Courtney Love dice que Taylor Swift “No es importante”

En una entrevista con The Standard, Courtney Love compartió sus ideas sobre varias mujeres en la industria musical y expresó que Taylor Swift “No es importante” ni “…interesante como artista”.

Courtney Love ha transitado su carrera artística a través de distintas polémicas, sobretodo es reconocida por su contribución a la escena grunge de los 90. Actualmente, la música fundadora de Hole se encuentra a punto de estrenar una radioserie para la BBC 6 Radio Music en el Reino Unido, titulada Courtney Love’s Women, donde Love reflexionará en torno a distintas mujeres en la música que han sido influencia a lo largo de su trayectoria.

Como parte de la promoción para esta serie de ocho partes, Courtney Love tuvo una entrevista con el medio inglés The Standard donde expresó su descontento con la propuesta musical de reconocidas mujeres en la escena actual como Taylor Swift, Lana Del Rey y Beyoncé. Sobre Swift, Love reconoció la magnitud de su fama comparándola con Madonna, pero declaró que “Taylor no es importante” y que a pesar de “Ser un espacio seguro para las niñas…no es interesante como artista”.

En la entrevista, Love también expresa admiración por la música de artistas como Patti Smith, Nina Simone y PJ Harvey, incluso reconoce la influencia que la música de Lana Del Rey ha tenido en su propio proceso creativo, incluso si recientemente se ha sentido cansada de su música. A pesar de sus duros comentarios acerca de Taylor Swift, Courtney Love trata de abrir la discusión en torno al machismo que domina espacios de la industria musical y Hollywood, como el Rock & Roll Hall of Fame y la revista Rolling Stone.

Hollywood es como el resto de la industria musical: dirigido por hombres. Así que no acepté eso. Dije, 'que se jodan'. Productores, críticos, músicos, todos hombres… las mujeres aún están marginalizadas en la industria, a pesar de que son más exitosas”, expresó Courtney Love sobre el machismo en la industria musical.

A pesar de las declaraciones de Courtney Love, es innegable el éxito de Taylor Swift y el talento que la llevó a ser la primer mujer en ganar cuatro Grammys por mejor álbum. Por su parte, Love está terminando de editar su próximo álbum como solista y también está por terminar una publicación autobiográfica que se titulará The Girl With The Most Cake, donde escribió acerca de su infancia y del tiempo que pasó con Kurt Cobain.

Únete al IG Live de IR! con Yoshi

Un encuentro íntimo con el músico en su live con Indie Rocks! 

Este miércoles 17 de abril a las 14:00 H, prepárate para sumergirte en el universo musical de Yoshi. ¿Dónde? En un live en la cuenta de Indie Rocks! en Instagram.

Pero Yoshi tiene una agenda llena, ya que no solo nos cautivará con su música a través de la pantalla de nuestro teléfono, sino que también estará presente en el House of Vans, donde ofrecerá un concierto el 19 de abril y al día siguiente impartirá una master class que promete ser inspiradora y enriquecedora para todos los amantes de la música. 

Yoshi Master Class

La emoción de saber qué historias y experiencias nos compartirá Yoshi en este live es grande. En este encuentro conducido por María Letona, podemos esperar sumergirnos en un océano de emociones mientras Yoshi nos lleva por un viaje a través de su carrera, sus inspiraciones y sus momentos más memorables e icónicos. 

Este live tiene el potencial de sorprendernos y conmovernos de formas que ni siquiera imaginamos. 

Marca tu calendario, activa las notificaciones y únete a este encuentro virtual con uno de los músicos más destacados del momento.  

Sús, folklore, electrónica y experimentación

Sús, una amalgama única de pop, folklore, electrónica y experimentación introspectiva.

Sús, artista de origen portugués radicada en Copenhague, emerge en la escena musical con su propuesta solista, en el que entrelaza una fusión única de pop, folklore, electrónica y experimentación.

Su obra, una introspección de ciclos, relaciones, y transiciones, se presenta como un viaje hacia la vulnerabilidad y la búsqueda de luz en la oscuridad. Su música, una invitación a explorar sin miedo lo desconocido, nos promete un encuentro con nuestras propias cicatrices y duelos en Entre, que será su álbum debut.

