Of Monsters and Men comparte sencillo doble

La dualidad que existe entre el recuerdo y la nostalgia.

Of Monsters and Men lanzará su próximo álbum de estudio, All is Love and Pain in the Mouse Parade, el 17 de octubre vía Virgin Music Group. Como adelanto, la banda ha compartido un sencillo doble que incluye las canciones "Dream Team" y "The Towering Skyscraper at the End of the Road".

El sencillo principal, "Dream Team", evoca una sensación de nostalgia y vulnerabilidad, creando una atmósfera melancólica que nos transporta a recuerdos preciados con nuestros seres queridos. Escrita por Arnar Rósenkranz Hilmarsson, Nanna Bryndís Hilmarsdóttir y Ragnar Þórhallsson, la letra de la canción captura la belleza del pasado, demostrando que, a pesar del paso del tiempo, la vida puede seguir siendo tan especial como en épocas pasadas. Además, "Dream Team" será parte de la banda sonora oficial de la película A Big Bold Beautiful Journey, del cineasta Kogonada, protagonizada por Margot Robbie y Colin Farrell.

Por otro lado, "The Towering Skyscraper at the End of the Road" captura una esencia más serena y acogedora, a través de una narrativa introspectiva. Aborda el dolor y la resistencia mental frente a la ilusión de una vida pretérita, así como el paso incesante del tiempo que, al avanzar, deja una profunda sensación de vacío. La obra explora temas como la alegría, el desamor y los recuerdos más vívidos.

El cuarto álbum de la banda islandesa, All is Love and Pain in the Mouse Parade, explora un viaje a través de las emociones y experiencias humanas, abarcando tanto la belleza como los tormentos del crecimiento y la vida.

Gran parte de este álbum son historias de dualidad y de cómo el amor y el dolor, aunque parezcan opuestos, a menudo se entrelazan. Queríamos destacar eso al traerles estas dos canciones hoy, pero también nos sentimos como niños impacientes y queríamos compartir más del álbum con ustedes”, comentó la banda en un comunicado de prensa.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

 

 

Tortoise estrena “Layered Presence” y detalla su nuevo disco

Una larga espera ha terminado.

Después de nueve años, Tortoise anuncia su regreso desde Chicago con su nuevo álbum de estudio, Touch. El lanzamiento digital será el 24 de octubre a través de International Anthem y Nonesuch, y el 11 de noviembre estará disponible en plataformas de streaming.

Además del single "Layered Presence", la banda de post rock ha compartido el segundo adelanto de su nueva etapa musical. Este tema instrumental, de ambiente sonoro hipnotizante, te envuelve con su encantadora composición desde el primer momento.

Dirigido por Mikel Patrick Avery, el video que acompaña al track ofrece una experiencia visual en blanco y negro, minimalista y enigmática. Ambientado en una carretera desolada, un ser danza al ritmo de la música, que transita de la tranquilidad a la intensidad. El metraje invita al espectador a sumergirse en el arte del instante, sin necesidad de buscar interpretaciones más allá de lo evidente.

Touch es el octavo álbum de Tortoise, marcando su regreso casi una década después de su último disco, The Catastrophist (2016). Este nuevo trabajo presenta una fórmula distinta y más alternativa, con 10 temas originales, y contó con la colaboración de John McEntire en la grabación y mezcla.

Dale play a "Layered Presence":

Te compartimos la portada y el tracklist:

Tortoise touch

01 "Vexations"
02 "Layered Presence"
03 "Works and Days"
04 "Elka"
05 "Promenade à deux"
06 "Axial Seamount"
07 "A Title Comes"
08 "Rated OG"
09 "Oganesson"
10 "Night Gang"

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Entrevista con Kamasi Washington

Sonidos sin miedo, caminos infinitos.

Pocos músicos contemporáneos encarnan el espíritu de la exploración como Kamasi Washington. Antes de su esperado regreso a la Ciudad de México, el saxofonista y compositor conversó con nosotros sobre Fearless Movement, la paternidad, la colaboración, la improvisación y el papel sagrado que la música juega en nuestras vidas colectivas. Con honestidad y visión, Washington reflexiona sobre su evolución y la energía inagotable que sigue dando forma a su arte.

