Marion Raw regresa con una explosión sonora en “You Gotta”

El caos de buscar el amor en medio de sombras de engaño y traición.

La cantautora mexicana, Marion Raw, vuelve a encender la escena con un adelanto cargado de emociones crudas y sonidos envolventes. Su nuevo sencillo, "You Gotta", es solo una probada de lo que será su tercera entrega discográfica, Palabras En Un Bar.

Marion Raw You Gotta Art

Este tema se siente como un viaje folk a través de una máquina del tiempo, con texturas sonoras que nos envuelven en una suave nostalgia. Marion no solo nos muestra su evolución artística, sino que también reafirma su lugar como una de las voces más frescas y audaces del rock folk en México.

En "You Gotta", nos lleva de la mano por el caótico y agridulce camino del amor. Nos enfrenta con las sombras del engaño y la traición, pero con un estribillo que es puro fuego, nos invita a reclamar nuestro derecho a buscar el amor, a pelear por él, a sentirlo latir con fuerza. Es una crónica de cómo los errores, con sus heridas y cicatrices, nos moldean en esta travesía humana tan llena de altibajos.

Marion Raw no solo está de regreso, está lista para conquistar escenarios, no te pierdas ningún detalle porque se vienen buenas noticias. 

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Primal Scream estrena “Deep Dark Waters”

Explorando temas sociales y políticos con un enfoque sonoro, psicodélico y futurista.

Primal Scream, la banda originaria de Glasgow, Escocia, ha lanzado su nueva canción "Deep Dark Waters". Este tema es el segundo adelanto de su esperado disco Come Ahead, que saldrá el 8 de noviembre de 2024 bajo el sello BMG. Con un sonido que mezcla la psicodelia, guitarras flamencas y coros brillantes, la canción destaca por su letra intensa —escrita por Bobby Gillespie que aborda los horrores de la guerra y la crisis humanitaria actual.

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"Deep Dark Waters" continúa el legado de Primal Scream de fusionar música y mensaje, esta vez con una advertencia sobre el rumbo de la humanidad, utilizando metáforas poderosas como "Este barco está navegando en aguas profundas y oscuras, todos los sistemas están fallando". La canción sigue a su lanzamiento anterior "Love Insurrection", y ambos temas reflejan una fuerte crítica social característica de la banda.

El videoclip oficial, dirigido por Douglas Hart, complementa la atmósfera sombría y reflexiva de la canción. Con más de 40 años de trayectoria, Primal Scream sigue siendo una fuerza relevante en la música, mezclando rock alternativo, neo psicodelia y electrónica. Come Ahead promete ser un álbum impactante y políticamente cargado. Lo puedes preguardar aquí.

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Perfiles: Fernando Heftye

Los muchos rostros de la musicalidad.

Conforme nos alejamos de la faceta más pop de la industria, nos encontramos con un nutrido paisaje de expresiones, procesos y profesionistas sin los cuales, nuestro contacto con lo artístico sería imposible. Desde managers y productores, hasta supervisores musicales para cine y televisión, pasando por DJs o empleados de disqueras. Todos forman parte del complejo sistema que, hoy por hoy, nos mantiene en contacto con el sonido. Y, si hemos de hablar de estos roles, qué mejor que conversar con alguien que los ha vivido todos: Fernando Heftye

El fanatismo temprano por Nirvana empujaría las ambiciones musicales del mexicano durante toda su educación básica. Esto hasta comenzar una etapa de madurez, artística y profesional, como miembro de una de las agrupaciones insignia del indie nacional: Los Plastics Revolution

La banda empezó como algo divertido y sin intención. Fueron nuestras canciones las que nos abrieron la puerta de lo que era la escena en ese entonces, de la industria, lo que implica vivir de la música”, apunta el músico.

10 años de trayectoria sobre el escenario dieron a Heftye una visión mucho más amplia y profunda de lo extramusical. De músico y compositor, pasó a fungir como representante de la banda, llevar la agenda de bookings, entablar relaciones con medios especializados y, finalmente, trabajar para la discográfica Indie Alliance

Creo que ha sido un camino lindo y natural. La vida, y las personas que encontré en ella, me fueron llevando hasta donde estoy”, comparte Heftye.

