Triángulo de Amor Bizarro estrena canción

Un tributo y una declaración de su estilo único.

Triángulo de Amor Bizarro, uno de los grupos más queridos de la escena española, acaba de soltar su propia versión de "Bizarre Love Triangle" de New Order. Y este no es un cover cualquiera, esta canción es la responsable directa de su nombre y su inspiración original.

La producción, mezcla y masterización fue un trabajo de la banda con Carlos Hernández, su colaborador de confianza, clave en su estilo sonoro. La idea no era copiar el clásico, sino darle una vuelta  y hacerla supercontemporánea. Aunque se han alejado del sonido ochentero puro, mantuvieron intacta la melodía con una letra traducida al español.

Ya podéis escuchar y ver Triángulo de Amor Bizarro por T.A.B. Grabada artesanalmente en nuestro estudio con todo nuestro amor para uds", expresó la banda en redes sociales.

Dale play al video dirigido por Serjio Soso:

Con este lanzamiento, Triángulo de Amor Bizarro celebra 20 años de carrera de forma simbólica. Esta versión es como una cápsula del tiempo que confirma su trayectoria, honrando la chispa que lo empezó todo mientras demuestran lo maduro y singular que es su sonido hoy en día.

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Jimmy Cliff, pionero del reggae, muere a los 81 años

Una lamentable noticia.

Jimmy Cliff, el legendario músico y actor jamaiquino cuya influencia trascendió las fronteras de la isla para llevar el sonido vibrante del reggae a una audiencia mundial, ha fallecido a la edad de 81 años. Su muerte, un duro golpe para la comunidad musical global, se produjo debido a complicaciones derivadas de una convulsión, a la que siguió un cuadro de neumonía, según el anuncio oficial hecho por su esposa, Latifa Chambers, a través de su cuenta de Instagram.

Agradezco a su familia, amigos, colegas artistas y compañeros de trabajo que han compartido su camino con él. A todos sus fans de todo el mundo, sepan que su apoyo fue su fortaleza durante toda su carrera. Él realmente agradeció el cariño de cada uno de ellos. También quería agradecer al Dr. Couceyro y a todo el personal médico, quienes me han brindado un gran apoyo y ayuda durante este difícil proceso. Jimmy, mi amor, que descanses en paz. Cumpliré tus deseos. Espero que respeten nuestra privacidad en estos momentos difíciles. Les daré más información próximamente. Nos vemos, leyenda. Latifa, Lilty y Aken".

Su carrera despegó a finales de la década de 1960, cimentando su reputación con éxitos perdurables que se convirtieron en himnos para toda una generación, como la introspectiva "Many Rivers to Cross" y la optimista "You Can Get It If You Really Want".

Su legado perdura no solo en su música, sino en la manera en que ayudó a definir y globalizar un género musical profundamente arraigado en la cultura de su tierra natal.

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Escucha “Last Legal Drug (La Petit Mort)” de Korn

Un regalo para las nuevas generaciones y los seguidores leales.

Korn está de fiesta al conmemorar el 20.º aniversario de su séptimo álbum de estudio, See You On The Other Side, que fue lanzado en diciembre de 2005. Para celebrar, la banda pionera del nu metal y Tempo Music están lanzando una edición especial de lujo en vinilo.

La noticia ha generado entusiasmo entre sus seguidores por la inclusión del bonus track, "Last Legal Drug (La Petit Mort)". Este tema, conocido por ser difícil de encontrar, ahora forma parte de esta reedición de aniversario y, lo que es aún más emocionante, está siendo lanzado oficialmente en las plataformas de streaming. Para muchos, será la primera oportunidad de escuchar esta joya oculta de la discografía de Korn

Dale play aquí:

Esta reedición especial y el esfuerzo por llevar el contenido a nuevas plataformas son impulsados por Tempo Music, compañía que adquirió una participación mayoritaria en las grabaciones maestras y las composiciones de dos álbumes clave de Korn, See You On The Other Side y Untitled, en 2021.

Tempo asume una gran responsabilidad y un gran honor al colaborar con artistas para ofrecer a sus fans formas atractivas de disfrutar de estos catálogos icónicos. Nos entusiasma celebrar este hito con Korn trayendo oficialmente este álbum seminal en vinilo y 'Last Legal Drug' a las plataformas de streaming para que tanto los fans de siempre como los nuevos puedan disfrutar del increíble trabajo de la banda”, expresó la compañía.

Puedes comprar tu copia del disco aquí. 

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“MERCY KILL”, lo nuevo de Alice Glass

Un track misterioso y catártico.

Alice Glass, una de las voces más singulares y reconocibles de la música electrónica contemporánea, irrumpe con el lanzamiento de su nuevo sencillo, el visceral "MERCY KILL". Este tema es el segundo adelanto, tras el aclamado "CATCH AND RELEASE" , de un material que la canadiense tiene previsto publicar en 2026.

"MERCY KILL" se caracteriza por su atmósfera cargada, donde glitches sonoros y texturas industriales se entrelazan con la inconfundible modulación vocal de Glass, creando una pieza que evoca tanto la vulnerabilidad como una furia controlada. El videoclip, dirigido por la cineasta Yulia Shur, fue concebido sin recurrir a efectos digitales, buscando una autenticidad cruda y una textura cinematográfica única. 

Dale play aquí abajo:

Con este lanzamiento, la carismática vocalista y cofundadora de Crystal Castles, promete continuar definiendo una era sonora, borrando audazmente las fronteras entre géneros como el pop sintético, la agresividad del punk y las estructuras experimentales del noise.

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Ladytron anuncia disco y comparte “Kingdom Undersea”

Este nuevo trabajo discográfico llega después de Time's Arrow de 2023.

Ladytron ha generado una gran expectación con el anuncio de su próximo álbum de estudio, Paradises, cuyo lanzamiento está programado para el 20 de marzo de 2026 a través de Nettwerk. La banda de synth pop ya ha compartido dos anticipos que ofrecen una muestra de lo que se podrá escuchar en esta nueva producción. El primero fue "I Believe In You", que se dio a conocer en septiembre y ahora, ya podemos escuchar "Kingdom Undersea".

La producción de Paradises estuvo a cargo de Daniel Hunt, miembro fundador y pieza clave en la identidad sonora de Ladytron, asegurando así una cohesión con el estilo característico de la banda. Además, la mezcla del álbum fue realizada por Jim Abbiss, un colaborador habitual y de renombre en la industria musical.

Cada vez que entraba al estudio, salía después de una hora con una canción nueva. La motivación principal era la diversión. Todo volvía a ser divertido”, explicó Hunt en un comunicado de prensa.

Dale play a “Kingdom Undersea” aquí.

Paradises marcará una evolución fascinante en la trayectoria de Ladytron, desvelando a la banda en una dimensión sonora que es simultáneamente más elegante y profundamente romántica. Este álbum promete ser una celebración de lo sintético, lo esencial y lo crudo.

Te dejamos con la portada y el tracklist:

Ladytron paradises

01 "I Believe In You"
02 "In Blood"
03 "Kingdom Undersea"
04 "I See Red"
05 "A Death In London"
06 "Secret Dreams Of Thieves"
07 "Sing"
08 "Free, Free"
09 "Metaphysica"
10 "Caught In The Blink Of An Eye"
11 "Evergreen"
12 "Ordinary Love"
13 "We Wrote Our Names In The Dust"
14 "Heatwaves"
15 "Solid Light"
16 "For A Life In London"

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Poolside estrena “Otherside” en colaboración con MiiRACLES y Thunder Jackson

Una prueba de resiliencia y creatividad.

Jeffrey Paradise, el músico detrás del proyecto, acaba de soltar un track súper fresco y vibrante llamado "Otherside". Este lanzamiento, disponible a través de Counter Records, es una colaboración con el dúo indie pop MiiRACLES y el cantautor Thunder Jackson.

La canción nació de una sesión de estudio en Londres, allá por mayo de 2025, nada menos que el prestigioso Studio 13 de Damon Albarn, en el mítico Notting Hill. Jeffrey estaba creando material para el próximo álbum de Poolside, recuperándose después del trago amargo de perder su estudio en Los Ángeles por el incendio de Palisades.

El artista hizo click con MiiRACLES y, para la voz, llamaron a Thunder Jackson, quién le dio ese toque final y emotivo a la canción. Lo más increíble es que al final de ese día de suerte, "Otherside" no solo estaba pensada, sino terminada, capturando toda la energía y la onda de los artistas.