IR!: Primero, vuelves a la Ciudad de México después de una larga espera desde la última vez que te vimos. En general, e incluso en lo que respecta a la inspiración, ¿qué significa para ti la Ciudad de México y cómo preparas este concierto? ¿La ciudad funciona como inspiración de alguna manera?

KW: Sí, amo la Ciudad de México. Es una de mis ciudades favoritas en el mundo. Al ser de Los Ángeles, crecí rodeado de mucha gente mexicana y se siente como casa, pero como una versión distinta de casa. Es una ciudad hermosa, con una combinación increíble de historia, arte, música y su gente. Las pirámides no están tan lejos, la arquitectura es impresionante. Cada ciudad tiene una energía, y los músicos nos conectamos con esa energía cuando vamos.

IR!: Has descrito tu último álbum, Fearless Movement, como un disco de baile, pero no en el sentido literal. ¿Qué quieres que sienta la gente cuando lo escuche?

KW: Este álbum nació de un gran cambio en mi vida: me convertí en padre. Fearless Movement es un juego de palabras: bailar es movimiento, pero la vida también lo es. Para vivir así, necesitas valentía. No hay un estado más libre de miedo que cuando la música se apodera de ti por completo, cuando solo bailas, disfrutas y tus miedos desaparecen. Esa fue la inspiración. Espero que la gente conecte con esa sensación, ese momento en el que un concierto es tan hermoso que hace que todo lo demás se desvanezca.

IR!: Pasaron muchos años entre Heaven and Earth y Fearless Movement. ¿Qué cambió en ese tiempo?

KW: Son muy diferentes. The Epic fue música que llevábamos mucho tiempo tocando antes de grabarla, y hasta tardó dos años en salir. Durante ese tiempo escribí gran parte de Heaven and Earth, así que ya estábamos tocando ese material. Con Fearless Movement fue distinto: era música completamente nueva que ninguno de nosotros había tocado antes, ni siquiera yo. Eso le dio una energía distinta, la de explorar lo desconocido, en lugar de pulir canciones que ya conocíamos.

IR!: Este disco también incluye colaboraciones con Thundercat, George Clinton, André 3000. ¿Fue difícil sumar tantas voces distintas al álbum?

KW: Para nada. La música era nueva, mi vida estaba cambiando y yo quería que tomara otros caminos. Muchas de esas colaboraciones se dieron de forma natural. El tema con George Clinton, por ejemplo: Ronald Brunner lo escribió, pero no sabíamos qué hacer con él. Luego lo conocí en una exposición de arte y me dijo: “Deberíamos hacer música juntos”. En ese momento supe que él sabría cómo resolverlo. Con André 3000 fue distinto: él me llamó para grabar. Yo no sabía en qué andaba, solo era un gran fan suyo. Cuando nos reunimos descubrí que estaba metido en cosas muy experimentales. Esa sesión, junto a Carlos Niño, nos llevó a un lugar inesperado. Cuando quieres que la música cambie, a veces tienes que soltar un poco el control y dejar que otros tomen el timón.

IR!: Hablando de nuevos caminos, también trabajaste en la banda sonora del anime Lazarus. ¿Cómo fue esa experiencia comparada con hacer un álbum?

KW: Soy un gran fan de Shin'ichirō Watanabe y del anime en general. Crecí viendo sus series en VHS allá en los noventa. Así que cuando me llamaron, me sorprendí muchísimo. Él me dio escenarios de la serie y me pidió que compusiera como si hiciera un disco inspirado en esos momentos. Esa libertad fue increíble y me llevó en una nueva dirección. De hecho, parte de mi música favorita de los últimos años salió de ese proyecto.

IR!: Tu discografía mezcla jazz, soul, punk, hip hop, incluso tintes progresivos. ¿Esas decisiones son conscientes o simplemente fluyes en el estudio? Y en ese sentido, ¿cuál es la diferencia entre Kamasi en el estudio y Kamasi en vivo?

KW: En el estudio suelo llegar con una visión: una canción escrita, una meta. Pero si surge algo mejor, me dejo llevar. En vivo es distinto: dejo todo abierto. Cada noche puede haber un descubrimiento brillante en una canción, así que no quiero encasillarme en un solo arreglo. Cambiamos tempos, tonalidades, acordes… la música es infinita. Y en el escenario exploramos esas infinitas posibilidades.

