Nine Inch Nails estrena el video de “As Alive As You Need Me To Be”

La experiencia sonora completa.

Nine Inch Nails ha lanzado el video musical oficial de su sencillo más reciente, "As Alive As You Need Me To Be". Este épico tema, estrenado a mediados de julio, forma parte de la banda sonora de la película de Joachim Rønning, Tron: Ares (2025).

El nuevo videoclip de Tron, la tercera entrega de la icónica saga de ciencia ficción, bajo la dirección creativa de Maxime Quoilin, se distingue por su metraje en blanco y negro, que evoca una atmósfera distópica futurista. Este estilo se alinea perfectamente con la esencia épica y abstracta de la próxima película.

Con una trayectoria notable en la industria, Trent Reznor y Atticus Ross, reconocidos por sus contribuciones a bandas sonoras de cine, forjan un nuevo legado ineludible. Aportan su magnética y disruptiva creatividad a través de tracks legendarios e intensos que arrasan con todo a su paso. Experimentando con una ferocidad digital, consolidan la excelencia musical detrás de una imponente franquicia.

El lanzamiento de "As Alive As You Need Me To Be", el nuevo sencillo coproducido por Boys Noize y distribuido por Interscope Records, ofrece una experiencia integral e inmersiva que se complementa a la perfección con su videoclip oficial.

Disfruta de "As Alive As You Need Me To Be":

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Entrevista con Paloma Morphy

Transformar el dolor en canciones que abrazan.

La cantautora mexicana abre su corazón en Au, un debut que ha conectado con miles de personas que buscan contención, honestidad y compañía en la música.

En un panorama musical saturado de tendencias efímeras, Paloma Morphy emerge con una propuesta íntima y profundamente humana. Su primer álbum, Au, no solo es un ejercicio de vulnerabilidad, sino un manifiesto sobre la capacidad de la música para sanar, acompañar y tender puentes entre experiencias compartidas. Con una gira en marcha y una comunidad en constante crecimiento, Paloma nos invita a entrar en un universo donde la tristeza se convierte en luz y cada canción funciona como un abrazo.

IR!: Tu álbum debut Au es una alquimia emocional: transformar el dolor en oro. ¿Cuál fue el primer momento en el que sentiste que una emoción difícil podía convertirse en algo valioso a través de la música?

PM: Cuando empecé a componer me di cuenta de que, a través de las canciones, yo sanaba. Era como un canal para liberar todas esas emociones reprimidas y acumuladas que llevaba dentro.

IR!: Muchas de tus canciones tocan temas como la ansiedad, el duelo, la tristeza o el amor no correspondido, pero desde un lugar honesto y sin dramatismos. ¿Qué tan fácil o difícil fue mostrarte tan vulnerable en un primer disco?

PM: Fue algo natural. Escribir este disco nació de una necesidad, así que realmente no lo pensé demasiado, simplemente escribí lo que necesitaba escribir.

IR!: Au ha encontrado un eco muy fuerte en una generación que también está buscando contención. ¿Qué has aprendido de tu comunidad de fans desde que comenzaste a compartir tus canciones?

PM: Que todos estamos atravesando algo. Todos tenemos una herida, un peso, algo que queremos soltar. Todos, en algún momento, nos sentimos solos y buscamos ser acompañados. Creo que Au conecta por eso. A mí me ha hecho sentir muy acompañada y descubrir que hay tantas personas que sienten como yo.

IR!: girAu no es solo una gira, es casi una experiencia sensorial y emocional. ¿Cómo te imaginaste estos conciertos? ¿Qué quieres ofrecer más allá del show?

PM: Quiero que quienes asistan sientan algo, que tengan un momento de revelación, que se cuestionen, que despierten las ganas de conocerse y conectar, todo en un espacio libre de juicios.

IR!: ¿Qué significa para ti llevar tu universo a distintas partes del país?

PM: Es un sueño hecho realidad. Estoy muy agradecida de que este álbum, y la gente que lo ha abrazado, me esté dando la oportunidad de viajar haciendo lo que más amo: tocar y cantar en vivo.

IR!: Musicalmente, Au suena muy personal pero también muy actual. ¿Qué referencias o influencias ayudaron a construir este sonido?