Sús 2024

A la espera de Entre, Sús nos ha dado con sus tres sencillos hasta ahora, "Além do tempo", "Cicatriz", y "Primavera Deserta", una clara señal de lo que está por venir. Este viaje musical promete ser una exploración profunda de emociones, sonidos y narrativas que desdibujan las fronteras del arte y la música.

no puedo dominar / Este estado de ansiedad / La prisa por llegar / Para no llegar tarde", canta Sús, en un llamado a la reflexión sobre nuestras propias luchas internas y la soledad que a menudo las acompaña.

"Além do tempo”, el más reciente sencillo, nos sumerge en una experiencia introspectiva y vanguardista. Sús confiesa, con una honestidad cruda, su lucha contra la ansiedad y la prisa, en una canción que se destaca por su abstracto marco de referencias y su experimentación sonora.

La producción de "Além do tempo", a cargo de Sús, con la colaboración de Alejandra Luciani en la mezcla y Clara Araújo en la masterización, refleja un meticuloso cuidado por el detalle y una rica paleta sonora que complementa perfectamente su poética letra.

Este sencillo no solo revela la capacidad de Sús para fusionar géneros y sonidos, sino que también nos permite entender la profundidad de sus reflexiones sobre la soledad, el tiempo, y la búsqueda de un sentido de pertenencia.

Con influencias que recuerdan a grandes de la música como Björk y Thom Yorke, "Além do tempo" es un testimonio de la habilidad de Sús para situarse a la vanguardia de la experimentación musical, ofreciendo una experiencia inigualable que desafía nuestras percepciones y nos invita a redescubrir el mundo a través de sus ojos.

Puedes escuchar a Sús en todas plataformas digitales como SpotifyAmazon Music.

Nuevos discos abril 2024

Éxitos para disfrutar la vida. ¡Dale play a la selección editorial de esta semana!

“Un debut que demuestra que en Reino Unido no solo llueve agua, sino que estrellas también”.  

English Teacher

English Teacher This Could Be Texas

Por Manuel Portillo 

  • Label: An Island Records
  • Tracks destacados: “The World’s Biggest Paving Slab”, “I'm Not Crying, You’re Crying”

"Ensoñaciones soul, jazz y soft sound para desaparecer".

Baby Rose

Baby Rose, BADBADNOTGOOD Slow Burn

Por Blues Araiza 

  • Label: Secretly Canadian
  • Tracks destacados: “Slow Burn” / “Weekness”

“Mucho sad pop para hablar del rechazo y la nostalgia”.

Hologramma

HOLOGRAMMA Mundos Rotos 

Por Ana Rodríguez 

  • Label: Montebello
  • Tracks destacados: “Cuando tú me abrazas” // “Laura Palmer”

“Después del éxito del álbum Let 's Start Here, Lil Yachty introduce al colectivo Concrete Boys”.

Lil Yachty : Concrete Boys

Lil Yachty / Concrete Boys It’s Us Vol.1

Por Faboos Ramírez

  • Label: Quality Control Music
  • Tracks destacados: "WHERE YO DADDY”  // "HIT DIFF”

 

 

 

Weyes Blood revela el nuevo video de “Andromeda”

Una obra visual en su quinto aniversario.

Este mes, Weyes Blood celebra el quinto aniversario de su álbum de 2019, Titanic Rising, con un regalo especial para sus seguidores: el lanzamiento de un nuevo video musical para "Andromeda", una de las canciones más queridas del disco y una de las más icónicas de su repertorio hasta la fecha. 

Dirigido por Weyes Blood, Ambar Navarro y Colton Stock, este visual transporta a los espectadores a una experiencia casi mística, donde la artista se presenta en múltiples dimensiones: como astronauta y como una misteriosa alienígena que cabalga sobre un meteorito. Filmado parcialmente en 2018 pero finalmente revelado en su totalidad en 2024, este video ha sido una joya perdida del archivo de Weyes Blood, esperando su momento para brillar. 

Además de este lanzamiento, Weyes Blood continúa dejando su huella en la industria musical. Con su álbum más reciente, And In The Darkness, Hearts Aglow, se demuestra una vez más la capacidad para evolucionar y desafiar los límites del género alternativo. 

El legado de Titanic Rising perdura, evidenciando la habilidad única de Weyes Blood para crear música que invita a la reflexión y trasciende el tiempo. Con el lanzamiento del video de "Andromeda" en su quinto aniversario, la artista no solo celebra su pasado, sino que también abre nuevas puertas hacia futuras exploraciones musicales y visuales.  

Weyes Blood sigue siendo una estrella brillante, guiando a los oyentes a través de viajes sonoros que desafían tanto el tiempo como el espacio, y dejando una marca indeleble en el panorama musical contemporáneo. 

James McCartney colabora con Sean Ono Lennon en “Primrose Hill”

James McCartney estrena “Primrose Hill” en conjunto con Sean Ono Lennon, hijo de John Lennon. El dueto es parte del regreso a la música del hijo de Paul McCartney.

Aunque es difícil continuar el legado musical de The Beatles, James McCartney y Sean Ono Lennon –hijos de Paul McCartney y John Lennon respectivamente– han logrado mantener una carrera creativa muy fructífera. Ambos músicos ingleses retoman sus condiciones comunes y su unión familiar por la música para compartir “Primrose Hill”, el más reciente sencillo de  McCartney. El track continúa el regreso a la escena musical para James McCartney, que desde 2016 se mantuvo en espera de estrenar nuevo material hasta la aparición de “Beautiful” hace un par de meses. Por su parte, Sean Ono Lennon viene de lanzar su más reciente álbum, Asterisms.

“Primrose Hill” es una balada de pop rock que está sostenida en el talento natural que James McCartney y Sean Lennon tienen como compositores. Donde las voces de los artistas suenan a dueto sobre una serie melódica suave que se complementa con armonías que elevan el track a espacios familiares. Si bien es inevitable que la canción nos recuerde al trabajo de sus padres, al mismo tiempo logran que su propuesta sonora se mantenga única y forme una experiencia auditiva distintiva.

Tuve una visión donde era un niño en Escocia, en lo que era un hermoso día de verano. ‘Primrose Hill’ es sobre ponerme en marcha conmigo mismo”, compartió James McCartney sobre la inspiración para “Primrose Hill”.

El motivo floral y onírico de “Primrose Hill” ya está disponible. Aquí te compartimos lo nuevo de James McCartney y de Sean Ono Lennon para que te sumerjas en el legado musical directo que una de las bandas más grandes de la música moderna ha otorgado.

PREMIERE: No Existo estrena “El Futuro”

Una distención del tiempo se posa a lo largo del nuevo material de No Existo.

En ocasiones, la música no solo significa, sino que delinea una trayectoria o incluso un espacio. Con este principio en mente, el músico tapatío Oby ha hecho de su proyecto musical, No Existo, un espacio de expresión diverso y cambiante que lo acompaña no solo como músico sino como un auténtico viajero musical. No Existo es un proyecto muy personal que está repleto de diferentes texturas y propuestas que deambulan entre el ambient y kraut electrónico mezclado con sonoridades del paisaje mexicano, la música popular nacional y la firmeza acústica que se presenta en su propuesta musical.

No Existo está preparándose para el lanzamiento de su siguiente álbum de estudio, y compartió en exclusiva para Indie Rocks! su primer sencillo, “El Futuro”. Este track toma ciertas ideas ya establecidas dentro del género del post punk y las reapropia como un impulso proyectivo que lo empuja hacia nuevas posibilidades sonoras, donde la audición se revela tan importante como la creación musical.

El sonido de “El Futuro” oscila entre las voces hundidas en reverb de Oby, y una serie de melodías que envuelven en notas de sintetizador una serie de texturas que enriquecen la propuesta del track. El nuevo sencillo también cuenta con la participación de la cantante siria Samah Abdulhamid y además llega acompañado de un videoclip dirigido por Karen Navarro, quien ha colaborado en distintas canciones del anterior álbum de No Existo, Laberinto. En las imágenes de este nuevo videoclip, un viaje en carretera se convierte en un motivo que traslada la experiencia interior de escucha hacia un paisaje diverso que intercala entre la luminosidad del día y la noche además de combinar elementos naturales y urbanos.

No te pierdas la oportunidad de escuchar una propuesta fresca e innovadora en lo nuevo de No Existo. Acá te compartimos el sencillo, “El Futuro”, en anticipación del segundo álbum de estudio del proyecto de Oby, Perdido en la Noche.

Damon Albarn se enoja con el público de Coachella 

Una presentación que cambió el rumbo de la agrupación ante el público

Durante el segundo día del emblemático Festival Coachella, Blur ofreció una presentación que abarcó temas indispensables de toda su carrera, un set bastante amplio y con éxitos que han sido parte de nuestras vidas. Con 13 canciones dentro de su setlist, se escucharon clásicos como “Beetlebum” y “Tender”, y algunas canciones de su más reciente álbum, The Ballad of Darren, como “St. Charles Square”, “The Narcissist” y “Goodbye Albert” y, sin duda, no podría faltar “Girls & Boys”. 

Pero para muchos asistentes esto no fue tan emocionante, mucho menos para Damon Albarn, vocalista de la agrupación, pues se mostró inconforme por la falta de emoción ante la interpretación del hit. 

Ante esta actitud, el cantante reaccionó de una manera inconforme e incluso hizo un comentario que nos sacó fuera de cuadro.

Nunca nos volverán a ver, así que es mejor que la canten, ¿saben lo que estoy diciendo?", declaró Damon.

Por otro lado, durante la interpretación de “Song 2”, la audiencia se mostró muy diferente, siendo una canción aclamada e interpretada de manera distinta al sencillo pasado, pero de igual forma, el vocalista de la agrupación hizo un comentario ante este hecho. 

Esta canción ha sido muy buena para nosotros. Pero me mostraron un TikTok en el que lo tocaba una aspiradora, ya sabes…. Es humillante e inspirador al mismo tiempo”.

Finalmente tuvieron una grata mención a Paraguay y Argentina, mostrando su amor hacia el público de estos países. 

 

Entrevista con Abhir Hathi

Identidad y herencia multirracial, detonantes de la evolución musical en BROWN BOY.

Platicamos con el rapero indo-canario Abhir Hathi de cara al concierto donde presentará en directo su nuevo disco BROWN BOY, el próximo 4 de mayo en Foro Puebla de la CDMX.

Durante la charla Abhir compartió a Indie Rocks! sus impresiones sobre las expectativas de su regreso a territorio mexicano, las motivaciones personales que lo llevaron a reconectar con su herencia e identidad multirracial y sobre como inyectó este proceso a la sustancia creativa de este material discográfico.

La capital mexicana no es territorio desconocido para el canario, puesto que en 2022 su presentación en el Foro Indie Rocks! fue uno de los primeros shows post pandemia que se lograron concretar sin algún tipo de restricción; logrando vivir en plena conexión con el público mexa una noche sin limitantes.

Aquella primera vez canté para 300 personas a miles de kilómetros de casa ꟷdespués de una gira pequeñita en Españaꟷ fue de las cosas más surreales que había vivido. Volver a México para presentar un disco totalmente opuesto me hace más ilusión porque la nueva música que voy a presentar representa más quién soy."

En esta ocasión, Abhir Hathi vuelve a México para embestir con su Elefantes Cabalgando Tour donde presentará en concierto el recién editado BROWN BOY (2023, Step Family & Dale Play Records).

Material que fue construido luego de que Abhir transitara por un proceso de autorreconocimiento personal que lo llevó a abrazar su identidad multirracial. Proceso que significó encontrarse consigo mismo para entrelazar su origen indio con su nacimiento/crianza en Islas Canarias; acercándolo a su actual desarrollo individual y artístico que lo ha llevado a crecer exponencialmente en España.

Compartiendo con sinceridad a IR! que vivió momentos de bastante desconsuelo, de ahí que existan temas tristes y manifiestos fuertes durante BROWN BOY. Puesto que, alcanzó un paso más cercano a la adultez y el disco le permitió hacer de ese proceso algo más bello.

Ante el escenario de presentar un álbum conceptual donde se expone la faceta más personal y experimental de Abhir en tiempos en donde la industria musical apuesta por vender productos fugaces de fácil consumo, el indo-canario no dio un paso atrás frente a las expectativas del éxito de un disco.

"Acordé con Saint Lowe (el productor principal del disco) que teníamos que gestionar nuestras expectativas. Estas influyen en lo que se produce-edita-consume y no en lo que siente el artista. Hice un proyecto y un momento para mí, porque sentí que había dedicado mucho tiempo a complacer a los demás con mi arte", enfatizó Abhir.

Quería un álbum que a mí me gustara comunicar y escuchar. No buscaba estar en la matriz de las playlist o los números en redes. Sino a dejar constancia del momento en que me encuentro. Me debía lograr un disco como BROWN BOY".

Al respecto sobre la apertura del publico mexa con BROWN BOY el rapero indo-canario logra percibir que la respuesta ha sido positiva pese a las referencias culturales tan distantes.

"Este disco tiene más facetas en lo experimental, creo que llevar eso hasta México tiene un poquito más de mérito. Porque mi cambio ha sido radical. En mi primera visita les vi cantar letras específicas donde aludo a la cultura canaria y ahora les veo preguntando, cantando y compartiendo sobre la cultura india y es maravilloso que gracias al internet gente como yo pueda ir a trabajar a otro país".

A nivel producción Abhir hizo dupla con el productor Saint Lowe, quien acompañó en todo momento la directriz estética musical del álbum. "Saint Lowe no venia con un estatus que mantener o con la idea de ganar premios. Antes de encontrar una formula fue un proyecto basado en el ensayo y error porque fallamos mil veces en cada canción".

El día que hicimos un track como 'GO GETTER' en octubre de 2022 supe que había encontrado una antorcha para mi camino. Me enamoré de la idea de hacer algo industrial que mezclara cosas futuristas con música tradicional india. A nivel instrumental fue vital para hacer una línea sonora".

Haciendo más valioso el entendimiento de dos mentes en complicidad durante el trabajo de estudio que, sin la pretensión por descubrir el hilo negro, obtuvieron un disco que no necesita de etiquetas ni empaques. Únicamente estamos de frente a un artista con un álbum donde habitan diferentes momentos de introspección bajo una propuesta sonora inclasificable que invita a detenerse y verte a ti mismx, descubrirte o cuestionarte a nivel social, racial, cultural (sí así lo decides tú).

"Ponerle una etiqueta sería restarle otra. Es un disco sobre la historia de un pibe y ya", concluyó Abhir.

No olvides que ya puedes comprar tus boletos para el show en CDMX del Elefantes Cabalgando Tour de Abhir Hathi aquí.

Abhir

 

 

O U O: Un proyecto personal de autenticidad

Fernanda Sandoval y O U O: Una fusión de synth pop, autodescubrimiento y DIY.

O U O, el proyecto de la artista multidisciplinaria Fernanda Sandoval, mezcla poesía, música y arte visual. Con un enfoque DIY (do-it-yourself o hazlo tu mismo) desde su concepción hasta su ejecución, O U O más que un proyecto musical; es un viaje personal de autodescubrimiento y expresión.

Fernanda Sandoval, quien comenzó su carrera en la música durante su adolescencia como cantante de una banda de rock, ha recorrido un largo camino desde sus días abriendo conciertos para artistas como los Amigos Invisibles en el EXPOTEC 2014. Tras la disolución de su banda inicial, Fernanda se sumergió en el mundo de la poesía, el arte contemporáneo y el cine, solo para regresar a la música con una visión renovada y una propuesta fresca de synth pop.

U O U Radio5fm

O U O, descrito por Fernanda como un “poeta, mitad máquina, autómata y mago del tiempo”, es un proyecto que nace de la autodidacta dedicación de Sandoval, quien escribe, compone, produce y mezcla su música. Este enfoque DIY resuena profundamente en la filosofía de O U O: la música es accesible a todos y todos tienen la capacidad de crear.

Con dos sencillos ya lanzados, “Televisión americana” y “Radio 5FM”, ambos acompañados de videoclips en su canal de YouTube, O U O se está preparando para lanzar su álbum debut Pop en tu cuarto este 2024.

Radio 5FM", descrito como la canción feliz del álbum, no solo marca un avance más en la carrera de Fernanda, sino que también sirve como un testimonio personal de su lucha contra la depresión. Es una celebración de la resiliencia personal y el poder curativo de la música.

Con una premisa nuclear de inclusividad y accesibilidad musical, Fernanda Sandoval invita a todos a explorar el universo sonoro de O U O, ofreciendo no solo música, sino también un espacio para la conexión emocional y el entendimiento mutuo.

Puedes escuchar las canciones de U O U en bandcamp y Spotify, disfrutar de sus videoclips en su canal de YouTube y también puedes seguirla en Instagram.