Entrevista con Andrea Vanzo

Posted on noviembre 11, 2025 by -

El compositor italiano llega por primera vez a México con su espectáculo Settlerite, inspirado en su espacio personal y su universo sonoro más íntimo.

Desde Italia hasta México, Andrea Vanzo se ha convertido en una de las voces más singulares dentro de la música instrumental contemporánea. Con un estilo que mezcla el minimalismo, la nostalgia y la introspección, el pianista y compositor aterriza en el país para presentar Settlerite, un espectáculo inspirado en su propio hogar, donde se gestaron los temas de su serie discográfica Intimacy. Conversamos con él sobre su conexión con el público mexicano, el proceso detrás de su música y lo que significa trasladar su mundo interior al escenario.

Indie Rocks!: Antes que nada, muchas gracias por este momento. ¿Qué nos puedes contar sobre tu origen y cómo surge Intimacy Volume 1, tu álbum más importante hasta ahora?

Andrea Vanzo: Intimacy Volume 1 es, en gran parte, un álbum autobiográfico. Representa un viaje hacia mis orígenes y mi historia personal. Cada pieza es una pequeña parte de mí, un retrato de lo que soy y de lo que he vivido.

Indie Rocks!: En los últimos años has construido una conexión muy fuerte con tu público, sobre todo a través de redes sociales. ¿Cómo nació ese vínculo?

Andrea Vanzo: Cuando empecé, no usaba mucho las redes. Todo cambió durante la pandemia: comencé a grabar música y a subir algunos videos a Instagram. Uno de ellos tuvo muy buena respuesta, y ahí entendí que podía conectar con la gente de una manera distinta. Desde entonces, he construido mi presencia poco a poco.

Indie Rocks!: Esta será tu primera visita a México. ¿Qué significa para ti venir a tocar aquí?

Andrea Vanzo: Estoy muy feliz. Es la primera vez que cruzo el Atlántico para tocar en América. Además, tengo amigos músicos en México con quienes he colaborado, como Gibran y Hostel, un artista de música ambiental. Así que, de alguna forma, ya siento una conexión especial.

Indie Rocks!: Tus seguidores mexicanos son muy activos en tus redes. ¿Qué esperas de tus conciertos en Ciudad de México y Guadalajara?

Andrea Vanzo: Tengo una conexión fuerte con el público mexicano. Muchas personas me escriben desde hace tiempo pidiéndome que venga. Espero un público cálido y cercano; eso es lo que más deseo.

Indie Rocks!: Cuéntanos sobre Settlerite, el espectáculo que presentarás en esta gira.

Andrea Vanzo: Settlerite es un show completamente nuevo. Quise llevar mi hogar al escenario: mi sala, el piano, los libros, las fotos, la lámpara… todo. En mi Instagram hay un reel donde se puede ver la reconstrucción exacta del espacio. Quiero que el público sienta que está dentro de mi mundo. Además, habrá un nuevo setlist con piezas inéditas de Intimacy Volume 2.

Indie Rocks!: ¿Qué puedes adelantarnos sobre tus próximos proyectos?

Andrea Vanzo: Estoy trabajando en muchas colaboraciones y escribo nuevas piezas todos los días. Habrá varias canciones nuevas muy pronto y una colaboración especial que saldrá el próximo año.

Indie Rocks!: Para quienes aún no conocen tu música, ¿qué canciones recomiendas escuchar antes del concierto?

Andrea Vanzo: Diría "Soulmate", "Balzaldi Inverno" —que será parte de Intimacy Volume 2— y "Dreaming to Fly" o "The Midland", del mismo álbum. Son una buena forma de empezar este viaje sonoro.

Indie Rocks!: ¿Tendrás tiempo para conocer un poco de México durante la gira?

Andrea Vanzo: Me encantaría, pero no creo que sea posible. El viaje será muy corto y tengo otra fecha en Guadalajara, así que será una visita intensa.

Indie Rocks!: Si tuvieras que describir tu música en tres palabras, ¿cuáles elegirías?

Andrea Vanzo: Íntima, nostálgica y para quienes saben escuchar con calma.

Indie Rocks!: ¿Algo que quieras añadir antes de cerrar esta entrevista?