IR!: La improvisación es central en tus shows. ¿Cómo logras equilibrarla con mantener la esencia de las canciones?

KW: Ese es el reto: no perder el espíritu de la canción. Para mí, la canción es sagrada. La improvisación abre puertas infinitas, pero si me mantengo fiel a lo que escucho, la canción permanece. La música fluye a través de mí, del universo, de todos. Mi labor es canalizarla más que fabricarla. Si intento forzarla demasiado, corro el riesgo de perderla. Pero si escucho, la canción sigue ahí, en el centro. Para mí es un ritual, una celebración. La música es de las cosas más sagradas que existen en la vida.

IR!: Para quienes aún no conocen tu obra, ¿cuál sería la mejor canción para empezar?

KW: Es difícil. Mi música es muy variada, y ninguna canción lo abarca todo. Pero si tuviera que elegir una que dé una buena idea de lo que hago, probablemente sería "Fists of Fury".

IR!: Describe a Kamasi Washington en tres palabras.

KW: Ahora mismo, probablemente diría —y es más una descripción de lo que estoy haciendo— pero supongo que sería: buscando la verdad.

Kamasi Pepsi Center

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

'Mitski: The Land' llegará a cines de todo el mundo

Un show etéreo y minimalista que te cautivará.

Mitski ha anunciado el lanzamiento de su nuevo largometraje, Mitski: The Land, que se estrenará en cines el 22 de octubre. Esta propuesta cinematográfica promete llevar al público a un viaje íntimo a través de las profundas emociones de la cantautora, quien ha dejado una marca significativa en la escena alternativa.

La película del concierto, Mitski: The Land, ofrecerá una visión única del brillante y magnético espectáculo en vivo. Filmada durante tres noches en el Fox Theatre de Atlanta, la película permitirá apreciar en su máximo esplendor la narrativa performática de la virtuosa voz del indie alternativo.

Mitski the land

Trafalgar Releasing será la encargada de la producción y distribución del proyecto, que se emitirá en 630 cines a lo largo de 30 países. La reconocida productora, con experiencia en conciertos de primer nivel, colabora en esta ocasión con la inconfundible y magnífica voz de Mitski, quien ha forjado un imperio a través de su sensibilidad y sus introspectivas y crudas narrativas sobre las emociones humanas.

Bajo la dirección de Grant James y la mezcla de Patrick Hyland, Mitski: The Land promete una experiencia teatral y mágica. Los shows de la compositora japonesa-estadounidense se caracterizan por un aura de esoterismo y magnetismo puro. Este metraje es una propuesta arriesgada que logrará capturar la esencia auténtica de unos eventos que, con una estética minimalista y una vibra etérea, revelan la personalidad diversa y única de Mitski.

Mira el tráiler a continuación:

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Entrevista con Biznaga

Entre cómplices y colegas, el punk se disfruta más.

No hace falta describirlo demasiado, Biznaga es un grupo consagrado en el punk con más de 10 años de trayectoria discográfica. Su música, como buena banda punk, viene desde el DIY. En entrevista, platicamos con sus integrantes, Álvaro, Jorge y Milky, sobre su próxima visita a México, los cambios en la forma de consumir música y la fusión entre el arte y el activismo. 

Decidir formar una banda puede ser el sueño más simple y posible de cualquier persona joven, e incluso lo más natural y esperable. Sin embargo, lograr que esa banda perdure con la esencia con la que fue fundada es complejo. "Para mí, una banda, como cualquier célula o entidad creativa, responde únicamente a la necesidad de comunicar una serie de ideas y emociones, y ya está. Es un vehículo para expresarse, un vehículo expresivo y creativo, y creo que esa es la motivación que al final arrastra a la gente a montar un grupo", nos comparte Jorge como reflexión sobre la creación de Biznaga.

Mientras, en palabras de Álvaro. "Básicamente, Jorge y yo estábamos fastidiados con nuestras vidas y no se nos ocurrió una mejor manera de intentar sobrellevarla que formar una banda. Trabajos de mierda, vida de mierda, sobreviviendo en Madrid, y a través de la banda canalizamos esa energía".

A la banda, tiempo después de su creación, se sumó Milky. "Yo creo que en nuestra personalidad está el hecho de hacer siempre las cosas con amigos y colegas. Desde pequeños nos gustaban las bandas y esas formaciones de siempre, como batería, guitarras, bajo... Y yo también me di cuenta de que una de las cosas más increíbles que tenía la semana era quedar con los colegas, fuesen los Biznaga hace 12 años o con otros proyectos que he tenido, y estar ahí ensayando cuatro o cinco personas, lo cual es algo fabuloso. Siempre he pensado que compartirlo y ser cuatro es mucho más enriquecedor, y a lo largo de estos años creo que hemos aprendido muchísimo los unos de los otros, no solo en cuanto a referencias musicales, sino también literarias, de cine y, qué sé yo, de cervezas artesanales".

Y es que a estas alturas y con todo el tiempo transcurrido, Biznaga, más que una banda, es un grupo de colegas, amigos y cómplices. "Supongo que cada uno tiene su personalidad y se inclina más hacia un lado, pero en realidad a todos nos gusta mucha música diferente. Sí que hay gente con gustos más marcados que a lo mejor tienden más a un estilo que otros, eso es normal. Milky, por ejemplo, es un loco de la música jamaicana", comparte Jorge.

La diversidad musical es lo que nutre a Biznaga y, ahora, Madrid se encuentra lleno de proyectos nuevos que rodean y suman a la banda. "Yo creo que estamos en un muy buen momento, pero hace unos años también lo pensaba, lo que pasa es que no había tanta música de guitarras, se había perdido un poco eso, el sonido fresco no era el de las guitarras, ¿sabes? Y ahora creo que eso sí ha vuelto y a nosotros, que llevamos toda la vida tocando con bajos y guitarras, nos hace ilusión que ese sonido vuelva a estar presente", comparte Milky.

Para referirse a estos nuevos proyectos, Álvaro comparte. "Yo sí que veo gente joven, gente joven que sí está cogiendo las guitarras, algo que hace tiempo no pasaba, ¿no? Veo que hay una escena de gente joven haciendo música de guitarras que durante un tiempo no existió, y eso se agradece. De hecho, a nuestros conciertos como que le faltaba esa gente joven que ahora está empezando a venir; cuando te digo joven, te digo gente de 19, 20 años".

Sin embargo, es común encontrar contrastes en el público en los conciertos en España de talentos más cercanos al mainstream y el punk de Biznaga. "Por ejemplo, lo que hace Rosalía o ese tipo de movidas, que es incluso playback muchas veces, ahí sí que veo mucho móvil. Con nosotros, la gente hace slam. Incluso muchas veces, cuando hemos terminado un concierto y estamos mirando las stories donde nos han etiquetado, decimos: 'Coño, qué pocas hay'. Hay muy pocas, y eso es buena señal, porque la gente estaba pendiente. Yo creo que la gente está metida de lleno en nuestro concierto", comparte Álvaro.

Definitivamente, ya no estamos en 2012, los tiempos cambiaron y la música ya no se consume de la misma forma que entonces. Sin embargo, a Biznaga poco le importa responder a las fórmulas de consumo inmediato. En palabras de Álvaro. "En general, somos un grupo que lo único que le interesa es hacer canciones con las que nosotros mismos estemos contentos y satisfechos. Canciones que a nosotros nos gustaría escuchar. Entonces, si eso cumple las expectativas de Spotify, porque hasta los 15 segundos no monetizas, bien. Si no, pues también bien. Nosotros vamos a buscar la mejor canción posible. A veces son más inmediatas, a veces no lo son tanto. Entonces, sí, estamos en el mundo, sabemos cuál es la realidad que nos rodea y no somos impermeables a ella, pero creo que en general no somos un grupo al que le afecten mucho estos nuevos modos de consumo marcados por los canales y las plataformas".

Y es que su música siempre ha avanzado con las protestas sociales, ya que, como comparte Jorge. "Como artistas, o bueno, llámalo como quieras: creadores de canciones, artesanos de canciones, hacedores de canciones... a la hora de ponerle palabras a esa música, nos fijamos en nuestro alrededor, en la realidad. Ya sea para describirla o para sublimarla, partimos de la realidad. Entonces, en la realidad hay cosas bellas, cosas hermosas y cosas que son una mierda".

