Stu Mackenzie explica por qué King Gizzard & the Lizard Wizard dejó Spotify

La banda australiana retira su catálogo en protesta contra las inversiones militares de Daniel Ek.

King Gizzard & the Lizard Wizard acaba de desaparecer casi por completo de Spotify. Sin anuncios formales ni grandes declaraciones, la banda australiana sacó la mayoría de sus discos de la plataforma, y lo hizo con una postura clara: no quieren ser parte de un sistema que respalda la industria militar.

Llevamos años diciendo '¡Al diablo con Spotify!'. En nuestro círculo de amigos músicos, eso es lo que dicen constantemente, por todas estas otras razones que están bien documentadas. No me considero activista, y no me siento cómodo hablando de propaganda. Pero esto se siente como una decisión de ser fieles a nosotros mismos y hacer lo que creemos correcto para nuestra música, tenerla en lugares donde nos sentimos cómodos", explicó el músico.

La decisión se dio a conocer tras la publicación de una nueva colección de demos en Bandcamp, donde la banda escribió “Fuck Spotify”. Poco después, a través de una historia en Instagram, explicaron que su salida obedece a las inversiones que Daniel Ek, CEO de Spotify, ha realizado en Helsing, una empresa de defensa militar que desarrolla inteligencia artificial para sistemas de guerra. Helsing ha recibido cientos de millones de euros a través de Prima Materia, el fondo de inversión de Ek.

Kglw 2

No espero que Daniel Ek le preste atención. Hemos hecho muchos experimentos con la forma en que lanzamos nuestros discos, pirateando material gratis. Nos hemos permitido romper las convenciones, y quienes escuchan nuestra música tienen la confianza y la fe para acompañarnos en este camino".

King Gizzard no es el único proyecto que ha abandonado Spotify en las últimas semanas. Bandas como Deerhoof y Xiu Xiu también comenzaron el proceso para retirar su música por las mismas razones. A diferencia de otros artistas, King Gizzard no tiene contratos con majors ni plataformas de distribución externas. Ellos editan su música a través de sus propios sellos: Flightless, KGLW y (P)Doom. Solo un título permanece disponible en Spotify: el EP Satanic Slumber Party de 2022, una colaboración con Tropical Fuck Storm lanzada por Joyful Noise. En entrevista con Pitchfork, el label manager del sello comentó que retirarán ese material si los músicos así lo solicitan, y respaldó por completo su postura.

Estamos agradecidos por artistas como King Gizz, Thor Harris, Xiu Xiu, Dumb Numbers y Deerhoof por plantar cara. Vivimos rodeados de gigantes”, declaró, y añadió que mientras bandas establecidas pueden darse el lujo de bajarse de Spotify, los proyectos emergentes siguen dependiendo de una plataforma que no los toma en cuenta.

Desde hace tiempo, Spotify ha sido señalada por reproducir un modelo de negocio poco justo con artistas, sellos independientes y escenas fuera del algoritmo. Pero este nuevo conflicto, donde se cruzan música, poder, armas e inteligencia artificial, abre otra grieta.

King Gizzard lo dejó claro: “¿Podemos presionar a estos tech bros al estilo Doctor Evil para que hagan algo mejor?”.

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Entrevista con Wet Leg

La banda está de vuelta con moisturizer, nuevos integrantes se unen y nuevas formas de hacer música.

En 2022 el entonces dúo británico, Wet Leg, llegó a nuestras playlist con “Chaise Longue”, una canción que nos atrapó con un riff de guitarra y un coro pegajoso que, más tarde, nos daría su álbum debut. Rhian Teasdale y Hester Chambers se embarcaron en su primera gira de shows en solitario y festivales, entre ellos su primer sold out en el Lunario de la Ciudad de México, contando con la adición de Ellis Durand (bajo), Henry Holmes (batería) y Josh Mobaraki (guitarra, synth), quienes pasaron a formar parte del proyecto. 

