Mira el tráiler de 'The Show of a Lost World' de The Cure

Posted on noviembre 21, 2025 by -

Un retrato cinematográfico del regreso más esperado.

Tras el lanzamiento de Songs of a Lost World, su primer álbum en 16 años, The Cure anuncia el estreno de The Show of a Lost World, una película que documenta su emotiva presentación en el Troxy de Londres en noviembre de 2024. El concierto —un recorrido de 31 canciones— fue la única ocasión en que la banda interpretó el álbum completo en vivo, además de rendir homenaje a los 45 años de Seventeen Seconds.

Dirigida por Nick Wickham, colaborador visual de la banda desde hace décadas, la cinta captura la esencia del universo de Robert Smith: entre la nostalgia, la oscuridad y la belleza melancólica que han definido a The Cure por más de cuatro décadas. El propio Smith se encargó de la mezcla de audio, consolidando el proyecto como una obra profundamente personal.

El estreno mundial de The Show of a Lost World llegará a cines el 11 de diciembre, prometiendo una experiencia inmersiva para revivir uno de los momentos más significativos en la historia reciente de la banda.

Mira el tráiler a continuación:

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Entrevista con David Byrne

Posted on noviembre 21, 2025 by -

“La alegría puede ser su propio antídoto”.

Con un nuevo disco bajo el brazo —una obra luminosa, expansiva y sorprendentemente optimista— David Byrne regresa a un lugar que siempre ha defendido: el de la reinvención permanente. A diferencia de American Utopia, su nuevo material se sumerge en una mezcla de libertad creativa, orquestaciones brillantes y un deseo profundo de encontrar belleza en medio del caos contemporáneo. Conversamos con el músico sobre sus colaboraciones, su proceso creativo, el equilibrio entre pasado y presente, y la importancia de seguir sorprendiéndose después de tantas décadas de carrera.

Indie Rocks!: Para empezar, este nuevo álbum se siente increíblemente poderoso: lleno de optimismo, libertad y estos grandes coros llenos de alegría. ¿Cómo lo describirías en comparación con American Utopia?

David Byrne: No sé bien cómo describir American Utopia, pero este sí tiene un sentido de alegría y posibilidad. Tal vez es un antídoto para lo que está pasando en el mundo. Creo que lo escribí como una especie de terapia para mí mismo, y quizá también para otras personas.

Indie Rocks!: Quizá ese sentido de libertad viene del deseo de escapar del caos que nos rodea. A veces compartir ideas o letras puede sentirse muy íntimo, pero en este álbum colaboraste mucho —incluyendo con Pharrell Williams. ¿Qué te hizo confiar estas canciones a alguien más?

David Byrne: Creo que estoy mejorando al colaborar. Si puedo comunicar claramente lo que intento hacer, entonces ambos apuntamos a lo mismo. No necesito dar instrucciones: ellos aportan su propia creatividad y avanzamos en la misma dirección. Eso lo descubrí plenamente aquí.

Indie Rocks!: Y además de Pharrell, trabajaste con Ghost Train Orchestra, el productor Kid Harpoon e incluso con Camilo Lara, quien hizo una versión con Natalia Lafourcade…

David Byrne: ¡Sí! No sé cuándo saldrá, pero está muy buena. Convirtió la canción en una cumbia. Una vez tocamos juntos en Carnegie Hall; ella es maravillosa.

Indie Rocks!: Siempre mezclas muchos géneros, pero en este álbum la combinación se siente especialmente natural. ¿Por qué elegir ese primer sencillo como la introducción al proyecto?

David Byrne: Esa canción anuncia de qué trata el disco. Hay alegría, pero también realismo: gente riendo, llorando, viviendo, muriendo. Con la orquestación y el ritmo, se sintió como la invitación correcta. Te dice lo que viene.

Indie Rocks!: El álbum va del pop y arreglos orquestales a la percusión y el soul. ¿Cómo lograste mantener un hilo conductor entre tantos sonidos?

David Byrne: Kid Harpoon fue de gran ayuda. Mantuvo el equilibrio para que la orquesta no abrumara las voces. Todo se trató de balancear los elementos.

Indie Rocks!: En un mundo que se siente efímero y desechable, especialmente en redes sociales, ¿por qué era importante para ti tomarte tu tiempo con este disco?

David Byrne: Estoy en una posición afortunada: hice este disco sin una disquera. Yo mismo lo pagué, así que pudimos tomarnos el tiempo necesario. No quiero hacer algo esotérico; quiero algo accesible, pero a mi manera. Tomó más tiempo del que esperaba, pero estoy contento con el resultado.