A lo que el músico añade. "Es una buena oportunidad, ¿no?, el canal de la música para poner en circulación determinados mensajes y realidades que pueden adquirir mayor potencia que si simplemente las ves en una noticia". Así que, "la política está en Biznaga porque somos seres políticos al fin y al cabo. Entonces, eso está ahí. No es la única faceta que define al grupo, evidentemente. La definición te quedaría bastante pobre si fuera solo como grupo político, pero sin duda la política es importante en este grupo".

Para despedir la entrevista, Milky comparte un mensaje para quienes asistan a su concierto en México. “Moshpit de fresas no. Moshpit que enseña, que sepa lo que es el punk. Pero con respeto”.

¡No te pierdas a Biznaga en la Sala (B) del Foro Indie Rocks! el 28 de noviembre!

Biznaga foro ir

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

 

Guided By Voices anuncia álbum y estrena “(You Can't Go Back To) Oxford Talawanda”

Un nuevo capitulo de horror y perversión.

Guided By Voices ha anunciado el lanzamiento de su nuevo álbum de estudio, Thick, Rich And Delicious, que saldrá a la venta el 31 de octubre de 2025. Este material, editado por GBV, Inc., incluye el primer sencillo, "(You Can't Go Back To) Oxford Talawanda".

En un intrigante giro musical, la banda de indie rock Guided By Voices, liderada por el aclamado Robert Pollard, se prepara para desvelar su 42º álbum, Thick, Rich And Delicious, justo a tiempo para Halloween. Este proyecto se sumerge en una narrativa misteriosa y escalofriante, reflejando la trayectoria extensa y prolífica de una banda que siempre se ha caracterizado por su enfoque radical y su absoluta libertad creativa.

El nuevo sencillo, "(You Can't Go Back To) Oxford Talawanda", presenta una composición minimalista. Es una dosis diluida de guitarras y sintetizadores magnéticos que envuelven al oyente con su ritmo pegadizo y sencillez. La hipnotizante voz de Pollard nos guía a través de una aventura de provocación y diversión.

La banda de Oxford, Ohio, rinde homenaje a la vida cotidiana, que a su vez esconde una locura universitaria digna de ser destacada, con descaro e inmoralidad moderada.

Dale play a "(You Can't Go Back To) Oxford Talawanda":

Mira la portada a continuación:

Guided by voices thick rich and delicious 1757004494

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Rick Davies, cofundador y cantante de Supertramp, fallece a los 81 años

El mundo de la música despide del músico tras una larga batalla contra el cáncer.

Rick Davies, líder y cofundador de la icónica banda Supertramp, falleció a los 81 años el sábado 6 de septiembre, tras una larga batalla contra el mieloma múltiple. Su deceso deja un vacío innegable en la escena musical y un legado perdurable.

Junto a Roger Hodgson fundó Supertramp, una agrupación que marcó la pauta en los años 70, fusionando el rock progresivo y el soft rock. Davies fue la voz principal, así como tecladista, compositor y letrista de varias de las canciones más importantes de la banda, demostrando su excepcional talento creativo. Temas como "Bloody Well Right" y "Goodbye Stranger" son testamento de su ingenio.

Más allá del escenario, Rick era conocido por su calidez, resiliencia y devoción a su esposa Sue, con quien compartió más de cinco décadas. Tras enfrentarse a graves problemas de salud que le impidieron seguir de gira con Supertramp, disfrutó actuando con sus amigos de su ciudad natal como Ricky and the Rockets. La música y el legado de Rick siguen inspirando a muchos y dan testimonio del hecho de que las grandes canciones nunca mueren, siguen vivas”, se lee en el comunicado de Supertramp.

El legado artístico de Supertramp se plasmó en su álbum más vendido, Breakfast in America (1979), que alcanzó cuatro discos de platino. Aunque la banda se disolvió en 1988, su prolífica esencia los llevó a reunirse en 1996 y, a pesar de algunas complicaciones, su última reunión fue en 2011, con la promesa de un regreso en 2015. Sin embargo, en ese año a Rick le diagnosticaron una enfermedad, con la que tuvo que lidiar con una vida de resistencia y superación hasta el final de su batalla.

