La revelación de lo posible #CumbreTajín

El cielo lució nublado, como si el clima supiera que la magia de Cumbre Tajín 2014 estaba por extinguirse. En medio de ese escenario Koji Kakinuma, ayudado por otras tres personas, acomodaba tres grandes tapetes rojos en la explanada principal del Parque Takilhsukut.

Alrededor de las alfombras comenzó a acumularse la gente que esperaba curiosa a que dieran las cinco para descubrir el arte del japonés. Cada vez que parecía que el escenario estaba el listo, el nipón hacía una corrección y reiniciaba el proceso: se volvían a acomodar las alfombras y los tres pedazos

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de tela que fungirían como lienzo. Y así a base de repeticiones, el público fue testigo de la personalidad perfeccionista del artista.

El tiempo transcurrió por lo que ya era hora de que los voladores de Papantla utilizaran la explanada por lo que el happening tuvo que ser retrasado. Minutos después, el artista de la caligrafía, que vestía un pantalón blanco y estaba peinado con media cola, estaba listo.

El evento que fue inaugurado por el Embajador de Japón, quien explicó que en su país la caligrafía es una actividad que une generaciones, e inició con la bendición del espacio por parte de uno de los abuelos totonacos.

Tas la larga espera, el público fue testigo de cómo Kakinuma armaba su pesado pincel de más de 5 kilogramos para después comenzar a trazar en las telas con su pintura negra. Sus movimientos fueron rápidos e implicaron un gran esfuerzo, por lo que emitía sonidos graves.

Una vez que acabó develó el significado del kanji: “posibilidad”, palabra elegida debido a que “La Revelación de lo posible” fue el lema del festival. La gente aplaudió, aunque por sus reacciones quedó claro que les impactó más el tamaño del pincel que el resultado logrado.

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Cumbre Tajín día 5: Una gran banda para un gran cierre

Inició una nueva semana y muchos de los visitantes de la Cumbre Tajín, volvieron a casa, eran pocos los que se paseaban por el parque Takilhsukut y todo apuntaba a que el Nicho de la Música no sería muy concurrido. No obstante, una singular mezcla de ritmos fue lo que caracterizó esta presentación en la que se bailó cumbia, se escucharon temas románticos y grandes leyendas hicieron de la clausura uno de los momentos momentos más memorables en la historia de este festival.

El gran cierre dio inicio con Soflama, banda originaria de Xalapa que mezcla varios ritmos y da como resultado una alegre electro cumbia. A pesar que la plancha estaba casi vacía, la banda tocó enérgicamente y, como ellos dicen, “cumbió el mundo” de los presentes.

Su repertorio estuvo lleno de temas guapachosos con los que encendieron los motores hasta la aparición de los Romanticos de Zacatecas, quienes derramaron buena vibra y complacieron a sus fans con temas como “Un beso nada más” y “En esta melodía”, aunque se percibía que la mayoría de los espectadores no estaba familiarizado con sus canciones.

Enseguida fue el turno de Jenny and the Mexicats, cuya insípida presentación fue rescatada por Jenny, quien con su sensualidad enamoró al público. Se acercaba el espectáculo de una de las agrupaciones más importantes de la música romántica latinoamericana y cada vez más personas llegaban para disfrutar del concierto magistral de Los Ángeles Negros y su prodigiosos músicos que perfectamente transmitieron la alegría y el desamor de sus afamados temas.

Con un “estamos muy contentos de estar en un festival tan mágico”, la banda agradeció al público mexicano por todo el cariño entregado durante tantos años y se mostró muy contenta y sorprendida al ver que la mayoría del público era gente joven que conocía sus emblemáticos temas. Con la promesa de regresar a la Cumbre Tajín, los chilenos se despidieron con “Y volveré”, erizando la piel de todos los asistentes que cantaban a todo pulmón.

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pantallas se encendieron para hacer una remembranza de la historia de una de las bandas más importantes de México; las percusiones y la tuba comenzaron a sonar y la agrupación más grande todas se apoderó del escenario. La gente se olvidó de la lluvia y bailó sin parar al ritmo de El Recodo con temas como “La mejor de todas” y “Te presumo” que hicieron suspirar a todas las mujeres.

La alegría que se respiraba en el recinto era espectacular gracias a que la banda habló e interactuó con su público de manera única, hecho que logra que sus seguidores los sientan muy cercanos gracias a que siempre les muestran su aprecio y agradecimiento por haberlos hecho crecer y continuar vigentes durante tantos años.

