Colin Greenwood lanza libro fotográfico de Radiohead

Una ventana única a los años intermedios de la banda.

El aclamado bajista de Radiohead, Colin Greenwood, ha presentado un emocionante proyecto que captura la esencia de la banda a lo largo de años llenos de música, creación y evolución. Su libro How To Disappear: A Portrait of Radiohead nos brinda una ventana única a los años intermedios de la banda, desde 2003 hasta el lanzamiento de su último álbum en 2016, plasmados en 136 páginas de fotografías y un ensayo revelador.

Colin Greenwood comparte su perspectiva íntima a través de 97 fotografías, muchas de las cuales son inéditas, revelando momentos fugaces de la vida de Radiohead en el estudio, en el escenario y en su vida cotidiana.

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En sus propias palabras, estas imágenes son "registros forenses de cómo trabajamos y cambiamos un espacio". Además, el libro incluye un ensayo escrito por Greenwood, que enlaza las fotografías para ofrecer un retrato completo de la banda en su trayectoria.

Este libro, diseñado por Duncan White, no solo es una oda a la música de Radiohead, sino también un testimonio visual de la creatividad, la amistad y la evolución constante de una de las bandas más influyentes de nuestra era.

How To Disappear será lanzado el 15 de octubre de 2024. Además del libro estándar, hay una edición limitada de formato de lujo autografiado por Colin Greenwood, con un libro adicional de 32 fotografías de "show de luces". Las copias firmadas solo están disponibles por pre-orden.

“Letter To My Daughter”, lo nuevo de Bat For Lashes

Capítulo dos: Cartas para el cosmos. 

Para seguir fortaleciendo el gran papel de Motherwich dentro su carrera, Bat For Lashes nos comparte el segundo sencillo de estreno “Letter To My Daughter”, que forma parte de su próximo álbum The Dream Of Delphi que estará disponible el próximo 31 de mayo a través de Mercury KX. 

Esta nueva era es completamente maternal, espiritual y ancestral; agradeciendo al universo por el maravilloso regalo hacia Natasha que es Delphi, su hija. 

Este viaje de la vida siempre continúa y todos somos solo energía moviéndose de una forma a otra, siempre. Ella también es solo parte de un eco, una línea ancestral o una espiral en el cosmos, como la espiral que vi en su suave cabello cuando era un bebé. Ella es parte de algo mucho más grande que cualquiera de nosotros individualmente; ella viene del pasado y ella viene del futuro”, comenta Natasha sobre Delphi

“Letter To My Daughter”, es un tema inspirado en la sensación de conocer al pequeño ser celestial que cargaba en su vientre y que, desde el momento que supo de su existencia, comenzó a escribirle cartas describiendo al mundo en ese punto de la vida. 

Antes de que naciera Delphi, comencé a escribirle un libro de cartas. inspirado en el libro del mismo nombre de Maya Angelou, Carta a mi hija. Documenta un año muy extraño pero mágico, lleno de recuerdos especiales y momentos históricos del mundo", explica Khan.

Bat For Lashes Letter To My Daughter

Este título se explica por sí mismo. Si estuviera en mi lecho de muerte, es lo que le diría a Delphi para darle una sensación de estar en casa en el mundo, la galaxia, el universo en el que vivimos”, revela Natasha en un comunicado de prensa. 

Acompañado del sencillo, la cantante nos regala el capítulo dos de su obra cinematográfica de The Dream Of Delphi, producida en colaboración con la directora creativa y coreógrafa Alexandra Green y dirigida por Freddie Leyden. Mostrando imágenes en relación a la vida y con una danza, Natasha describe la sensación de convertirse en madre, desde la llegada del universo, hasta tener un ser dentro de su vientre y el nacimiento.

Bat For Lashes Video

La inspiración que ha encontrado en el amor que le tiene a su pequeña hija, ha rebasado el sentimiento transmitido en sus canciones, llenando de nostalgia y felicidad los corazones de quienes escuchan su música; incluso a quienes aún no son madres/padres. Este álbum sin duda promete ser el más personal y sentimental de Bat For Lashes

 

Nuevos discos marzo 2024

R&B, electrónica, pop, psicodelia... ¿Qué te detiene a escuchar estas novedades si hay para todos los gustos?

