelen pelearse y tengo que detener el concierto. Incluso después de que sucede se sigue sintiendo raro por el resto del show, odio cuando se pelean, sólo quiero que la música sea algo que nos una a todos”.

Al preguntarle sobre lo que le espera a Beach Fossils en el futuro a corto plazo, Dustin confirmó que la prioridad #1 es completar su nuevo material, algo que ha sido postergado en varias ocasiones, sobre todo ahora que es papá.

Estamos trabajando en unas fechas para el resto del año, pero no muchas porque el objetivo principal es terminar este nuevo disco. Hemos trabajado en él por un largo tiempo. Me convertí en padre hace año y medio, así que no había tenido tiempo de concentrarme en escribir mucho porque estaba completamente enfocado en ser papá, pero mi hija ya es un poco más grande y puedo volver a trabajar en la música de nuevo así que sólo intentaré terminar éste álbum”.

Sin duda convertirse en padre significó una nueva etapa en su vida personal, pero al preguntarle si también ha afectado la manera en que escribe música, Payseur reflexionó un poco más.

No creí que fuera a hacerlo, pero lo está haciendo en algunas maneras. Ha reavivado la chispa de ésa sensación de la que estaba hablando. Creo que por un tiempo cuando estaba trabajando en mi música me sentí atorado, quizás con un bloqueo creativo y luego, no sé, algo sobre tener un bebé despertó estos sentimientos en mí y volví a sentirme inspirado. No soy el tipo de persona que cambiará la forma en que suena su música o que hará canciones sobre ser un padre, pero en general sí te hace sentir algo nuevo”.

La música de Beach Fossils se caracteriza por tocar las fibras más sensibles de nuestro ser y eso es resultado de la forma tan meticulosa y emocional en la que Dustin Payseur compone sus temas. Definitivamente poder escucharlos en vivo es una experiencia única que no debes dejar pasar. Los boletos para sus presentaciones en México ya están a la venta, incluyendo su show el 23 de junio en el Frontón México presentado por Hipnosis.

A 20 años de 'Canción de Lejos' de Los Bunkers

La Voz Chilena de los 2000.

Los Bunkers apareció en la escena chilena hacia el final del siglo XX, en el caótico 1999. Oriundos de Concepción, una de las ciudades musicales más interesantes que también nos ha dado a la banda Los Tres, se les conoció por chilenizar el sonido del rock clásico de Cream y The Beatles, con letras que hablaban de lo que pasaba en sus comunidades, y de lo que vivía la gente más alejada a su realidad.

El peso de la dictadura de Augusto Pinochet se sentía aún -y se siente hasta hoy - incluso después de su destitución y de la llegada de la esperada democracia al país, y esto se convirtió en la raíz del descontento de la sociedad chilena de entrada al nuevo milenio. Este descontento sirvió como base para el florecimiento de un rock que hablaba de cómo las injusticias seguían presentes a pesar de haber salido de la dictadura.

Luego de tres años de muchos conciertos en vivo y de publicar su primer álbum en el 2001, el homónimo Los Bunkers, anunciaron la salida de Canción de Lejos. El segundo álbum de la banda consagró su posición como una de las más destacadas agrupaciones de la historia de Chile, cimentando la importancia del estilo de canción protesta en la nueva juventud chilena.

Es interesante además, porque el estilo de canción protesta se mezcla con la necesidad de amar y sentirse protegidos, que en una visión comunitaria cobra mucho sentido. Todos queremos poder amar en un país que nos protege y donde nos sentimos seguros. Para reconocer esto podemos escuchar temas como la canción que abre el disco y le da su nombre, “Canción de Lejos”, y también otras como “Las Cosas Que Cambié y Dejé Por Ti”, “Lo Que Me Angustia” y “Mañana Lo Voy A Saber”.

El álbum cuenta con tal vez la canción más importante de la trayectoria de la banda, “Miño”, que fue escrita en homenaje al hombre que se inmoló frente al Palacio de La Moneda como protesta por la muerte de su padre por contaminación en una fábrica de materiales de construcción. Esta canción forma parte hasta hoy del cancionero popular de quienes salen a marchar contra su gobierno en distintas ciudades del país.