Indie Rocks!: ¿Cuál es el secreto para mantener la música emocionante después de tantos años y evitar la monotonía?

David Byrne: Supongo que sigo siendo curioso. Escucho mucha música, salgo a escuchar música, y no me da miedo trabajar con otras personas para ver qué pasa.

Indie Rocks!: Has dicho que en esta etapa de tu vida ya no te importan las expectativas externas: tus canciones siguen siendo aventureras. ¿Cómo equilibras sentirte libre y al mismo tiempo seguir sorprendiéndote?

David Byrne: No puedo imaginar hacerlo de otra manera. No siempre es fácil; a veces piensas: “Tal vez esto no es bueno, tal vez es terrible”. Tuve ese momento con este disco. Pero estaba equivocado. Es un equilibrio delicado, pero posible.

Indie Rocks!: En esta gira mezclas las canciones nuevas con clásicos de Talking Heads. ¿Qué tan importante es para ti mantener un diálogo entre el pasado y el presente?

David Byrne: He podido reacomodar algunas de las canciones viejas para que encajen con las nuevas. Ayudan a contar la historia que presentamos en el escenario. Funciona: logramos un buen balance.

Indie Rocks!: Tus discos están llenos de capas y texturas, pero tus shows en vivo son increíblemente físicos y teatrales. ¿Cuál es la diferencia entre el David Byrne del estudio y el del escenario?

David Byrne: En el estudio tienes el microscopio: estás viendo cada detalle. En vivo, ensayas mucho tiempo, pero realmente no sabes qué funciona hasta que estás frente al público. Ellos te dicen si les gusta o no.

Indie Rocks!: Para alguien que aún no conoce tu trabajo, ¿cuál sería la mejor canción para entrar a tu discografía?

David Byrne: Wow… no lo sé. Algunas canciones son tan diferentes entre sí. Mi instinto dice “escucha mi nuevo disco”, pero no estoy seguro de que sea la mejor introducción. ¡Perdón!

Indie Rocks!: Recuerdo la gira de American Utopia —la vi en Ciudad de México y en ACL. El arreglo de “Once in a Lifetime” hacia el material nuevo era perfecto.

David Byrne: ¡Qué bueno! Sí, estamos continuando con ese tipo de cosas.

Indie Rocks!: Y finalmente, describe a David Byrne en tres palabras.

David Byrne: Soy bastante feliz, muy curioso y creo que trabajo bastante duro.

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Converge anuncia disco y estrena “Love Is Not Enough”

Posted on noviembre 21, 2025 by -

Una catarsis musical.

Converge, la banda originaria de Estados Unidos, ha anunciado el lanzamiento de su nuevo álbum, Love Is Not Enough, programado para el 13 de febrero de 2026 a través de Deathwish Inc. Este trabajo discográfico promete ser la culminación del extenso recorrido de Converge por los géneros punk, hardcore y metal.

Como primer adelanto del álbum, Jacob Bannon, Kurt Ballou, Nate Newton y Ben Koller han lanzado la canción principal, "Love Is Not Enough". Este tema es intensamente emocional y, a nivel lírico, explora lo que significa seguir siendo empático y compasivo en el mundo moderno.

Dale play al video dirigido por George Gallardo Kattah:

El álbum, grabado y mezclado en God City, Salem, Massachusetts por Kurt Ballou, destaca por su autenticidad: sin invitados ni trucos de estudio. Es un trabajo que promete ser crudo, honesto y que acepta la imperfección humana sobre la búsqueda de la toma perfecta.

Mira la portada y el tracklist:

Converge love

"Love Is Not Enough"
"Bad Faith"
"Distract and Divide"
"To Feel Something"
"Beyond Repair"
"Amon Amok"
"Force Meets Presence"
"Gilded Cage"
"Make Me Forget You"
"We Were Never The Same"

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Buenas Nuevas del 07 al 20 de noviembre

Posted on noviembre 20, 2025 by -

Una dosis rica de nueva música.

¡Mitad de noviembre! El puentecito, el frío y los estrenos musicales marcaron esta temporada. En esta selección de Buenas Nuevas traemos artistas y bandas que ya conoces bien, junto con nuevas joyitas que te van a sorprender. Los países que mapeamos en esta ocasión son Costa Rica, Chile, Venezuela, Brasil, Estados Unidos y México, así que aquí hay de todo y para todos.

02 adios cometa

Adiós Comenta 

Lugar de origen: Costa Rica

Géneros afines: Dream pop, shoegaze. 