“Fantasía del ambient en una atmósfera electrónica de trance orgánico”.

Four Tet Three

Four Tet Three

Por Faboos Ramírez 

  • Label: Text Records
  • Tracks destacados: "Daydream Repeat” // "Loved”


“Tierra Whack emprende un viaje sobre el autodescubrimiento a través del R&B moderno”.

Tierra Whack

Tierra Whack World Wide Whack

  • Label: Interscope Records
  • Tracks destacados: “MOOD SWINGS”

“Tremendo debut; elegante y exótico como él solo”.

Noa Sainz

Noa Sainz — Isabel LP

Por Ana Rodríguez 

  • Label: -
  • Tracks destacados: “Prendo la luz” // “Castillo de Arena”

“Electrónica pop con chispazos de nostalgia con sabor a Valencia-Barcelona”.

Twin

TWIN — DUPLA

  • Label: Primavera Labels 
  • Tracks destacados: “DUNA” // "FLOR SECA”

“58 minutos de mucho fuzz, garage y psicodelia para delirar”.

Meatbodies Flora Ocean Tiger Bloom

Meatbodies — Flora Ocean Tiger Bloom 

  • Label: In the Red Records
  • Tracks destacados: “Billow” // "Move” 

Entrevista con la colectiva Mujeres contra la violencia en la industria musical

El silencio amplificado: Mujeres y diversidades exhortan freno a la violencia de género en la industria musical en México.

En el deslumbrante escenario de la industria musical, donde las melodías resuenan y los ritmos capturan a millones de oyentes, persiste un eco sordo: el de la desigualdad y violencia de género. Aquí, las mujeres y diversidades enfrentan barreras significativas, desde la discriminación, la sexualización, el menosprecio sistemático, hasta el acoso flagrante o el abuso sexual. 

En un país como México, conocido por su rica tradición musical y su vibrante escena artística, deberíamos caber todas las personas por igual, con libre capacidad de talento y expresión, pero para las mujeres —lamentablemente— hay más obstáculos para, por ejemplo, formar una banda de morras, ser vocalista y no ser sexualizada, o ingeniera de audio sin ser infravalorada en un gremio donde la mayoría son hombres. Ante este indignante panorama, en Guadalajara, Jalisco, se ha creado el colectivo Mujeres y Diversidades Contra la Violencia en la Industria Musical. 

En palabras de Pilla Piano (compositora, pianista, profesora y mujer pionera en el movimiento del jazz en México) es necesario poner puntual demanda y politizar las exigencias, por eso, el pasado mes de enero esta colectiva lanzó un pliego petitorio dirigido al gobierno estatal en Jalisco y a diversas instituciones públicas, esto con el objetivo de exigir un alto a la flagrante violencia de género en la industria musical. 

Llevo más de 30 años en la industria de la música, desde mis inicios siempre estuve en grupos de vatos y hoy veo que tristemente las violencias, en lugar de erradicarse, siento que evolucionan. Sigo viendo mujeres y diversidades peleando por ser respetadas en el gremio y es duro”, aseguró Pilla durante una entrevista para la revista Indie Rocks!

La docente y mujer emblema del jazz en Los Altos de Chiapas ha tocado en festivales de Alemania, Bélgica, Argentina, Chile y Estados Unidos, pero asegura que el camino para lograrlo no ha sido fácil. “Yo, por ejemplo, tuve que aprender a rifarmela con puros vatos, porque antes si eras mujer debías ser vocalista o sino tenías todo en contra, hoy buscamos cambiar esas absurdas normas”, aseveró al proclamarse inspirada por las nuevas generaciones, quienes ya tienen otro criterio ante las violencias machistas. 