La importancia y encanto de Canción de Lejos no se basan en la destreza de la ejecución de los instrumentos ni en la composición de su música, sino en el momento histórico en el que apareció en Chile. El hartazgo de la población por el abuso bajo el que vivían, la llegada de una nueva era que se sentía exactamente igual que la anterior por la desidia de gobiernos asentados en las bases de una dictadura que nunca terminó de irse y cuya presencia se sentía día a día. Y, por supuesto, el desinterés de las bandas que precedieron a los años 2000 por ofrecerle a sus seguidores un contenido que hable de lo que le pasa a la gente en la calle, esa gente que esperan que sean quienes les compran discos y entradas para sus conciertos. Canción de Lejos llegó a saciar esa necesidad.

En conjunto, es un álbum que retrata su época de forma magistral a pesar de que con el paso del tiempo se critique la calidad de su sonido y composición, lo que, honestamente, pasa con casi todos los mejores álbumes de la historia.

Wilco — Cruel Country

Profundas letras, melodías folclóricas y mucho country de por medio.

Tras tres años de ausencia la banda originaria de Chicago, Wilco, regresa con Cruel Country su doceavo material discográfico que muestra uno de los lados más íntimos de la agrupación.

Hay temas con toques folclóricos “I Am My Mother” donde predomina la preocupación o “Cruel Country” que nos hace sentir la típica nostalgia de un día nublado donde solo queremos estar acostados escuchando cada tema de este cálido material. Por otra parte “Hints” y “Ambulance” muestran ligeras líneas acústicas que comparten momentos desgarradores.

Incluso el emblemático “Bird Without a Tail/ Base of My Skull” tiene melodías folclóricas, que por momentos se extienden a sonidos acústicos e improvisados.

Este material cuenta con temas que tienen más de un elemento country como lo son “Falling Apart (Right Now)” donde las percusiones de Glenn Kotche se vuelven pegajosas y te ponen a bailar. “A Lifetime to Find” es una verdadera explosión de instrumentos creando uno de los country’s más ambientales. Así como “Country Song Upside-Down” que se transforma es una iluminante balada.

También hay temas que nos recuerdan al Wilco de hace unos años como “Mystery Binds”, “Hearts Hard to Find” y “Tired of Taking It Out On You” que nos hacen dar vuelta atrás y sentir la nostalgia de recordar los primeros materiales de Wilco donde todo el sonido era nuevo para nuestros oídos.

Por último la banda no se olvidó de los temas tranquilos es el caso de “The Plains”, “Sad Kind of Way”, “Please Be Wrong” y “Story to Tell” que se siente como un cálido abrazo.

Wilco mostró una faceta que pocos conocían de la banda en Cruel Country donde el verdadero country se hizo presente de una manera muy alegre en compañía de unas estupendas notas folclóricas.

Sonido Gallo Negro en el Salón Los Ángeles

Un río sonoro de cumbia psicodélica.

Como diría Alejandra Pizarnik en alguno de sus potentes ensayos “los sonidos de la música pueden acabar con los duros bordes de las cosas. Gracias a ella algo empieza a fluir y el que la compone (y también el que la oye) se vuelve capitán de un río”. Justamente la pista del majestuoso Salón Los Ángeles se convirtió en un rio cálido y caudaloso de baile y sabor gracias a Sonido Gallo Negro que nos regaló una noche de intenso goce sonoro a la altura de su nuevo material discográfico, Paganismo.

Qué mejor lugar para una noche de danza que el emblemático Salón Los Ángeles con su arquitectura pensada para los amantes de la pista y los buenos ritmos que nos recibió con su inigualable esplendor y magnífico ambiente que le ponía el toque exacto para engalanar la noche. 

La pista y los altavoces fueron pre-calentados por Dr. Lakra, artista multifacético hijo del legendario Francisco Toledo, que en esta ocasión nos regaló un DJ set preciso para empezar la noche. Acto seguido, hizo su aparición el dueto Faux Real, que con un enérgico show lleno de coreografías  bien montadas en medio del público, hicieron que  ambiente comenzará sentirse de verdadera fiesta musical.