¿Quién no ha imaginado cómo será su muerte? Jonathan Villalobos, Emanuel Mora, Gabriel Piedra, Mark Murillo y Pablo Matamoros están de regreso con nueva música. Se trata de “Luminosa”, una canción que habla sobre la muerte y los escenarios que podrían pasar después de esta. Adiós Cometa es un proyecto referente en la escena alternativa de Costa Rica. En su país, los ritmos afrocaribeños predominan en un entorno super caluroso y tropical donde parece que el shoegaze está fuera de contexto. Sin embargo, Adiós Cometa ha hecho música tan buena que su reconocimiento es internacional y sus nuevos lanzamientos son imperdibles. 

Escucha “Luminosa” aquí:

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04 diego lorenzini

Diego Lorenzini 

Lugar de origen: Chile

Géneros afines: Folk. 

Si buscas sonidos andinos que podrían musicalizar un atardecer en la montaña, el nuevo álbum de Diego Lorenzini es para ti. El disco ¿Y? huele a café calientito en una tarde nublada. Cuando lo escuchas es fácil imaginar danzas antiguas y pensar en raíces latinoamericanas. Este álbum fue compuesto y escrito por Diego Lorenzini junto a “amigos, héroes y familia”. José María Moure aparece tocando los vientos en “Talasofobia”, una de nuestras canciones favoritas del álbum que fue grabado y mezclado en Talca y Barcelona. 

Disfruta de “Talasofobia” aquí: 

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06 liga juvenil

Liga Juvenil

Lugar de origen: México

Géneros afines: Indie rock. 

Desde Sinaloa, Liga Juvenil es un grupo con una alineación integrada por músicos que se han destacado en otros proyectos de la escena alternativa y que, por algún motivo, se encontraron y conectaron en este. La música que hacen llega en un momento en el que la Gen Z y las juventudes, en general, tienen los ojos del país sobre ellos. En este contexto coyuntural, lanzaron un EP debut titulado Fuera de Lugar, compuesto por cuatro canciones.

Escucha aquí “Himno Nacional”, parte de este nuevo lanzamiento: 

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08 lil supa

Lil Supa 

Lugar de origen: Venezuela

Géneros afines: Hip hop, rap. 

Para Lil Supa, los videos son vigentes y tienen algo que decir: su más reciente lanzamiento lo demuestra. Se trata de “REQUIN”, una colaboración con el rapero Benjamin Epps, originario de Libreville, Gabón. Esta fusión de dos idiomas en un mismo beat —donde ninguno es inglés— se agradece en el género hip hop. Si buscas un rap rico para una tarde chill, esta canción es para ti. 

Escucha “REQUIN” aquí: 

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10 luisa almaguer

Luisa Almaguer

Lugar de origen: México 

Géneros afines: Indie, alternativo.

Luisa Almaguer es una de las artistas más importantes de México: disruptiva, icónica, tristísima y llena de alegría. Contrastes: luz y sombra. Este mes de noviembre, la cantante regresó a México para un par de presentaciones junto al proyecto Africa Express, solo para volver a partir y recorrer Europa como parte de su gira Weyes Tour. En ese interludio, Luisa Almaguer compartió “Solovino”, una canción que, confesó, fue escrita durante la pandemia y que recientemente fue rescatada y producida por Hugo Quezada en Progreso Nacional.

La canción cuenta con un video oficial dirigido por Lorea Arcelus, y muestra a Luisa Almaguer convirtiéndose en polvo. En soledad, en una playa desierta, en un lugar en el que parece existir únicamente ella y el baile, su silueta se desvanece una y otra vez. Si buscas entender qué está sucediendo con la música mexicana alternativa, “Solovino” es una radiografía del contexto actual.

Disfruta de “Solovino” aquí: 

No olvides que Luisa Almaguer también está presente en Instagram, Spotify, Youtube, ¡Síguela!

 

12 sessa

Sessa 

Lugar de origen: Brasil

Géneros afines: soul, bossa nova, psicodélico. 

Sérgio Sayeg ha estado en nuestro radar desde hace algunos años. Con el tiempo hemos escuchado su avanzada musical tras el Estrela Acesa (2022) y nos emociona compartir que este noviembre Sessa está de regreso con un nuevo álbum: Pequena Vertigem de Amor. En palabras del músico y compositor brasileño, este lanzamiento es “un funky un poco más nocturno, abierto y torcido”, ya que el músico cambió la forma de tocar la guitarra y brincó del estilo tradicional brasileño de punteo con los dedos, a un rasgueo más rítmico con la mano completa. Así que, para este álbum, ese cambio hizo la diferencia. Entre sus influencias está el viejo soul y nombres como Shuggie Otis, Roy Ayers y Sly Stone. 