PM: Justo lo que busqué con Au fue no usar referencias para que el sonido fuera completamente mío. Es el sonido con el que me descubrí a mí misma musicalmente.

IR!: ¿Cómo encuentras el balance entre hablar de temas muy íntimos y al mismo tiempo hacer canciones que acompañan, que no se sienten pesadas, sino como un abrazo?

PM: Creo que el equilibrio está en que las producciones son más movidas, mientras que las letras son más tristes y profundas. Esa dualidad ayuda: por un lado hay letras cargadas de emociones, y por el otro, arreglos más amables e incluso alegres. Aunque estaba atravesando mucha tristeza, siempre he sido una persona alegre, y quería que eso también se reflejara en mis canciones.

IR!: Para quienes aún no conocen tu música, ¿cuál sería la mejor canción para entrarle a tu discografía y por qué?

PM: Diría "lo que un día fue", porque fue la primera y la que me abrió las puertas a muchísima audiencia.

IR!: Describe a Paloma Morphy en tres palabras.

PM: Honesta, auténtica, creativa.

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Lucrecia Dalt hipnotiza con “No death no danger”

Una atmósfera sonora magnética y surreal.

Lucrecia Dalt, la artista experimental, lanza su cuarto sencillo, "No death no danger", como adelanto de su próximo álbum, A Danger to Ourselves. Este nuevo trabajo discográfico será publicado por RVNG Intl el 5 de septiembre.

Con una narrativa compleja y profunda, que explora las tensiones humanas, "No death no danger" es un sencillo que transforma el espacio íntimo en un colectivo, retratando la dualidad entre lo racional y lo instintivo. Conjura un hechizo etéreo, rodeado de una atmósfera de peligro constante, donde la armonía empodera la resistencia.

El track se lanza con un video musical dirigido por Tony Lowe, con la cinematografía de Sayer Danforth. El metraje captura una magnética presencia oscura, utilizando luces rojas para reflejar intensidad, cambio y trascendencia. Lucrecia Dalt expone su arte de forma visual y musical, logrando una armonía hechizante, sublime y emocional. Esta combinación convierte el proyecto en un espacio inexplorado.

La cantautora colombiana explora temas introspectivos, sensibles y con crítica social en su álbum A Danger to Ourselves. Este trabajo retratará la existencia humana sin filtros, fusionando elementos de las artes escénicas y cinematográficas para crear un ambiente sonoro caótico y misterioso.

Dale play a "No death no danger":

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Sparks anuncia EP y estrena “Porcupine”

La obsesión más bizarra.

Sparks ha anunciado el lanzamiento de su nuevo EP, MADDER!, el 3 de octubre vía Transgressive. El material incluirá cuatro temas inéditos, y la banda de rock ya compartió el primer sencillo, “Porcupine”.

Continuando de manera casi espontánea tras su éxito internacional, Ron y Russell Mael se internaron en su estudio de grabación. Con gran intensidad y tensión, dieron forma a este nuevo proyecto de corta duración, en medio de esta caótica etapa musical.

“Porcupine” es una inmersión musical en una obsesión intensa y una locura insana. La canción describe la fijación visceral de un hombre por una mujer más joven, cautivado por su personalidad espinosa. La atmósfera musical es desenfrenada, magnética y bizarra, tejiendo una narrativa inquietante y peligrosa. La creatividad armónica es magnífica, arrastrándote sin esfuerzo a su universo sonoro y extendiendo la obsesión a lo largo de un recorrido inquietante.

Los hermanos Mael comparten sus ideas introspectivas en temas que exploran una complejidad irónica. Este nuevo EP ha sido bien recibido por la crítica dentro de la escena musical y también incluye las canciones "Fantasize", "Mess Up" y "They!".

Disfruta de "Porcupine":

Mira la portada aquí:

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David Byrne revela la playlist de su boda

Un acto de amor que culmina en un soundtrack romántico.

David Byrne comparte la banda sonora de su historia de amor. A pocos días de contraer matrimonio con la financiera Mala Gaonkar, el artista británico revela la playlist que utilizará en su boda. Una unión no solo musical, sino romántica, que se entrelaza a la perfección esta semana.

Me caso esta semana y preparé una lista de reproducción casi completamente instrumental mientras nuestros invitados disfrutan de una cena increíble y picante", expresó David en Instagram.