La hora esperada llegó y el Sonido Gallo Negro tomó posesión no solo del escenario sino de nuestros cuerpos y almas bailadoras. Lamentablemente, el inicio del show no fue el mejor debido a problemas de audio en las primeras canciones, quien se vio afectada  en su participación fue  Molly Lewis, que interpretó un par de temas “Silbadora” y “Tarántula” sencillos que recientemente nos había compartido la banda como adelantos del nuevo álbum. Lewis es de las pocas silbadoras profesionales de la industria y desafortunadamente no pudimos apreciar como hubiésemos deseado sus dotes musicales. El equipo técnico mostró sus habilidades y poco a poco fueron ajustando el sonido y pudimos disfrutar al maestro Ernesto Mendoza en el theremin, este instrumento que le da un toque muy particular y distintivo a SNG. 

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La fiesta siguió su curso y en el punto más álgido de la noche cayeron del cielo globos rojos, amarillos, blancos y azules que son los colores distintivos del arte de Paganismo. El público se encontraba tan entregado al éxtasis que comenzó el clásico slam y viborita en la pista que provocó una lluvia de chela y vasos. Más que un baile de parejas, que claramente no faltaron en la pista, fue un rito colectivo de entrega a la cumbia llevados de la mano por el  hipnótico ritmo que caracteriza a Sonido Gallo Negro.

Cuando creíamos que todo estaba llegando a su fin y la banda se despedía del escenario, después de haber salido a tocar dos temas más a petición del clásico “¡Otra, otra, otra….!” y que, incluso, algunas personas comenzaron a abandonar el recinto, el conjunto volvió a reaparecer en el escenario “...la verdad es que no nos queremos ir , este es de esos toquines que parece que puede durar para siempre”. Sonido Gallo Negro nos deleitó con varios temas mas de su mas fino repertorio hasta casi la 1 de la madrugada.

Gabriel López, Julián Huerta, Israel Martínez, Enrique Casasola y Dr. Alderete nos presentaron su nuevo álbum Paganismo con un show maratónico que demuestra que la cumbia está más viva que nunca y que Sonido Gallo Negro esta en su mejor momento.

Chilean Wey 2022

Un festival que celebró la multiculturalidad, el ser latino y la unión entre dos países hermanos.

Llegó el día, el foro del Pepsi Center WTC abrió sus puertas para la primera edición del festival Chilean Wey, un festival creado para celebrar la hermandad de dos países latinos que se unen a través de la cultura, superando la separación geográfica. Las banderas chilenas se hicieron presentes desde el inicio del festival; de repente se podía escuchar el icónico grito “Chi-chi-chi, le- le- le, ¡Viva Chile!” y la comida andina acompañada con pisco se podía encontrar desde la entrada al festival. Sin duda, el Pepsi Center WTC se transformó en un cachito de Chile muy bacana.

Comenzamos las presentaciones desde muy temprano y los encargados de inaugurar el escenario principal fueron Los Daniels y Elis Paprika, los primeros teniendo varias sorpresas para los asistentes tempraneros del festival compartiendo acordes con Ely Guerra y subiendo a un fan para tocar con ellos, creando un gran acto inaugural. Después Elis paprika se encargó de plasmar la diversidad de sonidos del festival con la gran ejecución de rock cargado de emoción y poder con la interpretación de “No Puedo”, “The End of the World”, canción en la que tuvo que tomarse un momento por la emocionalidad del track y cerrando su presentación con “Now Girls Rule!” junto a Valentina de Las Decapitadas.

Avanzando en el festival, con algunos actos de danza polinesia y de cuecas chilenas, llegamos a la presentación de Frank’s White Canvas, quienes impresionaron a muchos con su propuesta y espectáculo de iluminación que llenó el escenario de humo rojo mientras interpretaban canciones como “Hiding away”, “Wake up”, “Nobody come” y “Sleep, work, eat” prendiendo a la gente que de a poco, comenzaba a llenar el foro del Pepsi Center WTC.

Franks White Canvas_Festival Chilean Wey_David Durán (4)

De aquí nos fuimos de corrido con tres presentaciones que se robaron el aliento de muchos de los asistentes con dos propuestas chilenas y una mexicana. De esta manera, Ases Falsos subió al escenario para hacerlo suyo y entregar un espectáculo que hizo feliz a más de uno, con todas las interacciones del vocalista con el público y la interpretación de sus más grandes éxitos. Con un setlist que se alargó un poco, Ases Falsos conquistó al público con la interpretación de “La gran curva”, “Eres Una Bomba” y marcó uno de los momentos mas representativos del festival con la interpretación de “2022”, de su etapa como Fother Muckers, y con el vocalista bajando del escenario para caminar entre la gente y llegar hasta las últimas secciones del público.