Luego de un merecido descanso, Wet Leg nos presenta moisturizer, su segundo álbum de estudio bajo Domino Recording Co. a partir del viernes 11 de julio. Hablamos con Josh y Ellis sobre cómo fue la forma de salir de la ciudad a trabajar por completo en 12 canciones y las experiencias de llevar la música del estudio a un show en vivo.

Indie Rocks!: Hace unos días tocaron en el festival Glastonbury y ahora están lanzando el segundo álbum de Wet Leg. ¿Cómo se sienten al volver a presentarse en vivo y presentar moisturizer?

Ellis Durand: Muy emocionado, un poco nervioso pero, sobre todo, entusiasmado de que el álbum finalmente salga y la gente pueda escuchar nuevas canciones.

Josh Mobaraki: Sí, llevamos tiempo esperando este momento, así que sentimos alivio y emoción.

IR!: Este álbum marca su debut como miembros oficiales de la banda, después de haber estado de gira como músicos de apoyo. ¿Cómo viven esta nueva etapa?

JM: Para nosotros no ha habido un gran cambio, porque desde que nos unimos, siempre nos hemos sentido parte de la banda. Lo que cambió fue la manera en que el público nos fue conociendo y cómo la banda empezó a tocar en vivo. Ahora todo se ha unido y estamos muy emocionados de mostrar lo que hemos hecho. Hasta ahora la gente ha sido muy amable y eso nos motiva aún más.

IR!: Sobre el proceso de grabación, el disco suena como si toda la banda estuviera tocando junta en el estudio. ¿Cómo fue grabarlo?

JM: Tienes razón. El primer álbum se grabó casi todo de una sola vez, aunque hubo dos canciones que se hicieron de forma diferente. Por ejemplo, “Chaise Longue” se grabó con John McMullen y “Angelica” la grabamos antes de que todo comenzara, en la casa de la mamá de Hester. El resto lo hicimos con Dan Carey. Para este nuevo álbum, grabamos todo en dos semanas y media en Brighton, otra vez con Dan, pero ahora en un estudio más grande llamado Salvation. Queríamos salir de Londres y estar cerca del mar, ya que todos somos de Isle of Wight. Al principio discutimos cómo abordar la grabación, pero nos dimos cuenta de que tenía que sonar como nosotros tocando juntos en una habitación, porque llevamos tres años tocando en vivo en muchos escenarios diferentes. Queríamos capturar esa energía.

ED: Grabamos todo juntos, especialmente bajo y batería. Después añadimos algunas guitarras y voces, pero la base fue en vivo. Incluso algunas partes se escribieron durante el proceso. Nos encanta hablar de estudios.

IR!: Al escuchar moisturizer se perciben diferentes emociones: algunas canciones suenan muy amorosas y otras tienen un aire de coming of age. ¿Qué sentimientos quisieron transmitir en el álbum?

JM: Nos sentimos muy bien con el resultado. Es interesante que digas que se disfruta caminando por la ciudad; nos gusta saber cuándo y dónde la gente escucha el disco. Hablamos mucho sobre los tempos, sobre si las canciones se sentirían bien para conducir o para ir en coche. Por eso hay muchos ritmos que invitan a moverse.

ED: Sí, también pensamos en canciones para saltar y disfrutar en vivo.

JM: A veces Alice probaba el tempo saltando para ver si funcionaba, y así decidíamos si estaba bien. Hicimos lo mismo con Dan en el estudio.

IR!: Están de gira, tocando en festivales y shows en solitario. ¿Cómo ha sido presentar en vivo canciones nuevas? ¿Pensaron en eso durante la grabación?

ED: Ha sido muy positivo. El público ha sido muy receptivo, incluso cuando tocamos cinco canciones nuevas que nadie había escuchado antes. Queríamos incluir material nuevo en el set y la gente lo ha disfrutado mucho.