Con una magnífica formación musical, presenta una colección de canciones que se unen como un acto de amor. La ternura de un enamorado se fusiona con la precisión de un arreglista, creando un momento vulnerable, juguetón y profundamente humano.

La lista de reproducción presenta música latina con Son Rompe Pera, El Alfa, Café Tacvba y los Meridian Brothers. También incluye temas de Herbie Hancock y versiones instrumentales de “Wow.” de Post Malone y “An Ending” de Brian Eno.

Disfruta de la playlist aquí.

¡Radiohead está de regreso!

Confirmado, Radiohead dará su primer tour en siete años.

En las últimas horas, misteriosos flyers circularon por varias ciudades europeas, alimentando rumores sobre una posible gira de Radiohead. Hoy, se confirma oficialmente que la banda, integrada por Thom Yorke, Jonny Greenwood, Ed O'Brien, Colin Greenwood y Phil Selway, ofrecerá conciertos en ciudades como Madrid, Bolonia, Londres, Copenhague y Berlín.

El año pasado nos juntamos para ensayar, solo por diversión. Después de una pausa de siete años, fue genial volver a tocar las canciones y reconectar con una identidad musical que se ha arraigado profundamente en nosotros cinco. También nos dieron ganas de tocar algunos conciertos juntos, así que esperamos que puedas asistir a alguna de las próximas fechas. Por ahora, solo serán estas, pero quién sabe adónde nos llevará todo esto”, dijo Philip Selway en un comunicado de prensa.

Flyer de radiohead gira en londres

Los boletos estarán disponibles a partir del 12 de septiembre. Para garantizar que los fans obtengan sus entradas, y para reducir al mínimo la reventa y la actividad de bots, será necesario registrarse en radiohead.com.

El registro abrirá el viernes 5 de septiembre a las 10:00 a. m. BST (11:00 a. m. CEST) y cerrará el domingo 7 de septiembre a las 10:00 p. m. BST (11:00 p. m. CEST), permaneciendo disponible durante 72 horas.

Aquí te dejamos las fechas confirmadas hasta el momento:

11/04 – Madrid, Spain @ Movistar Arena
11/05 – Madrid, Spain @ Movistar Arena
11/07 – Madrid, Spain @ Movistar Arena
11/08 – Madrid, Spain @ Movistar Arena
11/14 – Bologna, Italy @ Unipol Arena
11/15 – Bologna, Italy @ Unipol Arena
11/17 – Bologna, Italy @ Unipol Arena
11/18 – Bologna, Italy @ Unipol Arena
11/21 – London, UK @ The O2
11/22 – London, UK @ The O2
11/24 – London, UK @ The O2
11/25 – London, UK @ The O2
12/01 – Copenhagen, Denmark @ Royal Arena
12/02 – Copenhagen, Denmark @ Royal Arena
12/04 – Copenhagen, Denmark @ Royal Arena
12/05 – Copenhagen, Denmark @ Royal Arena
12/08 – Berlin, Germany @ Uber Arena
12/09 – Berlin, Germany @ Uber Arena
12/11 – Berlin, Germany @ Uber Arena
12/12 – Berlin, Germany @ Uber Arena

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Miles Kane estrena el single “I Pray”

Nuevas exploraciones personales y musicales.

Miles Kane regresa con nueva música y un adelanto de lo que será su próximo álbum Sunlight In The Shadows, que se estrenará el 17 de octubre. El primer vistazo a este proyecto llega con el sencillo “I Pray”, donde Kane combina su estilo característico de retro soul-rock, con guiños al rock de los años 60, la cultura mod y el garage rock.

El tema viene acompañado de un video dirigido por James Slater, colaborador habitual de artistas como Sam Fender, Jamie T y Yard Act. En él, Kane aparece de manera sencilla, tocando con su banda, dejando que la fuerza de la canción hable por sí misma. “Quería algo directo para este video, sin artificios. Volví a Liverpool para filmarlo y solo quería tocar con la banda para que la canción pudiera expresarse por completo”, comenta el músico sobre la pieza audiovisual.

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“I Pray” nació a partir de un riff que Kane ya tenía antes de entrar al estudio con Dan Auerbach, productor del álbum. “A medida que he crecido, me he vuelto un poco más espiritual y me he dado cuenta de que es importante conectar con ese lado de mi vida. Esta canción trata sobre poder aprender algo nuevo sobre ti mismo sin perder lo que eres”, explica Kane.

Este sencillo se suma a los avances previos que anunciaban el regreso del cantante inglés, tras su álbum de 2023, One Man Band, con los temas “Electric Flower” y “Love Is Cruel”. Con Sunlight In The Shadows, Miles Kane promete un disco donde el estilo clásico de su sonido se combina con nuevas exploraciones personales y musicales, reafirmando su lugar como uno de los nombres más consistentes del rock británico contemporáneo.

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Daphni estrena “Eleven”

Un espacio entre lo hipnótico y lo contemplativo.

Dan Snaith, líder de Caribou, sigue explorando su faceta más dance como Daphni con su nuevo sencillo “Eleven”, un track que reafirma su habilidad para combinar sofisticación y diversión en la música electrónica. Después de colaborar en “Unidos” de Sofía Kourtesis y de lanzar sus propias producciones “Sad Piano House” y “Clap Your Hands”, Snaith regresa con un house elegante y luminoso que dura casi seis minutos y que logra transportar al oyente a un espacio entre lo hipnótico y lo contemplativo.

“Eleven” se construye sobre melodías de sintetizadores etéreos y atmosféricos, salpicadas con fragmentos vocales fantasmales que refuerzan la sensación de misterio y ligereza. La ausencia de letras deja que cada oyente proyecte sus propias imágenes y emociones sobre la pista, haciendo que la experiencia sea profundamente personal y abierta a la imaginación. Su título podría evocar a la icónica Eleven de Stranger Things, pero cualquier relación queda estrictamente a la interpretación de quien escucha.

El videoclip, dirigido por Damien Roach, adopta un formato vertical y sigue la trayectoria de un flotador siendo arrastrado detrás de un bote en un lago. La simplicidad de la propuesta se convierte en un complemento perfecto para la frescura de la música, transmitiendo la sensación de diversión despreocupada y de libertad que caracteriza el estilo de Daphni. Con “Eleven”, Snaith reafirma su capacidad de reinventarse constantemente, ofreciendo un sonido que es a la vez sofisticado, atmosférico y, sobre todo, disfrutable.

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Entrevista con La Bande-Son Imaginaire

Un acto teatral que te llevará al límite.

Hablar de La Bande-Son Imaginaire es tener una conversación necesaria sobre un grupo que implementó una fórmula que ya no se acostumbraba en los conciertos actuales. No es para menos, los hermanos Tanat fusionaron dos elementos que se habían distanciado en los conciertos: el teatro y la música. Porque sí, una cosa es un musical en un teatro y otra es trasladar un acto teatral a un concierto.

Es esa fusión la que nos conectó en una entrevista con La Bande-Son Imaginaire, previo a su mítico y alucinante concierto en el Teatro Metropólitan. En una charla, Óscar y Heri Tanat, nos hablaron de su nuevo lanzamiento y lo que se prepara para la presentación del próximo 5 de septiembre en Ciudad de México. 

La música de La Bande-Son Imaginaire es descrita como dark wave y electrónica, pero quienes han visto su acto en vivo, saben que esta va más allá de las definiciones establecidas porque es un ritual. "Nosotros hemos planteado eso de hacer un show totalmente diferente, porque estamos hartos de que vas a conciertos de algunos artistas —algunos muy buenos en interpretación y demás— a los que les falta la esencia, ¿no?, la presencia escénica. Solamente se concentran en sus instrumentos, y nosotros planteamos que, aparte de manipular instrumentos físicos, también utilizamos nuestro cuerpo como otro instrumento para motivar a la gente, para hacerlos parte de este ritual”.

Las letras oscuras no son casualidad, Óscar y Heri Tanat crecieron de la mano de lo sobrenatural. “En la infancia, vivimos en un contexto donde todo el tiempo había cosas extrañas sucediendo en la casa materna. Y no sé, creces con eso, creces con la idea de que hay un más allá tangible, porque todo el tiempo está sucediendo y porque, en teoría, tu percepción lo conoce. Creo que eso nos ha llevado un poco a manejar el tema de arquetipos como la muerte, el diablo, el fantasma, las leyendas, el cine de terror, todo aquello que está del otro lado”.

Y es que, por primera vez, estas historias musicalizadas de ultratumba llegan a uno de los teatros más importantes para la música en México. Así que no se trata de cualquier venue, sino que este es el espacio donde La Bande-Son Imaginaire puede resaltar su presentación como nunca antes se ha visto.

“Vamos a estar en un teatro. Nosotros nacemos del teatro, ahora va a ser el teatro en el teatro, ¿no? Y entonces, lo que vamos a explorar van a ser todos estos espacios y herramientas que nos da el lugar para poder hacer una mayor proyección y llevar al límite a la banda. Se van a estrenar algunos temas del disco Synthesizer Magazine que no se han tocado en Ciudad de México, también se van a ocupar recursos audiovisuales y vamos a plantear un proyecto, una propuesta de iluminación también, más sincronizada con lo que estamos haciendo”.

En los conciertos de La Bande-Son Imaginaire, los fans no son testigos pasivos, sino participantes que tienen tanta relevancia como los propios músicos. "Nosotros hemos planteado que este proyecto es teatral, no solo en el sentido de que un espectador ve el teatro, sino que el teatro, como concepto original, era un ritual donde el mismo espectador era partícipe de esa gran obra de teatro, y aquí es el concepto de romper la cuarta pared. El actor, el cuarto actor, el cuarto personaje de La Bande-Son Imaginaire, es el público, que sin ese actor faltan muchos elementos”.

Y son estos fans los que se han apoderado de la esencia de La Bande-Son Imaginaire. “De repente hay en otros conciertos donde la gente llega con los maquillajes que usamos o con sombreros. Si tuviéramos un show para una sola persona, le faltaría estar rodeado de todos estos entes que están disfrazados, que están maquillados, que están brincando alrededor suyo para complementar la escena".

Respecto a su más reciente sencillo, “Disco”, en colaboración con DJ Scorpio 69, La Bande-Son Imaginaire comentó. "Es una canción que se ha venido trabajando desde hace dos años. Por lo general, nosotros lo que hacemos es darle amor a cada canción. Entonces, la teníamos ahí reservada, planteamos la idea hasta que se fue desarrollando y Óscar implementó la idea de los diablos, de meter al diablo. No un diablo cliché, sino el diablo y sus múltiples facetas, y no como la gente piensa que es satanismo o cosas así, sino que el diablo es parte cultural también, o sea, está en nuestras vidas, quieras o no, de una u otra manera. En Oaxaca, luego se hacen fiestas o bailables de los diablos, y estos diablos no es que la gente esté representando el mal y que ya por eso sean personas malvadas, sino que es parte de nuestra cultura".

Al finalizar la entrevista, Óscar Tanat dejó un mensaje para la gente. "Últimamente, con esto de que ya se va a poder hacer música con inteligencia artificial, seguramente vas a querer ver si los artistas hacen música en vivo o no. Entonces, es el momento de ir a ver una banda de música electrónica en vivo, y te darás cuenta de que es en vivo. No hay que explicarlo, lo verás".

No te pierdas a La Bande-Son Imaginaire este 5 de septiembre en el Teatro Metropólitan. ¡Boletos disponibles aquí!

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Sexores estrena el video de “Sangre”

Una sublime propuesta vampiresa y romántica.

Sexores ha lanzado de forma simultánea su séptimo álbum de estudio, Sangre, y el videoclip del sencillo principal que da nombre al disco. Este nuevo trabajo ha sido publicado a través de Bluh Records.

"Sangre", el sencillo principal, se inspira en el mito clásico de Drácula y el género gótico. La producción de Matia Simovich y la masterización de Doruk Öztürkcan logran una estética performática bizarra y sentimental, fusionando temas como el amor, el existencialismo y la inmensa soledad impuesta que experimenta una pareja de vampiros. El metraje está influenciado por la película alemana Only Lovers Left Alive, del director Jim Jarmusch.

Sexores ofrece una propuesta alternativa cargada de historias originales. Su sonido combina ritmos oscuros y lúgubres con una magnética esencia de rock progresivo.

Dale play a "Sangre":

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