Una colectiva de Jalisco que inspira a las músicas mexicanas en todo México

Durante la charla, también estuvieron presentes diversas integrantes de la colectiva, entre ellas Angie, pianista y gestora, quien asegura que el escudo más fuerte ante las violencias de género en la industria musical es el acuerparse entre morras profesionales del gremio. “Primero identificamos cuántas mujeres somos en la industria musical en Guadalajara, de ahí, sigue saber quienes somos compositoras, ingenieras de audio, instrumentistas, gestoras etc. De ahí, el siguiente y más valioso paso es crear redes de trabajo entre nosotras mismas, para así dejar un camino más sólido para las músicas que vienen”, refrendó respecto a la importancia de crear espacios seguros para mujeres y diversidades en el arte.

Las personas que fortalecen el tejido social de mujeres y disidencias en la industria del entretenimiento no sólo competen a profesionales de la música, es necesario promover el trabajo de las artistas desde distintas trincheras, muestra de ello es Channtal, quien es encargada del contenido de video y redes de la colectiva. “Aunque yo no soy música, me uno fielmente a la causa contra las violencias sistemáticas, pues desde hace tiempo he trabajado con muchas artistas y claro que percibo esas violencias, como creadora audiovisual busco tomar una postura activa para la visibilización de las problemáticas y así, juntas, alzar la voz”, dijo respecto a la importancia de unión multidisciplinar que debemos tener las morras y disidencias. 

Sonidos de desigualdad: la invalidación de bandas conformadas por morras

Quien férrea coincidió con este punto fue Moni, guitarrista de la banda femenina de rock Traffic Tulish, quien desde su experiencia refrendó el urgente reclamo para exigir alto a las opresiones de género, pues pesar de su talento y dedicación, las mujeres y bandas como la suya aún tienen limitada participación en escenarios y festivales. 

“Las cosas deben cambiar, por ejemplo al inicio el reto era la recepción del público en un show, la gente era como de ‘ay no, es una banda de puras morras, va a sonar horrible’, fue muy complicado, obvio ahorita ya tenemos cierto renombre, pero al inicio era una carrera por tener que demostrar que dominamos nuestros instrumentos y nuestro arte (…) Ni hablar del tema del audio, nosotras tenemos una ingeniera de audio en monitores, pero todo el tiempo los hombres la quieren mandar al diablo, al ver que es mujer sienten que no sabe, cuando todo lo contrario porque es la mejor en lo que hace, pero ellos por ser vatos se rehúsan a que una mujer les de órdenes”, aseveró Moni respecto a los prejuicios machistas que invalidan el trabajo artístico sólo por ser mujeres. 

JAM Sessions, un espacio que debe ser más seguro para las mujeres y disidencias

En esto coincidió plenamente Pilla Piano, quien asegura que “dentro del jazz es igual muy cabrón, las JAM sessions pueden llegar a ser super violentas, ejemplo, si una morra llega vestida super chido, la intimidan tanto con miradas que luego ya ni se puede subir y si se sube es el centro de atención pero mal plan, como para poner en juicio las capacidades de la mujer música, por eso me parece super importante y muy chido que cada vez más las mujeres estan abriendo nuevos espacios para mujeres”. 

“Ese es el camino a seguir, si tenemos la forma hay que ayudar a las nuevas generaciones de músicas a profesionalizarse, echarnos la mano entre nosotras, si tenemos equipo o contactos hay que prestarlos y compartir, para así fortalecer el espacio seguro para mujeres y diversidades en la industria musical. Yo si creo que es posible que las morras se suban a escenarios como el Vive Latino, una cosa lleva a la otra, hay que empoderarse, profesionalizarse y apropiarse del espacio (…) a lo mejor no me toca verlo a mí, pero con la unión qué hay sé que se puede lograr”, dijo con firme postura la creadora del ensamble Wujeres y los Pilla Encuentros, espacios dedicados empoderar esta red.

Si bien el camino hacia la igualdad de género en la industria musical mexicana puede ser largo y lleno de desafíos, cada paso hacia adelante y unión entre mujeres músicas, staff, ingenieras, periodistas, gestoras y fotógrafas, nos acerca un poco más a un futuro donde todas las voces, sin importar el género, sean verdaderamente valoradas y celebradas, por eso, tal y como lo profesa el colectivo Mujeres y Diversidades Contra la Violencia en la Industria Musical. 