Disfruta de “Planta Santa”, parte de Pequena Vertigem de Amor:

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14 stereo animal

Stereo Animal 

Lugar de origen: México 

Géneros afines: Punk. 

Tras el lanzamiento del álbum Metamorfosis en 2023, Stereo Animal está de regreso este mes con un nuevo sencillo titulado “Fuego en la Ciudad”. En esta ocasión, el dúo de mujeres mexicanas, presenta una canción más subversiva, punk y cruda. En sus palabras: “Fuego en la Ciudad no es una crónica del desastre, es un espejo de lo que arde cada día en lo social, en lo político y en lo íntimo. Vivimos rodeados de discursos vacíos, de creencias impuestas, de rutinas que consumen la vida. La ciudad se levanta como un monstruo de concreto que devora cuerpos, deseos y futuros”. 

Si quieres escuchar una canción para situarte en una realidad nacional innegable, dale play a “Fuego en la Ciudad”:

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16 todos mis amigos estan tristes

Todos Mis Amigos Están Tristes 

Lugar de origen: Chile

Géneros afines: Noise pop.

Todos Mis Amigos Están Tristes no solo es una afirmación punzante, es el nombre de una de las bandas que más está moviendo las olas under en Chile. Antonio Quintana, Baltazar Cueto, Rafael Massa y Ariel Matteoda lanzaron su álbum debut, Carne, compuesto por 10 canciones donde se habla de lo descontrolado del mundo y las desilusiones de toda una generación. En sus palabras: “10 canciones de culpa y reconciliación” que esperaron mucho tiempo para salir pero que, por fin, están disponibles en todas partes. Si tus momentos sad no tienen soundtrack, dale play a este debut. 

Escucha aquí “Zumbido”, parte de Carne:

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18 toso toso

toso toso 

Lugar de origen: Estados Unidos

Géneros afines: jazz, noise. 

toso toso, es un proyecto formado por el productor, baterista y diseñador de sonido Kabir Adhiya-Kumar; el sintetizador y teclista Rahul Carlberg; la productora y guitarrista Celia Hill; y la artista interdisciplinaria Isabel Crespo Pardo. Recientemente toso toso lanzó un álbum homónimo súper arriesgado y freak. La recomendación de este Buenas Nuevas es “en la lengua”, y debemos advertir que es una canción difícil de digerir y de entender. A primera escucha, es complicado descifrar hacia dónde se dirige el sonido. Parece que es una guitarra con una voz susurrada, pero después empieza a convertirse en algo más noise, lleno de elementos jazzeros, donde la voz principal termina mezclándose con otras voces y creando un collage muy esquizofrénico. Y esto tiene todo el sentido al entender que ellos buscan que sus obras se destrocen hasta quedar irreconocibles. Simplemente es una experiencia sonora que debes probar.

Escucha “en la lengua” de toso toso:

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Entrevista con Paul Oakenfold

Posted on noviembre 20, 2025 by -

“Si puedes bailar con ello, es música dance.”

Durante más de tres décadas, Paul Oakenfold ha sido una fuerza clave en la evolución de la música electrónica. Productor, DJ, remixer, fundador de Perfecto Records y colaborador de figuras como Madonna, U2, Britney Spears y muchos más, su nombre se convirtió en sinónimo de innovación y de esa fina línea entre el mainstream y el underground. De regreso en la Ciudad de México para un show propio, Oakenfold reflexiona sobre su trayectoria, el estado actual de la industria, la importancia de apoyar a nuevas generaciones y por qué México siempre le permite ser él mismo sobre el escenario.

Indie Rocks!: Paul, un placer conocerte. Siento que deberíamos habernos encontrado antes, has venido a México tantísimas veces.

Paul Oakenfold: Sí, he venido a México por más de 20 años. He hecho mis propios shows por todo el país, vine con Madonna, estuve en EDC… así que es bueno estar de vuelta.

Indie Rocks!: La vida es curiosa, porque justo antes de empezar a hablar contigo, en la pantalla detrás de ti vimos primero a Madonna y después a Britney Spears. Han sido figuras importantes en tu carrera, sobre todo por tus colaboraciones con vocalistas del pop mainstream.

Paul Oakenfold: A lo largo de los años he trabajado con muchos artistas: cantantes pop, bandas, distintos géneros. Desde rock con U2 y The Rolling Stones, hasta pop con Rihanna o el remix que hice para Britney Spears. Y por supuesto, Madonna.