JM: Lo sé porque he visto a personas cantar canciones que aún no han salido. Eso fue emocionante, porque antes tocábamos solo temas conocidos, pero ahora la gente ya se conecta con lo nuevo.

IR!: Ahora una pregunta difícil: ¿cuáles son sus tres canciones favoritas del nuevo álbum?

JM: Me gustan “don't speak”, “CPR” y “mangetout”.

Ellis Durand: Es difícil elegir, pero mis favoritas serían “davina mccall”, “CPR” y “u and me at home”.

IR!: Por último, ¿cómo recuerdan su último show en México y están emocionados por traer la nueva gira? Tal vez no este año, pero ¿el próximo?

JM: Estamos muy emocionados. Nos encanta México. ¿Cómo recuerdas el último show, Ellis?

ED: Lo recuerdo como algo muy divertido, en un lugar genial. Fue muy emocionante porque era nuestra primera vez ahí.

JM: Todos lanzaban ese muñequito del Doctor Simi, ¿verdad?

IR!: Sí, es el Doctor Simi.

JM: Nos pareció increíble que tenga tanto significado en México. En Inglaterra también valoramos mucho nuestro sistema de salud, pero allá el Doctor Simi es todo un personaje. Es genial.

ED: Todavía tengo uno en casa. Nos encanta México, siempre es divertido tocar ahí y esperamos volver pronto.

JM: Ojalá el próximo año, aunque aún no hay nada confirmado, pero nos encantaría regresar.

ED: Sí, queremos volver. Lo haremos posible.

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Nuevos discos del 19 al 25 de julio

Las novedades musicales de esta semana ya están aquí. ¿Listo para seguir expandiendo tu playlist?

Artista: Alice Cooper
Disco: The Revenge of Alice Cooper
Label: earMusic

Artista: Fever Ray
Disco: The Year Of The Radical Romantics
Label: Rabid Records

Artista: Fitz and the Tantrums
Disco: Man on the Moon
Label: Atlantic

Artista: Freddie Gibbs & the Alchemist
Disco: Alfredo 2
Label: Virgin

Artista: Hanumankind
Disco: Monsoon Season
Label: Capitol

Artista: Indigo De Souza
Disco: Precipice
Label: Loma Vista

Artista: Kurt Vile
Disco: Classic Love
Label: Verve

Artista: Michael Clifford
Disco: Sidequest
Label: Hopeless Records

Artista: Night Moves
Disco: Double Life
Label: Domino

Artista: Post Animal
Disco: Iron
Label: Polyvinyl

Artista: Quadeca
Disco: Vanisher, Horizon Scraper
Label: X8 Music

Artista: The Blaze
Disco: FOLK
Label: Animal 63

Artista: Tomorrow X Together
Disco: The Star Chapter: Together
Label: Big Hit

Artista: Tyler, The Creator
Disco: Don't Tap the Glass
Label: Columbia

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A Veces Siempre comparte “1995 / Pierdo todo lo que tengo”

Dos temas que te transforman.

La banda chilena, A Veces Siempre, ha lanzado un sorprendente sencillo doble como adelanto de su álbum debut, que se espera para el otoño. "1995", el primer track, es una explosión de ritmo efervescente y distorsionado, dominado por una potente esencia rockera. En contraste, "Pierdo todo lo que tengo" ofrece una atmósfera introspectiva y luminosa.

Con una inconfundible vibra grunge, A Veces Siempre se inspira en los clásicos del rock alternativo en español. Su sonido incorpora matices pop, melodías shoegaze y paisajes sonoros alternativos.

Ambos temas exploran la temática compartida del agotamiento y la frustración, el dolor que surge cuando las expectativas no se cumplen. La narrativa profundiza simbólicamente en la muerte espiritual, representando la existencia sin una verdadera vitalidad, el anhelo de desaparecer, pero el miedo a partir. "1995", producida por Diego González a través de The Orchard Enterprises, posee una magia distintiva que sumerge al oyente en su propio universo, mientras que "Pierdo todo lo que tengo" es una carta desgarradora y profundamente emocional, cuyo ritmo, aparentemente alegre, ofrece el consuelo necesario en momentos de desesperación.