Así llegamos al ecuador del festival y después de una muy buena presentación de Erich en el segundo escenario del foro, San Pascualito Rey tomó el escenario para llenar los oídos de los asistentes con su patentado e icónico dark guapachoso. En este punto los sets comenzaron a alargarse y la agrupación mexicana nos entregó un setlist en el que destacamos la interpretación de “Caemos o volamos”, “Olvídate de mí”, “Hoy no es mi día” y “Salgamos de aquí” canción con la que cerraron su participación, invitando a todo el público a su próxima presentación en el Teatro Metropólitan.

La siguiente en tomar el escenario fue Ana Tijoux, quien entregó una de las mejores presentaciones del día con un gran número de elementos musicales que acompañaron sus barras de protesta y activismo dando el toque de música urbana que le faltaba al festival, mientras interpretaba “1977”, “Sacar la Voz” y cerrando su setlist con una poderosa interpretación de “Antipatriarca”. Sin duda, fue uno de los momentos cumbre de festival, con una de las voces más icónicas y representativas de la actualidad chilena.

Ana Tijoux_Festival Chilean Wey_David Durán (4)

Después de tomar una pequeña pausa y de dar el rol por los stands del mercado del Chopo, tuvimos la oportunidad de escuchar la suave voz de Cancamusa, en el segundo escenario del festival, culminando una corta presentación con “Horas contigo”.  Con esto comenzábamos la recta final del festival, que nos dejaba una gran calidad musical sobre sus escenarios y momentos que permanecerán en el recuerdo de los asistentes.

La gente se comenzó a congregar frente al escenario principal, mientras el staff acomodaba unas bolas de disco junto a una silla y una guitarra acústica rosa. Ely Guerra subió al escenario armada solo con los acordes de su guitarra y su voz; no necesitaría más para interpretar un set acústico en el que dejó en claro que es una de las mejores voces de la escena musical latinoamericana. La mexicana tocó un set de diez canciones, en el que resumió una gran parte de su carrera artística y haciendo pequeñas pausas para otorgarle un pequeño preludio a cada una de sus canciones. Canciones como “Tengo frío”, “Ojos claros, labios rosas” y “¿Por qué tendría que llorar por ti?”, formaron parte del set, el cual tuvo un cierre estupendo con la interpretación a capella de “Júrame”.

De esta manera llegamos al cierre del festival, el cual quedó en manos de Los Tres, sin duda, una de las bandas más icónicas del país andino que ha influenciado a muchos proyectos a lo largo de toda Latinoamérica, desde Tierra de Fuego en Argentina, hasta Tijuana en México. Los Tres se adueñaron del escenario para entregar el set más largo del día, el cual incluyó 14 canciones en las que resumieron parte de su historia como artistas y dejando una interpenetración de una cueca chilena en honor a su país y al espíritu del festival. El estilo único de los tres se hizo presente con la interpretación de “La Torre de Babel”, “Tírate”, “Déjate Caer”, “Cerrar y abrir”, “He barrido el Sol” y cerrando con “La Espada y La Pared”, dejando a un público emocionado y satisfecho con el cierre de esta primera edición del Chilean Wey que unió lo mejor de dos países hermanos.

 

Conéctate al IG Live de Indie Rocks! con Zemmoa

Zemmoa compartirá su inspiración para crear nueva música y los detalles de su próxima presentación en Foro indie Rocks!

No hay mejor manera de celebrar el mes del pride que, profundizando en el arte y la expresión de una Guerrera de la Diversidad, como Zemmoa; con quien podrás conectar a través del próximo  Instagram de Indie Rocks!

Acompaña a María Letona, en una charla íntima con Zemmoa, en punto de las 14:00 H el miércoles 8 de junio de 2022 y conoce la inspiración que hay detrás de su más reciente lanzamiento “Querido Corazón”.

Además, conoce los detalles del gran show que la cantante prepara, para su próxima presentación en el Foro Indie Rocks!, el 22 de junio, con la gira Lo Que El Tour Me Hace Sentir.

