Pantocrator, una dosis de realismo cotidiano y amoroso

Composiciones con humor ácido e ironía millenial.

Pantocrator es aquel grupo que te acompaña en los momentos más arduos y dramáticos de tu vida. Su alma pop y punk rock es la cura del vacío emocional que uno carga tras una ruptura, un mal día o simplemente los vaivenes del destino. Desde esta perspectiva yace su proyecto musical con un toque ácido e ironía millenial.

El grupo de Barcelona, conformado por Marta Delmont, Marina Correa, Xiri Romaní y Rober Busquets, son el team perfecto para sumergirte en nuevas texturas, olores y sabores mediante un toque de realismo que se ríe de las desgracias propias y ajenas de la vida y el amor. Es así como la esencia que los caracteriza acapara todos los capullos con los que te has ligado y con los que te encontrarás en un bar.

Cada una de sus composiciones sobrepasa las expectativas para mostrarnos una mezcla de pop, rock, sintetizadores, guitarras rítmicas y melódicas voces dentro en un ecosistema musical. La sonoridad que envuelve a Pantocrator funge como una forma de abrazarnos mientras piensas en esa persona que antes tanto te gustaba y que ahora es todo lo contrario.

Pantocrator_2021

Dichas características son las que contiene sus álbumes Villa Capullos de 2019, La Masacre de Putis de 2020, El Chungo Colectivo de 2021 y ahora su más reciente proyecto Sálvame. El último sigue en preparativos para su lanzamiento, pero ya cuenta con su primer tema titulado “Polígrafo”, una combinación de guitarras que enaltece su desgarrador sentimiento de un amor no correspondido.

Junto con este lanzamiento, Pantocrator también compartió el videoclip del tema, dirigido por Julián Clemente y Clara López , en la que podemos descubrir algunos pequeños secretos de los cuatro integrantes de la banda de una forma totalmente veraz. Pronto habrá más información de su álbum; así que no te pierdas este viaje introspectivo de la vida. Escúchalos y mira el visual a continuación.

Dorian estrena el sencillo “Dos Vidas”

Cuando una vida nos es suficiente.

En esta nueva canción, Dorian explora la perspectiva de que una vida no es suficiente, menos cuando tiene muchos planes y metas por cumplir. En “Dos Vidas” la banda habla de tener justo, dos vidas para explorar todo en su totalidad.

“Dos Vidas” también aborda la cuestión sentimental cuando estas con una persona y la vida no te da el máximo que quisieras tener para poder disfrutar al máximo con la otra parte, pues muchas veces surgen cosas que nos quitan tiempo valioso en la vida.

Un tema bastante profundo con una visión de que una sola vida no es suficiente, además, melódicamente Dorian entrega una canción llena sentimientos y emociones que se sienten hacia la otra persona con la que deseamos tener más de una vida.

“Dos Vidas” además está lleno de arte, pues el video oficial dirigido por Héctor Herce es una obra a nivel cinematográfico, en el que nos llevan por una narración en varios planos detalle, en los que nos muestran lo que se vive durante el día de los amantes.

Dale play a “Dos Vidas” a continuación:

El arte de “Dos Vidas” está basado en la obra Los amantes de René Magritte, además la letra hace un guiño a Cien Años de Soledad de García Márquez:

porque un solo día sin ti, son cien años de soledad...

“Dos Vidas” es un adelanto de lo que será el nuevo álbum de Dorian, que se publicará a principios de 2022.

Dorian - Dos Vidas - Portada

WOS — OSCURO ÉXTASIS

Valentín Oliva y Evlay se visten de lobos feroces y encaran la penumbra en OSCURO ÉXTASIS, una obra llena de adrenalina con la que WOS da paso firme como uno de los exponentes más importantes del rap latino.