Sus estudios en el conservatorio de Leeds, Inglaterra, no hicieron sino acentuar el espíritu de apertura y colaboración que había profesado hasta ese entonces. Entablando amistad con James Smith (vocalista de Yard Act) y disfrutando de actos como Grizzly Bear, St. Vincent, The National o Beach House en venues de 200 personas o menos. “Abrir oídos a todo lo que no conocía, en un país con tanta historia en lo musical, fue muy significativo para mí. Más allá de la Universidad, me quedo con este ambiente de músicos que todo el tiempo están colaborando, compartiendo ideas, yendo a conciertos, etc”. Así, y dado que el camino parecía ir en un solo sentido, el creativo comenzaría a gestionar catálogos de sincronización para TV. Seleccionando meticulosamente y, con el apoyo de su socio comercial, Igor Figueroa, la música mejor adaptada a tal o cual escena.

Para mí, la música sigue siendo todo. Es mi día a día, mi trabajo, lo que disfruto en mi tiempo libre. Siempre es parte de algo más grande”.

Con la pasión de los ideales trasladados a cada proyecto, Heftye lograría ganarse la confianza del productor Nicolás Celis, quién le ayudaría a migrar al mundo cinematográfico y desempeñarse creativamente como supervisor musical. 

El supervisor es esta pieza encargada de hacer el soundtrack con música que ya existe. La parte creativa gira alrededor de escuchar música, descubrir cosas nuevas, aprender lo que le gusta al director. La otra mitad es exclusivamente legal y administrativa: contactar artistas, platicar con disqueras, llegar a acuerdos, etc”.

 

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Heftye lleva su lunes a viernes tratando de encontrar las canciones que resuenen con la visión del director, el tono de la escena y el presupuesto disponible. Resolviendo esto último de manera tan propositiva como sea posible. 

Tratamos de guiarnos por líneas creativas. ¿Qué quiere el director? ¿Cuál es el tono de la película? ¿Qué artistas o disqueras funcionan mejor?”.

Es en este espacio, entre la logística y la respuesta sensible, donde el ex Plastics mantiene la mirada sobre el camino que tuvo que recorrer para llegar aquí: el giro independiente. Siempre entre el instinto pop —demandado por clientes– y el revés de curaduría underground que se esfuerza por mantener. 

“Empujar otros nombres siempre ha sido una de mis ambiciones profesionales. Desde que empecé con los Plastics, pasando por el sello en el que trabajé, como DJ y hasta ahora; quiero enseñar música nueva a gente nueva. Pienso en nombres como Lázaro Cristóbal Comala, Unperro Andaluz, Luisa Almaguer, Los Amparito o Petit Amie, que ya son algo conocidos, pero vale la pena voltear a verlos”. 

 

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Entre la labor diurna de proponer hasta 30 cortes distintos para una sola escena, Heftye logra reunir tiempo (y energía) fungiendo como DJ en distintos clubs y trabajando en Fishlights, su proyecto solista. 

Con mi proyecto, trato de seguir más mi instinto en lugar de escuchar lo que quiere la gente. Sé que jamás podré escapar de esta influencia externa, pero al hacer música trato de hacerlo por el placer que me da, lo que puedo expresar. Sin esta presión de satisfacer a un cliente, director o a gente bailando”.

Con todo lo anterior en mente, el futuro del músico, productor, DJ y supervisor musical de sonido apunta a seguirse expandiendo profesional y artísticamente. Con la mira en lo más alto de disciplina y la naturalidad con la que se ha desarrollado en todas sus facetas. “No sé si valga soñar hasta Hollywood, pero empezando por lo nacional me gustaría trabajar con Alonso Ruíz Palacios, David Pablos y Lila Avilés. En grandes ligas y, los que han sido referentes para supervisores musicales de sonido, diría Wes Anderson, Quentin Tarantino y Paul Thomas Anderson. Con esos tres ya estaría en el tope del cine que me gusta, sobre todo en lo musical”.

The Last Dinner Party anuncia 'Prelude to Ecstasy: Acoustics and Covers'

Una nueva edición de su LP y un documental llegarán para celebrar el éxito de su debut.

Tras el lanzamiento de su álbum debut, The Last Dinner Party reveló la llegada de Prelude to Ecstasy: Acoustics and Covers, que estará disponible a partir del 11 de octubre a través de Universal Music Operations Limited. Este lanzamiento incluirá dos LPs, el primero presentará temas como "Prelude to Ecstasy", "Burn Alive" y "Beautiful Boy", mientras que el segundo LP ofrecerá versiones acústicas de canciones como "Ceaser On A TV Screen" y "Sinner", así como nuevas interpretaciones de éxitos como "Wicked Game" y "Army Dreamers".

Para celebrar este lanzamiento, la banda británica compartió el video de "This Town Ain’t Big Enough For Both Of Us [On The Road]". Dale play a continuación:

Esta noticia llega con el anuncio de la película, A short Prelude To Ecstasy film, que reúne lo mejor de sus recientes visitas por Japón, Estados Unidos y, por supuesto, su presentación en el Reading Festival. Este filme se presentará el próximo 12 de septiembre en el Soho Cinema de Londres y también será transmitido en vivo en su canal de YouTube. 

La banda está emocionada por continuar explorando nuevas facetas musicales en compañía de su primer álbum. Puedes preguardar el LP aquí y estar atento a Indie Rocks! para más novedades.

The Last Dinner Party Prelude To Ecstasy Acoustics And Covers Album

Tracklist:

LP 1:

Side A

  1. "Prelude to Ecstasy"
  2. "Burn Alive"
  3. "Ceaser On A TV Screen"
  4. "The Feminine Urge"
  5. "On Your Side"
  6. "Beautiful Boy"

Side B

  1. "Gjuha"
  2. "Sinner"
  3. "My Lady of Mercy"
  4. "Portrait of A Dead Girl"
  5. "Nothing Matter"
  6. "Mirror"

LP 2:

Side C

  1. "Ceaser On A TV Screen (Acoustic)"
  2. "Sinner (Acoustic)"
  3. "My Lady of Mercy (Acoustic)"
  4. "Nothing Matters (Live)"
  5. "Mirror (Live)"

Side D

  1. "This Town Ain’t Big Enough For Both Of Us (Cover)"
  2. "Up North (Cover)"
  3. "Wicked Game (Cover)"
  4. "Army Dreamers (Cover)"

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“Broken Boys”, lo nuevo de The WAEVE

Una narrativa emocionalmente cargada.

The WAEVE, el dúo británico formado por Graham Coxon y Rose Elinor Dougall, ha dado a conocer su nueva canción "Broken Boys". Este sencillo, que marca el regreso de la banda con un sonido art rock al estilo de Cabaret Voltaire, es un adelanto de su próximo material, City Lights. El álbum completo se lanzará el 20 de septiembre de 2024 a través de Transgressive Records.

"Broken Boys" destaca por su lírica introspectiva y cruda, que explora la desesperanza y el desencanto en las relaciones personales. La canción abre con una mirada penetrante a través de los ojos de los protagonistas, evocando una sensación de agotamiento y desilusión. La letra refleja el dolor de caer en patrones destructivos y el deseo de liberarse de la oscuridad emocional, con frases como “Caer en los brazos del equivocado” y “Todos los chicos rotos terminarán de la misma manera”.

Con este nuevo sencillo, The WAEVE continúa consolidando su identidad musical única, fusionando elementos del art rock con una narrativa emocionalmente cargada. La anticipación por el álbum City Lights está en aumento, prometiendo más de la introspección lírica y la experimentación sonora que caracteriza a la banda.

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Jamie xx presenta “Dafodil” con Kelsey Lu, Panda Bear y John Glacier

Una pista que combina elementos de indie pop y electrónica.

Jamie xx, el innovador productor británico conocido por su habilidad para fusionar géneros, nos sorprende con su nueva canción "Dafodil". Este sencillo, que incluye colaboraciones de Kelsey Lu, Panda Bear y John Glacier, es el cuarto adelanto de su próximo álbum In Waves, que se lanzará oficialmente el 20 de septiembre a través del sello Young. Este material promete mantener la firma distintiva de Jamie xx en el indie pop, indietronica, UK Garage, house y bass music.

"Dafodil" inicia con una reminiscencia de una noche de verano en Londres, capturando la esencia de una experiencia nostálgica a través de un collage de sonidos bailables. La pista destaca por su ritmo arrastrado y una mezcla envolvente de pianos disco y voces que se entrelazan desde todos los ángulos. La letra refleja una sensación de amor y libertad en un ambiente festivo, evocando un viaje emocional en la pista de baile y la sensación de un sueño perdido en la madrugada.

’Dafodil’ fue una de las primeras piezas musicales que hice para este álbum, de hecho fue la canción que me hizo darme cuenta de que por fin podía hacer otro álbum. Estoy eternamente agradecido a Kelsey Lu, con quien esta canción empezó como notas de voz sobre una noche nebulosa que ambos recordábamos. Gracias a John Glacier y Panda Bear, cuyas voces evocan perfectamente la sensación única de las noches de verano en Londres”, explicó el músico en un comunicado de prensa.

Con esta nueva entrega, Jamie xx continúa explorando y expandiendo sus límites musicales, ofreciendo una experiencia auditiva rica en texturas y emociones que cautivará a sus seguidores y a nuevos oyentes por igual.

Recuerda que Jamie xx se presentará el 2 de octubre en el Pepsi Center WTC de la Ciudad de México. Conoce todos los detalles aquí.

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The Cure lanza dos canciones en vivo en beneficio del planeta

Un material muy especial y de colección.

The Cure se une al resurgimiento de las bandas legendarias en este año y llega con noticias frescas. La agrupación británica se ha puesto las pilas y acaba de anunciar el lanzamiento de dos nuevas canciones en formato de grabación en vivo. Estos tracks serán parte de una doble cara A a beneficio de la fundación climática de la industria musical Earth Percent, fundada por el gran Brian Eno.

Antes de que llegue su esperado álbum Songs Of A Lost World, podrás disfrutar de “And Nothing Is Forever” y “I Can Never Say Goodbye” en vinilo.

 

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“And Nothing Is Forever” fue grabada en el icónico Sud de France Arena en Montpellier el 8 de noviembre de 2022, mientras que “I Can Never Say Goodbye” se registró unos días después, el 13 de noviembre de 2022, en el Zénith de Toulouse

En existencia hay 100 discos en formato vinilo y estarán autografiados por Robert Smith y se podrán conseguir a través del sitio web de The Cure.

The Cure November Vinil

 Para quienes no alcancen esos primeros ejemplares, los discos del 101 al 5000 estarán disponibles en exclusiva en la tienda Naked Record Club.

¡Compra en Naked Record Club

The Cure y Naked Record Club donarán el 100% de las ganancias netas de este lanzamiento a Earth Percent. Así que, además de disfrutar de nueva música, también estarás apoyando una causa súper importante. 

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Entrevista con Panda Bear & Sonic Boom

La reminiscencia de un pasado que nunca sucedió y el anhelo de un futuro que nunca sucederá: Reset Mariachi.

Noah Lennox y Peter Kember, mejor conocidos como Panda Bear & Sonic Boom, lanzaron en 2022, Reset, un álbum que sampleaba los 60 en sus melodías, su estilo adictivo y la virtud lírica de Lennox. Fue en 2023 que ambos músicos buscaron readaptar, en colaboración con Adrian Sherwood, todas sus canciones en el estilo fusión de electrónica y reggae: un éxito rotundo tras el propio reconocimiento de su versión original.

Ahora, un año más tarde, el dueto buscó una alternativa aún más ambiciosa: Reset Mariachi. Dos reversiones de “Danger” y “Livin’ In The After” que retoman el sample original con una reestructuración para mariachi, con toda su instrumentación tradicional. Para conocer detalles sobre su lanzamiento, la inspiración detrás de una versión en mariachi y la comunicación en la música, platicamos con Sonic Boom y esto fue lo que nos contó.

Como músicos de raíz electrónica, el mismo pensamiento de una versión tradicional parecía lejano, para Peter Kember se trató de una larga espera para completar esta ambiciosa tarea, una oportunidad que llegó gracias a la visita que realizaron a la Ciudad de México durante el festival Hipnosis en 2023. La inspiración se remonta a más de una década y el momento preciso para su realización.

“En realidad, pasó hace mucho tiempo, hace 15 o 20 años, estábamos abriendo en Silver Lake, que era una zona muy mexicana en Los Ángeles, me quedaba en el departamento de uno de mis amigos y fui a una exposición de arte, creo que era en alguna parte de Sunset Boulevard, tenían una banda de mariachi, no recuerdo el nombre de la banda, pero fue mi primera experiencia con el mariachi. Eran asombrosos, tenían algo especial. Luego trabajé con Panda Bear hace más de 10 años en su álbum Panda Bear Meets The Grim Reaper, tenía una canción, 'Tropic Of Cancer', en ese momento recuerdo haberle dicho que sería asombroso tener una versión de mariachi de ella, pero no teníamos los contactos o conexiones para hacerla. Uno de mis amigos vive en Portugal, Oswaldo Terrones, él es mexicano, hace sonido y es parte del equipo de Reset, mientras estábamos en tour, recordé que visitaríamos México dentro de poco, así que le pregunté si acaso conocía a alguna banda de mariachi, que tal vez pudiera intentar grabar un par de canciones con nosotros. Nos respondió que sí, que su amigo Santiago Mijare estaba grabando un álbum de mariachi en su estudio, así me di cuenta de que era una posibilidad y decidimos intentarlo”, contó Kember.

El equipo ideal, un estudio especializado en mariachi y el trabajo previo con Reset In Dub permitieron que el dueto pudiera reinterpretar sus canciones. Seleccionadas, casi sin querer, por ser dos piezas semejantes, casi hermanas, a este género tradicional mexicano.

“Supe de inmediato que canciones debíamos hacer, por ejemplo, 'Viviendo en las secuelas' fue escrita por dos jóvenes judíos, Doc Pomus y Mort Shuman, para una banda afrodescendiente, The Drifters, pero está claramente escrita en un estilo hispánico de mariachi. Las cuerdas en la canción original fueron el sample que tomamos de la primera grabación, siempre me sonó a mariachi; 'Peligro' también, podía escucharla e imaginar una cantina en la tarde, en medio del calor, tratando de escapar del sol mientras disfrutas una cerveza en un pueblo silencioso en México. Fue muy fácil, en cuanto escuchamos lo que hicieron con las canciones, deseamos hacer todo el álbum, pero ya teníamos la versión dub con Adrian Sherwoon, no muchas personas lanzan diferentes versiones de un solo material, en diferentes idiomas. Me encantaba la idea, hubiera querido seguir, pero solo hicimos esas dos canciones al final”, explicó Sonic Boom.

No existen distancias para dos músicos en sesión, aunque se trate de barreras de idioma, parecía que las mismas composiciones hablaban, dándole la oportunidad al Mariachi 2000 de Cutberto Pérez para comunicarse entre el guitarrón y la vihuela. 

Fue muy interesante ver al mariachi. Hablo un poco de portugués, que está en el territorio del idioma, pero mi español no era tan bueno como para entender lo que decían, pero podía ver que estaban disfrutándolo. Cuando le pregunté a Oswaldo, dijo que les encantó, que era extraño cómo la escritura de las canciones era relativamente simple y que se traducía fácilmente a sus instrumentos, creo que eso se ve claramente en la grabación”, señaló el músico.

Para la preparación de la sesión que se grabó en Coyoacán, Ciudad de México, se realizaron arreglos que adaptaran las dos canciones a una estructura tradicional para el mariachi, en donde el dueto confío en otras manos para que sus piezas cobraran vida.

Santiago y Patsi Mijare hicieron los arreglos para el mariachi, para los vientos y las cuerdas, hicieron un trabajo increíble. Ellos estuvieron en la sesión y dejamos que la dirigieran, ellos hablan español y nosotros no, así que confiamos en ellos y todo funcionó realmente. Estábamos muy felices al respecto”, comentó Sonic Boom.

Cuando la estructura se convierte en idioma, hasta la distancia entre el inglés y el español se reduce, pues, en este caso, enfatiza la misma esencia del mariachi y las piezas originales, dejando que ambas conversen entre sí.

“Músicos de todos los géneros se comunican entre sí gracias a la música, incluso si hablan idiomas diferentes. Para mí esa es una de las grandes alegrías de la música, abre la comunicación con los otros. Lo que considero que es 'mi música' no existiría sin otros músicos y sé que ese sentimiento es lo que hacemos, entonces es como una hermosa conversación, de la que siempre estoy feliz de formar parte”, explicó Kember.