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Los Viejos estrena “A Forest”

Un homenaje visceral.

Los Viejos ha lanzado un cover sorprendentemente intenso de "A Forest", el icónico single de la legendaria banda The Cure. Esta nueva versión irrumpe con una intensidad abrumadora, que recuerda al thrash grind más brutal y visceral.

El track irradia una energía oscura, envolviendo al oyente en una atmósfera de voces quebradas y hostiles. Sin miedo a nada, esta pieza conjuga lo más sombrío de la escena punk mexicana. Nació de la producción de Jordi Alacont y Manuel Rubio, en colaboración con Rodrigo Carrillo Rata, y un master a cargo de Manuel Rubio, capturando una narrativa de otro mundo, tan tenebrosa como desgarradora.

Dirigido por Jordi Alacont, un video musical en blanco y negro complementa la esencia sombría de la canción. La estética es extraña y perturbadora, sin seguir reglas, solo un bosque iluminado por la oscuridad más profunda.

La pieza original emana una vibra misteriosa y rebajada, con una atmósfera sonora gótica y matices de post punk. Sin embargo, el dúo nacional transforma la canción en una aventura desenfrenada, inyectándole un punk cargado de potencias infernales.

Disfruta de "A Forest":

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

The Last Dinner Party cautiva con “The Scythe”

Una carta sobre el duelo más profundo.

The Last Dinner Party comparte el segundo adelanto de su próximo álbum de estudio, From The Pyre, con el sencillo “The Scythe”. El lanzamiento del disco de la banda británica está previsto para el 17 de octubre a través de Island Records.

Esta cautivadora y emotiva canción es una profunda carta al duelo. Aborda la pérdida de una vida y cómo este evento puede dejar una herida que no cicatriza. No se limita a la muerte física, ya que "The Scythe" vincula la pérdida no solo con lo terrenal, sino que el luto por una ruptura amorosa puede ser tan devastador como un fallecimiento.

Esta canción empezó hace nueve años, como una profecía. La escribí antes de conocer el dolor y la angustia, cómo el final de una relación se siente exactamente igual que la muerte de esa persona”, expresó Abigail Morris.

Dirigido por Fiona Jane Burgess, el video de la canción narra una historia de amor agridulce. Una pareja de la tercera edad, envuelta en la rutina, evoca una profunda melancolía, nostalgia y desapego. La incertidumbre y el dolor que surgen al finalizar una relación se transforman, a través de la música, en un entendimiento y alivio que lo cambia todo.

The Last Dinner Party logra conmover a través de sus narrativas profundamente sensibles, explorando los aspectos más dolorosos de la experiencia humana y plasmando en su arte emociones con las que fácilmente podemos identificarnos.

Dale play a "The Scythe":

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook

Escucha “End of You” de Poppy, Amy Lee y Courtney LaPlante

Una energía oscura despierta.

“End of You”, el nuevo sencillo de Poppy, Amy Lee y Courtney LaPlante, ya está disponible a través de Sumerian Records. Este tema, que une las voces de tres destacadas figuras femeninas del rock, fue producido por Jordan Fish y mezclado por Zakk Cervini

Con una estética de los 2000, este tema de rock progresivo clásico cautiva con la energía pura y el magnetismo de sus voces melódicas e impostadas.

El video oficial, bajo la dirección creativa de Jensen Noen, contó con una producción de primer nivel a cargo de Phoenix Vaughn, Ruth Devereaux y Ashley Haines. Capturaron la magnífica presencia de las artistas, quienes hipnotizan con sus vocales, elevando el tema a cada segundo. El metraje, que comienza con una tranquilidad que culmina en los gritos más desgarradores, contiene una narrativa bizarra y una cinematografía que arrasa con su fuego abrasador, donde Amy, Poppy y Courtney conjuran el hechizo más prolífico, derramando una poderosa energía oscura.

Dale play a "End of You":

Mantente pendiente de Indie Rocks! para más detalles.

TikTok / Instagram / X / Facebook