Los temas más cantados fueron “Acábame de matar” , “Acá entre nos” y “Pena tras pena”. De pronto, todos encontraron una pareja con quien ponerse a bailar los deliciosos ritmos de la banda y disfrutar de una espectacular noche. Por fin llegó el turno de “Y llegaste tú” y otros éxitos que hicieron que gente disfrutara al máximo el cierre con broche de oro de la celebración del XV aniversario de Cumbre Tajín.

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Las raíces de Ana Tijoux

Hace apenas unos días tuvimos la oportunidad de escuchar Vengo, el nuevo material de la cantante y compositora franco-chilena Ana Tijoux, quien en entrevista para Indie Rocks!, habló acerca del proceso de creación, así como el factor clave que influyó en ella para decidir adoptar el camino de la música.

Por un tiempo los padres de Ana se instalaron en Francia, exiliados debido al golpe militar de 1973 durante la dictadura de Augusto Pinochet. Años más tarde, Tijoux visitó la tierra natal de sus padres, Chile, y posteriormente se instaló en ella: "Claro que ese factor influye en mi música, es consecuencia de la educación, valores, experiencias de vida que marcaron a mi familia con toda esta situación…", comentó la cantante, quien también expresó la distinción entre una Francia colonizadora a un Chile conquistado por su propio gobierno.

Ambas fusiones de países, junto con la música marroquí, tunisia, y otras diversas partes del oriente, fueron retomados para plasmarlos y fusionarlos con los sonidos andinos chilenos: “siempre es bueno retomar las raíces, darlas a conocer, expanderlas”. Todo esto, dio como fruto su cuarto álbum de estudio Vengo, cuya producción estuvo en colaboración con Andrés Celis, mismo que al lado de DJ Dacel, Max Reyes y Miguel Barriga, forman parte de la banda acompañante en las presentaciones de Ana: “Andrés me ayudó mucho en términos musicales, los arreglos, sonidos… fue un gran apoyo, gracias a él todo esto fue posible”, aseguró.

De igual forma, hubo aportaciones de artistas como Shadia Mansour, MC Hordatoj, Juanito Ayala, MC Niel y RR Burning. Sus participaciones fueron imperiosas formaron en el disco: “cada músico apoyó con algo de sí, desde la música hasta la letra, las canciones fueron su creación, mi contribución únicamente fue en algunos detalles, arreglos, pero al final es un trabajo en conjunto”.

“Una vez leí un libro, que hablaba de nuestro planeta, decía que las películas, en su mayoría Hollywoodenses, trataban del fin del mundo, una tierra devastada por desastres naturales, por las guerras, pero jamás mostraban toda esa mediatización; no revelaban cómo la tecnología y modernidad afectaban la vida a grandes escalas; todo esto me pareció revelador así que decidí escribir sobre ello”, recordó. El autor de dicha obra es Marshall Berman, filósofo neoyorkino del cual retomó el título para nombrar así una de las canciones del álbum.

Últimamente la situación de inseguridad que se vive en el país ha resaltad a la vista, las injusticias e impunidad cotidiana, así como las denuncias olvidadas, la opresión y omisión de los hechos por parte del gobierno, que incrementa cada día más. Esto no sólo sucede aquí, muchos países sufren desigualdad, viven bajo un régimen del crimen organizado.

Ante esta situación, la chilena expresa su preocupación por estas situaciones que aquejan al mundo, específicamente en México: “no me imagino el dolor de que te asesinen un familiar, es terrible todo esto, yo veo a México como una entidad gobernada por corruptos, con una increíble ola de violencia, sin duda existen grupos como los Zapatistas quienes se revelan, buscan mejorar la situación y yo de verdad que los admiro”, expresó Tijoux.

Si bien dice que la música rompe barreras, para Ana lo más importante es darse a conocer, que más personas escuchen lo que ella viene a decir: “¡me encantaría que logre el impacto necesario en América Latina y el mundo! Lo que busco es poder tocar en todo tipo de escenarios y tener esa maravillosa experiencia compartir con todos la magia del cantar y rimar, eso es lo que cuenta”.

La difusión para Vengo continuará por América Latina y posiblemente Europa. La varias veces nominada al Grammy por el tema “1977”, busca esparcirlo, no únicamente en contenido, sino para mover mentes y corazones. Ana Tijoux viene para que todos bailen y canten al unísono con ella, expresó.

Noches de Jazz en el Museo Tamayo

Este 2014 se cumplen 10 años de Noches de Jazz en el Museo Tamayo, cuya nueva temporada comenzará el 26  de marzo con Pablo Reyes & the Global 3 dentro del marco de la noche de museos

La programación para el décimo aniversario corrió a cargo del equipo del Museo Tamayo  en colaboración con Oscar Adad, cuya propuesta se enfoca en introducir diversos géneros del jazz, desde lo clásico hasta lo más arriesgado y contemporáneo, al público y que en esta ocasión contará con la presencia de Alex Kautz/Brazillian Collective Trio, Chocolate Smoke Gang, Nur Slim, Dora Juárez, Pablo Reyes & The Global 3, Alex Mercado, Jakob Bro, Miguel Alzerreka Cuarteto y la banda No Soy.

