Entrevista con The Budos Band

La hermandad que regresa al ruedo para continuar escribiendo una historia mística.

¿Qué pasa cuando encuentras una nueva puerta? La abres y te enfrentas un nuevo mundo del que puedes esperar mucho, o nada. The Budos Band es la prueba de que aquello que nos espera es mejor de lo que imaginamos y por ello, Jared Tankel, integrante de la banda, platicó con Indie Rocks! sobre esta nueva etapa para la banda.

Frontier’s Edge es el nombre del nuevo EP de la banda y también su primer sencillo que nos transporta al desértico viejo oeste porque ese fue el destino que nos deparó el portal, con un rasgueo de cuerdas que acompañan nuestra marcha y las trompetas que nos refresca bajo el sol. Un tema meramente instrumental y que así será en el resto del EP, porque siempre ha sido así. 

“Una cosa sobre los Budos es que no tenemos vocalistas, es solo instrumental y eso deja las posibilidades abiertas para nuestros fans y escuchas. Pienso que evolucionamos el sonido pesado de la guitarra que nos atrapó por un tiempo porque este álbum es un poco más uptempo en general; hay más acción, un poco del oeste, referencias al Señor de los Anillos…”

Para nosotros escribir y grabar es una misión exploratoria en la que nunca sabremos en qué mundo acabaremos”.

Y sí, el arte de este nuevo álbum es diferente aunque el estilo ya se había visto en los pasados Burnt Offering y el homónimo The Budos Band que parece continuar la travesía del enigmático personaje que concurre los artes, “la portada la diseñó nuestro baterista Brian, es nuestro artista principal para casi todo los materiales de la banda y pienso que está basado en explorar nuevas dimensiones y nuevos mundos”.  

Pero no basta con que una ilustración nos cuente la historia, hay que ponerle dinamismo y para eso está la música; misma que se ha encargado formarlos durante este tiempo. “En nuestros primeros días, era más probable que alguien llegara con algo totalmente trabajado y luego siguiéramos esa línea”.

Hoy, la banda tiene más de 20 años de formación, en los que han trabajado en diferentes materiales y recorrido diversas partes del mundo para llegar hasta este punto: "todas las canciones las escribimos en colaboración; llegamos y ponemos las cartas sobre la mesa, combinamos las ideas de una forma extraña e inesperada hasta terminar en algo que nadie predijo”, comenta Jared. 

Sin embargo, por más fantástica que sea la historia hay que saber terminar cada capítulo y cada libro para que los escuchas completen el ciclo y al final queden con la expectativa de querer saber más. 

Es un acuerdo no hablado que tenemos entre nosotros: averiguamos si algo no es bueno o no funciona para nosotros y luego suponiendo que trabajemos en ello, llegamos a un lugar donde se siente bien. Nos miramos, dimos golpes y dijimos 'sí, esto está hecho' o 'tenemos que volver para arreglar esto', lo que se. Simplemente tenemos una sensación”.

Originalmente la banda se formó en Nueva York. No obstante, cada miembro tomó un nuevo rumbo, pero lo que no esperaban es que Nueva York quedara para siempre en su esencia: “En los 2000’s, había una nueva escena naciendo en la ciudad, así que era muy fácil ver bandas de afro beat, soul, funk, metal, hardrock, todo en 1 semana. Fue muy importante para la formación de la banda. [...] Y desde que estamos juntos, en los ensayos o cuando salimos de gira, escuchamos música juntos todo el tiempo, en especial música de antaño, así que escuchar de todo nos ha ayudado, pero todo comenzó con Nueva York. 

Este verano, Seattle, Los Ángeles y parte del este de Estados Unidos ve partir a una banda, y no solo eso a una hermandad que ve su próximo tour como una reunión en la que se pondrán al día y disfrutará de estar en el escenario una vez más. 

Todos amamos tocar nuestros instrumentos, nuestra música, pero también estar juntos. Pudimos haber tocado más shows como The Budos si consiguiéramos sustitutos, pero nunca lo hemos hecho porque para nosotros es más importante la integridad de la banda. Si lo hubieramos hecho, no sería tan especial como lo es ahora”. 