Sin embargo, en esa misma comunicación, toma relevancia que el mariachi es un género que surge en el idioma español, es por eso que Panda Bear & Sonic Boom decidieron traducir al español ambas canciones, dando como resultado “Viviendo en las secuelas” y “Peligro”.

“Pienso que debían traducirse al español, había seis personas trabajando en la traducción, porque queríamos mantener la poesía y el significado de las letras originales. Queríamos incorporar español mexicano, modismos mexicanos, incluso dialectos, así que teníamos tres amigos mexicanos que hablan inglés junto con tres españoles. Buscábamos mantener el ritmo, la rima y la poesía de las canciones. Sé por canciones como 'My Way', que puede que conozcas, ya es un clásico, originalmente es una canción francesa, en donde la emotividad que transmite en inglés es gracias a su traducción, por eso sé que es crítico”, señaló el compositor.

De la mano de seis personas es como tenemos dos canciones naturales para cualquier escucha previo de mariachi, un trabajo cuidadoso que buscaba mantener toda la esencia de sus versiones originales durante la transición. En ese proceso, incluso, se confrontaron con el uso de IA, un recurso que, con la modernidad, enfrenta dificultades.

“En uno de nuestros primeros intentos, uno de nuestros amigos intentó utilizar inteligencia artificial para traducirlas y fue horrible, carecía completamente de alma. Creo que, como músicos, la IA jamás podrá hacer lo que hacemos, porque está buscando un consenso, lo que todos los demás aceptan, mientras que nosotros buscamos hacer lo que nadie ha hecho de alguna forma. Darle sentimientos y emociones a algo, no solo hacer una filtración de todo lo que se ha documentado. Era muy importante la traducción, se hizo con mucho cuidado, fue un trabajo duro porque queríamos hacerle justicia al lenguaje desde la letra y la música”, explicó Kember.

Parece, entonces, que la parte más compleja de estás adaptaciones no fue el lenguaje musical, sino el traslado entre idiomas, culturas, que además fuera congruente con la adaptación musical.

Es complejo, porque había frases con un sentido particular en inglés, tenían una resonancia instantánea y eso es algo que no puedes traducir literalmente. Por eso había tantas opiniones diferentes, en particular, los tres mexicanos involucrados fueron de un papel crucial, son bilingües y podían señalar qué funcionaba y qué no. Fue un proceso muy interesante, todo alrededor de Reset ha sido un periodo mágico para mí, no lo cambiaría por nada. Traducimos a otro idioma incluso si no podíamos entenderlo”, describió el músico.

Así tenemos una versión mexicana, colorida y sincera de Reset, que, además, conversa con su reversión hermana de dub: dos trabajos que reflejan las posibilidades creativas del dueto, junto con la calidad misma de las canciones originales.

“Noah [Panda Bear] escribió excelentes canciones, desde el primer momento en que las cantó para mí, sabía que había algo muy fuerte en ellas. Tenía un presentimiento de que estas canciones podían traducirse universalmente en casi cualquier género, porque las canciones son muy buenas. Entonces, era momento de ver qué pasaba, incluso pensamos en hacer una obra de teatro infantil utilizando las canciones, que es algo que aún tengo ganas de hacer, tal vez algún día suceda. Creo que las canciones, en parte por los samples que utilizamos y por la naturaleza de la composición de las letras, instantáneamente parecían posibles de traducir a cualquier idioma. Nos llegó de inmediato con el trabajo de Adrian Sherwood, transformó por completo el disco, algunos dirán que fue incluso mejor o tan bueno como el original, en un género distinto. Mi intuición en estas cosas es buena, de cualquier forma, así que realmente funcionó”, afirmó Sonic Boom.

La calidad de composición de Noah Lennox y la infinita gama de sus posibilidades en sus melodías son las responsables de que este álbum haya mutado a versiones tan diferentes y parecidas a la vez, canciones atemporales para cualquier tipo de escucha.

“El disco original tenía una cualidad atemporal instantánea. Es la reminiscencia de un pasado que nunca sucedió y el anhelo de un futuro que nunca sucederá. Es una especia de nostalgia del futuro, no hace sentido y al mismo tiempo tiene todo el sentido, tuvimos mucha suerte. El futuro y el pasado son constructos de nuestra imaginación, en realidad no existen y no existirán, pero como humanos tenemos este raro concepto del tiempo. Las cosas pasarán, como el concepto, pero no podemos predecir qué será y nunca será como lo esperamos”, concluyó Pete Kember.

Ya puedes escuchar el EP Reset Mariachi en todas las plataformas.

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MJ Baez estrena “Reflejo” con Amo Amo

Una emotiva balada de dream pop.

MJ Baez, proyecto creado por María José Baez, presenta "Reflejo", su nuevo sencillo como solista. Este tema, que combina elementos de dream pop, pop alternativo y ritmos urbanos, es un reflejo de su sensibilidad artística. La canción narra la historia de un amor que se desvaneció antes de florecer, dejando tras de sí solo un eco en la memoria.

Con la colaboración de Amo Amo, "Reflejo" adquiere una dimensión especial. La mezcla de voces crea una atmósfera etérea que resuena profundamente con los oyentes. La producción y mezcla estuvieron a cargo de Enrique Tena (conocido como Escuby) y Will Kubley, quienes lograron un sonido pulido y emotivo. El master final también fue realizado por Enrique Tena, asegurando una calidad sonora impecable.

Mj Baez Nuevo Sencillo Reflejo

La letra de "Reflejo" habla de un intento de amor, un "reflejo más" que, aunque breve, deja una huella indeleble. "Fuiste un intento de luz, un reflejo más que se dibuja en mi voz", canta Baez, encapsulando la melancolía de una relación que no llegó a su plenitud.

MJ Baez continúa explorando nuevas facetas musicales con "Reflejo", consolidándose como una de las voces emergentes más prometedoras en la escena del pop alternativo en México.

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Godspeed You! Black Emperor regresa con nuevo disco y single

Una declaración sobre el ciclo constante de destrucción y regeneración, perfecto para aquellos que buscan un viaje emocional profundo y catártico. 

Conocidos por sus largas composiciones instrumentales y sus paisajes sonoros cinematográficos, Godspeed You! Black Emperor ha creado un estilo único con mezclas de rock, música orquestal y elementos ambientales. Cada álbum es una experiencia auditiva que te lleva a través de montañas de ruido y valles de calma, siempre dejando espacio para la interpretación personal.

Godspeed You! Black Emperor está de vuelta con un nuevo álbum que hará  sacudir conciencias y emociones. Este octavo material de estudio, cuyo nombre es NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28,340 DEAD, verá la luz el próximo 4 de octubre a través de Constellation Records.

Después de su último lanzamiento en 2021, G_D’S PEE AT STATE’S END!, la banda canadiense nos trae seis nuevas composiciones cargadas de mensajes y sonidos que reflejan la cruda realidad. El disco toma su nombre de los reportes de bajas en Gaza que ascendieron a 28,340 personas en febrero pasado, un tema que atraviesa cada nota y cada silencio de este nuevo trabajo. 

Y para ir calentando motores, ya puedes escuchar el tema final del disco, "GREY RUBBLE – GREEN SHOOTS". Fiel al estilo de Godspeed, la canción no se queda en la oscuridad. Poco a poco, guitarras melódicas y cuerdas suaves comienzan a emerger entre la niebla, creando una sensación de renacimiento y resistencia. Es como si, entre los escombros, empezaran a brotar pequeños retoños verdes, símbolo de esperanza y renovación.

Al final, “GREY RUBBLE – GREEN SHOOTS” se convierte en un himno a la resiliencia, un recordatorio de que incluso en los momentos más oscuros, la vida puede encontrar una manera de abrirse paso. Mostrando así, el verdadero significado del disco. 

Godspeed You Black Emperor New Album No Title Artwork

  1.  “SUN IS A HOLE SUN IS VAPORS”
  2.  “HOLE SUN IS VAPORS BABYS IN A THUNDERCLOUD”
  3.  “RAINDROPS CAST IN LEAD”
  4.  “BROKEN SPIRES AT DEAD KAPITAL”
  5.  “PALE SPECTATOR TAKES PHOTOGRAPHS”
  6.  “GREY RUBBLE – GREEN SHOOTS”

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