Las Noches de Jazz se acompañan con una visita guiada por las exposiciones y una copa de vino en la terraza del Restaurante Tamayo. Las visitas comienzan a partir de las 18:30 horas y el concierto a las 20:00 horas.

Para informes y reservaciones en el Departamento de Educación del Museo Tamayo: 5286 6519 / 29 ext. 129 ó al correo educacion@museotamayo.org.

Costos:

  • Credencial de estudiante, profesor o tercera edad $150
  • Abono de 5 conciertos $600
  • Abono de 10 conciertos $1000

Federico Albanese: Un parque de diversas emociones

Las primeras melodías empezaron a sonar hace aproximadamente unos 50 mil años con el nacimiento del ser humano. La música ha abarcado todo tipo de sociedades y épocas, no se limita y sigue evolucionando, encontrando nuevos ritmos y fusiones que generan sensaciones sobrenaturales en cada nota interpretada.

Federico Albanese, compositor italiano de música contemporánea, nos sumerge en ese mundo de fantasías con su álbum debut, The Houseboat and the Moon, que, de forma plausible, convierte la música clásica en dinámicas graduaciones con la intensidad del sonido perfectamente establecidas.

Con “Beyond the Milk Wood” empieza la travesía hacia lugares lejanos del ruido y del smog. Notas minuciosamente determinadas a la inocencia como “Discloure” o en la que pareciera que el piano de Federico es la puerta al erotismo y pasión, “Queen and Wonder”, además del dinamismo en ritmo con “Double Vision”.

La nostalgia no falta en este material y se hace presente en “Carousel 3” y “Carousel 1”, perfectas para ese momento personal. “Kato”, por su parte, se amarra a la timidez, a la unión de dos seres diferentes llevándolo a “Lichtung”, la parte sentimental que falta para que el romanticismo brote a flor de piel con “Reside You”.

Y es así como la búsqueda de emociones encontradas suenan a través de “Secret Room”, sin necesidad de que las letras expresen lo que queremos saber, tomando un respiro profundo con “The Sudden Sympahty”, tal vez la canción más fría del disco pero que acompaña una trágica historia detrás de “Sphere”, que poco a poco te lleva a la paz deseada, a ese final feliz que retumba en los dedos de Albanese con su última canción, “Space in Between”.

Suavemente termina este material con 13 temas que te transitan en un río de sentimientos perdidos por el humano mismo. Pieza tras pieza, expresa perfectamente que pensar y que decir, llevándote a la paz que tanto buscas.

Guadalupe Plata: Lo íntimo y caótico del blues

Una cerveza en el bar acompañado de unos amigos y el interesante sonido de música blues en el fondo: ruidos poco convencionales y sucios con letras españolas aderezando el momento; eso sería el escenario perfecto para escuchar el original y siempre inesperado sonido de Guadalupe Plata, agrupación de la provincia de Jaén con un nombre muy mexicano que vino a conquistar tierras aztecas con sus particulares melodías.

Con influencias varias tomadas de géneros como el blues, la psicodelia, rock and roll, rockabilly y principalmente grupos de los 60 como Triana y Pata NegraGuadalupe Plata se conformó como un trío integrado por Pedro de Dios (guitarra y voz), Carlos Jimena (batería) y Paco Luis Martos (bajo), quienes iniciaron en pequeños bares como La Tetera y otros lugares cercanos.

La cosa fue poco a poco, como una bola de nieve que va bajando y bajando hasta que se hace más grande, tanto que ahora me tienes aquí, en México. En la vida pensé poder llegar hasta este punto pero aquí estoy”, dijo Pedro de Dios en entrevista para Indie Rocks!

En sus inicios, la agrupación se acostumbró a escenarios íntimos en los que veían la reacción del público ante su estilo característico de blues vivo y espontáneo; sin embargo, con el éxito han llegado las oportunidades de pisar distintos festivales y presentarse ante audiencias más grandes y diversas.

“Alucinas con el poder que te puede dar una guitarra, cuando enchufas, tocas y ves que aquello traspasa el sonido. Donde nos sentimos mejor siempre es en el bar, un lugar pequeño en el que la música puede llegar de otra manera. En el festival disfrutas la música porque es música, pero no es igual la interacción”, comentó Pedro. 