En Inglaterra puedes trabajar con muchos géneros porque, realmente, lo que quieren es música dance con sus voces. He tenido suerte de que la gente venga a mí para trabajar en esa área.

Indie Rocks!: Hablando contigo siento que estoy frente a varios “Pauls”: el productor, el manager de sello, el DJ, el remixer… ¿Cuál de esos Paul viene a tocar esta vez?

Paul Oakenfold: El DJ, al 100%. Algo que me encanta de México es que puedo tocar música nueva y también clásicos. En Inglaterra siempre quieren los clásicos, todo el tiempo. Pero como artista haces música nueva y quieres compartirla. Así que tocaré música nueva y clásicos. Estoy deseando que llegue.

Indie Rocks!: Tu último álbum como tal salió en 2022, ¿cierto?

Paul Oakenfold: Sí, pero ya no haré más álbumes. Tres álbumes y terminé. Para mí es difícil hacer discos largos, y en el mundo actual la gente solo quiere sencillos. Así que hice mis tres álbumes y listo. Ahora trabajo con artistas jóvenes. Tengo dos DJs mexicanos en mi sello y trabajé hace tiempo con Suzie del Vecchio. Busco talento joven: hacemos un single, lo lanzamos y pasamos a lo siguiente.

Indie Rocks!: En la electrónica eso es lo más común. Hay muy pocos álbumes completos que realmente marquen época. Pero Perfecto Records lleva desde los 80 siendo un sello clave.

Paul Oakenfold: Sí. La idea nació porque no existían sellos en Londres que hicieran música dance. Tenía amigos haciendo dance y me preguntaban si conocía un sello… y no, no había. Así que dije: “¿por qué no empezamos uno?”. Lo hicimos, firmamos grandes discos y grandes artistas, y a Perfecto le fue muy bien.

Indie Rocks!: ¿Era más fácil firmar artistas antes que ahora?

Paul Oakenfold: Hoy es muy difícil. Ya no se trata de la música, sino de redes sociales.
Si haces un track pero no tienes seguidores, no tiene sentido que firme tu canción porque no hay vehículo para promoverla. Salen 20,000 tracks de música electrónica a la semana —80,000 al mes—, así que los artistas tienen que hacer todo ese trabajo en redes. Es difícil y una pena, porque debería tratarse de qué tan bueno es el disco, no de cuántos seguidores tienes. Pero así son las cosas hoy.

Indie Rocks!: Debe ser fuerte para alguien con tu trayectoria ver cómo cambió el ecosistema.

Paul Oakenfold: Sí, jamás hubiera imaginado que sería así.

Indie Rocks!: Veo que tu amigo trae una playera de metal…

Paul Oakenfold: (Ríe) Sí, pero el viernes no habrá metal. Solo música dance, muy buena música dance.

Indie Rocks!: Hablas de “música dance”, pero tu carrera ha pasado por trance, progressive house, psytrance…

Paul Oakenfold: Yo lo llamo “dance” como paraguas general. Debajo están el techno, trance, house, progressive, drum & bass… muchos géneros. A mí me gustan todos. Me gusta el drum & bass, me gusta el psytrance. Para mí, si puedes bailar con ello, es música dance.

Indie Rocks!: Soy hija del psytrance.

Paul Oakenfold: ¡Sí! La escena de psytrance en México es enorme. De hecho, el DJ que firmé recientemente es principalmente psytrance, así que voy a tocar un par de tracks de él, y también algo de Infected Mushroom, con quienes trabajé. No sé aún exactamente qué tocaré, pero habrá mucho progressive y cosas nuevas. Yo empecé en el psytrance, así que sí, somos familia.

Indie Rocks!: No todos los días puedes tocar un show propio. En festivales debes adaptarte al público, pero aquí puedes ser tú mismo. ¿Cambia mucho la selección del set?

Paul Oakenfold: Esa es una muy buena pregunta. Porque tienes toda la razón: Si abro para Madonna, es un tipo de set. Si abro para U2, es otro. En festivales debes ser más comercial. Además, en festivales la gente está con el teléfono en la mano todo el tiempo. Yo bailo más que ellos. Tienes una hora, debes ir rápido, cambiar tracks, mantenerlo accesible. Pero en un show como el del viernes, el set es largo, más profundo, más underground. Cuento una historia musical. Dos horas: un set de verdad. Por eso estoy tan emocionado.

Indie Rocks!: Estamos muy felices de tenerte aquí nuevamente, y por tu propio show. Recuerdo haberte visto en 2005 y creo que hablo por muchos al decirte: gracias. Gracias por mostrarnos que no era necesario ser anónimo para ser un DJ electrónico respetado y underground. Hiciste ese cruce con naturalidad y lo hiciste ver fácil, aunque no lo es.