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“Fire”, lo nuevo de Deer MX

Una analogía compleja sobre la naturaleza humana.

Deer MX, la banda mexicana que ahora reside en Hong Kong, ha lanzado "Fire", su nuevo sencillo. Este track industrial, con influencias de indie y trip rock, se incluirá en su próximo EP, el cual se espera para finales de año.

El potente dúo nos sumerge en una atmósfera intensa y visceral, desarrollando una narrativa compleja que critica la hipocresía inherente de la humanidad, su historia y las tragedias consecuentes. La lírica, a cargo de la poderosa voz de Adriana Martínez, se fusiona con los magnéticos sintetizadores de Miguel Bastida.

"Fire" surge de un diálogo cinematográfico sobre la revelación de Lucifer, utilizando la maldad humana como analogía. La canción ofrece una profunda reflexión sobre lo que significa experimentar el infierno en la Tierra, creando una atmósfera oscura, introspectiva y disruptiva. Sugiere que el verdadero terror reside en la vida misma, como si Lucifer se inspirara en las personas y en las condiciones del mundo para su reino de terror.

Deer MX se establece en la escena internacional, fusionando su diversidad cultural y arraigándose con su energía alternativa y brutalmente distintiva, a través de proyectos complejos que están generando resultados impactantes.

Disfruta de "Fire":

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Andry Kiddos presenta “lo q yo por ti” junto a Bratty

Una historia que no se quiere dejar de escribir.

Andry Kiddos y Bratty se unen en un lanzamiento conjunto: “lo q yo por ti”. Este tema de balada pop alternativo, ya disponible a través de Universal Music Latino, fue producido por Andry y coescrito con Bratty. La canción explora la complejidad de un enamoramiento inevitable, adentrándose en sentimientos y rincones inexplorados.

“lo q yo por ti es una profunda inmersión en el dolor anticipado de un amor que, aunque aún presente, ya vislumbra su despedida. Con una narrativa auténticamente emocional y una sensibilidad sonora distintiva, esta fusión de voces y estilos crea una crónica íntima. La canción, de tono agridulce, se convierte en un espacio donde la nostalgia acompaña inevitablemente al afecto.

El artista venezolano emerge en la escena con una creatividad desbordante, en colaboración con la destacada artista mexicana Bratty, conocida por su brillantez y excentricidad. Juntos, fusionan lo mejor de dos mundos en un track que evoca un sintetizador de ensueño. La letra honesta te envuelve, resonando en el corazón y perdurando en la mente, propiciando un momento de profunda introspección. El romanticismo se manifiesta desde un punto de vista desolador, mientras que la producción minimalista permite que cada elemento respire y ocupe su espacio.

Dale play a “lo q yo por ti:

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The Blaze estrena el álbum en vivo, 'FOLK'

Una síntesis emocional que transforma.

The Blaze comparte el lanzamiento de su muy esperado álbum en vivo, FOLK, una majestuosa grabación capturada en el emblemático Royal Albert Hall de Londres. Este álbum del dúo francés es una experiencia auditiva inmersiva que transporta a los oyentes directamente a la atmósfera electrizante de su actuación en vivo.

El álbum, distribuido por Animal63, presenta una impresionante colección de 18 temas originales. Esta cuidadosa selección de canciones permite a The Blaze mostrar la evolución de su sonido y la profundidad de su catálogo, incluyendo tanto favoritos conocidos como gemas que quizás no hayan recibido la misma atención.

FOLK es una propuesta con energía experimental que aprovecha al máximo la magia de los escenarios, donde las canciones se transforman y conectan de manera distinta en vivo. Guillaume y Jonathan Alric capturan un enfoque emocional desde el arte, intensificando la potencia con sintetizadores. 