Recientemente, la banda visitó Austin, Texas, para grabar algunas canciones con Walter Daniels, armonicista americano con el que ya habían trabajado e incluso salido de gira. Su más reciente trabajo musical incluye 13 de las 15 melodías creadas, fruto de un exhaustivo proceso creativo que para la banda significó una especie de experimento en el estudio.

“¡1,2,3 y a tocar!” dijo Pedro entre risas, “no hay nada establecido ni partituras. Es mucho más caótico, en el momento uno lleva el punto base y a partir de ahí, lo que vaya.”, seguido de Carlos, quien comentó “Creo que no se puede estructurar demasiado el blues, es una cosa que surge al interior. Al fin y al cabo las canciones nunca son cerradas ni definitivas”.

Guadalupe Plata se presentó recientemente en México y nos visitará nuevamente para el Vive Latino tras el éxito y el interés del público que, según la agrupación, son muy similares a sus seguidores en España.

“Son gente muy pasional. Tenemos y vivimos las cosas en una manera muy parecida, por eso no es extraño que podamos averiguar como va a reaccionar el publico mexicano, agregó Carlos.

Sigue la transmisión del Vive Latino 2014 a través de coca-cola.tv#ViveCocaTV

Los Esquizitos estrenan EP

La disquera independiente Sourpop presenta el nuevo EP de Los Esquizitos, el cual pueden escuchar aquí abajo por tiempo limitado ya que sólo será editado en un vinilo de colección además de que estará disponible para su descarga digital para 300 fans.

El arte fue realizado por Jerónimo López Ramírez, mejor conocido como el Dr. Lakra, y estará disponible para el próximo Record Store Day, así es que estén muy pendientes.

La piedra más brillante, la que todas las chicas quieren: Diamante Eléctrico

Con la intención de hacer canciones sin ninguna pretensión comercial nació Diamante Eléctrico, unión los reconocidos músicos colombianos Daniel Álvarez, guitarrista; Andee Zera, baterista; y Juan Galeano, cantautor y contrabajista. Antes de formar el grupo tenían proyectos individuales que no resultaron, pero como un diamante al que sólo faltaba pulirse, alcanzaron popularidad en su país en menos de dos años. Indie Rocks! tuvo oportunidad de platicar con Juan Galeano para saber más acerca de la banda, su primer disco y su próxima visita a México para el festival Vive Latino.

Diamante Eléctrico arrancó bastante bien, el año pasado ganamos un premio por mejor banda de rock en la revista más importante de nuestro país, Shock, y hemos tocado en los festivales más grandes de Colombia, lo cual nos ha dado la fuerza para seguir adelante” dijo Juan. Desde el principio, la agrupación fue bien recibida por el público, tanto que su álbum debut fue financiado gracias a la ayuda de sus fans a través de una plataforma digital de fondeo.

“Fuimos la primera banda colombiana que a través de una plataforma en internet recaudó 5 mil dólares para el lanzamiento de su disco. A la fecha, me han hablado cinco bandas y al manager otras diez preguntando cómo le hicimos” comentó el cantautor. El álbum no fue grabado digitalmente, sino de manera análoga para obtener un sonido más crudo y natural, como el rock de la vieja escuela. Fue producido por el mismo Galeano y mezclado por Andrija Tokic en Nashville, quien quien ha trabajado con Alabama Shakes y Jack WhiteDiamante Eléctrico es la fusión entre el blues, rock y punk; sus influencias van desde The Kinks, Led Zeppelin The White Stripes hasta bandas de rock mexicanas como Caifanes y Fobia.

La desesperanza es el tema en el que giran las diez canciones del álbum, únicamente “Del Corazón” es una balada que habla de amor; en general, soon pistas subjetivas abiertas a diferentes interpretaciones. Hasta el momento cuentan con seis videoclips pero tienen planeado hacer uno por cada canción del disco: “La mayoría de las personas que escuchen a Diamante no será por la radio sino por internet y sería muy chévere que encontrarán además de la parte la visual de la banda. Para nosotros es sumamente importante no solamente como nos vemos en los conciertos y fotos, sino en los videos y lo que queremos decir a través de ellos, ya que la gente no sólo quiere escuchar música sino también verla” explicó el artista.

Diamante Eléctrico tocará en el Vive Latino este año y dará dos posibles conciertos en el D.F. durante julio y octubre mientras que en agosto entraran otra vez al estudio a grabar un nuevo disco. En Colombia la escena musical no sólo es pop o música latina, también se hace rock de buena calidad y la banda quiere hacerlo llegar a oídos de más personas. “Creemos que tenemos la fuerza para llegar a ser esa banda que lleve al rock and roll colombiano muy lejos” concluyó Juan Galeano.