Paul Oakenfold: Muchas gracias. Muy amable. Un gusto conocerte.

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Gary Mounfield, bajista de The Stone Roses, muere a los 63 años

Posted on noviembre 20, 2025 by -

Una lamentable noticia.

Con profunda tristeza se ha anunciado la muerte de Gary "Mani" Mounfield, el icónico bajista de la legendaria banda The Stone Roses. La noticia ha conmocionado al mundo de la música, dejando un vacío en la escena del rock alternativo británico.

La lamentable información fue confirmada por su propio hermano a través de una emotiva publicación en redes sociales. El mensaje, cargado de dolor, decía: "Con el corazón destrozado, anuncio el triste fallecimiento de mi hermano. Que en paz descanse Gary Mani Mounfield".

Mani, nacido en Manchester, fue una figura fundamental en la formación y el sonido característico de The Stone Roses, la banda que redefinió el baggy y el Madchester a finales de los 80 y principios de los 90 con álbumes seminales como su debut homónimo y Second Coming. Su estilo de bajo, distintivo por sus líneas melódicas y rítmicas, fue esencial para el éxito de temas como "Fool's Gold" y "I Am the Resurrection".

Tras la primera separación de The Stone Roses, Mani se unió a otra banda influyente, Primal Scream, donde también dejó una huella imborrable con su talento. Su regreso a The Stone Roses para su reunión en 2011 fue un momento celebrado por los fans, quienes pudieron verlo tocar una vez más junto a sus compañeros Ian Brown, John Squire y Reni en multitudinarios conciertos alrededor del mundo. Su legado musical perdurará como testimonio de su habilidad y contribución al rock moderno.

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Entrevista con French Police

Posted on noviembre 20, 2025 by -

“No somos góticos, solo usamos color negro”.

Después de conquistar al público mexicano con su mezcla de melancolía, sintetizadores y guitarras cargadas de oscuridad, French Police regresa a México con un nuevo sencillo y la promesa de un show que reafirma su conexión con el país. Desde Chicago, el trío ha sabido construir un sonido que se mueve entre el post-punk, la new wave y una estética sombría que —aunque no buscan— se ha convertido en parte de su identidad.
En entrevista con Indie Rocks!, la banda habla sobre su relación con la escena gótica, el inesperado éxito de Vampiro, su próximo disco y lo que significa volver a un lugar que consideran su segunda casa.

Indie Rocks!: ¡Están de vuelta! Ha pasado un año y medio desde su última visita. ¿Cómo se siente regresar a México?

French Police: Se siente increíble. Cada vez que tocamos en México es muy emocionante: la energía, la gente cantando todas las canciones, todo. Realmente se siente como una segunda casa para nosotros.

Indie Rocks!: Cuando la gente busca “French Police” en Internet, lo primero que aparece es dark wave o goth. ¿Se identifican con esa etiqueta?

French Police: No realmente. No nos consideramos góticos, aunque nos gusta que esa comunidad nos acepte. ¡Solo usamos negro! (risas) En realidad crecí escuchando más indie y alternative rock que post punk. A veces es raro que nos etiqueten así, pero está bien ser parte de ese espacio.

Indie Rocks!: Y cuando tocan en vivo y ven a tantas personas vestidas de negro, ¿sienten presión por ser “más góticos”?

French Police: Para nada. Creo que la gente nos acepta tal como somos. No hay presión, les gusta nuestro estilo, y nosotros simplemente hacemos lo nuestro.

Indie Rocks!: Hablemos de Vampiro, su canción más escuchada. ¿Por qué creen que conectó tanto con la gente?

French Police: Honestamente, no tenemos idea. En realidad es solo una demo, ni siquiera está terminada. La subí al azar y se convirtió en nuestra canción más popular. Tenemos mejores temas, pero creo que a la gente le gusta el nombre. (risas)

Indie Rocks!: ¿Sienten que ahora compiten con esa canción?

French Police: Un poco. He intentado hacer música que la supere, pero no sé si eso pasará. Está bien, de todos modos. Siempre la tocamos en vivo — ¡la gente probablemente nos odiaría si no lo hiciéramos!

Indie Rocks!: Eso le pasa a muchas bandas. Radiohead tiene "Creep", Depeche Mode tiene "Just Can’t Get Enough"…

French Police: Exacto, es lo mismo para nosotros. Cuando hacemos el setlist, siempre terminamos agregando Vampiro. El público la espera. Es divertida de tocar, incluso si a veces digo que la odio.