 

Angélica García anuncia álbum y estrena “Color de Dolor”

¿Quién dijo que la música americana solo era en inglés?

La cantautora estadounidense, Angélica García, anunció el estreno de su primer álbum Gemelo, una pieza que estará disponible a partir del 7 de junio, marcando su debut en Partisan Records, sello con el que firmó recientemente.

El álbum representa los dos yos, el espíritu y el cuerpo, y aborda cómo funcionan juntos y uno contra el otro”, mencionó Angélica en un comunicado de prensa.

Explotando una nueva perspectiva del pop, Angélica llega rompiendo con los estereotipos de la música, creando mezclas abrasadoras y sin fronteras que reflejan la profundidad de sus excavaciones espirituales. Para darnos un adelanto estrena el sencillo "Color de Dolor'', un testimonio de vida, un himno para procesar cómo el dolor y la belleza, la rabia y la paz, la tristeza y la alegría forman los colores con los que representamos y procesamos la existencia.

“Color de Dolor” viene acompañado de su video oficial, dirigido por el cineasta barcelonés Sergi Castellà. Este metraje está protagonizado por la misma Angélica y fue rodado en Simi Valley, California. Aquí podemos ver el duelo representado por ataduras y pensamientos que no la dejan seguir, expresando un dolor que artísticamente lo hace hermoso.

El duelo tiene matices, y a veces el dolor puede entrelazarse con la belleza, Gemelo es una obra que explora el proceso del duelo, reconociendo la luz y la sombra que hay en él. ‘Color de dolor’ fue la primera canción que se escribió para Gemelo. También es la primera canción del álbum en la que afronto el dolor tal y como es. Quería que ‘Color De Dolor’ tuviera una sensación de textura y exuberancia, como si estuvieras caminando por una jungla. Para mí, su calidad caleidoscópica muestra tristeza y belleza", explicó Angélica.

Gemelo es un parteaguas en la carrera de Angélica García, ya que no sólo es su primer álbum cantado casi íntegramente en español, sino también el primero en el que indaga a fondo en el altar ancestral, tras haberse dedicado en los últimos años a un proceso de deconstrucción monumental de la religión, el espíritu, la herencia y la feminidad, enfrentándose a su vez al dolor y encontrando la liberación.

Mira a continuación la portada de Gemelo:

Gemelo

TRACKLIST:

  1. "Reflexiones"
  2. "Color De Dolor"
  3. "Juanita"
  4. "Ángel [eterna]"
  5. "Mírame"
  6. "Y Grito"
  7. "El Que"
  8. "Intuición"
  9. "Gemini"
  10. "Paloma"

Justice estrena “Saturnine” con Miguel

Una mezcla de ritmos y sintetizadores que te concentran en el aquí y ahora.

Justice comparte “Saturnine” en colaboración con Miguel, el último adelanto de su nuevo álbum Hyperdrama, el cual podremos disfrutar a través de Ed Banger/Because Music a partir del 26 de abril.

“Saturnine” es una canción que mezcla sonidos vibrantes y sintetizadores que abrazan la suave y cargada voz de Miguel. El dúo francés proyecta su poder durante el track, mientras Miguel canta íntimamente la frase: "Estoy exactamente donde quiero estar”.

Esta canción forma parte de los 13 tracks incluidos en Hyperdrama, en el que además de la sorprendente colaboración con Miguel, presumen colaboraciones con Thundercat, Tame Impala, Connan Mockasin, The Flints y Rimon.

Te dejamos la lista de canciones y la portada del álbum. No dejes de seguir a Justice en redes sociales, para que no pierdas detalles sobre esta joyita que seguramente se convertirá en uno de los álbumes favoritos del 2024.

Hyperdrama

Tracklist de Hyperdrama :

01. "Neverender"
02. "Generator"
03. "Afterimage"
04. "One Night/All Night"
05. "Dear Alan"
06. "Incognito"
07. "Mannequin Love"
08. "Moonlight Rendez-Vous"
09. "Explorer"
10. "Muscle Memory"
11. "Harpy Dream"
12. "Saturnine"
13. "The End"

Young Miko en el Pepsi Center WTC

Young Miko incendia corazones y panties.