Zemmoa se define a sí misma como ‘Artista y mujer transgénero’, pero es, en realidad, mucho más pues a través de se música busca inspirar a otras mujeres y miembros de la comunidad LGBTIQ+ a ser ellxs mismxs, sin temor a lo que digan los demás.

¡ Así que sabes… conéctate a la cuenta en Instagram de Indie Rocks! el próximo 8  de junio a las 14:00 H. para que no te pierdas de lo nuevo de Zemmoa y todo lo que tiene para decirnos!

“Lost in Thought”, lo nuevo de The Linda Lindas

Los íconos del punk acompañan este sencillo con el lanzamiento de un álbum benéfico.

Un video dirigido y publicado por Vice Cooler, anunciaba la llegada de “Lost in Thought”, uno de los singles más esperados de The Linda Lindas, quienes trabajaron en colaboración con Kathi Wilcox, Erica Dawn Lyle y Vice Cooler, marcando una poderosa unión de íconos del punk en un sólo single.

Dicho material audiovisual, muestra a las chicas cantando y bailando en el patio trasero de una casa ¡mientras aún se encontraban en cuarentena! es un video que no contiene tanta producción, pero que está lleno de la energía y explosividad que emanan estas adolescentes originarias de Los Ángeles.

Este single está compuesto por las integrantes de la agrupación Eloise Wong, Lucia de la Garza, Mila de la Garza y Bella Salazar, sumando el poder de la batería de Cooler en conjunto con los riffs de Lyle y Wilcox en el bajo.

La canción de tan sólo 90 segundos, forma parte del álbum Land Trust: Benefit for North East Farmers of Color que estará disponible a partir de hoy 3 de junio, a través de bandcamp. 

Esta compilación, será un álbum benéfico junto a NEFOC, que destinará todos sus ingresos a la compra de nuevas tierras para dárselas a las comunidades indígenas y agricultores de color.

Respecto a la importancia de que este sea un álbum benéfico, Eloise declaró:

Es lo mejor cuando la gente no solo hace música que suene genial, sino música que realmente puede marcar la diferencia. Todo lo que quiero es poder marcar la diferencia y efectuar un cambio en el mundo, y la música nos proporciona una gran salida para hacerlo. Es increíble pensar, incluso si es solo una canción, la música puede ser tan poderosa y hacer tanto.

Café Tacvba en el Auditorio Nacional

Con banda regional mexicana, orquesta sinfónica y hasta son huasteco, Café Tacvba nos regaló una velada de ensueño en el Coloso de Reforma.

33 años se dicen fácil, pero en ellos la industria musical misma se ha transformado radicalmente. Desde el cassette hasta los servidores de streaming, la amistad de Rubén Albarrán, Meme del Real, Joselo Rangel y Quique Rangel ha superado todos los obstáculos y formatos. 

Jueves complicado en la Ciudad de México. Por la mañana, varias de las arterias de comunicación más importantes fueron bloqueadas por transportistas que exigían un aumento de tarifa. Amenaza de lluvia. Por la tarde-noche otro caos de movilidad; la gente buscaba llegar a casa lo antes posible para ver el partido de “La Selección” contra Uruguay. 20:45 H en el Auditorio Nacional: los primeros acordes de “María” nos transportan hasta 1992, el año en que salió su disco debut y homónimo. 

Vestido de blanco, con un jorongo negro, su característica corona de palma y una gran sonrisa, Ru se ofrece a entregarnos un rato de desasosiego para olvidar nuestros problemas cotidianos. De su más reciente disco, sopla “Diente de león”. Dos  joyas que hace mucho no sonaban en vivo llegan juntitas “Trópico de Cáncer” y “El metro”

“Gira y da vueltas. Y rueda girando"… “El ciclón” de recuerdos y emociones deja a su paso una lluvia de aplausos. Meme del Real coloca sus labios en la melódica y los pocos que aún estaban sentados se ponen de pie. Las butacas estorban. El Auditorio Nacional se transforma en la legendaria pista de baile del “Bar Tacuba”

Desde hace muchos años, Rubén Albarrán se ha convertido en un defensor de la naturaleza y nos insta a pensar en nuestro “Futuro” y el de las generaciones siguientes. El pequeño altar con flores y una figura de venado montado al frente del escenario cobra total significado con su mensaje de paz y armonía con el universo. “Somos de muchos colores y aromas exquisitos, como “Las flores”, apunta. 