El álbum es una travesía sonora que invita a la inmersión profunda, desplegando un tapiz de emociones y narrativas a través de temas como "Siren", "Dreamer" y "Runaway". Dale play a continuación:

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Tame Impala estrena “End of Summer”

La espera terminó.

Recientemente, Tame Impala, lanzó un enigmático adelanto de su nuevo sencillo, "End of Summer". La banda compartió en sus redes sociales el críptico mensaje: "Libera 7 minutos de tu agenda" y un video que muestra a una pareja besándose apasionadamente junto a una motocicleta en un paisaje surrealista, culminando con el nombre de la canción "End of Summer" y la palabra "Friday"

Después de casi cinco años desde su último álbum, Kevin Parker, por fin ha compartido nueva música. "End of Summer" es una épica canción de siete minutos que marca un hito significativo para Tame Impala al ser su primer lanzamiento bajo el sello de Columbia Records.

El video musical, dirigido por el talentoso Julian Klincewicz, se presenta en un formato de pantalla dividida, una técnica que permite al espectador sumergirse en múltiples capas narrativas o visuales simultáneamente, enriqueciendo la experiencia auditiva y sumando profundidad a la atmósfera etérea de la canción. Puedes disfrutar de esta innovadora pieza audiovisual a continuación:

En el sitio oficial de la banda, también se compartieron algunos enigmas sobre el nuevo lanzamiento y pusieron a la venta un vinilo de 12 pulgadas sin título, que se agotó en poco tiempo. Esto es una muestra de la fe de los fans, quienes están completamente seguros del regreso de Tame Impala y de que la espera valdrá la pena.

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Entrevista con Royal Lynn

Cada canción de este disco es una avenida dentro de mi mente.

La cantante canadiense debuta con un álbum cargado de hard rock, metal, pop oscuro y una fuerte carga emocional. En entrevista con Indie Rocks!, habla sobre salud mental, su camino artístico y lo que significa abrir su propia Caja de Pandora.

IR!: Primero que nada, un gusto conocerte. Es un placer poder conversar contigo hoy. Estás por lanzar tu álbum debut y hay mucha expectativa. Pero antes de hablar de eso, me gustaría saber cómo entraste en este tipo de música. Creciste en Canadá, un país con una escena musical muy diversa. ¿Cómo fue que terminaste haciendo este tipo de riffs pesados y sonidos intensos?

Royale Lynn: Gracias por invitarme, es un placer estar aquí. Siempre fui fan del metal y del hard rock. Crecí en un pueblo muy pequeño al sur de Ontario, y desde muy chica veía a mis bandas favoritas subir al escenario y romperla. Desde entonces supe que eso era lo que yo quería hacer. Empecé a cantar a los 10 años y mi mamá decía que era lo único que quería hacer. Ha sido todo un viaje llegar hasta aquí, especialmente viniendo de un lugar tan pequeño. Me siento muy agradecida de estar haciendo esto hoy. La música que escuchaba en mi CD Walkman era metal y hard rock. Esa fue siempre mi influencia principal.

IR!: Mencionas que venías de un lugar pequeño y soñabas con dedicarte a esto. Hoy tienes miles de seguidores, millones de oyentes. ¿Cómo vives esa respuesta tan abrumadora del público?

Royale Lynn: Cada paso en el camino lo he celebrado. Para mí, el viaje lo es todo. No hay una meta final: quiero hacer esto hasta el último día de mi vida. Siempre supe que quería cantar, y ha sido muy especial construir todo esto desde redes sociales, ver gente en los shows y sentir ese cariño. Me ha cambiado la vida.

IR!: Estás a punto de lanzar tu primer disco. ¿Cómo fue ese proceso creativo y emocional para ti?

Royale Lynn: Sabía que quería decir algo importante con este álbum. Quería que fuera un viaje para quien lo escuche, que lo llevara a través de distintas partes de mi mente. Siempre digo que cada canción es una avenida distinta de mi cerebro. Hay mucho de hard rock, pero también quise incorporar elementos de horror, porque son parte de quien soy. Este disco es una representación muy honesta de mí.

IR!: En el press kit mencionabas que este disco abre tu Caja de Pandora. ¿Cómo llegaste a ese concepto?

Royale Lynn: Cada canción representa un mal que salió de esa Caja de Pandora. Cuando Pandora la abrió, lo único que quedó fue la esperanza. Eso es lo que quise reflejar: mostrar las partes más oscuras de mí y aún así dejar espacio para la esperanza. Empezamos escribiendo sobre salud mental, pero luego surgió la idea de que algunos males de la caja no venían de la mitología, sino de mi propia vida. Así surgieron canciones como “Dragon” o “Witch”. Ser vulnerable fue una decisión consciente. Ojalá este disco le dé a alguien allá afuera un espacio para hablar de lo que le pasa.

IR!: Es muy importante que artistas como tú hablen de estos temas. Mucha gente piensa que está sola en sus luchas.

Royale Lynn: Totalmente. Todos tenemos nuestras batallas, y cantar sobre lo que conozco me ayuda a conectar con otros. A veces todavía me siento como esa chica que escribía canciones en su cuarto. Que alguien se identifique con lo que hago me parece increíble. Si yo soy abierta con lo que siento, quizás otras personas también se animen a serlo. Me encanta que se genere esa sensación de comunidad.

IR!: ¿Cómo fue el proceso de llevar estas ideas tan personales del papel al estudio?

Royale Lynn: Fue todo un viaje. Ser honesta conmigo misma era fundamental. Algunos días fueron difíciles, otros más ligeros. Pero cada vez que terminábamos una canción, me iba con una sensación de alivio, como si me hubiera curado un poco. Creo que eso también es importante para quien quiera hacer música: escribir sobre lo que uno sabe, sin miedo a mostrarse tal cual es.

IR!: Hace poco se celebró el concierto de despedida de Ozzy Osbourne. ¿Lo viste?

Royale Lynn: ¡Claro! Fue increíble ver a todas esas leyendas juntas, y a Ozzy haciendo lo suyo una vez más. Eso es lo que mantiene viva esta escena. Me emocionó mucho, porque demuestra que la comunidad del rock y el metal sigue fuerte y unida. Fue un homenaje muy especial.

IR!: Hablando de nuevas voces, tú estás lanzando tu primer álbum justo en un momento donde muchas figuras del rock clásico están dejando los escenarios. ¿Cómo ha sido entrar a esta escena en ese contexto?

Royale Lynn: Hay algo muy lindo en todo esto. Ver a artistas como Disturbed abrirte los brazos y darte la bienvenida es increíble. Me invitaron a cantar con ellos y fueron súper amables. Esa generosidad me marcó. Esta comunidad es así: todos quieren verte crecer, quieren que te vaya bien. Conocer a tus héroes y ver que son personas increíbles es algo que jamás olvidaré.

IR!: ¿Qué escuchas en tu día a día? ¿Qué artistas te inspiran ahora mismo?

Royale Lynn: Sigo escuchando muchísimo metal. Amo a Falling in Reverse, Wage War, Make Them Suffer... Hay tantas bandas emergentes que están haciendo cosas increíbles. También sigo a A Day To Remember desde hace años, y su nuevo material me sigue emocionando. Además, escucho bastante pop. Me gusta pensar en la música como una forma de arte total. Cada vez que escribo una canción, entro con la idea de crear arte. Eso es lo que me mueve.

IR!: Con este disco ya terminado, ¿hay planes de gira?