El concierto debut de Young Miko en la CDMX fue un rotundo éxito agotando todas las localidades. Desde muy temprano miles de fans abarrotaron las inmediaciones del Pepsi Center WTC para lograr conseguir el mejor lugar posible para ver en acción a la puertorriqueña, por lo que el acceso al recinto tomó más tiempo del acostumbrado.

Una vez dentro del venue, el público se notaba nervioso y expectante, hasta el momento en que Miko hizo su aparición sobre el escenario, encima de una plataforma que permitía observarla en todo su esplendor, vistiendo con una blusa semitransparente que dejaba poco a la imaginación y dejaba entrever sus tatuajes.

Young Miko Pepsi Center 4

Desde el inicio, el fanatismo del público se hizo notar, pues se cantó por todo lo alto a lo largo del concierto, a lo que Miko reaccionó con su encantadora sonrisa de oreja a oreja, sin embargo, un aspecto notable del concierto fue la cantidad de gente que capturaba con entusiasmo cada momento en sus teléfonos móviles. A pesar del mar de pantallas brillantes, la falta de baile fue algo sorprendente. El público parecía más centrado en preservar los recuerdos digitalmente, que en sumergirse por completo en la experiencia en vivo.

El desempeño de Young Miko sobre el escenario fue brutal, subiendo y bajando constantemente de la plataforma central así como recorriendo de un lado al otro el escenario mientras escupía rimas con una dicción y ritmo perfecto, sin que esto pareciera inmutarle o desgastarle siquiera. La intensidad en su interpretación era una constante, sonriendo, mordiéndose los labios y bailando con cadencia y sensualidad, causando los gritos de éxtasis entre el público.

Young Miko Pepsi Center 3

Un elemento visual destacado fue el micrófono con los colores del arcoíris, un poderoso símbolo de inclusión y apoyo a la comunidad LGBT+. Este gesto resonó profundamente en la diversa audiencia, mostrando el compromiso de Young Miko de abrazar la diversidad y difundir el amor y la pasión a través de su música.

Un momento conmovedor durante el concierto fue cuando Miko hizo una pausa para leer en voz alta los mensajes de amor escritos por sus fans en diversas pancartas personalizadas, que iban desde muestras de cariño hasta propuestas candentes e indecorosas. Esta sincera interacción cerró la brecha entre el artista y el público, creando una conexión íntima que trascendió al escenario.

Young Miko Pepsi Center 2

Los obsequios de las y los fans agregaron un toque personal a la velada, que fueron desde los muñecos del Dr. Simi personalizados, ropa interior que las fanáticas le lanzaron directamente a la cantante, así como una bandera LGBT+ en la que Miko se envolvió mientras seguía su performance. Estas muestras de agradecimiento no sólo deleitaron a Young Miko sino que también reforzaron el sentido de comunidad y admiración mutua entre el artista y los fans.

En general, el concierto de Young Miko fue una experiencia memorable que mostró su sensualidad y talento musical, su conexión genuina con sus fans y su compromiso de difundir la positividad y la inclusión. 

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The Last Dinner Party en el Lunario del Auditorio Nacional

Una noche emotiva y poderosa para una banda joven con un futuro.

La tarde del 19 de marzo salimos de Metro Auditorio para ver unas cuantas nubes que amenazaban con soltar un poco de lluvia en el transcurso de la noche, amenaza que nunca se cumplió, pero que nos mantuvo a la expectativa durante el tiempo que esperamos en fila para entrar al Lunario del Auditorio Nacional, esta noche se presentaría The Last Dinner Party por primera vez en México. 

En punto de las 20:20 H. el proyecto mexicano Valgur se encargó de preparar el escenario para disfrutar de una noche inolvidable, y no podemos dejar de lado el pedazo de performance que realizaron los mexicanos, presentando un ritual que nos sumergió dentro de la esencia de una misa perturbadora iluminada por la brillantez del talento de los oaxaqueños. Durante su show pudimos disfrutar de canciones como “El Pozo”, “Máscara de niña” e “Hijos del caos”, y parte de las integrantes de The Last Dinner Party disfrutaban del show desde un costado del escenario, sin duda excelente manera de comenzar la noche. 