Andrea Vanzo: Estoy muy emocionado con este show, porque es una parte muy personal de mí. Es la primera vez que muestro algo tan íntimo fuera de Europa, y me alegra que sea en México. Espero encontrar gente dispuesta a sentir y escuchar conmigo.

Andrea vanzo

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Noble Savage regresa con “Skeleton Key”, un tributo oscuro a Mark Lanegan

Posted on noviembre 11, 2025 by -

Un homenaje entre sombras y emoción.

Noble Savage vuelve desde las sombras con “Skeleton Key”, un tributo profundamente emotivo al legendario Mark Lanegan. El trío liderado por el cineasta y músico Hari Sama entrega una versión que entrelaza la melancolía del darkwave con la elegancia del synth pop, dando vida a un homenaje que vibra con respeto, oscuridad y belleza.

Después de un año brillante, lleno de presentaciones en festivales de México y Estados Unidos, Noble Savage cierra el 2025 con una pieza que rinde honor a una de las figuras que más ha inspirado su estética y su sonido. “Skeleton Key” es más que un cover: es una carta de amor desde las sombras, una reinterpretación que transforma la tristeza en luz tenue y el eco en emoción pura.

Skeleton key portada

El lanzamiento llega acompañado de un videoclip dirigido por Azael Arroyo, quien junto al grupo construye un universo visual onírico y cargado de simbolismo. A través del uso de inserciones generadas con inteligencia artificial, el video recrea ese mundo de sombras y emociones que Noble Savage imaginó para esta versión: un espacio donde la nostalgia, el duelo y la devoción conviven en una misma frecuencia.

Con “Skeleton Key”, Noble Savage confirma que su arte no solo habita la oscuridad, sino que la transforma en una experiencia poética y profundamente humana.

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Entrevista con Mogwai

Posted on noviembre 11, 2025 by -

La intensidad sigue viva.

A casi tres décadas de su formación, Mogwai continúa siendo uno de los nombres más poderosos y respetados dentro del post rock. Con The Bad Fire, su más reciente álbum, la banda escocesa reafirma su capacidad de evolucionar sin perder su esencia: guitarras monumentales, atmósferas envolventes y una emotividad que se mantiene tan vigente como en sus primeros años.

En entrevista con Indie Rocks!, Stuart Braithwaite, guitarrista de la banda, reflexiona sobre la creación de su nuevo material, la importancia de seguir explorando sonidos y su próxima visita a México, donde regresan para presentarse en uno de los festivales más esperados del año.

Indie Rocks!: Su nuevo disco The Bad Fire salió a comienzos de este año. ¿Podrían contarme un poco cómo nació este álbum? ¿Cómo fue el proceso de creación?

Mogwai: No fue el disco más fácil de hacer. Pasamos por un momento complicado porque la hija de nuestro tecladista estuvo muy enferma, así que tuvimos que esperar a que su situación mejorara. Afortunadamente ahora está mucho mejor, pero al principio fue difícil juntarnos para ensayar o escribir canciones.

Una vez que entramos al estudio todo fluyó. Lo grabamos con John Congleton, que viajó desde Los Ángeles, y quedamos muy contentos con el resultado.

IR!: Me parece increíble cómo logran mantener una calidad constante disco tras disco. ¿Cómo consiguen seguir sonando frescos después de tantos años?

Mogwai: Creo que tenemos la suerte de que todos escribimos música. Hay tres de nosotros que componemos, y eso mantiene las ideas fluyendo. Cuando solo hay un compositor principal, puede ser más difícil mantener la frescura.

Además, Martin, nuestro baterista, es muy dedicado y siempre busca empujar las cosas un poco más allá. Nos gusta probar cosas nuevas y, por suerte, la gente sigue apoyando lo que hacemos.

IR!: ¿Cómo funciona ese proceso entre ustedes cuando alguien trae una idea o una canción?

Mogwai: Es bastante simple. Cada uno trabaja por su cuenta: yo hago maquetas en mi laptop, Barry tiene su estudio, Dominic también. Luego subimos las ideas a una carpeta compartida y todos las escuchamos.
Cuando nos reunimos, tocamos los temas y los vamos ajustando. Si alguien tiene una idea para cambiar o agregar algo, se prueba. Básicamente tocamos hasta que suene bien. Nada demasiado distinto a lo que hacen otras bandas, la verdad.