Así que prepárate, porque The Budos Band vuelven al ruedo con Frontier’s Edge, pero eso no termina aquí, pues después regresarán al estudio en California y grabar su séptimo álbum. 

Inclusión LGBTTTIQA+ en Festivales Mexicanos

El arte LGBT+ dentro de la industria musical en México: logros y metas desde la visión de sus artistas.

Basta un nutrido lineup y un amplio spot para hacer vibrar a miles de almas en un festival y transportarnos a un estado de total libertad percibida a través de cada sentido, a través los poros, a través del alma y es precisamente así como la música nos impacta a todas las personas bajo la misma intensidad que no podemos hablar encuentros o eventos sonoros desde una postura que excluya, haga diferencias o ponga etiquetas.

En México, desde la década de los 80, la comunidad LGBT+ encontró en el campo del arte y la cultura, un espacio de expresión total en el cual podían sentirse cómodos, no juzgados, con libertad para expresar sus ideas, temores y emociones.

Por ejemplo, en aquellos años los grandes festivales musicales no tenían una libre apertura para artistas de la comunidad, sin embargo, siempre hubo espacios como el Museo Universitario del Chopo, en donde había múltiples colectivos artísticos de todos los colores, ideologías y preferencias, mostrando el valor su arte al mundo.

Así como la música debe ser libre y original, no podemos permitirnos limitar la expresión de la identidad y el amor de las personas, por este motivo, Indie Rocks! entrevistó a cuatro artistas que pertenecen a la comunidad LGBT+, quienes compartieron su visión de la industria musical en México relacionada con temas de inclusión, no sólo para difundirla este mes, sino todo el año.

Por su parte, la cantautora tijuanense Vanessa Zamora asegura que “cada vez hay más visibilidad en todos los aspectos dentro de la industria en México, pero creo que estar en un festival no debería de depender de cómo te definas, sino de lo que eres y quieres dar al mundo”.

Una postura que fue apoyada por Maricuir, una artista queer que asegura es bastante molesto e incómodo que se crea que, por ejemplo, en un festival si hay un exponente de la comunidad va a ser un show de nicho.

En México y el mundo nos falta mucho en la industria de la música, porque por ejemplo, creo que en los festivales se sigue pensando que si hay un artista de la comunidad LGBT+ es un evento o propuesta de nicho y que sólo lo va a ir a ver gente de la comunidad (...) Creo que ya debemos pasar ese pensamiento en el que sólo lo que hacen los hombres cisgénero es lo universal, creo que necesitamos aprender a que la propuesta artística de la persona que sea es universal y puede ser disfrutada por todas las personas”, reveló Maricuir, quien usa pronombres neutros y en femenino.

Por otro lado, Zemmoa (la primera artista transgénero en México en firmar con Universal Music) aseguró que a pesar de que en la industria faltan grandes avances para dar difusión no sólo este mes sino todo el año, ella se siente orgullosa, pues recordó que el estimado para una mujer trans en países como el nuestro es de 35 años.

Me siento orgullosa de mi arte, de ser yo y hacer música desde el corazón (...) Creo que los artistas LGBT+ ya somos artistas neurodivergentes y que al final de cuentas luchamos mucho con la salud mental por A, B o C de nuestras experiencias de vida y entonces tendemos a ser dispersos con nuestro proyecto y tendemos a estar un poco solxs, pero creo que poco a poco México va cambiando y la gente se va dando cuenta de la disciplina y corazón que un artista le pone a sus proyectos”, aseveró la artista de 36 años.

Por su parte, la artista Andrea Martínez, conocida por su proyecto Andru sorprendió en la Ciudad de México debido a que el pasado 17 de junio tocó los éxitos de su EP Lo haría todo de nuevo en la marcha lencha.