Sentimientos complejos, extrañar a la gente, cambiar y en el camino pelear por retener esa esencia para no abandonar los sueños a los que nos aferramos. Qué compleja es la vida cuando el mundo aturde, cuando se extraña a la gente que se va y cuando sentimos que la vida se ha ido y estamos atrapados en nuestros miedos. La oscuridad es curiosa ya que dentro del sufrimiento y los momentos densos en la vida hay pequeñas glorias, momentos de locura y de placer por los que vale la pena levantarse y pelear... y llevarse al extremo. WOS reconoce ese momento de la existencia y lo ilustra de forma brillante en su segunda placa llamada OSCURO ÉXTASIS.

Valentín Oliva aparece a un par de años del intenso Caravana con un segundo álbum donde se supera de forma brillante la vara sonora y lírica que ya de por sí era alta. Un par de años más tarde, luego de éxitos retratados en premios, dos Luna Park llenos, un Cosquín Rock a reventar, Tres Puntos Suspensivos, un Live Set entre otras cosas, WOS da un reflejo de su madurez con OSCURO ÉXTASIS, donde se acompaña nuevamente de Evlay en producción y ambos crean una sofisticada y agresiva puesta para cerrar el año como una de las piezas discográficas más interesantes de este 2021 a través de Doguito Records, con mix de Nico Cotton y master de Javier Fracchia.

A diferencia de Caravana, en OSCURO ÉXTASIS el rapero argentino incorpora colaboraciones que ilustran y llenan de dinámica las canciones. Los invitados representan una lista de lujo, comandada por Ricardo Mollo, ex guitarrista en SUMO y vocalista de la también legendaria banda Divididos, seleccionado por la Rolling Stone como el segundo mejor guitarrista en las historia de su país. Por otra parte aparece una amistad de WOS de años, hablamos de Ca7riel, quien hace un par de semanas también sacó a la luz El Disko y finalmente Nicki Nicole, una de las referentes actuales más importantes en la música del país del cono sur.

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"Coorderos vestidos de lobos feroces".

En OSCURO ÉXTASIS podemos encontrar a un WOS más profundo en cuestión lírica. Más allá del manejo de rimas que suele ser evaluado en los álbumes de rap, Valentín Oliva aprovecha de las palabras para profundizar sobre sentimientos densos. Es algo raro, por momentos el álbum puede ser optimista pero nunca con alegría, más bien con una especie de nostalgia, rabia y dolo que se sienten bastante nítidos.

"Introducción al Éxtasis" narra de forma genial como es que el corazón se prepara para los problemas. Esos mometos de adrenalina donde sabemos que tenemos que dar todo y el contundente "Somos la puta luz en la sombra" para dar esa señal de pasión que a veces es lo único útil en temporadas intensas. "Buitres" le da una continuidad coherente al tema introductivo, ya que invita a no dejarse vencer y dejar del lado toda inseguridad, ya que "Al que deja todo hoy no hay mañana que lo frene".

En varios tracks del disco WOS habla de la idea de arriesgarse, de llevarse al límite y de romper con esos parámetros morales que nos hacen creer que la vida se pasa cumpliendo reglas. "Gato Negro" habla de ese extremo donde se desconoce pero al mismo tiempo se sabe valiente por intentar. "Convoy Jarana" es igualmente una invitación a la locura y como es que las personas se transforman, que son monstruos y que la cotidianidad nos hace distintos mientras perseguimos cosas que ni siquiera queremos.

En medio del camino, Valentín Oliva reflexiona respecto a sentimientos duros como la soledad, el extrañar y como a veces es bueno sumergirse en esos vacíos, en esas catársis que modifican el alma, ya que la aceptación nos hará más fuertes. "Lleno de Zafiros" me llevó a esa interpretación acompañada de la conmovedora "Contando Ovejas", que se podría pensar como una obra dedicada a un amor que se fue, que ya no está en este mundo y que a veces es mejor dejarse enloquecer por los recuerdos en vez de vivir en la cordura de la realidad.

El sentido crítico contra la política, la industria y la represión continúa en OSCURO ÉXTASIS y de algún modo es una herencia de su anterior registro. "Que Se Mejoren" se muestra como un sello de valentía frente a aquellos que quieren silenciar, mientras que en "Niño Gordo Flaco" hace una brutal mancuerna con Ca7riel y enfatizan en lo explotadora que es la industria musical y esa pelea por jamás venderse.

En otros temas como "Mugre" de igual forma hace auocrítica para enfatizar en que el "también es funcional al mal" del que se queja, pero al mismo tiempo pelea ese conflicto por mantener su esencia, y por otra parte aprovecha "Cambiando La Piel" junto con Nicki Nicole para hablar un poco de lo que ha representado este camino de evoluciones, amores fugaces y la búsqueda de nuevos horizontes.

Hay momentos que contrastan de forma genial a lo largo del álbum, podemos adentrarnos en el dolor de "Culpa", donde una interpretación sublime entre WOS y Ricardo Mollo llevan al escucha a un ambiente tenso, lleno de resaca moral e incertidumbre tras haberse dejado llevar y sentirse culpables después. "Pared de Cristal" narra un momento de placer de forma suave de placer junto a alguien, en un momento eterno donde el aire es denso y parece que solo están dos personas en el mundo. Le continúa "Mira Mamá" donde enfatiza en su crecimiento, en el momento de dicha por el cual atraviesa y como le comenta a su madre lo mucho que importa la vida en este momento, así como un cruce de sentimientos al saber que esto de la fama y reconocimiento es pasajero.

Al final, "Mugre" es una especie de síntesis de todo lo que representa OSCURO ÉXTASIS, una colisión de ideas y sentimientos que atraviesan por nuestra cabeza mientras intentamos no vivir en ese espacio lleno de angustias, miedos y represeiones de sentimientos, de elegir lo difícil pero nunca quedarse con "la mierda".

WOS_Oscuro Éxtasis_portada

"Al que deja todo hoy no hay mañana que lo frene"

Musicalmente, OSCURO ÉXTASIS es bastante atractivo. Evlay tiene gran mérito en la construcción de un diseño sonoro que referencía al rap con el rock, el dance, ritmos latinos y electro para dar una mezcolanza variada. Es un ábum intenso, donde los sonidos no son amigables sino que te lastiman. Las distorsiones te llevan a la sorpresa así como el trabajo en voz de WOS, ya que el ganador de la Red Bull de 2018 torna su voz rasposa y agresiva cuando se requiere, así como la hace suave y atmosférica cuando los matices bajan.

Este álbum es agresivo, siempre hay efectos o texturas que atraviesan los oídos de forma grata, y en un contexto donde la música se torna suave para ser compatible con todos, la música de OSCURO ÉXTASIS te atasca los oídos. Hay muchas cosas que se pueden destacar, dentro de ellas los efectos en voz de "Buitres", el aporte en guitarra de Mollo con un solo bestial al final de "Culpa", el uso de guitarras acústicas en "Gato Negro", las bases minimalistas en "Mira Mamá" y todo el cinematográfico trabajo de instrumentación para "Mugre", probablemente el tema más profundo del disco.

Esta dualidad es bastante notoria, ya que la organización de las canciones hace ver contrastes entre una y otra canción. "Pared de Cristal" sin duda rompe un poco la fuerza que traía "Culpa". "Que Se Mejoren" es por mucho el tema más agresivo de todo el disco, y es bien seguido de las distorsiones de "Niño Gordo Flaco", aunque el avance a "Cambiando La Piel", canción que goza de un bajeo tremendo, puede generar extrañeza.

La música es de gran factor, ya que ayuda a meterse en esa atmósfera densa pero también llena de adrenalina, que inspira a no calmarse y dejarse llevar por la energía que proyecta, ya que OSCURO ÉXTASIS es capaz de quebrarte en diferentes sentidos.

"Pa' Cuando nada alumbre".

OSCURO ÉXTASIS es un álbum intenso, lleno de detalles que vale la pena apreciar de a poco. A pesar de tener una identidad bastante pronunciada en el aspecto musical está lleno de texturas sorprendentes que son dignos de valorar, mientras que las historias de WOS son cada vez más intensas e íntimas, al grado de invitar a la introspección, a la ira y a la locura. Te invitamos a dar play a un álbum poderoso, que será tocado sin duda durante el próximo Vive Latino, así como presentaciones futuras, ya que no hay que dudarlo, WOS es una de las propuestas más interesantes en Latinoamérica hoy día.

Aleex Raptor y como soñar en softwave

Un concierto de Connan Mockasin, un porro y tu corazón a mil por hora.

Las ideas nos alcanzan. Transformándose a partir de ese impacto inicial hasta convertirse en una evolución sincera que conjunta nuestra experiencia personal y el contexto vivido con aquel primer chispazo. El proyecto solista de Alejandro Castañeda, mejor conocido como Aleex Raptor, nace de esta nueva ola de dreampop y bluewave que ha inundado nuestros oídos durante la última década, alcanzando su interioridad y encajándole dentro de un panorama infinitamente personal. Amar la música, dejar provincia y tocar con amigos.

Aleex Raptor (01)

Aleex Raptor daría sus primeros pasos dentro de la periferia musical en compañía de su hermano fundando The Raptors, grupo del que, posterior a su disolución, Castañeda tomaría el nombre que lo ha acompañado desde hace ya cuatro años. En esta nueva etapa como solista el originario de Michoacán centraría sus esfuerzos en torno a la labor compositiva, valiéndose de las habilidades musical de familia y amigos para entregar un primer demo acústico seguido del larga duración Asteroides. El debut, lanzado durante 2017 de manera independiente, estrecharía la relación del músico con el mundo de lo armónico y melódico, permitiéndole forjar un sonido propio y abrir shows de actos como Caloncho, Ed Maverick o CLUBZ.

Los años siguientes envolverían al proyecto en una ráfaga de nueva música y movimiento encontrando un punto algo con el EP Me Estoy Cansando de Mí, donde podemos apreciar un claro salto en el nivel de producción, cimentando paralelamente un sonido cercano a referentes del chillpop contemporáneo, tales como Mac DeMarco o HOMESHAKE. La unión de un género bien pulido junto a la sinceridad en las letras de Raptor terminaban de posicionar al proyecto como una de las luces más brillantes entre la suavidad del mexaground.

 

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Así y tras el lanzamiento del sencillo “Fumando en la Banqueta”, Castañeda y compañía trasladarían su base de operaciones a las entrañas de la metrópoli capitalina, apostando por la siempre en movimiento Ciudad de México y su efervescencia sonora natural.

Actualmente Aleex Raptor se encuentra promocionando “Cool”, último corte del michoacano rumbo al estreno del EP Música para rellenar, esta vez de la mano de Amigos Records y contando con un formato full band para las presentaciones en vivo.

Entrevista con Nacho Vegas

Cuando el corazón y la mente tienen algo que decir.

Han pasado ya dos décadas desde que Nacho Vegas llegó al mundo de la música y la misión persiste: Lo del músico es la expresión de la palabra hasta sus últimas consecuencias, siempre manteniéndose fiel a sí mismo durante el proceso y convirtiéndolo en algo universal al final de la jornada. Su próxima prosa musical “Mundos Inamovibles Derramándose”, la excusa perfecta para pisar nuestro país con una gira que lo devuelve a un formato más acústico e íntimo con su público, uno que siempre está listo para escuchar lo que tiene que decir.

Probablemente estemos en un punto de lo más jodido y todo tenga que estallar de alguna vez, precisamente por eso quería titular al disco de esta manera, por que creo que estamos en un momento de inmovilismo feroz, si es que tiene un poco de sentido la paradoja, pero que necesitamos derrumbar para volver a reconstruir las cosas”.

 

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El disco continuo con la carga emocional que Vegas tiene en sus letras, compuestas en su mayoría durante el encierro, pero también navega en la balanza de lo político, formando melodías de corte épico que sin embargo mantienen al músico en primera persona, él, las canciones y su mensaje por delante siempre.

La mayoría parten de momentos bastante duros, con sentimientos encontrados muchas veces, momentos incluso muy dolorosos… Vivimos en un momento en el que parece que el capitalismo ha llegado a un estadio,  en el que también hay lo que define el ensayista Alberto Santamaria ,el capitalismo afectivo, cómo que intentan ya con todos estos discursos motivacionales, controlar nuestras emociones y parece que siempre tenemos que estar contentos o satisfechos aunque nos esté jodiendo la vida”.

Que nadie se confunda en este nuevo trabajo hay espacio constante para la esperanza. El primer sencillo “La Flor de la manzana” es un canto a  los de “arriba” para voltear a ver a los que nadie desea observar. Mientras que en “El Don De La Ternura” la canción mantiene este sentimiento como un arma ante un mundo exterior más perverso. Este simple pero notorio contraste es una vez más otro de las cartas bajo la manga del autor, que en épocas recientes se han mostrado más político, pero es la música el vehículo de expresión que más comodidad le trae en un mundo donde las redes sociales se han convertido en todo, menos en la utopía de libertad de expresión.

10 años después, las redes sociales se han convertido en un lodazal, en el que no hay un lugar para un debate sano porque cualquier discurso que nazca se polariza, uno no puede matizar nada porque no dan lugar las redes a eso y además lo ha aprovechado mucho la ultra derecha para colarse ahí y lanzar sus mensajes de odio, racistas, homófobos y su aversión absoluta”.

Es así como este nuevo disco goza de esa dualidad en dónde el cantante tiene espacio para navegar entre canciones con más arreglos y temas de corte más minimalista; letras altamente políticas y otras que manejan sentimientos más personales.

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Los que llevamos un tiempo así en esto, y por lo menos podemos seguir teniendo los pies en la tierra por no haber conseguido esa 'popularidad' que es algo que de verdad agradezco. Ni soy millonario y puedo por lo menos coger el autobús, y creo que eso es necesario para escribir canciones desde cierta humildad".

El cantante que sin ningún problema afirma tener una conciencia anti capitalista, tiene claro que no puede sustraerse de ese sistema, pero  si tiene las armas no para cambiar el mundo (aunque sus fans consideren lo contrario”, pero si para generar más preguntas, a veces mucho más funcionales que las propias respuestas cuando de cambiar se trata.

En España la vemos como una derecha muy envalentonada, enarbolando la bandera de la batalla cultural, también lo veo en Latinoamérica… obviamente nos han quitado mucho, y por eso tenemos que recuperarlo, está en nuestras manos y creo que las canciones pueden ser un arma, no de transformación pero si de remover entrañas, de remover corazones y conciencias y eso es importante”.

 

A 45 años del álbum debut de Blondie

El álbum debut de la banda de new wave de Nueva York.

Se cumplen 45 años del álbum de debut de la banda estadounidense Blondie, el inicio de una nueva era del new wave de los 70 inspirado en los sonidos del Mercer Arts de Manhattan.

La creación de Blondie fue un atributo intelectual sobre el año 1973 entre el guitarrista Chris Stein y por supuesto, la cantante Deborah Harry, quien posteriormente haría la cualidad y atributo más importante como característico de la banda. El grupo se fundó principalmente bajo el nombre de Angel and the Snake, pero un año después de su creación, la razón social del grupo cambió de nombre a Blondie.

Blondie fue el apelativo preciso no sólo para hacer visible la banda entre las tiendas de discos organizados alfabéticamente —una fantástica estrategia para hacer comerciable y conocido el nombre del grupo debido a la proximidad de bandas importantes como The Beatles o solistas como Billy Joel—, sino para ser el cambio de color del cabello definitivo de Deborah Harry el cual sigue manteniendo hasta la fecha. La banda no fue concluída sino hasta la participación de Clem Burke en la batería, Gary Lachman en el bajo y Jimmy Destri en los teclados.

Para nadie es un misterio que la inminente fama de Blondie sólo fue alcanzada mundialmente hasta su tercer álbum de estudio, Parallel Lines, el cual se posicionó en las primeras listas de países como Australia, el Reino Unido y Estados Unidos, gracias a “Heart of Glass'': el single más aclamado por la crítica musical e himno disco que mantiene perenne en el transcurrir del tiempo. Sin embargo, la trayectoria de Blondie no sería lo que es ahora sin Blondie.

Ante una inminente caída en el punk por la transición hacia la década de los 80, que no logró con la extinción total del género —todo lo contrario: lo reformuló—; los nuevos sonidos fueron indispensables para sobrevivir este cambio social, cultural, económico y musical. Blondie, a la par con otras bandas en los Estados Unidos como Mission of Burma y Television, persistieron la sucumbida de las décadas posteriores.

Blondie fue el primer álbum homónimo de la banda que aún, bajo su poco reconocimiento en el año 1975, hasta la fecha cuenta con hits que aún se escuchan entre los mayores coleccionistas como seguidores del grupo: “X-Offender” —primer single originalmente llamado “Sex Offender”— y otras canciones como “In The Flesh”, “Rip Her to Shreds”, “Look Good in Blue”, “Man Overboard” o “Kung Fu Girls”.

Después de poner el material de estudio al público, este llamó la particular atención de David Bowie e Iggy Pop, quienes posteriormente habían extendido la participación a Blondie en su gira musical en el año 1977. Desde aquí, marcó un antes y un después para el grupo de cinco músicos quienes llegaron a presentarse en importantes espacios de la ciudad de Nueva York como el CBGB donde alguna vez estuvieron Ramones y también Talking Heads.

Pachyman comparte el video de “Sunset Sound”

El sencillo se desprende de su más reciente álbum.

Naciendo de entre la cenizas, cual ave fénix, Pachyman sorprendió a todos con su triunfal regreso y, qué mejor forma de hacerlo que con un nuevo álbum, el cual título The Return of Pachyman del que se desprende el tema “Sunset Sound”, sencillo que ya cuenta con un video oficial.

Con este trabajo Pachyman explora los sonidos del sol y la playa, con un toque retro que nos recuerda a los 70, donde la psicodelia y el rock, estaban en su máximo esplendor, pero lo que distingue a Pachyman, es esta mezcla de dub y reggae.

“Sunset Sound” es un claro ejemplo del concepto de todo el álbum, pues el video muestra está vibra playera, mientras pasamos la tarde bajo el sol y un buen soundtrack instrumental nos acompaña.

Dale play al video, dirigido por Owen Summers, continuación:

Por otra parte Pachyman anunció una gira para 2022, en la que tocará The Return of Pachyman.

Tour Dates
1/25 Brooklyn, NYC - Bowery Ballroom #
1/26 Philadelphia, PA - Underground Arts #
2/10 Leuven, BE - Het Depot
2/11 Maastricht, NL - Muziekgieterij
2/12 Utrecht, NL - Footprints Festival
2/13 Nijmegen, NL - Merleyn
2/15 Antwerpen, BE - Trix
2/16 Angers, FR - Joker's Pub
2/17 Beauvais, FR - L'ouvre-Boîte
2/18 La Rochelle, FR - La Sirène
2/20 Brighton, UK – Hope & Ruin
2/22 London, UK - Oslo Hackney
2/23 Bristol, UK - The Crofter`s Rights
2/24 Leffinge, BE - De Zwerver
2/25 Lille, FR - L'Aeronef
2/26 Paris, FR - Petit Bain
3/2 - 3/5 Cancun, MX - One Big Holiday Festival

he Crocodile *
4/14 Portland, OR - Revolution Hall *

# opening for Genesis Owusu
* opening for Altin Gün

White Lies estrena “I Don't Want To Go To Mars”

Cuando la Tierra ya no es tu hogar, Marte sí.

White Lies acaba de sorprendernos con la publicación de “I Don't Want To Go To Mars”, este track que es un adelanto más de As I Try Not To Fall Apart, su próximo álbum de estudio, trabajo que estará disponible el próximo 18 de febrero de 2022.

En esta nueva entrega, White Lies explora la rapidez con la que los mundos se desarrollan, a tal grado de no ver el costo que esto tiene tanto para el hombre, como para el mundo en sí.

“I Don't Want To Go To Mars” sigue la historia de este personaje que es expulsado de la Tierra, y se ve obligado a llevar una vida estéril y mundana en Marte, un planeta recién colonizado.

Dale play a “I Don't Want To Go To Mars” a continuación:

Este es el segundo track sucesor de “As I Try Not To Fall Apart”, tema que da nombre al nuevo disco; y del cual, la banda compartió se publicará una edición limitada en formato vinilo.

Band of Horses estrena “In Need of Repair”

Este es el último adelanto de su próximo disco.

Después de haber compartido “Crutch”, sencillo con el que Band of Horses anunció Things Are Great, su sexto álbum de estudio; la banda publicó “In Need of Repair”, un nuevo adelanto del disco que estará disponible en enero de 2022.

A diferencia de “Crutch”, “In Need of Repair” habla de las fracturas que surgen durante las relaciones, con un tono más nostálgico, Ben Bridwell nos invita a admitir eso que está mal dentro de la relación, para poder arreglarlo, y sí pasó lo queremos, seguir adelante.

Dale a “In Need of Repair” a continuación:

Things Are Great es el primer trabajo de estudio de la banda después de cinco años, y estará disponible el 21 de enero de 2022 a través de BMG. El disco está compuesto por un total de 10 tracks, en los que la banda habla de cosas del corazón, pero dándole un tono un poco crudo.

Band of Horses Things Are Great_2021

Things Are Great

"Warning Signs"
"Crutch"
"Tragedy of the Commons"
"In The Hard Times"
"In Need of Repair"
"Aftermath"
"Lights"
"Ice Night We're Having"
"You Are Nice To Me"
"Coalinga"

Phoebe Bridgers comparte “Day After Tomorrow”

La cantante año con año estrena temas de índole navideña, en esta ocasión nos sorprende con este cover de Tom Waits.

Phoebe Bridgers tiene en su voz el don de apaciguar cualquier situación que cause estrés, es tan armónica que su estilo para cantar se ha convertido en el sello distintivo de su música.

 

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Hoy la artista de 27 años presentó un cover de "Day After Tomorrow" del disco Real Gone (Anti, 2004) de Tom Waits. Musicalmente la versión de Phoebe es muy similar a la de Waits. Ambas canciones cuentan solo con una guitarra acústica, un bajo y un piano, la gran diferencia radica en las voces que son diametralmente opuestas. La de Tom es la voz de un hombre adulto y por otro lado tenemos la de Bridgers que es una voz suave. Realmente no hay a cuál irle, porque las dos son magníficas canciones.

Este cover fue lanzado con una intención benéfica, ya que todas las ganancias que genere este tema irán a The International Institute of Los Angeles - The Local Integration & Family Empowerment Division, un instituto que ayuda a migrantes y víctimas de tráfico de personas a encontrar un empleo y desarrollar una nueva vida en California.

No es la primera vez que Phoebe Bridgers tiene un detalle así, ya que ha lanzado otros covers que igualmente tienen un trasfondo benéfico. "Have Yourself A Merry Little Christmas", "If We Make It Through December", de Merle Haggard, "7 O’Clock News/ Silent Night" de Simon & Garfunkel, con y "Christmas Song" de McCarthy Trenching, son otros temas que también han sido lanzados por la artista.