IR!: Algo que siempre ha llamado la atención en su música es el sonido particular de sus instrumentos. Es difícil replicarlo. ¿Cómo logran construir esos paisajes sonoros?

Mogwai: Barry cambia completamente su setup de sintetizadores en cada disco, y eso modifica mucho el sonido general. En mi caso, siempre estoy probando nuevos pedales, amplificadores, guitarras... somos bastante geeks. Nos gusta experimentar.

Casi todo lo hago con pedales; tal vez Barry hace cosas más digitales con los sintetizadores, pero mi parte es más analógica. Todo se trata de probar y encontrar algo que suene diferente.

IR!: También me parece que las portadas de sus discos siempre tienen un estilo muy particular. ¿Participan directamente en esa parte visual?

Mogwai: Trabajamos con el mismo diseñador desde hace años, Dave Thomas. Le mostramos la música, él nos enseña varias ideas y versiones, y elegimos juntos. Somos más personas de música que de arte, así que confiamos mucho en él.

IR!: ¿Qué los inspira hoy en día, tanto musical como visualmente?

Mogwai: En cuanto a cine, mi película favorita es The Exorcist. Hace poco vi un gran documental sobre su director. Además de eso, leo mucho, cómics, libros, arte… me gusta cualquier cosa que te haga pensar, sobre todo el horror y la ciencia ficción.

Musicalmente escucho mucha música ambiental —Stars of the Lid, Brian Eno—, también blues antiguo como Blind Willie Johnson y Skip James, punk como Adolescents o Siouxsie and the Banshees, y mucho hip hop. Depende del estado de ánimo, escucho de todo un poco.

IR!: ¿Tienes algún ritual para escuchar música?

Mogwai: Prefiero los vinilos. Tengo una gran colección, aunque ahora parte está guardada porque me mudé y no tengo espacio. Pero sí, escuchar discos es mi forma favorita.

IR!: Hablando de eso, ¿cómo equilibran su vida personal con la de músicos que constantemente están de gira?

Mogwai: No siempre es fácil. A veces tienes cosas personales que atender y también tienes que salir a tocar o grabar. Pero somos afortunados de poder viajar y vivir de la música, así que de alguna manera encontramos el equilibrio.

IR!: En unos días estarán tocando en México, donde tienen un público muy apasionado. ¿Qué pueden adelantarnos sobre ese show?

Mogwai: Nos encanta tocar en México. En esta gira estamos mezclando muchas canciones del nuevo álbum con temas más antiguos. Los conciertos han salido muy bien, así que tenemos muchas ganas de volver.

IR!: Ya han tocado antes en este festival, ¿qué recuerdan de esas experiencias?

Mogwai: Siempre ha sido increíble. Nos tratan muy bien y el público es enorme y entusiasta. Es un festival grande, pero se siente muy cercano al mismo tiempo.

IR!: ¿Hay alguna banda del cartel que les emocione ver?

Mogwai: Nuestros amigos de Franz Ferdinand estarán ahí, así que será genial verlos. También Foo Fighters, Queens of the Stone Age, Kadavar, hay muchos actos interesantes. Una de las mejores partes de los festivales es descubrir bandas nuevas.

IR!: Para quienes nunca los han visto en vivo, ¿en qué mentalidad recomendarían llegar a su show?

Mogwai: Con la mente abierta. Nuestra música no es convencional, así que lo mejor es venir dispuesto a dejarse llevar y disfrutar el sonido. Eso es lo más importante.

IR!: Y para alguien que quiera empezar a escuchar a Mogwai antes del festival, ¿qué canciones recomendarían?

Mogwai: Tal vez una vieja, como “Helicon 1”, o algo más reciente, como “Fanzine Made of Flesh” o “High Chaos”. Escúchenlas y vean qué les provoca.

IR!: Para cerrar, si pudieran describir a Mogwai en tres palabras, ¿cuáles serían?

Mogwai: Very, very loud (muy, muy ruidosos).

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Blackwater Holylight anuncia, ‘Not Here Not Gone’, su nuevo álbum

Posted on noviembre 11, 2025 by -

Una fusión contundente y profundamente melancólica.