Me gusta pensar  y que se están haciendo cosas para que esta comunidad tenga más voz y sea más resonante en festivales (...) sobre todo en la música con el apoyo de por ejemplo en las plataformas al hacer playlist o por ejemplo visibilizar que hay más gente queer. Aunque creo que la utopía sería un festival de acceso universal con pures musiques de la comunidad”, puntualizó la joven que recientemente estuvo en el festival Coachella en compañía de Bratty.

Es de esta forma que una vez más reafirmamos que el arte es el conducto predilecto en el que las vidas convergen, sin importar sus pensamientos, gustos, disgustos, colores o sabores, los festivales musicales en México son una enorme industria en la que gran porcentaje de consumo es de la comunidad LGBT+, por lo que la tarea queda en hacer mayor reflexión sobre la inclusión los 365 días del año y no sólo 30 durante este mes.

Queen Of The Stone Age — In Times New Roman…

Pegándole a la pared.

La banda californiana Queens Of The Stone Age, presenta su octavo álbum de estudio, In Times New Roman… a través del sello Matador. El proyecto encabezado por Josh Homme regresa luego de seis años del Villians (2017), un disco experimental que presentó sonidos más limpios y rítmicos, alejándose de los parajes inhóspitos de otros materiales.

En esta ocasión, QOTSA regresa a los terrenos agrestes del stoner rock, en una búsqueda para encontrarse así mismos. Para nadie es sorpresa que estos últimos años han sido difíciles para todos, entre la pandemia, la crisis económica y las tragedias personales, esas que muchos no hemos contado, y tampoco es un secreto que Homme ha tenido bastantes dificultades recientemente, entre la separación, el luto y la enfermedad, se han acumulado un montón de ideas y emociones en la cabeza del músico y no ha encontrado una mejor manera que su arte para liberarse, hallando la catarsis entre el miedo y la furia. Esto nos lo deja claro con “Obscenery” es un inicio desprolijo para el álbum, con guitarras sucias, baterías potentes y los juegos de voces típicos de Homme, lo que se esperaría de una canción de QOTSA. No siendo una gran sorpresa, pero reconforta los sonidos familiares, lo reconfortante que puede llegar a ser un golpe en la cara. Seguida de “Paper Machete”, sobre la misma línea, pero con una dosis mayor de velocidad, redoblando la apuesta de ir duros y directos se encuentran con un tema más melódico y estructurado, es un ataque militar a gran escala y no una mera pelea de bar.

Es con “Carnavoyeur” donde se encuentra el punto de inflexión del álbum, casualmente, también es el tema central. Con mayor cadencia, dejan de intentar recordarnos quienes son y comienzan a demostrarnos qué pueden hacer. Dándose el tiempo y espacio necesarios para desarrollar sus ideas. También mencionar “Sicily”, la mejor canción del disco, que, con la misma base de los otros temas, logra una propuesta ambiciosa, introduciendo elementos adicionales, algo de oscuridad, pausas dramáticas y mucha espectacularidad. Por último, destaca “Emotion Sickness”, que nos prepara un final acorde a esta segunda parte del álbum, pero retomando la intensidad de la primera, regresan los guitarrazos y los falsetes, pero mejor armados y en posiciones estratégicas, dando una sensación de balance hacia el cierre del material.

En conclusión, es un buen disco, con luces y sombras como la vida misma. Las letras punzantes de Homme, evitan el patetismo de la situación, se percibe el dolor y el enojo del artista y de la persona, alguien que ha perdido todo, incluso a sí mismo, no encontrando una mejor manera de recuperarlo que tumbando las paredes que se le pongan enfrente. Pero también la ira es un sentimiento confuso, que nos hace erráticos y eso se aprecia en el disco, si no la sabemos manejar hará que nos perdamos en ese camino de fuego y obscuridad.

Ramona en el Foro Indie Rocks!

¡Qué noche la de anoche! Nos sumergimos en un mar de emociones en el Foro Indie Rocks!

La noche comenzó bien, el clima estaba tranqui y los asistente lo agradecimos. Adentro la euforia hizo que la temperatura subiera pero aún así, los ánimos no cayeron porque era mucha la emoción por disfrutar no solo a una, sino a cuatro bandas de la escena independiente.

En punto de las 19:00 H ya se notaba el flujo de asistencia, muchos deambulaban afuera de las instalaciones del Indie Rocks! fumando, comiendo algo rapidín para aguantar la fiesta, platicando con sus compas y, por supuesto, no podían faltar los que preferían ingresar de una a las instalaciones para echarse una cervecita para calentar motores, afinar garganta y entrar en mood de viernes de concierto.

Dentro del Foro, se podía respirar un buen ambiente entre amigos, parejas y hasta quienes iban solos. Todos estaban más que entusiasmados por el show que se venía.

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Fue en punto de las 20:00 H cuando el escenario principal recibió a la primera banda de la noche, The Citie que llenó de euforia al público chilango que los recibió de maravilla, pues la conexión que logró con todos los presentes fue magia pura. Toda la energía y el éxtasis que derramaron sobre el escenario, los hizo acreedores a una merecida lluvia de aplausos por parte de la audiencia.

La vibra que dejaron en el escenario hizo explotar a todos lo que disfrutamos cada una de su sueño notas, pues entre canciones de amor, desamor, relaciones a distancia y hasta un cover de una clásica canción mexicana, “Golpes en el corazón”, hicieron que todos cantáramos de principio al fin.

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Sin duda el show nos calentó para agarrar de frente lo que venía, pues el show de El Pillín nos hizo sentir de todo con su happy punk. Movimos de pies a cabeza con esos bites tan pronunciados y la euforia de toda su banda. Por supuesto también nos regaló un momento de nostalgia con la interpretación de “Espero que vuelvas”, una canción creada después del fallecimiento de su papá.

Aunque los corazoncitos se apachurraron un poco, no dejó caer los ánimo, pues con la participación de varios de los asistentes, levantó un grito de libertad al sacar de nuestro ser, todo lo que literalmente nos caga. Con la euforia al tope y lleno de éxtasis, Pillin, se lanzó sin más ante la audiencia quienes no dudaron en recibirlo y echar todo el cotorreo para cerrar así su presentación, donde recibió una cálida aclamación al son de “Pillin, Pillin, Pillin”.

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Durante el cambio de instrumentos para recibir a Entre Desiertos, los asistentes se encontraban ya en un punto cumbre, pues entre chelas y música es imposible no disfrutar cada momento. Fue así como en punto de las 21:22 H la banda pisó el escenario en un ambiente por demás prendido y enérgico. Entre Desiertos fue recibido por un frenético publico que se dejo llevar desde las primeras notas de “Llamarada fría” la cual fue coreada por varias almas y que por supuesto no pasó  desapercibida.

Entre aplausos, la banda anunciaba la presencia de Chuy (Ramona) para interpretar una última canción llamada "Amar a mares". Por supuesto agradecieron la invitación a ser parte del show que, para ese punto de la noche, ya era una locura total con un foro casi lleno.

Al terminar la presentación, los asistentes esperaban ansiosos ver a la banda completa en el escenario, pues ya se acercaba el momento de sentir la magia de Ramona.

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Así fue como el reloj marcó las 22:10 H, y la banda completa ya se encontraba en el escenario. “Tenemos una noche larga”, mencionó Chuy entre gritos y aplausos para dar comienzo a un setlist que pocos imaginábamos, pues nos regaló canciones de sus primeros discos y los sencillos más recientes. Ramona logró llenar de magia pura cada corazón que allí se encontraba cantando, coreando y bailando cada una de sus interpretaciones.

Chuy se mostró más que entusiasmado de volver a la ciudad donde la banda radicó cerca de cinco años y la cual fue pieza fundamental dentro de su vida musical, pues la banda ha experimentado un largo camino lleno de saberes en los que se ha tenido que acoplar a las circunstancias sin dejar de lado su esencia de romanticismo, alegría, energía, nostalgia, tristeza y todo ese mar de emociones que solo sus canciones hacen sentir.

Con un "Ir por un café”, Ramona hizo cantar a todos los ahí presentes, por supuesto también nos reglaron la interpretación de “Acércate”, para dar paso así a “Pídeme”, donde el foro se llenó de romanticismo y las parejas aprovecharon para hacer una que otra declaración y, por supuesto, confirmación de amor. Sin salirse de la línea llegó “Te llevo volando", donde la fuerza y los gritos de el publico no se hicieron esperar. Entre canciones, los ánimos subían cada vez más y no era para menos, pues la selección de canciones de la noche fue por demás acertada. Fue así cómo Chuy decidió bajarse del escenario y compartir con los asistentes para poder cantar con ellos.

Por supuesto que llegó el momento de corear uno de los covers más esperados, “La Gata Bajo La Lluvia” hizo resonar cada rincón del foro, recordando los inicios de Ramona, a la par de la gran amistad entre Omar y Chuy que han forjado la banda. La noche siguió entre canciones como: Bonita”, “Los Esclavos”, “Anillo de matrimonio”, la cual nos hizo sacar los pasos prohibidos y unos cuantos afortunados pudieran subir al escenario para persignar el piso en compañía de la banda.

Ramona nos regaló las interpretaciones de dos canciones que no habían sido tocadas antes en vivo, además se aventaron las que no podían faltar: “Ojitos soñados” y “Vete con él”.  “Digan siempre lo que sienten y no se lo guarden”, aconsejaba Chuy a su público mientras sonaban las primeras notas de “Si te digo lo que siento”. Finalmente llegaron "Mateo" y "Cecilia", que nos hicieron bailar y cantar, pero nadie quería que la noche terminara. Fue así, como entre gritos se pedía una última  interpretación y cerraron con broche de oro, pues “Tristes Ojos” sorprendió a los asistentes. Chuy bajó una vez más del escenario para sentir el calor de la audiencia.

Fue así como la noche se convirtió en un sueño sobre nubes, música, sentimientos y mares de emociones.

 

A 15 años del disco homónimo de Hercules and Love Affair

Cuando la música disco y el house se reencontraron.

Se cumplen 15 años de que los neoyorquinos Hercules and Love Affair lanzaran su álbum debut homónimo, apenas cuatro años después de que Andy Butler formara la banda junto a Nomi Ruiz, Kim Ann Foxman y Anohni.

Fue un 10 de marzo de 2008 cuando el disco vio la luz, editado bajo el sello DFA Records y conformado por 10 tracks, de los cuales se desprendieron los sencillos “Blind” y “You Belong”. Hercules and Love Affair fue un disco aplaudido por la crítica especializada en su mayoría, colmado de elogios y situado como uno de los 500 mejores álbumes de la década del 2000, según Pitchfork. Philip Sherburne, crítico musical de ese mismo medio estadounidense, afirmó “este es el mejor álbum dance estadounidense en mucho tiempo”, dicha declaración raya en la desproporción, sin embargo, guarda algo de razón, porque estamos ante un álbum perfectamente manufacturado, con rasgos claramente identificables con la música disco y el house, sostenido en bases rítmicas repletas de percusiones, líneas de bajo profundas e hiper  funkys, melodías de sintetizador pulsantes, psicodélicas y con gancho, juegos vocales que terminan de recrear perfectamente un sonido bailable y electrizante, producido de forma hibrida por sintetizadores, cajas de ritmo, trompetas, bajos y guitarras.

 

Blind”, es el primer sencillo que se desprendió, lanzado el 3 de marzo de 2008 y considerado por Pitchfork como el mejor tema de ese año, colocándolo en el puesto número 18 de la lista de las 500 mejores pistas de la década del 2000. Es un track por el que el tiempo no ha pasado, sigue sonando fresco, funky, bailable y pegadizo, a la fecha continúa provocando euforia en las pistas de baile de medio mundo, convertido en un clásico de la música dance internacional. El tema fue remezclado por figuras icónicas del house como Serge Santiago y el legendario Frankie Knuckles, pieza imprescindible en la transición de la música disco al house, en el vibrante y desenfadado Nueva York de principios de los 80. “Blind” es un tema que tiene su origen en un poema escrito por Andy Butler, tiempo antes de que la banda se formara.

Luego del éxito arrollador de su álbum debut, Butler tomó la decisión de que la alineación de Hercules and Love Affair fuera rotativa, y así es como ha pasado desde entonces por sus filas un sinfín de músicos de distintas latitudes como DJ Whitney Fierce, Foxman, Mark Pistel, Aerea Negrot, Gustaph, Rouge Mary y Shaun Wright, entre otros.

A la fecha, la banda se mantiene activa, el año pasado lanzaron In Amber, su quinto álbum de estudio, un disco que se aleja casi por completo de la propuesta bailable de sus primeros discos, probando otras rutas sonoras y siendo aclamado por un sector de la crítica especializada, sin embargo, el colectivo neoyorquino no ha vuelto a experimentar el éxito que tuvo con su álbum debut, por mucho, el más influyente de toda su discografía.

El Culto Casero estrena video para “Te Quiero”

"Te Quiero" es el sencillo más reciente del grupo.

El Culto Casero, proyecto musical originario de Paraguay, regresó con un video musical hecho para su más reciente sencillo “Te Quiero”, lanzado el 26 de mayo de este año.

Un mes después del lanzamiento de “Te Quiero”, Franco Ocampo, frontman detrás de El Culto Casero, regresó con un estilo sonoro R&B en un sencillo que retrata los extremos y los retos de tener dentro un sentimiento tan complejo como el amor.

En esta canción, Franco Ocampo se sincera y explora un tema que últimamente no es tocado por voces masculinas: la soledad.  

Dale play al video de “Te Quiero” de El Culto Casero, que fue dirigido porGuille Guillén a continuación:

Alejandro Elizondo y Maurizio Terracina estrenan “Sin Dirección” 

Se unen para colaborar en este inédito sencillo y su B-Side.

Fue en marzo de 2023 cuando Los Mundos lanzó su más reciente material discográfico llamado Eco del Universo, un álbum de nueve tracks que traía de vuelta los sonidos psicodélicos de sus álbumes previos como La Fortaleza del Sonido y Sistemas. La agrupación regiomontana ha estrenado música sin cesar desde hace años y esta vez no fue la excepción.

A tan solo tres meses de la liberación de su último disco, ahora fue Alejandro Elizondo, de la dupla también integrada por Luis Ángel Martínez, quien exploró un nuevo sendero junto al músico y productor Maurizio Terracina en el tema “Sin Dirección”.

Reconocido compositor que ha trabajado con diversos proyectos como División Minúscula, Café Tacvba y Ely Guerra, se unió con el integrante de Los Mundos para crear un sencillo que aborda la sensación de encontrarse a la deriva, tal como su título lo indica. El lanzamiento fue acompañado de un video del proceso de creación y producción que ya puedes ver en YouTube.

Grabado desde el estudio Las Dunas en Monterrey, Nuevo León, el sencillo “Sin Dirección” llega acompañado de un B-Side que incluye el track XIX”, al que definen como una melodía mucho más experimental y ya se encuentra disponible en plataformas digitales.

Lanzan video para “The Star Room (Versión OG)” de Mac Miller

El álbum Watching Movies With the Sound Off tendrá un nuevo vinilo.

Hace 10 años el rapero estadounidense, Mac Miller, lanzó su segundo álbum, Watching Movies With the Sound Off. Ahora, el antiguo sello discográfico del fallecido rapero, Rostrum Records, lanzó una edición de aniversario del álbum, que incluye una versión anterior de la canción que abre el disco, "The Star Room". Además, se estrenó un nuevo video titulado "The Star Room (Versión OG)".

El video musical, dirigido por Danae Gosset y con diseño de personajes y animación de Sam Mason, muestra el viaje de un personaje de mente abierta que explora y evoluciona en diferentes paisajes. Para lograrlo, se utilizó una técnica hecha a mano, combinando pintura y lápices de colores con animación 3D, animación 2D y efectos visuales.

Tuve el privilegio de colaborar con el increíblemente talentoso Sam Mason [director del video 'Colors and Shapes' de Miller], quien diseñó los personajes del video. La historia comienza y termina con un personaje sincero similar a un embrión, mostrando su crecimiento y transformación a través de diversos paisajes y encuentros. Mi objetivo era capturar la esencia de un viaje transformador, manteniendo una curiosidad infantil hacia la exploración de diferentes mundos", comentó Danae Gosset en un comunicado de prensa.

Además, el sello anunció que habrá una nueva edición en vinilo de Watching Movies With the Sound Off, que incluirá la canción adicional "The Quest". Mac Miller lanzó su último álbum de estudio en 2018, titulado Swimming. Después de su muerte, se lanzó Circles, un álbum para honrar la carrera del rapero.

Dale play al video "The Star Room (Versión OG)" aquí.

The Weeknd estrena canción y versiona a John Lennon para 'The Idol'

Los tres protagonistas de la serie unen fuerzas para estrenar canciones de la serie de manera semanal.

The Weeknd, Lily-Rose Depp y Jennie de Blackpink han compartido una nueva canción que hicieron para el programa de HBO The Idol. The Weeknd co-produjo "One of the Girls" junto a Mike Dean y Sage Skolfield.

Jennie interpreta a Dyanne, una bailarina de respaldo para la estrella de pop protagonizada por Depp en la serie. “One of the Girls” es la primera canción de la artista que no es de Blackpink desde “Solo” de 2018. Esta es la segunda canción de The Idol que ha lanzado Lily-Rose Depp. Anteriormente compartió “World Class Sinner” y “I’m a Freak”.

The Weeknd ha lanzado más música que hizo para su serie. Previo al estreno del cuarto episodio de la misma, se lanzó la versión del cantante de la canción "Jealous Guy" de John Lennon. De igual manera, mostró un adelanto de su versión de en abril y la interpretó en vivo en Noruega a principios de esta semana.

Según el creador de la serie, había planeado inicialmente lanzar un álbum de la banda sonora de  The Idol el 30 de junio, pero en cambio, se han estado lanzando singles del programa en entregas semanales. Junto con "Jealous Guy", The Weeknd ha lanzado "One of the Girls" y "Fill the Void", interpretada por Lily-Rose Depp y Ramsey.

 

 

Escucha “Luna de Miel”, lo nuevo de Alaina Castillo

Un sencillo que te invita a la pista de baile para estrechar al romance.

Desde su presentación en el festival Coachella en 2022 y su show en Texas junto a H.E.R. y Coldplay, Alaina Castillo ha regresado con nueva música para poner a todos a bailar con su dance latino. Luego de un año de mantenerse bajo los reflectores con su carrera en ascenso, la artista de 23 años muestra un adelanto más de su próximo EP.

Tras el lanzamiento de su material Fantasies y el sencillo "Éxtasis", ahora la cantautora oriunda de Houston mezcla el inglés y español en “Luna de Miel”, un tema que retoma los sonidos del R&B y pop para brindar un ritmo tan bailable como fiestero. 

Realizado en colaboración con el productor RØMANS y estrenado a través del sello discográfico Chosen People/AWAL, la intérprete de “No Vuelvas a Mirar Atrás” presenta en su más reciente single una lírica en la que explora la fase de enamoramiento que uno espera que jamás se extinga.

Una canción romántica desesperada que habla sobre anhelar la fase de luna de miel todos los días y nunca dejar que la luz del amor se desvanezca”, declaró Alaina Castillo en un comunicado.

La cantautora estrenó simultáneamente el videoclip de la melodía, filmado en Ciudad de México bajo la visión de su director creativo Milkman y dirigido por Narsés, en el que Alaina Castillo destaca como una estrella de pop que sobresale ante los visuales, mientras ejecuta coreografías intensas junto a su cuarteto de bailarinas. ¡Échale un ojo al video de “Luna de Miel”!