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Daban las 21:30 H, y Lizzie Mayland, Emily Roberts, Georgia Davies, Aurora Nishevci, Rebekah Rayner y Abigail Morris tomaron el escenario para comenzar una noche de locura y emotividad al interpretar “Burn Alive” y “Caesars on a TV Screen”. Después de estas primeras canciones, Abigail Morris se tomó un momento para saludar a los asistentes y agradecer la energía que demostramos durante las primeras canciones. 

Posterior a esto Emily Roberts comenzó a toca la flauta para dar paso a “The Feminine Urge”, canción que aumentó la energía, sorprendiendo a las artistas que mostraban un rostro de incredulidad por ver a un público tan entregado a su arte y que sin duda se hacía sentir con cada palabra que coreaban. Así llegamos a otro de los momentos emotivos de la noche, cuando la tecladista Aurora Nishevci interpretó una pieza en armenio dedicada a su madre, acompañada por una suave mandolina interpretada por Emily y los coros de las otras cinco intérpretes. 

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Llegamos a otra pausa, en la que vimos como Lizzie Mayland sacaba un changuito de alambre para colocarlo sobre su cabeza y posteriormente sobre su micrófono. Emily volvía a tomar su flauta para interpretar las primeras notas de “Beautiful Boy”, canción en la que se apreció un silencio total de la audiencia para disfrutar del rango vocal de Abigail quien llegó hasta las lágrimas al finalizar la canción. 

No todo el mundo nos presta tanta atención y cariño que ustedes nos están dando. De verdad y de corazón, me encantaría cantar para ustedes todas las noches de mi vida”, expresó Abigail Morris. 

Como si se tratase de una directora de orquesta Abigail solicitó apoyo a la audiencia para la interpretación de “Portrait Of A Dead Girl”, organizando un coro masivo que cantaría la frase "give me the strength" durante la parte final de la canción. Después de algunos problemas con el audio de Abigail durante la interpretación de “Mirror”, el grupo presentó “Big Dog” una canción nueva que nos recordó a lo mejor del punk británico de antaño. 

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De esta manera llegamos a la parte final de la presentación con la interpretación de “My Lady of Mercy”, canción que volvió a elevar los niveles de energía y que motivó a Abigail, Emily y a Lizzie a bajar del escenario para cantar y sentir el cariño de los fans. De esta manera llegamos a la última pausa, en la que las artistas aprovecharon el tiempo para recibir regalos e interactuar con gran parte de la audiencia, mientras volvían a agradecer a todos y a Valgur por el gran show previo. 

Así comenzaron los primeros acordes de “Nothing Matters”, mientras Abigail dejaba un último mensaje para la audiencia.

Ha sido una gran noche, el jet lag me está matando [...] disfrutemos esta última canción y recordemos que nada importa”.

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Así cerró la noche, dejando claro que la propuesta de las británicas es de primer nivel y que tienen todo el potencial de llevar este proyecto a horizontes que ni ellas podrán creer cuando logren conquistarlos. El futuro es brillante y estaremos felices de volver a coincidir en alguno de sus futuros conciertos.

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TOP: Proyectos imperdibles de Axe Ceremonia 2024

Talentos que te hipnotizarán y harán que te quedes a bailar hasta la medianoche.

El próximo sábado 23 y domingo 24 de marzo, el Parque Bicentenario recibirá a decenas de artistas que se lucirán en los cinco diferentes escenarios que el festival AXE Ceremonia tiene preparados para el público. La música que resonará a lo largo de este fin de semana será variada para todos los gustos y aquí te recomendamos cinco de estos actos que, definitivamente, no puedes perderte. Desde reggaetón hasta un poco de R&B, checa aquí el listado de recomendaciones que el equipo editorial de Indie Rocks! tiene para ti. 