Blackwater Holylight, originalmente un cuarteto y ahora consolidado como un poderoso trío de hard rock, ha cimentado su lugar en la escena underground de Los Ángeles. Este cambio de ubicación, tras un productivo periodo en Portland, Oregón, coincide con el anuncio de su muy esperado álbum debut: Not Here Not Gone.

Este trabajo discográfico, resultado es una propuesta sonora audaz que teje las texturas monolíticas y pesadas del doom metal con la atmósfera etérea y expansiva del shoegaze, se lanzará el 30 de enero de 2026 bajo el sello independiente Suicide Squeeze Records. 

Como primera muestra de esta evolución, la banda ha compartido el sencillo "Heavy, Why?", una canción que se construye sobre riffs de guitarra cargados de melancolía que sirven como vehículo para la exploración lírica de la desconexión corporal y la alienación emocional. La tensión narrativa y musical se mantiene en constante ascenso, culminando en un potente y catártico clímax eléctrico.

'Heavy, Why?' es un arreglo líricamente ligero e instrumentalmente pesado que, de forma críptica pero intencionada, habla de la experiencia de estar desencarnado y plantea la pregunta, simplemente: '¿Por qué? ¿Por qué es una experiencia tan dura, solitaria, angustiosa y pesada el alejarse del Ser?'", explicó Sunny Faris en un comunicado de prensa.

Dale play a continuación:

"Heavy, Why?" encapsula la filosofía de Blackwater Holylight: una banda que logra ser innovadora y atemporal, ofreciendo una propuesta que resuena con la intensidad del presente sin dejar de lado la riqueza del rock pesado clásico.

Mira la portada y el tracklist:

Blackwater not here not gone,

1. "How Will You Feel"

2. "Involuntary Haze"

3. "Bodies"

4. "Heavy, Why?"

5. "Giraffe"

6. "Spades"

7. "Void To Be"

8. "Fade"

9. "Mourning After"

10. "Poppyfields"

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Wolfmother celebra 20 años de su álbum debut con una edición en vinilo

Posted on noviembre 11, 2025 by -

Un disco que redefinió el hard rock moderno regresa en formato picture disc limitado.

Han pasado dos décadas desde que Wolfmother irrumpió en la escena internacional con su álbum debut homónimo, un trabajo que devolvió la energía del hard rock y la psicodelia setentera a los escenarios de medio mundo. Para celebrar el 20 aniversario de este lanzamiento, la banda australiana anuncia una edición especial en vinilo doble picture disc deluxe, con arte del legendario ilustrador Frank Frazetta y un tiraje estrictamente limitado para coleccionistas.

Publicado originalmente en 2005, Wolfmother marcó una época en la que el rock parecía perder fuerza frente al auge del indie y la electrónica. Con riffs implacables, distorsión sin concesiones y una voz cargada de poder, el trío liderado por Andrew Stockdale logró algo inesperado: devolver el protagonismo al rock más crudo y directo. El álbum alcanzó el Top 10 en Australia, ingresó al Billboard 200 de Estados Unidos, fue multiplatino y ganó tres premios ARIA, incluyendo Mejor Álbum de Rock.

Su impacto trascendió los rankings. Canciones como “Joker and the Thief”, “Mind’s Eye” y “White Unicorn” se convirtieron en himnos de festivales, películas y videojuegos, consolidando a Wolfmother como una de las bandas más influyentes del renacer del rock en los 2000. En 2007, su sencillo “Woman” ganó el Grammy a Mejor Interpretación Hard Rock, convirtiéndose en la primera agrupación australiana en recibir ese reconocimiento.

El lanzamiento del vinilo conmemorativo no solo celebra su legado musical, sino también su estética: la portada, ilustrada por Frank Frazetta, sigue siendo una de las más icónicas del rock moderno. Esta nueva edición incluye dos LPs en formato picture disc con diseño exclusivo y estará disponible por tiempo limitado.

Dos décadas después, Wolfmother sigue sonando igual de potente, recordando que el rock, cuando se toca con convicción, nunca pasa de moda.

Wolfmother picture disc

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Entrevista con Jet Vesper

Posted on noviembre 10, 2025 by -

Soul, groove y cócteles al atardecer.

El músico australiano Jet Vesper llega al Corona Capital con una propuesta que mezcla soul, funk y un espíritu luminoso que invita a moverse sin pensar demasiado. Su música, influenciada por el groove clásico y la producción moderna, busca reconectar el cuerpo con el ritmo y la cabeza con el placer de escuchar. Desde su estudio hasta las calles que recorre con audífonos puestos, Vesper construye un universo cálido donde el sonido es tanto refugio como celebración.

Indie Rocks!: Me parece muy interesante cómo mezclas tantos géneros dentro de tu música. ¿Podrías contarme cómo llegas ahí, tus inspiraciones y un poco sobre todo eso?

Jet Vesper: Sí, creo que uno de mis “problemas” es que amo muchos estilos diferentes de música, y a veces es difícil elegir un solo camino o un solo género. Pero también es algo emocionante. En el fondo, la música con la que crecí —el soul y el funk— está en mi sangre, no tengo que esforzarme por hacerla, simplemente surge.
Siempre estoy abierto a nuevos sonidos, nuevos artistas. Me considero un estudiante de por vida, siempre aprendiendo de discos o de los músicos con los que toco localmente. Es fácil absorber muchas influencias cuando escuchas tanta música, pero lo difícil es hacer que realmente funcione. A veces algunas ideas simplemente no encajan, pero cuando lo hacen, es algo mágico.

IR!: Me gusta mucho eso que dices de escuchar a muchos artistas. Para mí, escuchar música también es un ritual. ¿Cómo escuchas música tú? ¿Dónde y qué sueles oír?

JV: Escucho música en el estudio, sobre todo antes de crear, para subir mis niveles de energía. La música tiene ese poder de cambiarte el ánimo. Pero también escucho mucho cuando camino; me gusta recorrer una ciudad y combinar el paisaje visual con lo que estoy escuchando.

En el estudio presto atención a los detalles de producción; en la calle, todo se trata del vibe. Últimamente he estado escuchando a varios artistas que estarán en el Corona Capital, como Leisure y los también australianos Cut Copy. Tengo muchas ganas de verlos.

IR!: Te va a encantar la Ciudad de México, tiene esa energía visual que combina perfecto con la música. Y hablando del Corona Capital, vas a tocar el último día del festival. ¿Qué puede esperar el público de tu presentación?

JV: Estaré tocando con una banda de cinco integrantes con la que he girado por Europa y Australia durante todo el verano. Hemos desarrollado una conexión muy buena y cada show se siente más especial. Tocamos todo en vivo, sin backing tracks, así que tenemos cierta libertad para improvisar y responder a la energía del público. No es una sesión de jazz libre, pero sí dejamos espacio para que las cosas fluyan y cada concierto sea único.

IR!: Para quienes aún no te han escuchado pero quieren verte en el festival, ¿qué canciones recomendarías para empezar a conocer tu música?

JV: La que más conecta con la gente es “Love in the Open”, pero también recomendaría “Golden Day” y “Sunny”. Creo que esas tres canciones representan bien mi sonido.

IR!: ¿Y en qué estado mental recomendarías llegar a tu show?

JV: Me gustaría que la gente llegue con el corazón abierto y lista para dejarse llevar. Quiero que el público salga de su cabeza y entre en su cuerpo, que bailen, que canten y se sientan parte de una comunidad por un momento. Espero poder ofrecerles una especie de “vacación mental” mientras dura el concierto.

IR!: Para cerrar, si pudieras describir a Jet Vesper en solo tres palabras, ¿cuáles serían?

JV: Beach, cocktails y smooth.

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Entrevista con Helado Negro

Posted on noviembre 10, 2025 by -

El último sonido en la Tierra es el amor.

Roberto Carlos Lange, mejor conocido como Helado Negro, es un músico apasionado. Tras el lanzamiento de joyas que reformularon el año pasado y que fueron reconocidas en distintos medios como parte de lo mejor de la música alternativa, el músico está de regreso con un nuevo EP titulado The Last Sound On Earth. Este material se compone de cinco canciones, de las cuales “More” es el primer sencillo publicado. A propósito de este lanzamiento y de su próxima visita a Ciudad de México y Guadalajara, platicamos con el compositor sobre el poder del eco, el amor y la decisión de cerrar el año con un EP.