Indie Rocks!: Hablando del setlist, ¿qué podemos esperar del próximo show en México?

French Police: Hicimos un mashup de dos canciones, eso es algo nuevo. Fuera de eso, será un set largo, como de 22 temas, alrededor de una hora. Nuestras canciones son cortas, así que la energía se mantiene.

Indie Rocks!: ¿Han pensado en hacer canciones más largas?

French Police: No mucho. ¡La gente tiene poca atención ahora! (risas) Me gustan las canciones cortas y directas, que te dejen con ganas de más. Supongo que eso viene de nuestro lado punk. Dos minutos son suficientes.

Indie Rocks!: Su voz es bastante única, esa voz grave sorprende a todos.

French Police: (risas) Sí, me lo dicen mucho. Honestamente, odio cómo canto. Creo que canto así porque realmente no sé cantar. Pero a la gente le gusta, así que lo agradezco.

Indie Rocks!: ¿Qué escuchan cuando están de gira?

French Police: ¡Cualquier cosa menos French Police! (risas) Escuchamos de todo, desde country como Zach Topp hasta cosas más pesadas. Depende del día.

Indie Rocks!: Empezaste French Police después de otro proyecto, ¿verdad?

French Police: Sí, tenía una banda de indie pop llamada Karma Wears White Ties. No iba a ningún lado, así que decidí empezar algo nuevo. Escuché a Motorama y pensé: “Esto suena genial, y parece fácil de hacer”. Así que lo intenté, y funcionó.

Indie Rocks!: Es un cambio fuerte, sobre todo siendo un latino tocando un género que no suele asociarse con lo “latino”. ¿Qué se siente tocar en México?

French Police: Es surreal. Nunca pensé que saldríamos de nuestra ciudad, mucho menos tocar en México. La pasión que hay allá es irreal. Estamos muy agradecidos por todo el cariño.

Indie Rocks!: Incluso la gente los llama “Orgullo Mexa”.

French Police: ¿En serio? Es un honor. Si lo que hacemos inspira a alguien, eso es lo que importa. Cualquiera puede hacerlo, solo hay que quererlo y trabajar duro. Arriesgar todo, sin importar perder amigos o lo que sea. Solo hazlo.

Indie Rocks!: En su próximo show compartirán escenario con Bilebo y San Charbel. ¿Qué opinan del cartel?

French Police: ¡Está genial! Conocemos a Bilebo, les decimos nuestros primos. (risas) A San Charbel aún no, pero nos gusta su música. Será una mezcla interesante, ellos son más de la imagen gótica, mientras que nosotros intentamos alejarnos de eso.

Indie Rocks!: Sus visuales en vivo son muy llamativos. ¿Qué inspira su estética?

French Police: Me gusta mantener las cosas simples. Luz azul, siempre. Marca el ambiente. Cuando tenía mi estudio en casa, pinté las paredes de azul porque me hacía sentir creativo. El azul me hace sentir que puedo hacer cualquier cosa.

Indie Rocks!: Después de este show y del lanzamiento de "Libra", ¿qué sigue para French Police?

French Police: Planeo empezar un nuevo disco después de la gira, tal vez ocho canciones. Quiero hacer algo diferente. Puede que no le guste a todos, pero no importa. Será nuevo, y eso es lo que cuenta.

Indie Rocks!: Hay quienes dicen que la gente o ama o detesta a French Police pero al final, todos terminan amándolos. ¿Por qué crees que pasa eso?

French Police: (risas) Creo que es porque somos tímidos. La gente podría pensar que somos distantes o arrogantes, pero no es así. Solo somos introvertidos. Por eso uso lentes oscuros en el escenario, no me gusta ver al público. La mitad del tiempo ni siquiera miro hacia arriba. Tal vez por eso la música suena como suena.

Indie Rocks!: Puede ser. Oscuridad, timidez, misterio, todo encaja.

French Police: (sonríe) Sí, así es la vida. Todo positivo. Todo feliz. Y todo darks.

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DIIV estrenará ‘boiled alive’ en livestream

Posted on noviembre 20, 2025 by -

Prepárate para una dosis de música y un encuentro digital imperdible.

DIIV, la aclamada banda de dream pop, lanzará boiled alive, una película grabada en directo durante sus presentaciones en el Teragram Ballroom de Los Ángeles, California, que tuvieron lugar el 24, 25 y 26 de mayo de 2025. El estreno de este material, que promete sacudir la escena musical, está programado para el próximo 5 de diciembre y será accesible a través de la plataforma digital boiledalive.com.