En el avión a Londres, inicié sesión en Facebook por primera vez en años y descubrí que tres amigos habían fallecido. Tristeza, distancia, culpa, nostalgia, todo al mismo tiempo. A medias frívolo, totalmente sincero, me sorprendí pensando: supongo que los veré en la otra vida. Todo el mundo tiene su propia versión de ese sentimiento. Y ese sentimiento fue uno que Kyle, Nick y Dan pudieron capturar en el estudio conmigo. Esta va para los que ya no están, esperando en la ‘otra vida’.”, expresó el músico en un comunicado de prensa.

Dale play aquí:

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Entrevista con AFI

AFI abre un capítulo etéreo, oscuro y profundamente emocional en su carrera de más de tres décadas.

Tras un año especialmente cercano a su público mexicano —con tres presentaciones en la CDMX, incluyendo House of Vans y el Corona CapitalAFI vuelve con Silver Bleeds the Black Sun…, su duodécimo álbum y quizá uno de los más atmosféricos y conceptuales de toda su trayectoria. En esta etapa, la banda decidió sumergirse de lleno en una estética onírica, etérea y casi fuera del tiempo, dejando que nuevas formas de escribir y grabar los llevaran hacia territorios inesperados.

Conversamos con ellos sobre su constante reinvención, el proceso creativo detrás del disco, el estado emocional que lo define y la singular relación que han construido con su audiencia a lo largo de generaciones.

Indie Rocks!: Después de tantos giros estilísticos a lo largo de su carrera, ¿qué representó creativamente Silver Bleeds the Black Sun… para ustedes?

AFI: Antes de empezar a escribir el disco tuvimos una conversación muy explícita sobre hacia dónde queríamos dirigirnos. Todos coincidimos en un tono y un sonido general que queríamos que el álbum tuviera, algo con continuidad. A partir de ahí decidimos una dirección bastante cercana al resultado final.

Indie Rocks!: Todos sus discos han tenido una identidad muy marcada, tanto en sonido como en concepto. ¿En qué momento supieron que este álbum había encontrado la suya?

AFI: No fue evidente hasta el final. Una de las últimas canciones que escribimos fue “No One Underground”, que cierra el disco y es bastante distinta al resto. El álbum siguió evolucionando y cambiando. Simplemente lo dejamos ser, como siempre: cuando haces planes estrictos, nunca terminan ocurriendo. La música te lleva a otro lado.

Indie Rocks!: En otras entrevistas han descrito el disco como un intento de reconciliarse con “la distopía sin dios de la vida moderna”. ¿Cómo se traduce eso en las letras?

AFI: Las letras intentan reconciliar nuestra existencia dentro de ese mundo sin dios, y hacerlo en un momento histórico donde ese conflicto se siente aún más intenso. El proceso entero —tanto escribir como grabar— es en sí mismo un ejercicio de reconciliación con esa sensación.

Indie Rocks!: ¿Cómo eligieron el sentimiento instrumental que acompaña a esas letras? ¿Qué determinó si un tema necesitaba riffs más pesados o una atmósfera más calmada?

AFI: Este disco fue distinto porque, por primera vez, Davey ya tenía las letras escritas antes de que se compusiera la música. Eran casi poemas. Normalmente la música viene primero y después las letras se van tejiendo alrededor. Esta vez juntamos dos elementos que no habían nacido juntos. Funcionó sorprendentemente bien y fue muy gratificante. Tener letras previas permitió también escribir mejor, o al menos escribir de una manera distinta, más libre y más satisfactoria.

Indie Rocks!: ¿Por qué eligieron “Behind the Clock” como el primer adelanto del álbum?

AFI: En cada disco hay una canción que revela el corazón del álbum. “Behind the Clock” fue esa canción para todos. No hubo discusión. Marcaba perfectamente el tono que queríamos presentar primero.

Indie Rocks!: México siempre ha sido un país muy especial para ustedes, y este año tocaron tres veces en la Ciudad de México. ¿La energía de las nuevas generaciones de fans los inspira o influye de alguna manera?

AFI: Es muy halagador cuando alguien trae a su hijo a vernos y quiere compartir algo importante para ellos. No sabemos si nos inspira directamente al crear —porque nuestras inspiraciones vienen de otros lugares— pero definitivamente nos conmueve. El simple hecho de seguir aquí tantos años, hasta el punto de ver generaciones completas escucharnos juntas, es algo muy significativo para nosotros.

Indie Rocks!: Desde sus primeros años repartiendo flyers hasta la era de TikTok y la inmediatez actual, ¿cómo se han adaptado a estas nuevas formas de comunicación?

AFI: No lo hacemos (Risas). Tenemos Instagram, pero es algo que no nos interesa demasiado. Entendemos que hoy la música circula así, pero nuestro enfoque siempre es la música, no el marketing. Afortunadamente nuestro equipo nos ayuda con todo eso.

Indie Rocks!: Hoy las plataformas piden inmediatez, pero ustedes siguen tomándose el tiempo para hacer álbumes completos. ¿Qué representa para ustedes seguir trabajando así?

AFI: Muchas gracias. Para nosotros es vital. Tomarnos ese tiempo es lo que permite que la música tenga fuerza y sentido.

Indie Rocks!: ¿Qué tan diferente es AFI en el estudio comparado con AFI en vivo?

AFI: Muy diferente. En vivo hay un intercambio de energía con el público que no se puede replicar, sin importar si hay cientos o miles de personas. Es algo visceral, emocional, a veces casi trascendental. En el estudio existe conexión con lo que estamos creando, pero no es compartida con desconocidos que tienen una relación distinta con la música. Esa combinación —lo que ellos sienten y lo que nosotros entregamos— es lo que hace que el show sea otra experiencia por completo.

Indie Rocks!: Después de más de 30 años de carrera, ¿cuál es el secreto para no caer en la monotonía?

AFI: Disfrutamos mucho hacer música. Cuando algo empieza a sonar demasiado familiar, nos aburrimos rápido y cambiamos de dirección. Eso nos mantiene en movimiento.

Indie Rocks!: Para quienes aún no conocen a AFI, ¿cuál sería la mejor canción para entrar a su discografía?

AFI: “Behind the Clock”. Si no, no la hubiéramos elegido como primer sencillo. Eso sí: si empiezan ahí, se van a sorprender cuando escuchen los discos más viejos… y si empiezan en los viejos, se van a sorprender con los nuevos. AFI siempre sorprende.

Indie Rocks!: Finalmente, describan a AFI en tres palabras. Pero no pueden usar “a fire inside”.

AFI: (Risas). “Agresivo, furioso, intenso.” “Viejos de mierda”, también funciona. UN FUEGO ADENTRO.

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Entrevista con San Charbel

Estamos en el mejor momento para hacer música en español. 

Escuchar el álbum Nubes (2017), de San Charbel, es regresar a un mundo donde no existía la pandemia, donde las cosas eran aparentemente más sencillas y menos algorítmicas; donde los celulares no dominaban los conciertos y la música se vivía de formas diferentes. Este año, San Charbel está de regreso en el Foro Indie Rocks! junto a Vilevo, abriendo la presentación de French Police en México. En entrevista, platicamos con Daniel Serrato sobre raíces, pasado, mitos del rock y su próxima visita a la Ciudad de México.

Indie Rocks! Magazine: ¿Cómo te ha tratado este 2025?

San Charbel: Ha sido un año bastante activo. Ha habido cambios para bien en el grupo, sobre todo en el proyecto. Tuve la ventaja de ir a California, ir a Ciudad de México —que siempre me gusta muchísimo— y conocer Puebla. Así arranqué el año, con una invitación de unos amigos; un saludo a los de Pacífica, que se portaron muy bien allá en Puebla y me apoyaron muchísimo. Para mí Puebla fue una ciudad nueva, nunca había ido, y me encantó. Y, pues, California ni se diga: tuvimos dos fechas allá. 

Luego, en julio, regresé a Ciudad de México y toqué en el bar El Sangriento, un lugar donde desde hace mucho quería presentarme. Una vez ya habíamos ido, pero cayó una lluvia tremenda, se canceló y lo movieron a otro lado. Aun así, ese día hubo un chingo de apoyo.

Y, bueno, para cerrar con broche de oro, ahora el domingo estaremos con French Police y Vilevo, y más que nada en el mero, mero Indie Rocks!, ¿no? Cerrar así el año es algo muy especial.

Indie Rocks! Magazine: ¡Un año muy activo! Respecto a los orígenes de San Charbel, dicen que las bandas fronterizas tienen mayor influencia estadounidense. ¿Crees que esto es cierto?

San Charbel: No, para nada. Yo crecí en Ciudad Juárez y ahora vivo en El Paso, pero aunque sean ciudades pegadas, las escenas son totalmente diferentes. No creo que Juárez tenga una influencia directa de Estados Unidos, al menos no como a veces se dice. Cada ciudad tiene su propia escena y su esencia.

Probablemente eso pudo ser más evidente años atrás —hablando de los noventa o inicios de los dos mil—, pero desde 2010 para acá siento que se ha fortalecido mucho la identidad latinoamericana, incluso en la frontera. Hay muchos grupos con influencias de cumbia, de rock en español, de Caifanes y otros, y yo personalmente crecí con mucha de esa música. Aunque no viví de primera mano el apogeo de Caifanes, sí heredamos ese legado.

Estados Unidos tiene bandas excelentes, eso es un hecho, pero lo chido es que hoy Latinoamérica también tiene de dónde sostenerse y encontrar identidad. Hay muchas bandas con esencia latinoamericana. Así que, en resumen: no, no creo que haya una influencia directa de Estados Unidos como tal.

Indie Rocks! Magazine: Cuando pensamos en mitos que deben desmentirse —por ejemplo, que componer en inglés es más fácil y mejor que componer en español—, ¿qué nos puedes decir?

San Charbel: Te cuento algo curioso que vi en California. Siento que esa idea de que cantar en inglés es “mejor” viene de los noventa. Por ejemplo, Café Tacuba empezó con un proyecto en inglés, y hubo varias bandas así. Luego, en la escena emo, sí hubo influencia norteamericana muy fuerte, pero también empezaron a aparecer bandas hispanas: de Mexicali, de Monterrey, de Juárez… bandas que crecían tocando en español. Ahí fue cuando Latinoamérica comenzó a dejar atrás esa hegemonía estadounidense en la música.

Claro, Estados Unidos siempre ha tenido una presencia enorme; es más fácil que un artista estadounidense haga una gira mundial a que lo haga un músico latinoamericano. Pero eso ha ido cambiando. Cuando llegó el reggaetón alrededor de 1999, fue como una chispa: de pronto Latinoamérica tomó su propia identidad musical. Y hoy hay muchísimas propuestas activas desde hace más de veinte años en español, en todos los géneros.

Por eso creo que esa idea de que “en inglés suena mejor” ya quedó refutada. Ahorita, por ejemplo, los corridos tumbados están dominando el mercado y le quitaron espacio al reggaetón. En California vi que hay bandas que tocan y cantan en español, incluso gente que no habla español del todo, pero que lo usa para conectar con el público. Allá la escena post-punk está explotando, y muchas bandas latinas están encontrando espacio en Chicago, en Texas, en Nueva York, en toda la costa.

Y no solo en Estados Unidos: en Europa también consumen mucho material en español; en Asia igual. A French Police los piden hasta en China. Y he visto blogs de Japón hablando de bandas latinoamericanas. Es una chulada.

Así que sí: la hegemonía del inglés ya no es lo que era. Hoy cantar en español es lo de hoy, sobre todo en muchos lugares de Estados Unidos. Ya no hay que pensar: “hay que hacer un grupo en inglés para pegar”. Eso ya se acabó desde finales de los noventa.

Indie Rocks! Magazine: Claro. Pienso en movimientos que marcaron época, como la oleada de “rock en tu idioma”, donde también se reivindicaba que existen otros idiomas para hacer rock. Pasando a tu próximo concierto en el Foro Indie Rocks!, ¿tienes algo especial preparado?

San Charbel: Sí, tengo un plan. En las últimas dos canciones voy a invitar a mis amigos de Hoffen, Dalí y Daniela, para que me ayuden a corear la última rola, “Espejo”, que es con la que me gusta cerrar. Y pues cantaré las canciones que la gente que me apoya ya conoce. Básicamente eso: disfrutar cada minuto.

El Indie Rocks! para mí siempre fue una meta. Nunca pensé que se me diera la oportunidad y ya voy por la segunda vez. La primera fue increíble; estaba en el escenario principal y no me lo creía. Había un montón de gente, amigos, fans, todos gritando. Es algo que no puedo comparar con nada. Siento que esta vez será igual, porque French Police donde va, llena mucho. Y me emociona también tener esa pequeña colaboración con mis amigos de Hoffen al final.

Los que se sepan la canción, pues que la canten con toda la emoción. Para mí es otro momento para guardar en el corazón. Sé que sueno bien mamador o payasito, pero de verdad nunca me esperaba nada de esto. Cada vez que pasa, siento que estoy soñando. Ver gente enfrente cantando conmigo es algo que no puedo explicar.

Sé que habrá gente yendo a verme a mí, y eso me conmueve mucho. Y luego ver a Vilevo y a French Police, pues de lujo. Y lo más chingón: estar en Indie Rocks!, que para un artista siempre es una meta. Yo he tenido la fortuna y el regalo de estar ahí una vez más.

Indie Rocks! Magazine: ¡Te esperamos muy emocionados! ¿Tienes algún mensaje que quieras compartir con tu público previo al show?

San Charbel: A la gente que me apoya y siempre está en los eventos: los espero ese día. Si pudiera abrazar a cada uno, lo haría. Vamos a abrir nosotros; todavía no recuerdo bien los horarios, pero supongo que empezamos temprano. Así que a los que siempre están conmigo, les pido que lleguen temprano.

Lo bueno es que acabamos y sigue lo demás: Vilevo y French Police. Creo que está muy chido ver a esas dos bandas. A Vilevo nunca los he visto en vivo, pero he visto sus canciones en TikTok y estoy emocionado. Y a French Police verlos dos veces, pues chingón.

Y bueno… El Indie Rocks! para mí es top: una oportunidad bien cabrona. Estoy muy emocionado. Lleguen temprano, canten conmigo las que ya se saben, y disfruten conmigo.

A ustedes, Indie Rocks!, y a la gente que siempre me apoya: gracias por todo. Nos vemos el domingo 23; los horarios se anunciarán pronto. Pero recuerden: somos la primera bandita, así que hay que llegar tempranito.

No te pierdas a San Charbel en el Foro Indie Rocks! este 23 de noviembre y disfruta de su música aquí:

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Nuevos Discos del 15 al 21 de noviembre

Las novedades musicales de esta semana ya están aquí. ¿Listo para seguir expandiendo tu playlist?

Artista: De La Soul
Disco: Cabin in the Sky
Label: Mass Appeal

Artista: Emmanuel Horvilleur
Disco: MI AÑO GÓTICO
Label: Sony

Artista: Haley Heynderickx & Max García Conover
Disco: What of Our Nature
Label: Fat Possum

Artista: Keaton Henson
Disco: Parader
Label: PIAS

Artista: Kelly Lee Owens
Disco: KELLY
Label: dh2

Artista: Lightning In A Twilight Hour
Disco: Colours Yet To Be Named
Label: Elefant Records

Artista: MIKI
Disco: Zero
Label: Universal Music

Artista: Oneohtrix Point Never
Disco: Tranquilizer
Label: Warp

Artista: Skrillex
Disco: hit me where it hurts x
Label: Atlantic

Artista: The Bug & Ghost Dubs
Disco: Implosion
Label: PRESSURE

Artista: The Hellp
Disco: Riviera
Label: Anemonia Records

Artista: YARD
Disco: YARD II
Label: YARD

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“Pecho Tierra (Bocón)”, lo nuevo de Dáturaz

Un estilo completamente diferente y renovado.

Dáturaz, banda originaria de la vibrante Ciudad de México, se ha posicionado en la escena musical gracias a su propuesta audaz y una visión sonora inconfundible. Esta filosofía de constante reinvención se plasma de manera contundente en su próximo material de larga duración, un EP que promete ser un punto de inflexión en su carrera. 

Como primer adelanto, Dáturaz nos presenta el sencillo "Pecho Tierra (Bocón)", una rola que fusiona elementos del pop de los años 2000, con la energía del house, guitarras eléctricas, arreglos orquestales estilo britpop y una interpretación nítida que te deja claro de qué están hablando: “Puto bocón. Un queda bien. Venderías hasta tu sangre a cambio de aprobación. Un impostor. No es síndrome. Sería tan sencillo ponerte bajo presión”.

Este nuevo sencillo va contra todos esos vendehumos, con una letra que no escatima en describirlos, de manera precisa y sagaz, que se defiende por sí sola, sin necesidad de tanto músculo como en las clásicas tiraderas”, explica la banda en un comunicado de prensa.

Dale play aquí:

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