Indie Rocks!: En la descripción de “More” hablabas de una crisis del alma que se repite infinitamente por todo el mundo, pero ¿a qué crisis te refieres en particular?

Helado Negro: Wow, yo creo que para cada persona es diferente. Y con cada edad y cada época también toca algo súper distinto. Para mí sería… tú sabes… mi edad y ver cómo cambia el mundo. La verdad ahorita es más que nada tratar de buscar, cada día, un momento para no estar dentro de ese eco, debiéndole a la vida, a todo lo que pasa todos los días. Aquí en Estados Unidos nos pasan cosas, pero siempre uno piensa que lo que está pasando en tu propio pueblo es lo peor. Y tampoco puedes entender lo que pasa en otras partes del mundo. No sabes cómo comprender que algo pueda ser peor que lo que pasa en tu vida. Como que si un papá tuyo se murió, o un primo, o algo así. Todo te impacta en cada momento intenso. Ese es el eco de todo. Y claro… lo que pasa en el mundo: Palestina, lo que pasa acá con el gobierno, por todos lados, nos está pasando en cada momento de cada persona. No es sólo uno. El eco es de todo.

Indie Rocks!: Parece que vivimos en una paradoja donde mientras más conectados estamos entre nosotros, más desconectados estamos del mundo. Ahora, como dices, sabemos lo que pasa en diferentes países, pero ¿qué podemos hacer con esa información?

Helado Negro: La verdad es que yo no sé la respuesta. Pensarlo se hace más difícil. Pensar que hay una manera de resolver algo… cuando sientes ese momento tan fuerte no hay solución. Mejor dicho: yo no sé la solución. Yo solo hago lo que puedo hacer. Y fuera de eso es observar, leer, entender lo que puedo entender. Pero también siento que todo cambia, y mientras más edad tengo menos entiendo. Cuando era más joven creía que sabía todo; veía el mundo y pensaba que lo entendía, pero luego ves que todo es un poco más complicado. No tanto el mundo, sino las pequeñas cosas de la vida.

Indie Rocks!: Entrando al EP The Last Sound On Earth: ¿has pensado cuál sería el último sonido que te gustaría escuchar en tu paso por la Tierra?

Helado Negro: El último sonido para mí sería el amor. Sé que suena abstracto, pero es lo que hace falta en la vida y es lo que siempre queremos: un tipo de amor, una idea de amor. Ese sería el sonido para mí. Y sería diferente para cada persona: puede ser alguien que te quiere o te cuida, o una canción que amas, no sé… algo así. Para mí el amor es eso.

Indie Rocks!: El amor es un abstracto al igual que la música. ¿De dónde viene la decisión de compilar las nuevas canciones en un EP?

Helado Negro: Tiene partes del negocio también, ¿no? Esta conversación que siempre cambia. Ahora estoy trabajando con una disquera diferente y así se desarrolló la idea de sacar este EP. Yo terminé las canciones y les preguntamos si querían sacarlas y fue tan simple como eso. No hay un trasfondo más profundo. También está la urgencia de ser alguien que hace música y quiere compartir. Terminé estas canciones con la intención de compartirlas este año. Encontramos a esta disquera, Big Dada, que me gusta bastante, les encantó la música y la querían sacar. Es una colaboración con ellos: somos partners.

Indie Rocks!: Y también viene en formato físico…

Helado Negro: Sí. Viene en vinilo. Va a ser rosado. El diseño lo hizo mi amigo Robert Beatty, con quien he trabajado muchas veces y con quien también he ido de gira. Él ha hecho muchas portadas para mucha gente, las más famosas serían las de Tame Impala o The Weeknd. Empezamos hablando de esta idea del último sonido saliendo de un parlante o una bocina que rebota contra una pared, o saliendo de un dibujo, saliendo de la portada. Como que sale tanto sonido que se expande. Es abstracto también, pero súper chévere.

Indie Rocks!: ¿Y él se acercó a la música para hacer esta portada o cómo fue ese proceso?

Helado Negro: Yo le escribí. Un día estábamos hablando y le pregunté si quería hacerlo y me dijo que sí. Le mandé algunas ideas porque estoy muy inspirado por un artista que hizo muchas portadas para el digital reggae de los 80, se llama Limonious. Robert y yo somos súper fans. Le dije que sería bonito hacer algo como Limonious pero no idéntico. Si tú ves las portadas de Limonious no tienen realmente que ver con esto, pero nos sirvió como punto de partida.

Indie Rocks!: El arte de la portada es muy importante para un disco. Es de reconocerse que el EP salga en formato físico porque ahora casi todo migra a digital. ¿Tienes algún formato físico favorito para escuchar música? CD, cassette o vinilo.

Helado Negro: La verdad no. Yo creo que todo entra a tu vida de una manera u otra, ¿no? Para mí la música no es un objeto. No tiene que ser algo dogmático. Puede ser cualquier cosa. La música no es el formato físico: la música es el aire. Si puede existir así, es bonito. Y creo que siempre es parte de nuestras vidas. Como cualquier forma de arte. Es memoria y experiencia. Eso se queda contigo.

Indie Rocks!: Para cerrar, vienes a México pero antes estarás en Chile, Buenos Aires y Brasil. ¿Qué expectativas tienes de esta gira? ¿Cómo la preparas?

Helado Negro: La verdad es que es difícil organizar una gira. Ir a Sudamérica y también México no es tan fácil. La gente cree que sí, pero no. No es fácil armar un show en cualquier lugar. Siempre es mucho trabajo: armarlo, cuadrar detalles, pensar el show, el escenario, las canciones. Y como nunca sé cuándo voy a regresar, quiero tocar lo más posible de todos mis discos. Estoy viendo qué canciones tocar en México porque no hago un show propio en Ciudad de México desde 2019. He tocado en festivales, sí, pero no en un show mío. Es súper especial regresar y presentarme ahí después de casi seis años. Y lo preparo sabiendo que no sé cuándo voy a regresar.

No te pierdas a Helado Negro este 11 de noviembre en el Foro Indie Rocks! y disfruta su EP The Last Sound On Earth.

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Silversun Pickups anuncia su nuevo álbum, 'Tenterhooks'

Posted on noviembre 10, 2025 by -

El cuarteto de Los Ángeles regresa con un sonido más crudo, urgente y directo.

Silversun Pickups está de vuelta con su séptimo álbum de estudio titulado Tenterhooks, disponible el próximo 6 de febrero de 2026, marcando el inicio de una nueva etapa para la banda liderada por Brian Aubert. El anuncio llega junto a su nuevo sencillo “The Wreckage” y la confirmación de una extensa gira norteamericana que comenzará el 19 de febrero.

Después de su aclamado Physical Thrills (2022), el grupo —integrado por Aubert, Nikki Monninger, Christopher Guanlao y Joe Lester— vuelve a colaborar con el legendario productor Butch Vig (Nirvana, Sonic Youth), consolidando una alianza creativa que ha definido el sonido contemporáneo del rock alternativo estadounidense.

Queríamos hacer un disco compacto, con cinco canciones por lado, que se sintiera impaciente y más agresivo”, comentó Aubert sobre Tenterhooks. “Grabamos mientras el mundo volvía a cambiar, y eso inevitablemente se coló en la manera de tocar y sentir. Decidimos despojarnos de lo innecesario y hacerlo más ruidoso, más real.”

En “The Wreckage”, el bajo de Monninger toma protagonismo con una línea hipnótica inspirada en The Cure y Jane’s Addiction, creando una atmósfera que equilibra potencia, melancolía y energía. “Las guitarras grandes y el piano le dan espacio para respirar”, explicó el vocalista sobre la nueva dirección del sonido.

Tenterhooks no solo promete ser uno de los lanzamientos más esperados del próximo año, sino también una reafirmación del estilo distintivo de Silversun Pickups: ese punto medio entre el ruido y la emoción, la tensión y la catarsis.

Mira la portada y el tracklist:

Silversun pickups tenterhooks

01. "New Wave"
02. "The Wreckage"
03. "Au Revoir Reservoir"
04. "Wakey Wakey"
05. "Witness Mark"
06. "Thorns and All"
07. "Long Gone"
08. "Running Out of Sounds"
09. "Interrobang"
10. "Hot Wired"

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Fred again.. une fuerzas con CA7RIEL & Paco Amoroso en “Beto’s Horns”

Posted on noviembre 10, 2025 by -

El productor británico expande su universo sonoro con una colaboración que une Londres, Buenos Aires y París.