RaiNao

Rainao Estrena Capicu Su Album Debut

En Puerto Rico lo que sobra es sabor y talento, así que un imperdible del segundo día de AXE Ceremonia es RaiNao, una morrita caribeña que visitará México por primera vez y con ello aprovechará para hipnotizarte de por vida. Si bien el reggaetón es un base sólida para adentrarte a sus canciones, es importante destacar que la experimentación con diversos géneros musicales no es algo a lo que se cierre y lo puedes comprobar escuchándola en aleatorio ahora mismo.

Romy

Romy Portada

Este Ceremonia presenta una gran variedad de actos que nos harán bailar de principio a fin, y Romy es una artista que no puedes dejar fuera de tu itinerario, ya que la también vocalista de The xx, llenará de ritmo y color el escenario Air Max al presentar lo mejor de su álbum debut MID AIR (2023). ¡No te quedes sin verla el sábado 23 de marzo! 

Yves Tumor

Yves Tumor Noviembre 2022

Vive una mezcla de sensaciones a través de la electrónica experimental, el rock y la psicodelia del enigmático músico y productor, Sean Bowie. Este show romperá lo establecido a través de su poderoso repertorio y su más reciente producción Praise a Lord Who Chews but Which Does Not Consume (2023). No te pierdas a Yves Tumor en el escenario American Eagle del Axe Ceremonia 2024 este sábado 23 de marzo. 

Sevdaliza

Sevdaliza 2022

Una propuesta de R&B y electrónica experimental es lo que tu ser necesita para alivianar cualquier tipo de dolor y alejar cualquier sentimiento de negatividad de tu cuerpo. El proyecto iraní liderado por Sevda Alizadeh es un refugio para los días complejos. Su música es hermosa y está repleta de poder, pasión y fuerza. Si aún no has tenido oportunidad de verle en vivo te pedimos que no te pierdas a Sevdaliza el próximo domingo 24 de marzo. 

Joaquina Mertz 

Joaquina Mertz

Una clara y exquisita fusión de R&B, pop y ritmos afrobeat te esperan este domingo 24 de marzo en el Parque Bicentenario. El escenario airmax del AXE Ceremonia recibirá a la mexicana Joaquina Mertz quien te invitará a llenarte de poder, a divertirte y por supuesto, a liberarte a lo largo de esta presentación repleta de color y sensualidad. ¡Llega en punto de las 16:00 H para que no te la pierdas!

“Thinking”, el nuevo sencillo de Salt Cathedral

Este es su último sencillo previo a su nuevo álbum.

El dueto colombiano, Salt Cathedral, ha lanzado su nuevo sencillo "Thinking" como adelanto de su próximo álbum Before It's Gone, que estará disponible el viernes 22 de marzo vía INDEPENDENT / THE ORCHARD. Salt Cathedral, compuesto por Juliana Ronderos y Nicolás Losada, ha sido reconocido por su habilidad para fusionar elementos electrónicos, ritmos globales y la cultura dance caribeña.

En este nuevo tema que, ademas viene acompañado de un videoclip, Ronderos reflexiona sobre la vida y el amor, destacando la claridad que trae consigo la madurez mientras nos sumergimos en el presente. El ritmo inspirado en el french house añade un toque de frescura a este himno dance que invita a conectarnos con nuestras emociones y experiencias.

"Thinking" es el ultimo sencillo previo a su nuevo  álbum, Before It's Gone, que más allá de ser una colección de canciones; es una exploración profunda de temas como la ansiedad cotidiana, la confianza en uno mismo y la esperanza frente a las adversidades. Salt Cathedral nos recuerda la importancia de vivir el momento presente y de mantener la fe en un futuro más brillante, a pesar de los desafíos que enfrentamos en la sociedad moderna.

Con su estilo único y su capacidad para transmitir mensajes significativos a través de la música, Salt Cathedral continúa consolidándose como una fuerza innovadora en la escena musical.

Ya puedes escuchar su nuevo sencillo "Thinking" a través de YouTube, y puedes presalvar el nuevo álbum Before I'ts Gone en todas las plataformas digitales.