Además, la banda estadounidense ha confirmado su participación en un chat en vivo que se llevará a cabo durante el estreno. Este encuentro promete ser una conversación, donde los integrantes de DIIV esperan interactuar directamente con sus fans, discutiendo el proceso creativo, las inspiraciones detrás de boiled alive y respondiendo preguntas.

El objetivo de este encuentro es claro: armar una "conversación... que nos vuele la cabeza". Se espera que sea una experiencia inmersiva y memorable, ofreciendo una conexión íntima entre la banda y sus oyentes, que va más allá de la simple escucha del disco. 

Como banda, siempre hemos dado lo mejor de nosotros en directo. Nos importa tanto la calidad de nuestros conciertos como la de nuestros álbumes. Grabar el concierto de Frog nos pareció una forma de hacer que nuestro directo fuera más accesible para todos y una oportunidad para expandir aún más el universo del álbum. Esperamos que disfrutes de lo que hemos creado”, expresó la banda.

Para ver boiled alive, compra una entrada en boiledalive.com por solo $5.00 dólares. 

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Diles que no me maten estrena “Manos de piedra (revisitada)”

Posted on noviembre 20, 2025 by -

Una de las propuestas más interesantes de la escena musical contemporánea mexicana.

Diles que no me maten, la vanguardista banda de post punk y rock experimental originaria de la efervescente Ciudad de México, ha regresado con un potente y dinámico nuevo sencillo titulado, "Manos de piedra (revisitada)".

Este lanzamiento, que ya está disponible en streaming, no solo marca la evolución sonora del quinteto conformado por Jonás Dérbez (voz, saxofón), los hermanos Raúl (batería) y Gerardo Ponce (guitarra), Jerónimo Elizondo-García (guitarra, clarinete) y Andrés Lupone (bajo), sino que también anuncia la llegada de un prometedor y ambicioso nuevo capítulo en su trayectoria musical.

"Manos de piedra (revisitada)" es una producción meticulosamente trabajada por Sebastián Rojas, conocido por su habilidad para capturar la intensidad cruda y la complejidad atmosférica de las bandas de rock independiente. La canción se sumerge en una atmósfera densa y oscura, combinando riffs angulares y minimalistas con la energía implacable de la sección rítmica, elementos que han definido a Diles que no me maten desde sus inicios. La revisita a este tema sugiere una madurez lírica y musical, ofreciendo una experiencia más pulida sin perder su esencia visceral y confrontativa.

Esta es una canción antigua de nuestro primer álbum que hemos estado interpretando de una manera diferente este último año. Decidimos volver a grabarla y lanzarla porque fue genial ver cómo el mismo espíritu de esa canción ha crecido dentro de nosotros. No pretende ser mejor que la primera, simplemente proviene de otro espacio y tiempo. Fue grabada en un estudio casero en la Galería Caleta en Santa María la Rivera, Ciudad de México, junto con algunas nuevas que pronto conformarán un álbum”, explicó la banda en un comunicado de prensa.

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Estamos Perdidos estrena “La Fiesta” y “María Cometió Mutilación”

Posted on noviembre 20, 2025 by -

Una bomba de energía pura.

Estamos Perdidos, la explosiva banda de Quito, irrumpe una vez más en la escena musical con el lanzamiento de su nuevo doble sencillo: “La Fiesta” y “María Cometió Mutilación”. Este par de temas son una declaración de principios que solidifica su sonido característico: una mezcla visceral y cruda de post punk con texturas envolventes de shoegaze y la agresividad disonante del noise.

"La Fiesta" es una explosión de energía que encapsula la esencia del pop punk más acelerado y pegadizo. Desde el primer riff, el tema te engancha con su ritmo frenético y una producción pulcra que mantiene la crudeza del género. La letra aborda una situación universalmente incómoda y cargada de ansiedad: el fatídico encuentro en una reunión social con ese "casi algo" que ahora ha pasado página y está con otra persona. Esta narrativa se convierte en un himno para cualquiera que haya experimentado la sensación de ser el intruso, de sentirse absolutamente invisible o completamente fuera de lugar en un entorno que debería ser de diversión.

Por otro lado, el track "María Cometió Mutilación" nos remonta a los cimientos más rudos y viscerales de la banda. Considerado uno de los hits fundacionales y favoritos del público desde sus inicios, este corte se zambulle en las profundidades del punk más duro. 

Si "La Fiesta" es el estallido melódico de la angustia, "María Cometió Mutilación" es el grito primario y sin filtros de la rebeldía.

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