Fred again.. vuelve a sorprender con una colaboración inesperada junto a CA7RIEL & Paco Amoroso, presentando “Beto’s Horns”, una pieza que mezcla funk, electrónica y ese pulso impredecible que caracteriza al productor británico. El tema forma parte de su proyecto en constante evolución USB, una serie viva que sigue transformándose con nuevas canciones, shows y remixes.

La creación de “Beto’s Horns” fue tan orgánica como global: comenzó en Atenas, se desarrolló entre sesiones en Madrid y culminó con las voces grabadas en París, todo transmitido en directo a través de Twitch, donde Fred permitió al público presenciar su proceso creativo en tiempo real.

Ahora, el productor lanza dos nuevas versiones: “Beto’s Horns (fred remix)” y “Beto’s Horns (Ezra Collective remix)”, sumando a la ecuación el virtuosismo del quinteto británico que imprime su sello de jazz, improvisación y groove a una canción que ya suena a clásico contemporáneo.

El remix de Ezra Collective nació como una jam session capturada en el centro de Londres, que será estrenada en video el 10 de noviembre, mostrando una reinterpretación espontánea y explosiva del track original.

Estos lanzamientos forman parte de la nueva fase de USB, descrita por el propio Fred again.. como “un álbum infinito”. Desde 2022, este proyecto ha crecido con colaboraciones que redefinen los límites del pop electrónico, como “Talk of the Town” (con Sammy Virji y Reggie), “HARDSTYLE 2” (con KETTAMA y Shady Nasty), “Facilita” (con Caribou y MC Teteu) y “Ambery” (con Floating Points).

El productor también acaba de poner en marcha una serie de 10 canciones y 10 shows en 10 ciudades durante 10 semanas, bajo el nombre USB002. El segundo concierto se celebró en Dublín, con invitados como EMA, Caolan Ryan y Fontaines, además de una instalación visual del artista digital Boris Acket que acompañará toda la gira.

Con “Beto’s Horns”, Fred again.. reafirma su espíritu colaborativo y su capacidad para conectar escenas distintas —desde la electrónica londinense hasta el trap rioplatense—, demostrando que su música sigue expandiéndose como un universo sin límites.

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Babyshambles regresa con “Dandy Hooligan”, su primera canción en 12 años

Posted on noviembre 10, 2025 by -

El regreso de Pete Doherty y compañía marca una nueva etapa para la banda británica, que celebra el 20 aniversario de Down in Albion y anuncia su gira de reunión.

Después de más de una década de silencio discográfico, Babyshambles está de vuelta. La banda liderada por Pete Doherty reaparece con “Dandy Hooligan”, un sencillo que combina elementos de reggae, ska y pop con la energía irreverente que siempre los ha caracterizado.

Grabada entre Normandía y Manchester, la canción fue producida por Mike Moore (Baxter Dury) y mezclada por Ross Orton (Arctic Monkeys, M.I.A., The Fall), ofreciendo un sonido pulido y contagioso que contrasta con la crudeza lírica habitual de Doherty.

“Es una canción elegantemente construida, con una melodía dulce para caminar al ritmo de tu bastón afilado”, comentó el músico sobre el tema, inspirado en las vivencias de Bob Morris, amigo cercano de la banda y figura icónica de la resistencia antifascista en Reino Unido. El propio Morris protagoniza el videoclip oficial, dirigido por Roger Sargent y filmado en el corazón de Soho.

“Dandy Hooligan” no solo marca el retorno de Babyshambles, sino también un nuevo comienzo. La reunión fue posible después de que Doherty y el guitarrista Mick Whitnall se mantuvieran sobrios durante varios años, un paso fundamental para reencontrarse con su pasado y rendir homenaje a su ex compañero Patrick Walden, fallecido en junio.

La banda también ha anunciado la reedición del álbum debut Down in Albion por su 20 aniversario, con material remasterizado, rarezas y lados B de aquella era. Con este lanzamiento y la gira que comenzará en 2025, Babyshambles se prepara para revivir la energía que marcó a toda una generación.

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