Sin más, llega “La Chica Banda” para recordarnos nuestros días en la escuela secundaria. No viene sola, 10 músicos de regional mexicano (tambora y trombón incluidos) se integran para darle un cuerpo más robusto a “Olita del altamar” y “La muerte chiquita”.

Cae el telón de fondo y queda al descubierto una gran orquesta sinfónica que, con un impecable arreglo de cuerdas y vientos, dotarían de un toque celestial a la segunda mitad del show. Finamente hiladas con el arpa, “La locomotora”“Las batallas”“Rarotonga” son coreadas por todo el público. 

Café Tacvba_Auditorio Nacional_David Durán (10)

De “Esa Noche” a “Mediodía” no transcurrieron 12 horas, sino las páginas de un diario con memorias de los amores de juventud. Momento de solemnidad. Con el corazón en la mano entonamos el himno de la CDMX: “Chilanga Banda”.  

Meme del Real se levanta de su estación en los teclados, toma la guitarra y se apresta al frente del escenario. Electroshock. Como una mantis religiosa con botas color miel, baila, gira y canta como poseído por una alegría que parece infinita. Llega el puente rumbero-salsero de “El puñal y el corazón”, los cuatro realizan su característico baile coreográfico con los brazos al aire. Aplausos. Se retiran.

A lo largo de sus tres décadas de trayectoria profesional, con 10 Grammy’s, ocho discos, dos MTV unplugged y cientos de conciertos, Café Tacvba se ha convertido en uno de los máximos referentes del rock mexicano. Llegar ha sido complicado y, mantenerse aún más. Con su alineación sin cambios han superado toda clase retos y adversidades.

El cántico de "Oe oe oe oeee… Café Oe oe oe oeee… Café", los trae de regreso para el primer encore de la noche. Ahora, Rubén trae puesta su emblemática playera negra de tirantes con pechos de mujer estampados. “El espacio” y “Volcán” estuvieron dedicadas a la Madre Naturaleza. 

De nueva cuenta los reflectores caen sobre Meme Del Real. Una nube de romanticismo y melosidad inunda el recinto. “Aviéntame”, “Eres” y “Quiero Ver” se combinan para regalar un momento inolvidable para todos los que iban en pareja. Su amor ha quedado sellado; dentro de muchos años recordarán este breve instante (algunos con ilusión, otros con amargura).

“Paparupapa eu eo!, ¡paparupapa eu eo..!” Con “El Baile y el salón”, Café Tacvba agradece a las 10 mil personas que abarrotaron el Auditorio Nacional en esta su primera de cuatro fechas sold out. Más aplausos y ovaciones interminables.

En compañía del dúo huasteco AníbalIván vuelven para el segundo encore: "Ojalá que llueva café".

“El reptil”, lo nuevo de Vidauri

El reptil de la moral se impone.

El compositor y cantautor Iván Vidauri, lanza el tercer adelanto de su próximo álbum Mutantes, “El Reptil” es un single característico de la escena indie mexicana.

Vidauri es una propuesta sumamente interesante en el mundo de la música mexicana, pues su experiencia habla por sí misma. Ahora hace entrega del nuevo single hace referencia a los conflictos humanos, esas discusiones sobre lo moral que muchas veces nos enferman. Con “El Reptil”, el cantante utiliza el rock indie como una solución a los problemas de la vida, una cura que nos da cordura y alegría.

Este single es producido por Yuno Forquetina, quien trabaja también con Natalia Lafourcade, Vanessa Zamora o Mi sobrino Memo. Crean una producción limpia, que lleva de la mano al público a lo largo de este track.

Con una compañía de coros suaves, la batería como principal protagonista y riffs de guitarra que no pueden pasar desapercibidos, además de la voz inconfundible de Vidauri, “El Reptil” se presenta como una metáfora a esa moral que nos han impuesto a lo largo de la vida.

Además este single viene acompañado de un lado B llamado “Entrego Todo”, una canción que habla de un lavado de cerebro y cuenta la experiencia de desapego que vivió Vidauri.

Puedes escuchar aquí “El Reptil”:

Y su lado B, “Entrego Todo”: