Entrevista con Abhir Hathi

Identidad y herencia multirracial, detonantes de la evolución musical en BROWN BOY.

Platicamos con el rapero indo-canario Abhir Hathi de cara al concierto donde presentará en directo su nuevo disco BROWN BOY, el próximo 4 de mayo en Foro Puebla de la CDMX.

Durante la charla Abhir compartió a Indie Rocks! sus impresiones sobre las expectativas de su regreso a territorio mexicano, las motivaciones personales que lo llevaron a reconectar con su herencia e identidad multirracial y sobre como inyectó este proceso a la sustancia creativa de este material discográfico.

La capital mexicana no es territorio desconocido para el canario, puesto que en 2022 su presentación en el Foro Indie Rocks! fue uno de los primeros shows post pandemia que se lograron concretar sin algún tipo de restricción; logrando vivir en plena conexión con el público mexa una noche sin limitantes.

Aquella primera vez canté para 300 personas a miles de kilómetros de casa ꟷdespués de una gira pequeñita en Españaꟷ fue de las cosas más surreales que había vivido. Volver a México para presentar un disco totalmente opuesto me hace más ilusión porque la nueva música que voy a presentar representa más quién soy."

En esta ocasión, Abhir Hathi vuelve a México para embestir con su Elefantes Cabalgando Tour donde presentará en concierto el recién editado BROWN BOY (2023, Step Family & Dale Play Records).

Material que fue construido luego de que Abhir transitara por un proceso de autorreconocimiento personal que lo llevó a abrazar su identidad multirracial. Proceso que significó encontrarse consigo mismo para entrelazar su origen indio con su nacimiento/crianza en Islas Canarias; acercándolo a su actual desarrollo individual y artístico que lo ha llevado a crecer exponencialmente en España.

Compartiendo con sinceridad a IR! que vivió momentos de bastante desconsuelo, de ahí que existan temas tristes y manifiestos fuertes durante BROWN BOY. Puesto que, alcanzó un paso más cercano a la adultez y el disco le permitió hacer de ese proceso algo más bello.

Ante el escenario de presentar un álbum conceptual donde se expone la faceta más personal y experimental de Abhir en tiempos en donde la industria musical apuesta por vender productos fugaces de fácil consumo, el indo-canario no dio un paso atrás frente a las expectativas del éxito de un disco.

"Acordé con Saint Lowe (el productor principal del disco) que teníamos que gestionar nuestras expectativas. Estas influyen en lo que se produce-edita-consume y no en lo que siente el artista. Hice un proyecto y un momento para mí, porque sentí que había dedicado mucho tiempo a complacer a los demás con mi arte", enfatizó Abhir.

Quería un álbum que a mí me gustara comunicar y escuchar. No buscaba estar en la matriz de las playlist o los números en redes. Sino a dejar constancia del momento en que me encuentro. Me debía lograr un disco como BROWN BOY".

Al respecto sobre la apertura del publico mexa con BROWN BOY el rapero indo-canario logra percibir que la respuesta ha sido positiva pese a las referencias culturales tan distantes.

"Este disco tiene más facetas en lo experimental, creo que llevar eso hasta México tiene un poquito más de mérito. Porque mi cambio ha sido radical. En mi primera visita les vi cantar letras específicas donde aludo a la cultura canaria y ahora les veo preguntando, cantando y compartiendo sobre la cultura india y es maravilloso que gracias al internet gente como yo pueda ir a trabajar a otro país".

A nivel producción Abhir hizo dupla con el productor Saint Lowe, quien acompañó en todo momento la directriz estética musical del álbum. "Saint Lowe no venia con un estatus que mantener o con la idea de ganar premios. Antes de encontrar una formula fue un proyecto basado en el ensayo y error porque fallamos mil veces en cada canción".

El día que hicimos un track como 'GO GETTER' en octubre de 2022 supe que había encontrado una antorcha para mi camino. Me enamoré de la idea de hacer algo industrial que mezclara cosas futuristas con música tradicional india. A nivel instrumental fue vital para hacer una línea sonora".

Haciendo más valioso el entendimiento de dos mentes en complicidad durante el trabajo de estudio que, sin la pretensión por descubrir el hilo negro, obtuvieron un disco que no necesita de etiquetas ni empaques. Únicamente estamos de frente a un artista con un álbum donde habitan diferentes momentos de introspección bajo una propuesta sonora inclasificable que invita a detenerse y verte a ti mismx, descubrirte o cuestionarte a nivel social, racial, cultural (sí así lo decides tú).

"Ponerle una etiqueta sería restarle otra. Es un disco sobre la historia de un pibe y ya", concluyó Abhir.

No olvides que ya puedes comprar tus boletos para el show en CDMX del Elefantes Cabalgando Tour de Abhir Hathi aquí.

Abhir

 

 

O U O: Un proyecto personal de autenticidad

Fernanda Sandoval y O U O: Una fusión de synth pop, autodescubrimiento y DIY.

O U O, el proyecto de la artista multidisciplinaria Fernanda Sandoval, mezcla poesía, música y arte visual. Con un enfoque DIY (do-it-yourself o hazlo tu mismo) desde su concepción hasta su ejecución, O U O más que un proyecto musical; es un viaje personal de autodescubrimiento y expresión.

Fernanda Sandoval, quien comenzó su carrera en la música durante su adolescencia como cantante de una banda de rock, ha recorrido un largo camino desde sus días abriendo conciertos para artistas como los Amigos Invisibles en el EXPOTEC 2014. Tras la disolución de su banda inicial, Fernanda se sumergió en el mundo de la poesía, el arte contemporáneo y el cine, solo para regresar a la música con una visión renovada y una propuesta fresca de synth pop.

U O U Radio5fm

O U O, descrito por Fernanda como un “poeta, mitad máquina, autómata y mago del tiempo”, es un proyecto que nace de la autodidacta dedicación de Sandoval, quien escribe, compone, produce y mezcla su música. Este enfoque DIY resuena profundamente en la filosofía de O U O: la música es accesible a todos y todos tienen la capacidad de crear.

Con dos sencillos ya lanzados, “Televisión americana” y “Radio 5FM”, ambos acompañados de videoclips en su canal de YouTube, O U O se está preparando para lanzar su álbum debut Pop en tu cuarto este 2024.

Radio 5FM", descrito como la canción feliz del álbum, no solo marca un avance más en la carrera de Fernanda, sino que también sirve como un testimonio personal de su lucha contra la depresión. Es una celebración de la resiliencia personal y el poder curativo de la música.

Con una premisa nuclear de inclusividad y accesibilidad musical, Fernanda Sandoval invita a todos a explorar el universo sonoro de O U O, ofreciendo no solo música, sino también un espacio para la conexión emocional y el entendimiento mutuo.

Puedes escuchar las canciones de U O U en bandcamp y Spotify, disfrutar de sus videoclips en su canal de YouTube y también puedes seguirla en Instagram.

Nick Cave comparte “Song for Amy”

Explora un melancólico track acompañado de instrumentales sombríos. 

Nick Cave y Warren Ellis lanzaron una canción para la película biográfica de la cantante Amy Winehouse, Back To Black. Este tema, además de formar parte del soundtrack de la obra cinematográfica, también pertenece al álbum de partituras de los compositores. 

Nick Cave Warren Ellis Back To Black

“Song for Amy” está compuesta de un esqueleto instrumental bajo el piano, flautas y cuerdas, ofreciendo un momento melancólico y entrañable. Con coros sobresaliendo de la pista, Cave transmite un sentimiento de dolor sobre los estribillos de la melodía: "Te daría cualquier cosa para que te quedes/ Pero si te vas ahora, no me quedaré”. 

Además de este tema de estreno, Back to Black cuenta con un repertorio que incluye tracks destacados de la trayectoria musical de Winehouse, junto con el acompañamiento de canciones de artistas que la inspiraron, incluidos Billie Holiday y The Shangri-Las. La banda sonora de la película fue compuesta por Cave y Warren Ellis.

En otras noticias, Cave y Ellis anunciaron su nuevo álbum con The Bad Seeds, éste se llama Wild God y será estrenado el próximo agosto.

 

“Illusion”, lo nuevo de Dua Lipa

Un single capaz de proyectar y transitar hacia los raves en Reino Unido. 

Hace unas semanas, Dua Lipa anunció su siguiente álbum, Radical Optimism, que será lanzado el próximo 3 de mayo a través de Warner Records. Acompañado a esta noticia nos presentó “Training Season”, y hoy las buenas noticias continúan porque comparte “Illusion”

“Illusion” es un single compuesto por sonidos que te transporta al verano, donde la voz de la cantante se entrelaza entre el ritmo electrizante que te refresca la cabeza. Fue escrita por Dua Lipa, Caroline Ailin, Danny L. Harle, Tobias Jesso Jr. y Kevin Parker. Este segundo adelanto del nuevo álbum, marca el seguimiento del proceso de evolución de la artista, donde ha transformado su talento y la energía en la que interpreta sus canciones. 

Grabado en Barcelona, dirigido por Tanu Muin e inspirado en la vida rave en Reino Unido, esta canción viene acompañada de un video proyectado en el pop psicodélico en el que se ha estado encaminando la cantante. Muestra a Lipa rodeada de bailarines, clavadistas y nadadores sincronizados en la Piscina Municipal de Montjuïc.

Dua Lipa 2024

Dua Lipa está próxima a tener presentaciones importantes en grandes eventos dentro de Europa como headliner en Glastonbury y Rock Werchter. No te pierdas el lanzamiento de Radical Optimism y disfruta de los pequeños adelantos que la cantante tiene para nosotros. 

 

Andru estrena “Al Parque”

Sumérgete en un viaje de nostalgia y renacimiento con la música tranquila y conmovedora de Andru.

Andru, el proyecto solista de Andrea Martínez, nos cautiva con su más reciente sencillo, "Al Parque". Este tema, que forma parte de su próximo LP, nos sumerge en un día común en la vida de Andru, donde el despertar, un paseo por el parque y la asistencia a un concierto de rock se entrelazan con la nostalgia del paso del tiempo.   

En palabras de Andru, esta canción es un recordatorio de la importancia de vivir y disfrutar el momento presente, sin perder de vista el pasado ni temer al futuro. La música, con una progresión sencilla y un sampler de alguien saltando la cuerda durante toda la canción, nos transporta a la sencillez de un momento cotidiano en el parque. 

Pero "Al Parque" va más allá de ser simplemente una melodía; es una experiencia que evoca paz, tranquilidad y, a su vez, una pizca de melancolía que nos invita a desconectar del mundo y sumergirnos en un sentimiento de renacimiento. 

Este lanzamiento se suma al éxito de su primer EP, Lo haría todo de nuevo, que vio la luz en marzo de 2023. Con su nuevo LP inspirado en lugares y las personas que los habitan, Andru nos promete un viaje musical lleno de recuerdos que, aunque simples, forman parte fundamental de nuestra historia. 

"Al Parque" no solo es una canción, es una invitación a disfrutar de la belleza de lo cotidiano y a reflexionar sobre el valor del presente. 

Chemical Club estrena “Brave In My Arms”

La emotiva propuesta de Chemical Club.

El dúo indie pop en ascenso, Chemical Club, regresa con su último sencillo "Brave In My Arms". Esta canción de tempo medio es un mensaje motivacional sobre encontrar plenitud dentro de uno mismo en los meses posteriores al final de una relación larga. 

El demo fue grabado en un Airbnb en Los Ángeles en la primavera del año pasado mientras estában de gira con fanclubwallet. Otros miembros de la banda hicieron una excursión de un día a la costa de Malibú mientras Eric optó por quedarse y escribir. Meses después, terminaron la canción juntos en nuestro hogar en Ottawa. 

Con una propuesta sonora que combina elementos de post punk y dream pop, Chemical Club se distingue por sus grabaciones DIY, que contrastan con el tratamiento que reciben en estudios profesionales. Su influencia lo-fi es palpable en temas como "Rise Again / Couches Killing Me", el sencillo doble que lanzaron antes de "Brave In My Arms". 

Desde su formación en 2019, Chemical Club ha destacado en la escena indie rock, gracias a su atención al detalle y la forma en que transmiten emociones en cada una de sus canciones. "Brave In My Arms" no es la excepción, ya que aborda el tema de encontrar fuerza en uno mismo, incluso en tiempos de desamor. 

Con su ritmo alegre y su letra melancólica, "Brave In My Arms" equilibra perfectamente la felicidad con la tristeza, ofreciendo una experiencia auditiva única que cautiva desde el primer acorde. 

Entrevista con The KVB

Sobre inspiraciones subterráneas y espacios creativos.

El dúo The KVB estrenó un nuevo álbum la semana pasada, –Tremors–. En una charla con Nicholas Wood y Kat Day, nos compartieron detalles acerca de su proceso creativo, sobre inspiraciones e ideas que conectan su realización musical con otros espacios de creación sincrónicos y diacrónicos.

En Tremors podemos escuchar una recreación y una innovación del sonido característico de The KVB. Si bien, ni Wood ni Day se sienten del todo cómodos categorizando su música dentro del post punk, su marca distintiva y cambiante se siente a través de un aura atmosférico muy particular.

Queríamos que fuera un poco más crudo, un poco más oscuro que Unity. No tanto como para regresar por completo a nuestro sonido más viejo, pero añadir elementos más oscuros y con mayor energía fue nuestro propósito", mencionó Nicholas.

"Estamos expandiendo en la idea de lo atmosférico, que de alguna manera siempre ha estado ahí, pero haciéndolo más pegadizo. Estuvimos escuchando canciones que amábamos en nuestra juventud, cuando éramos adolescentes e íbamos a discotecas indies, estuvimos pensando en qué hacía esas canciones tan especiales y les daba una sensación de longevidad a través de todos esos años. Eso es lo que estuvimos tratando de capturar", completó Kat.

Tanto Nicholas como Kat están de acuerdo en que su proceso creativo, es una oscilación pendular que viaja desde los feliz hacia lo triste una y otra vez. Al explorar esa yuxtaposición de elementos expresivos oscuros dentro de estructuras musicales fáciles de escuchar, The KVB se encontró con su proceso creativo en bruto y fue formándolo en un bello diamante multifacético.

Antes de que empezáramos el álbum, tuvimos más o menos la idea de hacer algo más experimental. Entonces, la mayoría de los tracks empezaron como jams electrónicos que duraban alrededor de seis minutos, realmente no tenían una idea muy definida pero eran muy atmosféricos", expresó Nicholas.

"Estuvimos pasando las percusiones a través de varios filtros para darle una sensación más mecánica y crepitante", dijo Kat.

"Luego de un tiempo de estos experimentos, decidimos llevarlos a las canciones de nuestra juventud y a estos elementos más melódicos. Terminamos convirtiendo estas sesiones locas en canciones más coherentes, definitivamente crear una pieza más fácil de escuchar y con mayor estructura desde estas imporvisaciones electrónicas fue un proceso interesante", comentó Nicholas.

Para The KVB, las relaciones con otras formas expresivas siempre están presentes, aunque no a primera vista. En “Tremors”, el track que da nombre al disco, encontramos una reminiscencia sobre la experiencia que el dúo tuvo durante el temblor de septiembre 2022 en la Ciudad de México, mientras que en “Labrynths”, el dúo remonta a lecturas de cuentos de Jorge Luis Borges y retoman la idea de longevidad y trascendencia que les provocó. Aún así, en su música están más interesados en innovar y crear un sonido nuevo que en hacer de estas referencias algo muy explícito.

Cuando estás produciendo un disco, realmente no estás conceptualizando todo en el momento. Es hasta que terminas, no en el momento creativo, que te das cuenta que hay una intención detrás de lo que haz hecho… Podriamos decir que tomamos algo de Darkside, a quienes estuvimos escuchando mucho durante la producción de Tremors, hay algo muy especial en las atmósferas y el sonido del sintetizador que hacen que sus canciones te lleven en un recorrido hermoso. Incluso algunas cosas como Franz Ferdinand están presentes en el álbum. Pero no son referencias directas", comentó Kat.

"Hay ciertos elementos, no significa que los hiciéramos de manera explícita y completamente consciente, pero hay algunas líneas de bajo o algunos sonidos extraños de la producción electrónica que persistían en nuestra memoria y pudieron haber aparecido en el álbum", expresó Nicholas.

De la misma manera, intención de compartir su música a través de conciertos en vivo y acompañar con una propuesta visual realizada por Kat Day –quien también es artista visual– también es algo que toman en cuenta durante sus momentos creativos.

Reorganizamos y reensamblamos las canciones pensando en cómo las vamos a compartir con un público en vivo, si fueran muy locas o muy largas simplemente no funcionarían", contó Nicholas.

"Escogimos canciones más rápidas que fueran divertidas de tocar en vivo y que la gente definitivamente va a disfrutar. Pero también es cierto que hay algunas canciones en el álbum que al escucharlas suscitan ciertas imágenes visuales. Una de mis favoritas, 'Deep End', tiene una sensación muy cinemática, donde conseguimos estas impresiones sobre una canción de amor apocalíptica, una clase de 'tú y yo contra el mundo', me hace sentir como un desastre ecológico", comentó Kat.

Entre innovaciones técnicas y relaciones con otras artes, The KVB da con texturas y sonidos gracias a su experimentación con equipos como los sintetizadores OB6 y Take 5 de Sequential. La música se vuelve un espacio de mútuo entendimiento para el dúo, su relación creativa se expande atmosféricamente y alude constantemente a su interés por hacer de la música un ambiente utópico, equivalente a la tranquilidad y solidez estructural de un edificio brutalista; Kat Day menciona la espacialidad del Barbican Centre en Londres como una de sus mayores inspiraciones.

Nos emociona compartir el álbum completo, en realidad. Creemos que es un disco que los fans de The KVB disfrutarán, es una combinación de todo lo que hemos hecho antes", mencionó Nicholas.

"Me gusta que Tremors te lleva un una gran aventura, es algo inquietante y poco a poco va acumulándose. De pronto, se siente como si fueras el protagonista de una película y estuvieras a punto de ir a una batalla, ya hacia el final es como si confrontaras al apocalipsis junto a la personas que más amas", platicó Kat.

"Creo que el último track es nuestro favorito, es la canción más reciente que hicimos y decidimos que fuera el cierre del álbum. Tiene una vibra clásica de The KVB, pero mejor", remató Nicholas.

The KVB consideran que, a 15 años de iniciar su carrera musical, aún encuentran un fundamento expresivo en la musica que disfrutan y que están emocionados por empujar constantemente hacia nuevas posibilidades. No te pierdas de los descubrimientos sonoros de que el dúo alcanzó en Tremors.

 

Camera Obscura regresa con nuevo sencillo, “Liberty Print”

Camera Obscura comparte el tercer sencillo de su siguiente álbum de estudio, “Liberty Print” será la canción que dará inicio al disco.

El tercer adelanto que Camera Obscura lanza en anticipación al estreno de Look to The East, Look to The West, es una conmemoración de vida dedicada al fallecido hermano de Tracyanne Campbell –guitarrista y vocalista del grupo–. El grupo de indie pop escocés está muy cerca del esperado estreno de su primer álbum en más de 10 años, y planea regresar al sonido emblemático de twee y champer pop que les otorgó un estatus legendario que propulsó su carrera desde Escocia hacia el panorama internacional.

“Liberty Print” es un track suave que está construido a partir de una línea de sintetizador con una melodía que se convierte en un motivo aplastante y conmovedor. El sonido de la canción es un espacio de duelo, donde la instrumentación de Camera Obscura da lugar a una intención narrativa y catártica para Campbell. El sonido de esta canción, que además apertura Look to The East, Look to The West, muestra una yuxtaposición de expresiones disonantes en el género musical y en la emotividad poderosa que evoca el track.

Me gusta ‘Liberty Print’ porque creo que es la canción que suena más diferente a todo lo que hemos hecho antes. Introduce una nueva dirección. Suena fresco y emocionante, e introduce a Donna (Maciocia) en los teclados. Fue importante para nosotros que, si íbamos a tener una nueva integrante, que se le permitiera dejar su propia marca creativa en las canciones”, compartió Tracyanne Campbell sobre el sencillo.

Acá te compartimos el video para “Liberty Print”, donde imágenes de Camera Obscura a lo largo de lo años se convierten en un montaje de añoranza y despedida que suspende el tiempo y fija los momentos más valiosos entre amiguxs.

Look to The East, Look to The West, estará disponible a partir del 3 de mayo a través de Merge Records. Además, Camera Obscura se presentarán en México el 22 y 24 de junio en el Foro Indie Rocks!

Tamino en el Foro Indie Rocks!

Sutileza e incandescencia en forma de alquimia musical.

La voz humana es probablemente uno de los sonidos más fascinantes que existen. Desde nuestro interior y hacia afuera, creamos y recreamos a diario nuestro propio sonido, materia invisible, huella de que existimos y de que no hay y nunca habrá otro como nosotros. Los alcances de nuestra voz, en la mayoría de los casos son desconocidos, ¿Qué podríamos hacer con ella si jugáramos y la dejáramos ser en su totalidad? Magia en forma de canción. 

Tamino, músico belga-egipcio, es, sin duda, un experto en la alquimia vocal y anoche lo dejó claro. Por primera vez, el artista se presentó en México con dos fechas abarrotadas en el Foro Indie Rocks! dónde encontró un público que ha esperado por años para presenciar en vivo una de sus hipnóticas presentaciones. 

Desde una hora antes del show, los asistentes comenzaron a llegar, formando una fila que le daba la vuelta al recinto, en espera de encontrar un buen lugar para disfrutar de la prometedora velada. Cómo primer acto, presenciamos a Maya Burns, quien nos deleitó con su propuesta que oscila entre el folk del ranchero y bolero y la frescura del rock. Escuchamos temas como “Alligator Blues” que llenó de energía a los asistentes. Acompañada únicamente de su guitarra, Maya logra crear atmósferas cálidas y envolventes que transforman el entorno en un campo abierto, lleno de vida. 

El tiempo pasaba y la hora de conocer al protagonista de la noche se acercaba. Las luces se apagaron y de inmediato el venue se llenó de gritos, se sentía la emoción en el aire. Así apareció Tamino, iluminado por una delicada luz mientras flotaban suaves nubes de humo a su alrededor. Entre aquel escenario celestial se presenciaba apenas su mirada, y fue así que reveló su voz dejando al público perplejo. “A Drop Of Blood” fue el tema que dió inicio a su presentación. 

Tamino Indierocks Luisvictoria 5

Desde Amir hasta Sahar, Tamino nos guió por una sutil danza de cantos y cuerdas incandescentes, que revelaban un aire de ensueño y libertad. Su proyecto musical se encuentra en un momento álgido, en 2022 liberó su segundo álbum de estudio, Sahar que nos comparte una energía reflexiva y texturas sonoras memorables, donde incorpora el laúd mismo que nos muestra paisajes sonoros de la cultura árabe mientras conversa con sonidos contemporáneos de una manera sinigual. “The Longing” y “The First Disciple” fueron algunos de los temas más aclamados de este álbum que sonaron anoche. 

“Indigo Night” de Amir, su primer álbum, fue probablemente uno de los momentos más hipnóticos de la noche. De manera casi espectral, Tamino inundó el foro con su voz, que resonaba como un huracán etéreo. Pero el momento cumbre llegó con “Habibi” una de las canciones más entrañables del artista que fue coreada con un gran sentimiento por todos los asistentes. Aparentemente había llegado el final, fue entonces que Tamino regresó al escenario para cantar una última canción: “My Dearest Friend and Enemy”

Tamino Indierocks Luisvictoria 5

Escuchar a Tamino en vivo es presenciar un diálogo atemporal de sonidos místicos, que nos lleva a recordar más allá de nuestra memoria individual, una experiencia que nos conecta con una memoria ancestral. 

Con la promesa de volver pronto con el resto de su banda, Tamino se despidió del público y agradeció el entusiasmo con el que fue recibido. Mientras tanto, nos queda el recuerdo del luminoso ritual de estás dos noches, prueba del talento y la algidez de la escena musical del momento.

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