Royale Lynn: ¡Sí! De hecho, salimos de gira en dos días. Vamos a compartir escenario con Falling in Reverse, Wage War, Marilyn Manson, entre otros, en varios festivales. En julio estaremos de tour y luego en septiembre salimos de nuevo. Ya estamos planeando la gira mundial.

IR!: ¿Cómo es traducir estas canciones del estudio al escenario?

Royale Lynn: Es lo mejor. En unos días vamos a tocar el disco completo de principio a fin. Me emociona ver cómo reacciona la gente a cada canción. Siempre escribo pensando en el público, en qué momento podemos conectar, gritar juntos, saltar. El show en vivo es de alta intensidad y súper divertido. No puedo esperar para tocar estas canciones frente a todos.

IR!: ¿Van a tocar también material anterior o solo lo nuevo?

Royale Lynn: Vamos a incluir canciones de todo. Hay momentos en el show que no están en el disco. Así que si quieren vivirlo completo, tienen que venir.

IR!: La pregunta obligada: ¿Cuándo vienes a México?

Royale Lynn: ¡Definitivamente está en la lista! Lo prometo. Espero verte ahí.

IR!: ¿Hay una fecha tentativa o aún es sorpresa?

Royale Lynn: Es sorpresa… pero tú serás el primero en saberlo, lo prometo.

IR!: ¡Perfecto! Para cerrar, ¿Qué canción le recomendarías a alguien que nunca te ha escuchado?

Royale Lynn: Escucha “Greed”, la primera del disco. Es una de mis favoritas y por algo abre el álbum. Luego escúchalo completo, de principio a fin. Es un viaje con muchas influencias y emociones.

IR!: Y para terminar… ¿Cómo describirías a Royale Lynn en solo tres palabras?

Royale Lynn: Valiente, vulnerable y honesta.

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Nation of Language estrena “Under the Water”

Un océano en el que se desbordan sentimientos.

La banda estadounidense, Nation of Language, ha lanzado "Under the Water", un adelanto de Dance Called Memory, su próximo álbum de estudio que saldrá el 19 de septiembre bajo el sello Sub Pop.

"Under the Water" destaca por su combinación de sonidos y una voz suave que narra de forma surreal una introspección profunda, evocando una magia oceánica. Se experimenta como las olas del mar, en un océano tranquilo que permite la conexión con su inmensidad. El lyric video, dirigido por la propia banda, presenta la letra animada por Leigh Riibe, dejando que el paisaje sonoro cree la atmósfera. Es un ritual de autocuidado donde lo principal es disfrutar la escucha; todo lo demás se desvanece suavemente con el avance del sencillo, disolviéndose en la marea.

Fue la última que hicimos antes de entregar el disco. Siempre habíamos tenido mucho entusiasmo por la canción, pero el calendario del estudio se había vuelto un poco difícil de manejar durante las vacaciones. Así que entregamos las mezclas finales del álbum para su masterización antes de subir al avión y me resigné a guardar 'Under the Water’ para algún lanzamiento posterior. Pero en algún momento sobre el Océano Pacífico, mientras intentábamos secuenciar el álbum, se nos ocurrió que, a pesar de nuestro amor por el cumplimiento rígido del calendario de producción, queríamos tenerla allí; así que, antes de las pruebas de sonido al otro lado del planeta, conectamos todos los sintetizadores que habíamos traído a la sala verde y creamos remotamente la versión que escuchas ahora. Si de alguna manera suena claramente del hemisferio sur, ahora todos sabrán por qué", compartió Ian Devaney en un comunicado de prensa.

Nation of Language es una banda reconocida por su participación en la grabación, producción y mezcla de sus trabajos, lo que aporta un carácter único y auténtico a cada obra. Su nuevo álbum de estudio, Dance Called Memory, contará con la colaboración del productor Nick Millhiser y la masterización de Heba Kadry, prometiendo ser un disco cargado de magia introspectiva y narrativas con reflexiones trascendentales, combinadas con el paisaje sonoro de la banda.

Dale play a "Under the Water":

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